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Entre o corpo da obra e o corpo do observadorCoelho, Ricardo [UNESP] 31 August 2015 (has links) (PDF)
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000853009.pdf: 85764603 bytes, checksum: defa6687684bd8e63b3bcc325361ca7b (MD5) / O corpo humano no Ocidente é, sem dúvida alguma, desde as primeiras manifestações expressivas da humanidade, o tema mais recorrente na história das representações, inclusive no campo privilegiado das artes visuais, no lapso que vai da Grécia no século VI a.C. até a Arte Contemporânea, período abordado de modo sincrônico no presente estudo. Nosso objetivo principal foi a analise das relações que se estabelecem entre o corpo da obra (sempre tomada como representação) e o corpo do observador no momento da fruição estética. Essa relação, inerente ao fenômeno artístico, altera-se a cada contexto em função de uma complexa rede de significações, as quais não se restringem às especificidades das linguagens expressivas. Por isso, foi determinante considerar o fato de que o espaço entre o corpo da obra e o corpo do observador - assim como o espaço que separa o leitor (observador) e o presente texto (obra) nesse momento - também é preenchido virtualmente por suas experiências pessoais e pelas diversas representações que se fazem do corpo no complexo cenário sociocultural. Em outras palavras, além das representações específicas ao campo das artes visuais, foi necessário considerar e abordar algumas das múltiplas dimensões da cultura expressas nas representação sociais, políticas, religiosas, jurídicas, médicas, científicas e sexuais do corpo. Essa decisão se deve ao fato de considerarmos que entre o observador e qualquer obra há um espaço virtual povoado por suas experiências pessoais e pelas demais representações produzidas no universo da cultura. O corpo através de seus sentidos, a obra em sua autonomia e esse espaço carregado de significações deslizantes formam uma orgânica e complexa rede, como se estivéssemos no centro de uma cidade onde interações locais podem levar a uma ordem global mais complexa / Since the first expressive demonstrations of humanity, the human body is certainly the most recurrent subject in the history of representations in the West, from the 6th century B.C in Greece to Contemporary Art, period approached of synchronous mode in this study. Our main objective was to analyze the relations established between the body of the work (always taken as a representation) and the body of the observer at the time of the aesthetic fruition. This relationship inherent to the artistic phenomenon, changes in each context, depending of a complex network of meanings, which are not restricted to the specificities of expressive languages. Therefore, it was important to consider the fact that the space between the body of the work and the body of the observer - as well as the space that separate the reader (observer) and this text (work) at the moment - is also virtually filled by their personal experiences and the several representations, which make the body in the complex sociocultural setting. In other words, more than specific representations of visual arts field, it was necessary to consider and to approach some of the multiple dimensions of culture, expressed in social, political, religious, legal, medical, scientific and sexual representation of the body. This decision is due to our consideration that there is a virtual space inhabited by their personal experiences and by other representations produced in the cultural universe between the observer and any work. The body through its feelings, the work on its autonomy and the space, full of sliding meaning, form an organic and complex network, as if we were the center of a city where local interactions can lead to a more complex global order
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Fonte : corpo, água e luz /Peres, Carolina, 1977- January 2015 (has links)
Orientador: Milton Terumitsu Sogabe / Banca: Antonio José Saggese / Banca: Cecília Almeida Salles / Resumo: Esta pesquisa surge da reflexão sobre uma experiência pessoal em fotografia baseada no uso de duas câmeras fotográficas diferentes. As características destes aparatos, impressas na imagem, gerou um questionamento o qual serviu de motivação ao aprofundamento no tema do dispositivo fotográfico e da poética da imagem. A pesquisa se desenvolve pela via teórico-prática, sendo que é neste contexto que ocorre a criação do trabalho fotográfico "Fonte". As questões referentes ao dispositivo fotográfico, analisadas sob a perspectiva de Vilém Flusser e Gilbert Simondon, servem como fio condutor para uma reflexão do processo criativo, onde se evidenciam elementos como a poética, a relação corporal entre fotógrafo e câmera e a construção de narrativas / Abstract: This research arises from a reflection on a personal photography experience based on using two different cameras. The characteristics of these devices, printed on image, generated a questioning which served as motivation to deepen the theme of the photographic device and poetic of image. The research develops through theoretical and practical way, and it is in this context that takes place the creation of the photographic work "Fonte". The issues related to the photographic device, analyzed from the perspective of Vilém Flusser and Gilbert Simondon, serve as a guide to reflect the creative process, to make evident elements like poetic, body relationship between photographer and camera and the construction of narratives / Mestre
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A figura humana no cinema: matéria, desejo e comunidade / -Edson Pereira da Costa Júnior 25 May 2018 (has links)
O corpo no cinema está associado a uma ausência. A imagem apresenta um ser humano filmado em outro espaço, outro tempo. O contraste evidente é com o teatro, a dança e a performance, artes nas quais o espectador geralmente está diante de um corpo físico. Surge, então, um questionamento: seria possível, e em que termos, falar de uma materialidade da figura humana cinematográfica? A tese esboça uma resposta ao investigar os modos de presença do corpo, com ênfase em sua forma plástica, seu desejo e sua dimensão coletiva. O debate tem como eixo filmes de Philippe Grandrieux, Tsai Ming-liang, João Pedro Rodrigues, Claire Denis e Pedro Costa. A obra destes realizadores é discutida em cotejo com um heterogêneo repertório iconográfico, sobretudo fílmico e pictórico. A hipótese defendida é a de que a gênese, o significado e a pregnância da figura humana são dependentes de um tipo de circularidade manifesta na imagem cinematográfica, seja por sua natureza plástica, seja pela rede de interação entre corpos, seres inanimados e espaços. / The body in cinema refers to an absence. The image presents a human being filmed in another time, another place. The difference is remarkable in the face of theater, dance and performance, arts in which the spectator is usually in the presence of a physical body. The question that arises is: how it would be possible to speak of a materiality of the cinematographic human figure? In order to answer this question, the thesis investigates modes of body\'s presence, highlighting its plastic shape, desires and collective dimension. The debate is made from films of Philippe Grandrieux, Tsai Ming-liang, João Pedro Rodrigues, Claire Denis and Pedro Costa. The work of these directors is discussed in comparison with an iconographic repertory, especially film and pictorial. The hypothesis defended is that the genesis, meaning and impregnation of the human figure are dependent on a kind of circularity manifest in the cinematographic image by the plasticity or by the interaction between bodies, inanimate beings and spaces.
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Canto como expressão de uma individualidade / Singing as th expression of anindividualityBarros, Maria de Fatima Estelita 23 February 2005 (has links)
Orientador: Sara Pereira Lopes / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-20T01:08:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2012 / Resumo: Este trabalho busca refletir sobre a questão da percepção corporal na formação do cantor e na construção da expressividade na prática do canto. Apoia-se na ideia de que cada corpo carrega sua história e que o canto se faz na materialidade da voz moldada pelos movimentos desse corpo. Procurando resgatar a conexão entre corpo e emoção/pensamento/sentimento, num processo de ampliação da sensibilidade, da motilidade, da escuta do corpo, são associadas práticas em Educação Somática, em particular a Técnica Klauss Vianna, como possível metodologia para "dar um corpo" ao cantor. Busca-se ainda refletir sobre como essa associação pode contribuir para o desenvolvimento de aspectos específicos do trabalho do cantor, como a melhora da técnica, a saúde vocal e o desenvolvimento das capacidades expressivas adotando uma abordagem somática para o trabalho do cantor / Abstract: The objective of this work is to discuss the body awareness in the singer development and the expressivity building in singing. It is based on the idea that each body has its own history and that the act of singing is constructed in the voice materiality shaped by the movements of the body. Some practices in Somatic Education are combined, especially Klauss Vianna Technic, as a methodology to "give a body" to the singer. It aims to rescue the connection between the body and the emotion/thoughts/feelings, in a process that broads the sensibility, the motility and the "body hearing". Additionally, this thesis intends to discuss how this combination of some practices in Somatic Education can contribute to the development of specific aspects of the singer work, such as the improvement of the technic, vocal health and development of expressive capabilities / Doutorado / Artes Cenicas / Doutor em Artes
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A arte do ator e o ato do afasicoPereira, Jose Amancio Tonezzi Rodrigues 03 August 2018 (has links)
Orientador: Ana Luiza Bustamante Smolka / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-03T15:27:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2003 / Mestrado
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Indicadores emocionales del test de la figura humana, en niños entre 7 y 12 años, diagnosticados con trastorno por déficit de atención con hiperactividadDuarte Soto, Alejandra Javiera, Ferrer Sacristán, María Fernanda 15 April 2005 (has links)
Psicóloga / Actualmente el trastorno por déficit de atención con hiperactividad (TDAH)
es uno de los trastornos más diagnosticados en nuestro país, lo que ha
implicado diversas controversias, debido a un posible sobrediagnóstico,
respecto a la efectividad del diagnóstico y su tratamiento (Guajardo 2000).
Por otra parte, el test dibujo de la figura humana (DFH) es una de las
pruebas gráficas mayormente utilizadas en niños para detectar diversos
tipos de patologías y dificultades tanto a nivel cognitivo, como emocional e
interpersonal (Weinstein, 2003).
Sin embargo, en Chile no se han realizado investigaciones respecto a su
utilidad y sus alcances, lo que conlleva a que psicólogos clínicos mal
utilicen, o simplemente no utilicen, un instrumento que podría aportar
nuevos elementos para el diagnóstico.
Elizabeth Koppitz introduce una nueva forma de análisis de dicha prueba, a
través de lo que ha denominado “indicadores emocionales”. La autora
postula que a través de la interpretación del significado de los indicadores
emocionales presentes en los dibujos de la figura humana, el clínico puede
acceder a información objetiva de los posibles desórdenes emocionales que
el niño presente.
Debido a la gran relevancia que adquieren actualmente en la psicología
clínica estos temas, las autoras elaboraron una investigación que tuvo por
objetivo comprobar la existencia de ciertos indicadores emocionales en una
muestra de niños con TDAH, detectados a través del dibujo de la figura humana, para posteriormente comparar estos resultados con un grupo, cuya
única diferencia con el primero fuese la ausencia tanto de TDAH como de
cualquier otro trastorno psicológico.
De esta manera se pretendió lograr un aporte para la psicología clínica
entregando nuevos elementos para la caracterización, detección y
diagnóstico del TDAH, para una mejor comprensión e interpretación del
DFH y principalmente para el estudio de los indicadores emocionales en los
niños chilenos.
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La figura humana voladora en la Edad Moderna. Expresión de su movimiento en la plástica italianaPeris Medina, Mercedes Consuelo 25 January 2016 (has links)
[EN] The flight of the flying human figure must be situated, because of its abundance and dynamic particularities, in the art of the Modern Age, especially in the Italian art. In a context in which modern physics are calling into question the validity of the previous Aristotelian theories, and flying machines (which have a fantastic aspect in the literature) are invented, visual art develops a flight free from all the earthly obstacles that prevent the man from elevating. In this work we have inquired about the configuration of the flying human figure in the visual depiction (mainly Italian) from the XV century until the first half of the XVIII century, about the process of creation that allows to picture this movement which does not exist in external reality, about the visual resources involved in its expression, and about how the expression of flight evolves along this period.
The flight of the aerial figures is an invention, in real life there is no actual reference of this kind of movement. In spite of its connection to flight, floatation, and weightlessness, it is not fully identifiable with neither of these dynamic phenomena. The mobile possibilities that flying figures exhibit support the idea that this kind of movement is detached from the everyday action of human beings: total freedom of trajectories which contradicts physical reality, elasticity and flexibility, constant movement, and changes in the nature and substance; moreover, it is a movement that appears to occur in a specific space-time. Its dynamism is attractive because of its visual character and also because of the ideas it conveys, which reveal a connection with the ideas in angelology and classic mythology.
In the expression of flight within each artistic style, the taste and interests of the time are manifested. During the Quattrocento the change takes place, and the most significant features that are developed later appear in that moment. The presence of flying figures becomes progressively more abundant, mainly with the depictions of putti and cherubim. Also, from the XVI century onwards, the symbolism of flight as an approach to the spiritual world and physical emancipation becomes settled. In the final stage of this period, during the Rococo, flight becomes less abundant, and the visual complexity it had reached in previous stages is simplified and becomes subtler.
The creative process to represent flight is based on intuition as a generator of internal and sensory experiences, visual memory and invention; from all these we find, under different terminologies, evidence in the texts of the Modern Age. Moreover, the use of visual information from different real actions (both in moving and static objects) and its transformation reveals itself in numerous pieces, especially in sketches.
The dynamic resources of the artistic language are used to transmit the mobile characteristic of flying figures, mainly by stressing its dynamism, and prolonging the art work observation time. In ceiling pictures, these resources concentrate in the expressive use of the space of representation, and, frequently, in generating the sensation that the flying figures are part of the material reality of the spectator, merging the real and the fantasy world through both the symbolism and the material elements involved.
The floating figure of the human figure cannot be dissociated from the Italian cultural context in the Modern Age, and to a great extent our knowledge of flight is defined by the art works coming from this period. / [ES] El vuelo de la figura humana se localiza, por sus particularidades dinámicas y abundancia, en el arte de la Edad Moderna, especialmente en el arte italiano. En un contexto en el que la Física cuestiona las teorías aristotélicas y se inventan máquinas voladoras (que tienen una faceta fantástica en la literatura), el arte plástico desarrolla un vuelo libre de todos los obstáculos terrenales que impiden al hombre elevarse. En este trabajo nos preguntamos cómo ha sido configurado el vuelo de la figura humana en la plástica (principalmente la italiana) desde el siglo XV hasta la mitad del siglo XVIII, cuál es el proceso de creación que permite dar imagen a este movimiento que no existe en la realidad externa, qué recursos plásticos participan en su expresión y cómo evoluciona la expresión del vuelo a lo largo de este periodo.
El vuelo de la figura humana es una invención, en la vida material no existe un referente real de este movimiento. A pesar de su conexión con el vuelo, la flotación y la ingravidez, no es identificable plenamente con ninguno de estos fenómenos dinámicos. Las posibilidades móviles que exhiben las figuras voladoras apoyan la idea de que su movimiento está alejado de las acciones cotidianas del ser humano: libertad total de trayectorias que contradice la realidad física, elasticidad y flexibilidad, movimiento constante y cambios en la naturaleza de su sustancia; además, se trata de un movimiento que parece transcurrir en un espacio-tiempo también específico. Su dinamismo es atractivo por su visualidad y también por las ideas que transmite, las cuales manifiestan una conexión con ideas de la angelología y de la mitología clásica.
En la expresión del vuelo de cada estilo artístico se manifiestan los gustos e intereses del momento. En el Quattrocento tiene lugar el momento de cambio y surgen las características más significativas, que posteriormente se desarrollan. La presencia de figuras voladoras es progresivamente más abundante, sobre todo las representaciones de putti y querubines. Asimismo, desde el siglo XVI se consolida el simbolismo del vuelo como acercamiento al mundo espiritual y a la liberación física. En la fase final de este periodo, durante el Rococó, el vuelo es menos abundante, y la complejidad visual que había alcanzado se simplifica y serena.
El proceso creativo para representar el vuelo se basa en la intuición como generadora de experiencias internas y sensoriales, la memoria visual y la invención; de todo ello encontramos, bajo otros términos, evidencias en los textos de la Edad Moderna. Además, el uso de información visual a partir de diversas acciones reales (tanto con modelos en movimiento como estáticos) y su transformación se trasluce en numerosas obras, especialmente en dibujos preparatorios.
Los recursos dinámicos del lenguaje plástico se orientan a transmitir las características móviles de las figuras voladoras, principalmente acentuando su dinamismo y prolongando el tiempo de observación de la obra. En las pinturas cenitales, estos recursos se centran en el uso expresivo del espacio de representación, y con frecuencia, en generar la sensación de que las figuras voladoras forman parte de la realidad material del espectador, fusionando el mundo real y el de la fantasía, tanto a través del simbolismo como de la materia.
El movimiento flotante de la figura humana no puede desligarse del contexto cultural italiano de la Edad Moderna, y en gran medida nuestro conocimiento del vuelo está definido por las representaciones de esta época. / [CAT] El vol de la figura humana es localitza, per les seues particularitats dinàmiques i abundància, en l'art de l'Edat Moderna, especialment en l'art italià. En un context en el qual la Física qüestiona les teories aristotèliques i s'inventen màquines voladores (que tenen una faceta fantàstica en la literatura), l'art plàstic desenvolupa un vol lliure de tots els obstacles terrenals que impedeixen a l'home elevar-se. En aquest treball ens preguntem com ha sigut configurat el vol de la figura humana en la plàstica (principalment la italiana) des del segle XV fins a la meitat del segle XVIII, quin és el procés de creació que permet donar imatge a aquest moviment que no existeix en la realitat externa, quins recursos plàstics participen en la seua expressió i com evoluciona l'expressió del vol al llarg d'aquest període.
El vol de la figura humana és una invenció, en la vida material no existeix un referent real d'aquest moviment. Malgrat la seua connexió amb el vol, la flotació i la ingravitació, no és identificable plenament amb cap d'aquests fenòmens dinàmics. Les possibilitats mòbils que exhibeixen les figures voladores recolzen la idea que el seu moviment està allunyat de les accions quotidianes de l'ésser humà: llibertat total de trajectòries que contradiu la realitat física, elasticitat i flexibilitat, moviment constant i canvis en la naturalesa de la seua substància; a més, es tracta d'un moviment que sembla transcórrer en un espai-temps també específic. El seu dinamisme és atractiu per la seua visualitat i també per les idees que transmet, les quals manifesten una connexió amb idees de la angelologia i de la mitologia clàssica.
En l'expressió del vol de cada estil artístic es manifesten els gustos i interessos del moment. En el Quattrocento té lloc el moment de canvi i sorgeixen les característiques més significatives, que posteriorment es desenvolupen. La presència de figures voladores és progressivament més abundant, sobretot les representacions de putti i querubins. Així mateix, des del segle XVI es consolida el simbolisme del vol com a acostament al món espiritual i a l'alliberament físic. En la fase final d'aquest període, durant el Rococó, el vol és menys abundant, i la complexitat visual que havia aconseguit se simplifica i serena.
El procés creatiu per a representar el vol es basa en la intuïció com a generadora d'experiències internes i sensorials, la memòria visual i la invenció; de tot açò trobem, sota altres termes, evidències en els textos de l'Edat Moderna. A més, l'ús d'informació visual a partir de diverses accions reals (tant amb models en moviment com a estàtics) i la seua transformació es reconeix en nombroses obres, especialment en dibuixos preparatoris.
Els recursos dinàmics del llenguatge plàstic s'orienten a transmetre les característiques mòbils de les figures voladores, principalment accentuant el seu dinamisme i perllongant el temps d'observació de l'obra. En les pintures zenitals, aquests recursos se centren en l'ús expressiu de l'espai de representació, i amb freqüència, a generar la sensació de que les figures voladores formen part de la realitat material de l'espectador, fusionant el món real i el de la fantasia, tant a través del simbolisme com de la matèria.
El moviment flotant de la figura humana no pot deslligar-se del context cultural italià de l'Edat Moderna, i en gran manera el nostre coneixement del vol està definit per les representacions d'aquesta època. / Peris Medina, MC. (2016). La figura humana voladora en la Edad Moderna. Expresión de su movimiento en la plástica italiana [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/60153 / TESIS
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El canon de la figura humana mochica en pintura de línea fina en cerámica botella gollete asa estribo fase IV, en la colección del Museo Arqueológico Rafael Larco HerreraCáceres De la Cruz, Marcel Hector January 2016 (has links)
Determina las características plásticas de la figura humana mochica para proponer la existencia de un canon en la pintura de línea fina representada en botella gollete asa estribo estilo mochica fase IV con piezas del Museo Arqueológico Rafael Larco Herrera. Esclarece el contexto histórico artístico en el que se desarrolla la pintura de línea fina sobre cerámica botella gollete asa estribo en el que se representa la figura humana. Establece tipologías para clasificar la figura humana representada en la pintura de línea fina de la cerámica mochica fase IV. Establece un canon a partir de la medición de las figuras humanas representadas en la pintura de línea fina de la cerámica mochica fase IV, en piezas de la colección estudiada.
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Elementos para a compreensão do desenho anatômico: uma metodologia do ensino do desenho dinâmico da figura humana para estudantes de artes visuaisJubran, Alexandre 25 February 2013 (has links)
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Previous issue date: 2013-02-25 / The present work discusses the learning process of free hand drawing and particularly of the human figure drawing and languages and methodologies of that form of expression, and design models aimed at visual arts students. The reading texts related to the design and its meaning, the cognitive aspect and philosophies applied to the study of the figure gives the basis for reading lines of human object, offering a contemporary look to this as a learning experience, coupled
with possible references to understanding of general forms of learning design, as well as its pedagogy. Besides the introduction and endnotes, the dissertation has five parts, dealing with topics such as drawing lines and their historical and contemporary models coexisting, learning through the assimilation of these, and the possible place of technique and
proportions of the design considerations with design pedagogy, the teacher as mediator and systematization of the development process of the author as a teacher of classes drawing freehand. / O presente trabalho discute o processo de aprendizagem do desenho à mão livre e particularmente do desenho da figura humana e as linguagens e metodologias nessa forma de expressão; e modelos de desenho dirigidas a estudantes de artes visuais. A leitura de textos relacionados ao desenho e a seu significado, o aspecto cognitivo e filosofias aplicadas ao estudo da figura dão a base para linhas de leitura do objeto humano, que propõem um olhar contemporâneo para esse aprendizado como experiência pessoal, somada a possíveis referências para a compreensão das formas gerais de aprendizado do desenho, bem como de sua pedagogia. Além da introdução e das notas finais, a dissertação é estruturada em cinco partes, tratando de temas como linhas de desenho e seus modelos históricos e contemporâneos coexistentes; o aprendizado por meio da assimilação destes; e o lugar possível da técnica e das proporções do desenho com considerações sobre a pedagogia do desenho, o professor como mediador e a sistematização do processo de desenvolvimento do autor como professor de turmas de desenho à mão livre.
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A concepção e criação do caractere tridimensional: metodologia da criação e desenvolvimento de personagens tridimensionais para gamesMusarra, Fábio Luiz Livramento Barretto 15 June 2011 (has links)
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Fabio Luiz Livramento Barretto Musarra.pdf: 87891670 bytes, checksum: f4c2fd61c79ce223778948a7cbc9d63e (MD5)
Previous issue date: 2011-06-15 / This research investigates the artistic-ontological fundaments of the Human Figure
conception, choosing its history and describing the thematically evolution which
tangents the human being image conception. Analyzing the evolution process in the
paintings and Greek sculpture, discusses its influences in works from the Masters of the
Renaissance, who are considered as the source of current concepts in the tridimensional
modeling area of the human figure. From this context, the ontological properties are
organized and they regulate the modeling of the human figure inside the digital
environment of the tridimensional modeling software, based in a derivative pragmatic of
a tophilosophical position. Inside this perspective introduces and defines the concept of
the character, establishing it to the methodological process of the tridimensional
modeling of the human figure. As the object of this research, it is dedicated the
sequential and normative exposition of a character modeling, structuring its steps and its
ontological organization from its conceptual properties, showing its connection and
fundament in the tradition of the Renaissance Masters. It is accomplished the
application of the concept of tridimensional modeling of characters in the presentation
of digital artists innovation in the current representation of the human figure, which
suits as a base to the tridimensional to the composition of games and metaverses
characters. It concludes with the exposition and proposal of a pragmatic that can guide
the character modeling to the Digital Design of Interactive Environments / A pesquisa investiga os fundamentos ontológico-artísticos da concepção da Figura
Humana, elencando seu histórico e descrevendo a evolução temática no que tange à
concepção da imagem do ser humano. Analisando o processo evolutivo nas pintura e
escultura gregas, discute sua influência em trabalhos dos Mestres do Renascimento, os
quais são considerados como as fontes dos atuais conceitos na área de modelagem
tridimensional da Figura Humana. A partir deste contexto, organiza as propriedades
ontológicas que regulam o trabalhos de modelagem da figura humana dentro do
ambiente digital do software de modelagem tridimensional, com base em uma
pragmática derivada de uma posição topofilosófica. Dentro dessa perspectiva introduz e
define o conceito de caractere, estabelecendo-o para o processo metodológico da
modelagem tridimensional da Figura Humana. Como objeto modelo da pesquisa,
dedica-se a exposição sequencial e normativa da modelagem de um caractere,
estruturando seus passos e a sua organização ontológica de suas propriedades
conceituais, mostrando seu vínculo e fundamento na tradição dos Mestres do
Renascimento. Realiza a aplicação do conceito de modelagem tridimensional de
caracteres na apresentação das inovações de artistas digitais na representação atual da
figura humana, as quais servem de base para as modelagens tridimensionais para a
composição de personagens nos games e metaversos. Finaliza com a exposição e
proposta de uma pragmática que possa nortear a modelagem de caracteres para o Design
Digital de Ambientes Interativos
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