Cette recherche a pour but de comprendre comment certains danseurs-créateurs peuvent se distinguer par rapport aux pratiques dominantes de la danse contemporaine. Pour en rendre compte, j'analyse la pratique artistique de trois danseurs-créateurs: Andrew de Lotbinière Harwood, Lin Snelling et Pamela Newell. J'ai observé leurs processus de création et leurs spectacles au cours de l'automne-hiver 2006-2007 à Montréal. Les cinq créations analysées dans cette étude se nourrissent de la performance, de l'interdisciplinarité, de la collaboration, et surtout de l'improvisation en danse. Cette thèse présente un examen de pratiques soutenu par un certain nombre de livres et d'articles dans le domaine des arts, du théâtre et de la danse. Toutefois, les sociologies du corps et plus spécifiquement l'appareillage conceptuel de Pierre Bourdieu m'offrent des voies afin de scruter sous cet angle les pratiques des trois danseurs-créateurs, angle qui vient enrichir mon expérience et ma formation en art en tant qu'artiste et enseignante. Afin d'atteindre mon objectif de recherche. je m'inspire d'une approche ethnographique comme méthodologie, et de l'étude de cas comme démarche. Les données ont été essentiellement collectées à travers des observations, des entretiens, des enregistrements vidéo et divers documents tels des programmes de spectacle, des coupures de presse, ainsi que des articles et des ouvrages spécialisés en danse contemporaine. Pour l'analyse et l'interprétation des données, je m'inspire des principes de Paillé (1994), qui propose une théorisation ancrée construite, entre autres, par le biais de la comparaison entre la théorisation en construction et la réalité empirique. Une analyse thématique et son interprétation ont été accomplies en gardant un contact permanent entre les données brutes et le cadre théorique. Dans les pratiques des trois danseurs-créateurs analysées, l'improvisation sur scène proche des techniques somatiques a une importance fondamentale et résulte de certains aspects récurrents telles que la réduction de la valorisation des mouvements virtuoses et la recherche d'un rôle plus actif pour le spectateur. En outre, les aspects de collaboration rencontrés dans des créations offrent une alternative face au binôme chorégraphe-interprète, valorisant de cette façon le danseur en tant que créateur, capital symbolique primordial dans le champ de la danse. L'interdisciplinarité offre également des voies de création pour un renouvellement de la notion de chorégraphie, non seulement comme art de composition du mouvement, mais aussi comme art qui intègre d'autres éléments et langages. Ces caractéristiques suggèrent l'évolution, le dynamisme et les modifications en ce qui concerne l'habitus du danseur au sein de la danse contemporaine. Face aux pratiques dominantes qui privilégient un rapport instrumental du corps, les pratiques analysées des trois études de cas proposent des échanges, perceptions et gestions des créations renouvelées ainsi que de nouvelles sociabilités en danse contemporaine qui résultent en un rapport au corps plus réceptif, interactif et participatif. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Danse contemporaine, Pratiques dominantes en danse, Processus de création, Danseur-créateur, Improvisation, Champ, Capital, Habitus.

La prémisse sur laquelle s'appuie ma recherche-création doctorale est que les technologies de capture du mouvement ont permis l'émergence d'une nouvelle forme de danse : la « danse sans corps ». Dès le départ, cet énoncé, qui apparaît contenir un paradoxe ou même une aberration, soulève de multiples questions que j'aborde tout au long de cette thèse de façon empirique, m'attachant à relever dans ma pratique créatrice les éléments qui pourraient apporter des bases de réponses ou une contribution utile à ceux, chorégraphes, enseignants, chercheurs, danseurs, analystes du mouvement, notateurs et autres, qui questionnent ou simplement s'intéressent à la danse dans son rapport aux technologies. Ma démarche artistique repose sur cette hypothèse qu'il existe des espaces infochorégraphiques pour une « danse sans corps ».C'est par l'observation critique du parcours de création que j'ai vécu pendant ces nombreuses années, par un aller-retour constant entre théories et pratiques que je situerai mon propre travail d'artiste et que j'établirai la validité de cette assertion. Les technologies de capture du mouvement sont au cœur de cette thèse. Comment elles constituent aujourd'hui un outil privilégié de médiation de la danse ouvre un questionnement sur la place qu'elles pourraient occuper dans le champ de la création chorégraphique actuelle. Les technologies numériques de l'information et de la communication en général, et celles de capture du mouvement en particulier, ont en effet connu durant la dernière décennie du XXe siècle et depuis l'entrée dans le XXIe, une progression remarquable. Les prouesses techniques qu'elles proposent aujourd'hui en matière d'enregistrement, de montage et d'effets spéciaux, assorties d'une miniaturisation qui les a considérablement coupées de leur lourdeur tant matérielle que d'opération, sont à ce point attirantes et accessibles que leur usage a connu une croissance phénoménale jusque dans le grand public. Chez les artistes, dans les faits, les NTIC se sont mutées en technologies médiatiques qui pourraient être qualifiées de Nouvelles Technologies de l'Imaginaire et de la Création. Dans ces expressions artistiques inédites que ces technologies permettent de faire naître dans le cyberespace, la danse a elle aussi trouvé un créneau. Elle s'y frotte à des techniques, des pratiques et des processus inusités, mais désormais inévitables. La création, en effet, s'y fait de façon partagée, collaborative, entre divers acteurs artistes, scientifiques, ingénieurs, techniciens, dont chacun, possédant une partie intrinsèque du processus de production, se révèle indispensable à la concrétisation de l'œuvre. Au-delà d'un changement de paradigme dans l'écriture chorégraphique, la « danse sans corps » tient également d'un changement de paradigme dans sa production. Cette thèse permettra de faire connaissance avec quelques-uns des principaux artistes qui procèdent d'une hybridation de la danse et des NTIC. Mais avant tout, elle a pour objet d'investiguer les concepts artistiques, les notions théoriques, pratiques et les technologies que la mise en œuvre de mes créations soulève et leurs liens respectifs afin d'en retirer des informations, sinon des enseignements, qui contribueront à permettre de répondre aux questions soulevées et ce faisant, de favoriser l'identification et la compréhension des multiples enjeux d'une telle pratique interdisciplinaire. Je décrirai dans un ordre chronologique les diverses œuvres que j'ai réalisées au cours des quarante années où j'ai cherché à définir de nouveaux territoires et d'autres expressions pour ma danse d'écran. Je m'attarderai sur celles qui constituent la partie création de ma recherche doctorale : Tabula rasa : la suite, NoBody danse : le prototype et NoBody danse : les photos, et tout particulièrement les deux premières. Je ferai ainsi part des découvertes que cette activité créatrice de longue haleine m'a permis de faire et de définir, m'attardant sur celles, les plus significatives, qui en sont l'aboutissement actuel : la signature kinésique des danseurs et, bien sûr, la danse sans corps. Je terminerai enfin en traitant de la chaîne de liens théorie-pratique qui s'est établie à travers ces divers moments d'engagement dans la création. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : danse, corps, danse sans corps, capture du mouvement, animation 3D, infochorégraphie, particules, technochorégraphie, danse numérique, écriture chorégraphique, traitement de geste.

Diss.--Stuttgart, 1999. / Bibliogr. p. 408-420. Index.

Le rituel de l'offrande domestique, petite cérémonie intégrée aux activités quotidiennes de la quasi-totalité des familles balinaises permet, par une analyse approfondie puis une mise en rapport avec d'autres niveaux, rituels et non-rituel, de la culture balinaise, d'éclairer certains principes structurants les rites balinais. L'espace domestique balinais est une unité fortement structurée par des principes déterminant la culture balinaise et c'est un noeud essentiel de leur transmission et maintien. La tournée d'offrandes quotidienne y met en valeur une série d'éléments en créant une atmosphère spécifique qui présuppose l'attention d'une entité invisible. Sur cette pratique ininterrompue viennent s'ajouter des rites ponctuels. Une partie essentielle de ce qui fait la culture balinaise est ancrée dans l'espace domestique et rappelé par les offrandes au quotidien. C'est la cas des principes hiérarchiques cruciaux que sont l'oppositions haut/bas et les directions cardinales hiérarchisées, qui se reflètent même dans les pratiques non rituelles comme l'orientation ou la direction du sommeil. L'homologie entre microcosme du corps et macrocosme de Bali passe par le microcosme de l'espace domestique. Le principe d'ancestralité, socle de l'appartenance à toute une série de groupes sociaux et à l'île de Bali est ancré par l'autel des ancêtres, et la relation émotionnelle aux défunts y est intégrée par des rituels funéraires complexes. Le style esthétique et la structure des offrandes balinaises et de la danse se retrouvent dès les petites offrandes canang déposées. Cette exploration révèle une vie rituelle d'une richesse et complexité fascinantes ancrées dans des espaces domestiques urbains abritant des personnes respectables n'étant pas des professionnels de la religion. / The daily offering ritual, small ceremony integrated into the daily lives of most Balinese families, by its thorough analysis and comparison with other ritual and non-ritual levels of Balinese culture, helps shed light on some basic structuring principles of Balinese ritual life. The Balinese domestic space is a structured unit strongly determined by Balinese culture's essential principles, and it is also the knot that unites these principles and hence allows their transmission and maintenance. The daily domestic offerings create a specific atmosphere that presupposes the attention of invisible entities. An essential part of what constitutes Balinese culture is anchored into the domestic unit, and brought into attention by daily rituals. It is the case with the crucial hierarchical oppositions of high and low and the hierarchised cardinal directions, that are reflected even in non-ritual practice like daily orientation or the direction people turn when sleeping. The homology between the microcosm of the body and the microcosm of Bali or the Universe is mediated through the microcosm of the domestic space. The principle of ancestrality, the base through which Balinese are connected with a large series of social groups and even to the island, this principle is also anchored into the domestic space through the ancestor shrine, and the emotional bond connecting with the deceased ones is also integrated to it through complex funeral rituals. The aesthetic style and the structure of the offerings is there from the smallest canang offering, as is there the principle that leads to dance in larger ceremonies. This exploration reveals an incredibly rich and complex ritual life lead by ordinary respectable people who are not professionals in religion.

Cette thèse s’intéresse à la danse dabka, l’expression musico-chorégraphique la plus importante du paysage musical au Liban. Il s’agit d’analyser la dabka dans l’unité de son aspect musico-chorégraphique ; la danse étant analysée dans son lien avec la musique. Une autre dimension s’ajoute à cet aspect, il s’agit de l’aspect anthropologique de la dabka, la dabka en tant que manifestation sociale au Liban.Un choix méthodologique des enregistrements du terrain qui a duré pendant plus qu’une année au Liban, a permis de confronter les confirmations à priori de ce même terrain avec les résultats des analyses faites au cours de cette thèse pour les composantes ethnomusicologique et ethnochoréologique. / This thesis focuses on the dance dabka, the most important musico-choreographic expression of the musical landscape in Lebanon. The dabka is analyzed from a unified musico-choreographic standpoint where the dance is investigated in connection with music. The anthropological aspect is also considered, where the dabka is viewed as a social manifestation in Lebanon. A methodical selection of recordings, collected over a period of time of more than one year in Lebanon, allowed subjecting common beliefs to scientific scrutiny focusing on ethnomusicological and ethnochoreological aspects.

Doctorat en sciences psychologiques / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Ce travail de recherche a pour objectif de mettre en avant la rencontre cinéma-danse à partir d'une libération des soubassements métaphysiques de l'art, ce faisant un instrument de médiation d'un ordre supérieur à l'artiste dont l'activité se réglait à la lumière d'un idéal éthico-politique, source d'inspiration du thème de l'ailleurs. Le cinéma est ce nouvel espace où la danse s'invente un autre corps en dehors d'une réglementation des pratiques et des usages, d'une pédagogie par le biais de laquelle les affections du corps étaient corrigées en miroir des œuvres de l'esprit. Le fait que le cinéma soit apparu à un moment de réhabilitation de la valeur philosophique du sensible le rend complice d'une danse cherchant à accroître son expérience du mouvement et à s'affranchir des limites de la représentation classique. C'est cette complicité à l'égard d'une attitude en commun qui ressort des divers aspects que soulève la problématique de la danse contemporaine à l'épreuve du cinéma et de la vidéo. / This research work bas for objective to put forward the meeting cinema-dance from a liberation of the metaphysical bases of the art, making it an instrument of mediation of an order upper to the artist whose activity adjusted in the light of an ethical and political ideal, a source of inspiration of the theme of somewhere else. The cinema is this new space where the dance in vents another body except a regulations of the practices and the uses, the pedagogy by means of which the affections of the body were corrected in mirror of the works of the spirit. The fact that the cinema appeared at a moment of rehabilitation of the philosophic value of the sensitive makes it collusive in a dance trying to increase its experience of the movement and to free itself from limits of the classic representation. It is this complicity towards an attitude in common that takes out a gain diverse aspects which lifts the problem of the contemporary dance in the event of the cinema and the video.

Dans l’actuel Programme de formation au primaire (Gouvernement du Québec, 2001), la danse est définie comme une forme d’art fondée sur la création, l’interprétation et l’appréciation chorégraphique. Il s’agit de trois compétences artistiques qui contribuent à l’atteinte des visées d’éducation artistique, esthétique et culturelle que l’école québécoise s’est données au cours de la réforme de l’éducation des années 2000. La présente thèse vise à comprendre comment se développent les pratiques effectives de transposition didactique à la lumière des savoirs prescrits dans le programme de danse au primaire. La notion de transposition didactique (Chevallard, 1985/1991) sert de principale assise conceptuelle pour éclairer la compréhension des modes de transmission des savoirs dans la planification de situations d’apprentissage et d’évaluation (SAÉ) ainsi que dans l’enseignement de la danse. Une enquête socio-anthropologique (Olivier de Sardan, 2008) a été menée auprès de cinq enseignantes au moyen de quatre méthodes de production de données qualitatives (collecte de documents, entretien biographique (Demazière, 2003), entretien d’explicitation (Vermersch, 2006) et observation des pratiques). L’analyse des données, à l’aide de la méthode par catégories conceptualisantes (Paillé et Mucchielli, 2012) s’inscrivant dans la tradition de la grounded theory (Glaser et Strauss, 1967/2010), a permis de cerner des phénomènes transpositifs de diverses natures (processurales, temporelles et procédurales), de décrire des dispositifs didactiques favorisant les apprentissages artistiques (A), esthétiques (E) et culturels (C) ainsi que de développer un modèle théorique complémentaire à celui de Chevallard. Ce modèle illustre un mouvement d’alternance entre deux types de dialogue didactique (DD) : l’un intérieur, l’autre interactif. À la croisée de ce mouvement dialogique s’opère un processus d’actualisation de la SAÉ se déroulant selon trois phases didactiques (conceptualisation de la proposition dansée, mise en forme de la SAÉ et élaboration du scénario d’évaluation). La théorisation des pratiques effectives de transposition didactique propose des retombées dans la formation initiale et continue à l’enseignement de la danse, lesquelles peuvent profiter à d’autres disciplines scolaires de nature praxique.

Cette recherche s'inscrit dans le champ de la didactique de l'anglais et s'appuie sur une approche énactive qui met en résonance deux cadres théoriques : la phonologie anglaise et la théorie du mouvement (Laban). Le but est de définir en quoi une approche corporelle facilite l'apprentissage du rythme de l'anglais oral. L'hypothèse principale de recherche avance l'idée que, en revisitant les rythmes fondateurs incorporés depuis la naissance, l'acquisition du rythme en anglais pour l'élève de collège français peut être stimulé par : - Un apprentissage corporel basé sur le geste comme point d'appui à l'accentuation. - Un apprentissage spécifique de l'accentuation centré sur le phénomène de battement rythmique alternance des formes pleines et formes désaccentuées, ou réduites), le groupe rythmique, l'intensité et la i auteur. Trois phases d'expérimentation ont été conduites. La première phase exploratoire a permis de délimiter le cadre des seconde et troisième phases quasi-expérimentales. Les expérimentations ontété menées en classes de 4ème de collège entre septembre 2012 et mai 2013, et mettent également à jour les effets d'une pédagogie énactive sur la motivation des élèves. La première partie de la thèse explore un cadre théorique transdisciplinaire (théorie de l'énaction, théorie du mouvement, phonologie de la langue anglaise) et met en oeuvre ces théories par une démarche didactique basée sur l'expression dramatique. La seconde partie traite des questions méthodologiques : les étapes du processus de recherche, la transposition didactique, le protocole quasi-expérimental. Les résultats de l'analyse des données des deux phases d'expérimentation sont explicités dans la troisième partie. La conclusion propose une synthèse et une discussion des résultats, ainsi que des perspectives de recherche et d'implications pédagogiques pour l'utilisation du geste dans l'apprentissage de l'anglais oral. / This research undertaken in the field of TEFL (teaching English as a foreign language) is based on an inactive approach which draws on two theoretical frameworks : English phonology and Laban's theory of rnovement. The aim of the research is to look at how a physical approach to the study of English pronunciation facilitates the learning of the rhythm of spoken English. The central hypothesis is that by tapping into the learner's founding rhythms incorporated since birth, the acquisition of English rhythm can be facilitated for the French junior high school student by : - a physical approach to learning which uses gesture as the main support for accentuation - a specific approach to learning accentuation focused on the phenomenon of rhythmic beats (alternating full and reduced forms), rhythmic groups, intensity and pitch. The experiments which were conducted in classes of 8th-graders in France between September 2012 and May 2013 also highlight the effects of an enactive teaching style on student motivation. The first part of the dissertation explores an interdisciplinary theoretical framework consisting of enaction theory, Laban's theory of movement, and a teaching method based on drama. The second part deals with methodological issues such as the stages of the research, didactic transposition, and the quasi-experimental protocol. The results of the data analysis from two experimental phases are presented in the third part. The conclusion provides a synthesis and discussion of the results while suggesting prospects for future research as well as pedagogical implications for the use of gesture in the teaching of spoken English.

La présente étude s’établit dans le but d’approfondir compréhensions de la relation entre dynamiques de création de territoires politiques et la création de langages artistiques, à partir de l’analyse de l’oeuvre de Tatsumi Hijikata.Les questions centrales de ce travail émergent d’un parcours d’étude interdisciplinaire qu’implique fondements de la philosophie, esthétique, phénoménologie et sémiotique. Parmi les auteurs étudiés figurent principalement Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin et Greiner.Tout en se basant dans les concepts de déterritorialisation et reterritorialisation de Deleuze et Guattari, l’hypothèse est que devant un type de déterritorialisation que met un groupe de sujets dans une situation brusque de changement de contexte, il y aurait une conséquente reterritorialisation. Entre autres formes cette reterritorialisation pourrait se manifester à partir d’une insurrection des subjectivités vers le monde. Cette insurrection, dans certains cas, serait établie à travers l’actualisation de territoires esthétiques.Une fois ces manifestations partagées avec le public, il y aurait l’insurrection d’un nouveau territoire esthétique. Cette idée de territoire esthétique nous la développons pour nous aider dans l’évolution de la pensée de cette étude.A travers le butô et une vaste production écrite, Hijikata remet en question le concept du corps et la fonction de l’art, d’une manière qui semble confluer dans plusieurs aspects avec concepts crées et/ou développés par Deleuze et Guattari, relativement à la même époque. Concepts comme le corps sans organes, le devenir, et le plan d’immanence, sont mis en analyse dans le parcours de cette étude, avec les propositions développées par Hijikata.Au-delà des résonances esthétiques d’une période de crise dans une culture, ce que nous analysons sont des possibles échos dans le panorama politique à long terme, provoqués à partir d’expériences esthétiques. / The present study comes with the intention of deepening understandings of relations between political dynamics of territorial creation and the creation of artistic languages, from the analysis of the Tatsumi Hijikata’s work.The central question of our work come into sight through an interdisciplinary study that implicates foundations of philosophy, aesthetics, phenomenology and semiotics. Among the studied authors represent mainly Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin and Greiner.Based in concepts of deterritorialisation and reterritorialisation of Deleuze and Guattari, our hypothesis is that in front of a type of deterritorialisation, which puts a group of people in an abrupt changing contexts situation, there would be a consequent reterritorialisation. Between other forms this reterritorialisation could manifest itself through the insurrection of subjectivities towards the world. This insurrection, in certain cases, would be established through the actualisation of aesthetic territories.When these manifestations are shared with public, it would be as if the insurrection of a new aesthetic territory comes to light. This idea, of an aesthetics territory, we developed during this study, to help with our thought’s évolution.Through butô and a large written production, Hijikata questions the concept of the body, and the functions of art, in a way which seems to meet in a several ways with concepts created and/or developed by Deleuze and Guattari, relatively at the same epoch. Concepts as body without organs, devenir, and immanence plan, are brought into analysis in the course of this study, with proposals developed by Hijikata.Beyond the resonances of a period of crisis in a culture, what we want to analyse is possible resonances into political panorama in long term, provoked by aesthetics experiments. / O presente estudo surge com a intenção de aprofundar compreensões da relação entre dinâmicas de criação de territórios politicos e a criação de linguagens artísticas, à partir da análise da obra de Tatsumi Hijikata.As questões centrais deste trabalho surgem de um percurso de estudo interdisciplinar que implica fundamentos da filosofia, estética, fenomenologia e semiotica. Entre os autores estudados figuram principalmente Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin e Greiner.Baseando-se nos conceitos de desterritorialização e reterritorialização de Deleuze e Guattari, nossa hipótese é de que em frente a um tipo de déterritorialização que coloca um grupo de sujeitos em uma situação brusca da modificação de contexto, haveria uma consequente reterritorialização. Entre outras formas, essa reterritorialização pode se manifestar através de uma insurreição da subjetividade em relação ao mundo. Esta insurreição, em certos casos, seria estabelecida por meio da atualização de territórios estéticos.Uma vez ques estas manifestações são compartilhadas com o público, haveria uma insurreição de um novo território estético. Este conceito, nos o desensoveremos para nos ajudar na evolução do pensamento deste estudo.Através do butô e de uma grande produção escrita, Hijikata problematisa o conceito do corpo, e a função da arte, de uma maneira que parece confluir em vários aspectos com conceitos criados e/ou desenvolvidos por Deleuze e Guattari, relativamente à mesma época. Conceitos como o corpo sem órgãos, o devir, e plano de imanência, são colocados em análise com propostas desenvolvidas por Hijikata no decorrer deste estudo.Além das ressonâncias estéticas de um período de crise em uma cultura, o que analisamos é a possível ressonância no panorama político à longo prazo, produzida à partir de experiências estéticas.