Pierre II Mignard naquit en Avignon, terre partagée entre papauté et royauté, dans une famille d’artistes. Il fit d’abord son apprentissage de dessinateur, de copiste et de peintre auprès de son père Nicolas, avant de suivre à Paris son oncle Pierre Mignard (dit le Romain). Ce fut dans la capitale que Pierre II fit évoluer son art pictural et architectural. Il partit dans le sud de la France puis en Italie pour lever les beaux monuments antiques avant de revenir en France. Enrichi de ce qu’il avait vu et fait, il devint, en 1671, membre fondateur et Professeur de l’Académie Royale d’Architecture, l’élevant à un art sans fioriture, avec ses propres codes, des lignes pures, simples et modernes. Après plusieurs années dans la capitale, il repartit dans sa ville natale. En Avignon, il fut un architecte et un peintre très prisé, un ingénieur, cartographe, expert,médiateur passionné par son travail. Dernier artiste de génie, il laissa dans cette ville son empreinte moulée d’un art nouveau. Il fit de son style une référence et de son expérience un art. Il bâtit de riches et magnifiques demeures bourgeoises, encore visibles aujourd’hui. Cette architecture épurée plaisait à ses contemporains notables et religieux qui le considéraient comme un créateur de génie. Couronné de gloire par des titres prestigieux tel qu’Architecte du Roi ou Chevalier de l’Ordre du Christ, il fut copié par les artistes de son temps et notamment par son filleul Pierre Thibault, l’architecte Jean Baptiste Franque ou encore le peintre Joseph Péru. Trois siècles plus tard, grâce au talent de Pierre II Mignard, le coeur de la ville d’Avignon, cerné par ses remparts ressemble à un joyau dans son écrin. / Pierre II Mignard born in Avignon, a land divided between papacy and kingdom, in an artist’s family. He was formed to the drawing and the painting in his father’s studio, before he followed his uncle, Pierre Mignard (as the Roman) in Paris. It was in the capital that Pierre II upgraded his pictorial and architectural art. He went to the south of France and in Italia to draw the most beautiful antic monument after to come back in France. Enriched by all he saw and he did, he became, in 1671, a founder member and Professor of the Royal Academy of Architecture, raising it to an art without embellishment, with its owncodes, pure simple and modern lines. After several years in the capital, he came back to his natal city. In Avignon, he was a very appreciated architect and painter, a civil engineer, cartographer, expert, mediator fascinated by its work. Last genius artist, he gave to the city his stamp mould on a new art. He did to his style a reference, and to his experience an art. He built big and gorgeous residence, still visible nowadays. This refined architecture was liked by his notable and religious contemporaries who considered him like a genius creative. Wreathed with glory by prestigious title like Architect of the King or Christ’s Knight, he was reproduced and imitated by artists and notably by his godson Pierre Thibault, the architectJean-Baptiste Franque or the painter Joseph Péru. Three century later, thanks to Pierre II Mignard’s talent, Avignon’s city’s heart, surrounded by its walls look like jewel in his case.

S'appuyant sur une pratique personnelle du dessin, du collage et de la photographie, cette thèse de poïétique explore le thème de l'enfance dans l'art. Conçue comme un " work in progress", elle part d'une recherche sur l'intimité du dessin afin de construire un regard singulier sur : l'exposition de photographies et de vidéographies témoignant de traumas d'enfants. Elle vérifie l'hypothèse selon laquelle l'artiste puise dans sa propre enfance et dans celle des autres afin de conquérir des territoires de créations ignorés, là où prend corps l'altérité intime. La première partie analyse notamment les œuvres de Louise Bourgeois, Mike Kelley et Rosemarie Trockel, pour comprendre comment leurs processus créateurs réactivent l'espace transitionnel et ses phénomènes en nous immergeant dans des souvenirs d'enfances perdus. Dans une deuxième partie, c'est la transfiguration et l'altération radicale des visages d'enfants photographiés par Diane Arbus, Lewis Hine, Sebastiâo Salgado, ou filmés par Gillian Wearing qui sont interrogées. La réflexion se poursuit autour d'enjeux esthétiques et politiques liés à l'utilisation de ces images par des artistes tels que Mathieu Pemot et Catherine Poncin. Enfin, la troisième partie est centrée sur l'œuvre de Gerhard Richter traitant du transfert en tant que processus permettant d'actualiser, par la répétition, les événements passés qui le hantent. Le faire-œuvre qui en témoigne fait corps, devenant ainsi capable de figer ces blessures. Notre thèse, c'est que l'expérience d'un« absorbement » total dans ces œuvres nous incluant et nous excluant simultanément permet à l'artiste et au regardeur de reconnaître l'histoire des autres en lui. / Relying on personal experience in drawing, collage and photography, this thesis on poiesis explores the subject of childhood in Art. Designed as a work in progress, it stems from the intimacy of drawing and aims at constructing a singular outlook from the display of photography and films depicting childhood trauma. It verifies the hypothesis stating that the artist peers into his own childhood and that of others in order to conquer creative fields hitherto ignored, at the threshold of the intimate other. The first section scrutinizes the works of Louis Bourgeois, Mike Kelley and Rosemarie Trockel striving to understand how their creative processes reactivate transitional space -and its associated phenomena- by immersing us in distant recollections of childhood. The second section questions the transfiguration and the dramatic alteration of children's faces filmed and photographed by Diane Arbus, Lewis Hine, Sebastiâo Salgado and Gillian Wearing. The thesis then pursues on to evaluate the aesthetic and political stakes bound to the use of these images by artists, the likes of Mathieu Pemot and Catherine Poncin. Ultimately, the third part is centred on the work of Gerhard Richter dealing with transfer as a means of resurfacing -through reiteration- past events that haunt him. The resulting product thus making it possible to set these wounds in stone. Mythesis is that the experience of total absorption/immersion in these works -simultaneously including and excluding us- makes it possible for the artist and the observer to acknowled e the narratives of ethers within themselves.

Cinq thèmes vont servir de support aux exposés. « Le projet autobiographique», « pratique du genre », «La vie « filtrée»» suivra « L'invention de Soi» et pour finir « Ecriture et fiction ». Mes travaux d'études artistiques et intellectuelles ont été pressentis afin de libérer ma mémoire et pouvoir revisiter cette dernière il n'importe quels moments. De la sorte, cette mémoire mise en défaut. Par moment pour des raisons thérapeutiques, s'est trouvé stimulée par mes recherches. En revisitant les travaux que j'ai réalisés, je me suis rendu compte du peu de souvenance de certains faits alors que d'autres sont apparus complètement différents. Réalité proposée ou mensonge avéré lors des photomontages sont dans ma croyance d'une réalité plus réelle que la mienne. L’individualisme sort vainqueur d'un épisode de contradictions générales dans une société en proie à des connivences communautaristes ou des volontés fédératrices. Ma démonstration a apporté la signification que la société est univoque et que l'individu est unique. De ce point de vue, ma sensation d'appartenir à un modèle sociétal disparaît et mon travail fait le sens inverse en m'intégrant dans mon quotidien au mouvement de la société. J'ai conscience que les étapes actuelles peuvent m'être étrangères, que mes préoccupations peuvent m'être tout à fait lointaines, revenant avec l'aide de mes travaux à la perception de mes images construites : l'individuel et le global Ce qui m'intéresse au plus près ressemble plus aux dialogues entre les cultures et aux actions humaines immédiatement comprises. Ces deux éléments comportementaux, apparemment barbares comme deux matières à l'alliance impossible (fer et argile), rendent la situation des consciences contemporaines hétérogènes. Il me faut montrer, exemplifier par mes instincts de photographe que les éléments du quotidien, hétérogènes eux aussi et présents autour de moi, sont la nourriture de mon langage artistique. / Five themes will be used to support presentations. "The autobiographical project," "practice of gender", "Life" filtered "" will be followed by "The Invention of Self' and finally writing and fiction. My work artistic and intellectual studies were contacted to release my memory and be able to revisit it in any time. In this way, the memory at fault, at times for therapeutic reasons, has been stimulated by my research. By revisiting the work I have done, I realized how little recollection of facts or other appeared completely different. Proposed or actually lie in the photomontages are proved in mv belief a reality more real than mine. Individualism emerged victorious from an episode of general contradictions in a society plagued by collusion or communitarian federative intentions. My demonstration brought meaning that the company is unique and that the individual is unique. From this point of view, my sense of belonging to a social model disappears and my work is the opposite of me in my daily life including the movement of society. I am aware that I may be the current steps abroad, that my concerns I may be quite distant, returning with the help of my work to my perception of images constructed : the individual and the global, the I'm interested in closer, more like the dialogue between cultures and human actions immediately understood. Both behavioral elements, as two seemingly barbaric materials alliance impossible (iron and clay), make the situation of contemporary consciousness heterogeneous. I must show my instincts exemplify by photographer items daily, heterogeneous also present around me arc the food of my artistic language.

Le groupe surréaliste s'est livré, dès son éclosion, à un travail critique sans cesse développé au cours de l'entre-deux-guerres. La thèse se fonde sur un corpus de plus de 500 textes publiés par les poètes surréalistes entre 1917 et 1939. A vocation critique et de formes diverses, ces textes répondent à la qualification éditoriale actuelle d'écrits sur l'art. Ce corpus méritait d'être réuni et analysé davantage que pour la dimension subversive ou fantaisiste pour laquelle ils étaient considérés jusqu'à présent. La thèse identifie et analyse les enjeux que ces écrits ont représenté dans l'histoire du mouvement surréaliste notamment au moment crucial de son émergence. / From its birth, the surrealist group is engaged in a critical practice constantly developed during the interwar years. The thesis is based on a corpus of more than 500 texts published by surrealist poets between 1917 and 1939. With their critical vocation and their diverse forms, these texts can be called by the current editorial qualification of writings on art. This corpus deserved to be combined and analyzed for more than the subversive or imaginative dimension for which they were considered up to now. The thesis identifies and analyzes the stakes that these writings represented in the history of the surrealist movement in particular at the crucial moment of its emergence.

Notre recherche doctorale porte sur l’étude approfondie, systématique et comparative de l’Exultet de Fondi (Ms. lat. 710), un rouleau liturgique en parchemin, conservé à la Bibliothèque Nationale de Paris, au sujet duquel la littérature scientifique est relativement pauvre en apports significatifs. Cet Exultet a été longtemps considéré comme un « produit périphérique », nous avons donc cherché à démontrer sa réalisation au sein du scriptorium du Mont Cassin et nous sommes abouti à la conclusion que ce volumen a vraisemblablement été commandé par l’évêque de Fondi Benedictus, au début du XIIe siècle. Les caractéristiques matérielles de ce manuscrit en confirment l’excellente facture et permettent de formuler d’importantes observations sur les modus operandi de sa réalisation, commun à d’autres Exultet et codices réalisés au Mont Cassin. L’analyse attentive de l’écriture bénéventaine du Mont Cassin ordonnée et calligraphique, a permis de déterminer l’origine du scribe et de parvenir à une comparaison instructive avec les manuscrits réalises au Mont Cassin sous l’abbé Oderisius et avec vingt-cinq autres codices réalisés dans la première moitié du XIIe siècle, dont on a visionné les microfilms. Les résultats de cette analyse ont permis de considérer l’Exultet de Fondi comme un maillon fondamental dans l’évolution de la bénéventaine entre sa période de maturité et sa décadence. La transcription de la notation ancienne, selon une partition moderne, a rendu possible, à titre expérimental, l’enregistrement du chant liturgique, en respectant l’unicité musicale et textuelle de cet Exultet. L’Initialornamentik et l’appareil décoratif du rouleau permettent de l’attribuer au scriptorium du Mont Cassin. À travers les treize miniatures, le microcosme de la Longobardia Minor reprend vie, le monde byzantin borde et influence les terres de l’Italie méridionale, dans un melting-pot de peuples en une osmose continue. Et si les miniaturistes sont encore fascinés par les fastes de l’âge d’or à l’époque de l’abbé Desiderius, ils s’expriment avec liberté, en mélangeant la tradition autochtone avec des iconographies d’origine orientale et septentrionale. Enfin, l’approche quasi archéologique du manuscrit m’a donné la possibilité de réfléchir d’une manière plus générale sur la phénoménologie des Exultet de l’Italie méridionale et d’apporter un nouveau point de vue à la description de ces rares témoignages, en dépassant le topos de la pure valeur catéchétique des images. / Doctorat en Histoire, histoire de l'art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Né dans le premier quart du XVIIe siècle, Jacques Courtois, jeune Franc-Comtois, franchit les Alpes pour s’installer en Italie. Abandonnant une patrie durablement ruinée où il ne pourra jamais espérer revenir s’établir, ce fils de peintre parvint néanmoins à perpétuer la tradition familiale. Actif principalement à Rome, où il décéda en 1676, l’artiste eut une carrière de près de quarante ans, presque exclusivement italienne. Si Courtois bénéficia de son vivant, puis tout au long du XVIIIe siècle, d’une grande renommée, lui dont Bernin aurait affirmé à plusieurs reprises qu’aucun autre peintre contemporain ne parvenait à exprimer aussi bien la terreur des combats, fut ensuite progressivement oublié. Il en fut de même pour son oeuvre, si bien qu’aujourd’hui ils sont tous deux méconnus, ou pour le moins mal perçus. Au fil des siècles, l’histoire de Jacques Courtois s’est progressivement effacée. De minces notices biographiques, parfois légendaires, se sont imposées et de son oeuvre n’a plus été retenue que la peinture de bataille. Paysages et peinture d’histoire furent peu à peu oubliés. Ainsi, d’un travail riche et varié, ne perdure plus guère que l’image d’une monoproduction uniforme. Cette thèse a pour but de faire redécouvrir le personnage et son travail, en proposant la toute première monographie dédiée à l’artiste. Celle-ci consiste en une biographie critique, une analyse et un premier catalogue raisonné de l’oeuvre peint / Born in the first quarter of the 17th century in the Franche-Comté region, Jacques Courtois crossed the Alps to settle in Italy. At the time he was a young man, he left behind a ruined country where he could never hope to live and practise his art. Yet this painter's son managed to perpetuate the family tradition. He worked mainly in Rome, where he died in 1676 after analmost exclusively Italian career spanning nearly 40 years. While Courtois enjoyed great fame during his lifetime and throughout the 18th century, with Bernini apparently declaring onseveral occasions that no other contemporary painter could express the horror of combat sofaithfully, he was gradually forgotten. The same can be said of his work, so much so that today the man and his oeuvre remain a mystery and are even ill-perceived. Over the centuries, the story of Jacques Courtois has gradually faded. A few scattered biographical notes, some based on legend, have gained currency and his work is remembered essentially for his battle scenes. His landscapes and religious paintings have been forgotten little by little. Thus, a rich and varied body of work is now viewed as a uniform production. This thesis aims to reveal the man and his work in a new light by proposing the first monograph dedicated to the artist. It consists in a critical biography, an analysis of his art and the catalogue of his paintings

Peut-on percevoir une image comme le produit d'une certaine démarche intentionnelle ? Plus précisément, les images ont-elles des " propriétés intentionnelles ", c'est-à-dire des propriétés que l'on voit comme le résultat des actions intentionnelles de l'artiste ? Cette question est intéressante car elle occupe une région intermédiaire entre l'analyse conceptuelle développée par la philosophie analytique de l'art et la recherche empirique en sciences cognitive. Du côté de la philosophie de l'art, elle est connectée à la thèse intentionnelle, selon laquelle l'évaluation d'une œuvre d'art en tant qu'œuvre d'art est nécessairement fondée sur les intentions de l'artiste, et à la thèse expérientielle, selon laquelle l'évaluation d'une image en tant qu'image n'emploie que ce qu'il est possible de voir en la regardant. Il existe des arguments montrant que chacune de ces thèses est essentielle à la description de l'évaluation artistique des images. Pourtant, elles sont en tension car on ne peut pas voir les intentions de l'artiste en regardant une image. Ces deux thèses ne sont conciliables que si on accepte que les propriétés des images peuvent être vues comme le résultat des intentions de l'artiste. En d'autres termes, il faut être en mesure de répondre positivement à la question des propriétés intentionnelles des images. Or, une telle réponse possède une composante empirique qui ne saurait être ignorée. En effet, la question des propriétés intentionnelles des images doit être mise en relation avec différentes branches de la recherche en sciences cognitives traitant de la récupération des intentions d'autrui. L'attitude traditionnelle adoptée par les philosophes de l'art face au versant empirique de cette question consiste à l'éluder, en disant qu'il s'agit là simplement d'un cas où notre perception d'un objet est façonnée par nos connaissances propositionnelles. Ainsi pouvons-nous percevoir les propriétés intentionnelles des images grâce au contrôle exercé par nos connaissances propositionnelles - relatives aux intentions de l'artiste et au contexte de production de l'image, entre autres - sur notre perception. En détaillant les différentes façons dont les connaissances propositionnelles peuvent influencer la perception, on s'aperçoit que cette réponse est très insuffisante. Elle est en tension avec une idée courante en philosophie selon laquelle on peut percevoir les propriétés intentionnelles simultanément aux propriétés représentationnelles ; elle a également des difficultés pour expliquer la détection de certaines qualités, telles que la dextérité du dessinateur, ainsi que pour rendre compte de la reconnaissance de son style et de ses influences. Pour résoudre ces problèmes il est essentiel de définir une voie directe de perception des propriétés intentionnelles, c'est-à-dire qui ne passe pas obligatoirement par les connaissances propositionnelles. Cette seconde voie, la perception motrice, est orchestrée par le savoir-faire moteur de l'observateur. Pour développer l'hypothèse de la perception motrice, il est essentiel de se doter d'une théorie psychologique de l'apprentissage et de la production du dessin. Pour ce faire, la meilleure solution consiste à explorer le versant psychologique de la théorie des schémas graphiques d'Ernst Gombrich en la rapprochant de la théorie du code-commun, selon laquelle la planification de l'action et la perception de certains évènements du monde sont implémentées par les mêmes représentations. Grâce à ce rapprochement, on obtient la théorie visuomotrice des schémas graphiques, selon laquelle le mécanisme fondamental de l'apprentissage du dessin est la récupération directe des plans d'action des autres dessinateurs par observation de leurs dessins. Cette théorie permet de montrer que la perception motrice des images exploite les mêmes structures représentationnelles que celles impliquées dans la planification des actions employant le genre d'outils qui permet de produire des images, afin d'organiser l'information visuelle portée par une image de façon cohérente par rapport à l'action. En d'autres termes, la perception motrice d'une image est contrôlée par une simulation de certains éléments des actions de l'artiste, ce qui permet de percevoir les propriétés de l'image comme des résultats d'actions, c'est-à-dire de percevoir directement ses propriétés intentionnelles. L'accès perceptif aux intentions de l'artiste, et plus spécifiquement du dessinateur, apparaît ainsi comme un thème capable de structurer un dialogue productif entre la philosophie analytique de l'art et les sciences cognitives.

La thèse est une enquête qualitative sur la relation entre comptabilité, création et contrôle. Son objectif est de s'interroger sur l'utilisation des outils de gestion dans les organisations créatives et des effets qu'elle suscite sur la production et la diffusion de la création dans ces organisations. Trois études longitudinales (une maison d'édition, un squat d'artistes, un théâtre) de deux à neuf ans avec un suivi hebdomadaire nous ont montré que le gestionnaire doit gérer non seulement des paradoxes, mais quelquefois des contradictions entre la création et la gestion : une incertitude quant à la valeur de court et long terme, une difficulté à évaluer du fait d'une maîtrise très floue du risque, un retour des investissements qui non seulement est aléatoire mais reviendra peut-être à la concurrence. La gestion n'est pas neutre, de par sa construction elle modèle une vision économique et sociale et influence un mode de création. Or la création pour être visible a besoin de personnes de renfort. Le langage comptable étant au coeur de toute décision, le gestionnaire est une personne centrale. Le gestionnaire est amené à réfléchir à différentes formes de gestion possibles. Il devient alors un passeur de création. Ces cas ont demandé une conduite et une écriture adaptée à leur objet. Leur écriture emprunte beaucoup au récit et a cherché à restituer les sensibilités et les multiples voix des participants. Cependant, si le récit proposé n'était pas le seul possible, il donne à voir une situation au lecteur en souhaitant respecter les actes et paroles des personnes rencontrées. Il laisse ainsi au lecteur la possibilité d'évaluer et discuter ces récits.

La realitat virtual és una tecnologia molt innovadora que té importants aplicacions en el camp educatiu, on esdevé una eina de renovació de la pràctica docent capaç d'aportar solucions als nous reptes que es plantegen. Amb aquest objectiu, la tesi presenta la metodologia, els resultats i les conclusions d'un estudi de cas centrat en la tasca d'experimentar i observar com uns alumnes de 13 anys aprenen història de l'arquitectura a través de la manipulació d'un complex software de realitat virtual. El treball de camp s'ha efectuat en una aula d'ensenyament secundari, l'IES Eugeni d'Ors de Vilafranca del Penedès, en un període de temps comprès entre el curs 2004-2005 fins al 2007-2008. Al mateix temps, s'ha integrat dins el currículum educatiu, adoptant la forma d'un crèdit variable trimestral de 30 hores lectives, i s'ha emmarcat en el nivell educatiu de 2n d'ESO, amb un nombre total d'alumnes participants de 133. En aquests moments la realitat virtual és una tecnologia que té importants aplicacions en l'educació. A nivell de l'aprenentatge de la Història i, sobretot de la història de l'arquitectura, són indubtables els beneficis que comporta la possibilitat de passejar lliurement i a temps real per edificis i escenaris històrics reconstruïts virtualment a l'ordinador. Tanmateix, en les poques vegades que s'esdevé una experiència d'aquest tipus a l'aula, els alumnes d'educació primària i secundària només poden fer el paper de visitants dins uns productes que ja es presenten acabats i que han estat dissenyats per empreses de difusió cultural o centres de recerca. Si bé en aquest tipus de visita l'alumne gaudeix d'una àmplia autonomia de moviments, està clar que no pot canviar ni modificar les peces que integren el món virtual i, evidentment no ha intervingut en el seu disseny. En aquest context, la present tesi vol fer un pas més enllà i pretén analitzar què passaria si l'alumne pogués convertir-se en el constructor dels monuments arquitectònics que són objecte d'estudi dins el currículum. És a dir, es tracta d'observar quines implicacions didàctiques comporta el fet que l'alumne pugui construir peça a peça un monument històric com, per exemple, un temple romà o una catedral gòtica, dins el seu ordinador i per mitjà de la manipulació d'un software de realitat virtual. Concretament, la tesi es planteja les preguntes següents: Millora el nivell dels continguts apresos? Quines dinàmiques s'estableixen dins l'aula entre els alumnes i el professor? Quin és l'alumnat més beneficiat? Com afecta a la motivació i l'interès? Quines dificultats troben els alumnes en la manipulació d'un complex software de realitat virtual? Quina és la metodologia de treball i d'aprenentatge que ofereix millors resultats? Com ha de ser el sistema d'avaluació? Les conclusions demostren els avantatges didàctics d'inscriure el treball en un marc d'aprenentatge autònom i actiu, ja que aquest mètode converteix l'alumne en el protagonista del seu aprenentatge i li permet un alt grau d'autonomia i de creativitat. Al mateix temps, l'espectacularitat, la bellesa i el realisme de les imatges virtuals, la gran llibertat de moviments que és fruit de l'elevat nivell d'interacció entre el software i l'usuari, l'estímul a la creativitat, la capacitat de resposta ràpida i, per tant, de satisfacció immediata; el desenvolupament de determinades capacitats cognitives relacionades amb l'agilitat mental, el pensament lògic i la presa de decisions; la proximitat amb el món dels jocs i, en resum, la possibilitat d'un aprenentatge que tot i requerir cert esforç és vist pels alumnes com a divertit i estimulant, són característiques de la tecnologia de la Realitat Virtual que incrementen la motivació, la concentració i el rendiment acadèmic i que ens poden indicar el camí per on podria anar l'educació del futur. / "Using virtual reality in the classroom in order to understand architecture"TEXT:This thesis contains the objectives, methodology, the results and the conclusions of an innovative case study carried out in a secondary education classroom in Catalonia (Spain), over a period of time between the 2004-2005 academic year and 2007-2008. The field work was integrated into the school syllabus in the form of a trimestral, optional subject, with a total of 133 students taking part.The objective of the study was to experiment and to observe how 13 year-old pupils learn the history of architecture through the use of a complex virtual reality software, Superscape 3D Webmaster. Within the frame of autonomous and active learning the pupils become the creators of historical buildings object of study. In this way, for example, the students learn the characteristics of Romanesque and Gothic architecture through the challenge of assembling different buildings of their respective styles, piece by piece in virtual reality on their computer.In this context, this thesis analyses aspects such as: the extent of the required content learnt, the dynamics that are established in the classroom between the pupils and the teacher, the students' motivation, which type of students benefit most, what difficulties the students encounter when using the complex virtual reality software, which learning and work methodology offers the best results, and finally analyses the difficulty involved in trying to find a suitable assessment system and proposes a new one.The conclusions show the didactic advantages of carrying out the work in an autonomous and active learning framework, as this method makes the students the protagonists of their own learning and allow them a high degree of autonomy and creativity. At the same time, the spectacular element, the beauty and the realism of the graphics, the freedom of movement resulting from the great interaction between the software and the user, the creative stimuli, the capacity for a quick response, consequently leading to immediate satisfaction; the development of particular cognitive abilities related to mental agility, logical thought and decision-taking; the game-like approach, and all in all, the possibility of a way of learning, that although not effort-free, is seen by the students as being fun and stimulating, are characteristics of Virtual Reality technology which increase motivation, concentration, academic performance and may point to way towards the education of the future.

Este trabajo concebido para la web y situado en "http://www.kilkor.net" es un acercamiento de tipo metafórico al pensamiento artístico. Para ello, se hace uso de las nuevas teorías científicas (nuevo paradigma científico) y sus interconexiones con otros campos muy variados (arte oriental, net-art, yoga, meditación, mantras, danza, biología, conocimiento compartido, ecología, etc.). Estas intersecciones permiten explorar la naturaleza del lenguaje artístico en sus múltiples manifestaciones, creando redes de significado que cada uno teje según una lectura específica del momento.Con ese mismo fin, se ha desarrollado una interficie que elabora mapas de relaciones entre diferentes fichas o nodos (en este caso documentos multimedia) y que considera el caos, la sincronicidad y las metáforas como herramientas de creación de conocimiento. Por lo tanto, resulta imposible un recorrido exhaustivo de este trabajo ya que presenta intrínsecamente una lectura no lineal y siempre circunstancial que viene definida por estos parámetros de sincronicidad, azar e intuición.Como estructura base para establecer estas relaciones, se ha elaborado un corpus teórico en el cual se plantean cinco tipos de estructuras de pensamiento interdependientes e interconectadas entre sí. El objetivo primordial es la creación de nuevos espacios relacionales, por ello podemos decir que los nodos en si no son importantes, las relaciones establecidas entre ellos son las que dan consistencia al corpus teórico.Se trabaja la idea del microcosmos como reflejo de todas las facetas de la existencia en la que ninguna de ellas es realmente fundamental sino una expresión de la interdependencia e interrelación de las mismas. Así, los nodos son como pequeñas joyas, encuentros casuales, con diferente acercamiento. Algunos son el resultado de un largo proceso, otros un afortunado contacto surgido en el momento apropiado. Juntos forman una red de pequeños destellos cuyos gestos forman un contenido único, un mosaico que cada uno va construyendo a su medida en un viaje individual a través de estos espacios y tiempos virtuales. Por lo tanto, hemos desarrollado una herramienta muy flexible de creación de conocimiento que se desarrolla de un modo no lineal y que se centra en tres líneas de investigación:1.- investigación acerca del pensamiento artístico como resultado de una percepción intercultural y multidisciplinar que se manifiesta en cualquiera de los aspectos de los tipos de pensamiento aquí planteados y que a su vez los engloba2.- amplificación de la creatividad y concepción de nuevas ideas por medio de las relaciones inesperadas y el juego. Apoya el desarrollo de una obra híbrida que concibe la exploración artística a través de otras disciplinas.3.- investigación acerca del lenguaje artístico ya que admite modos de expresión variados utilizando las intersecciones entre lenguajes específicos que mutan en función del contexto y de su relación con un determinado proceso simbólico. / "MAPS, NETWORKS AND SYNCHRONIZATIONS AS A METAPHOR OF THE ARTISTIC THOUGHT" is a PhD thesis done in digital format and fully located at "http://www.kilkor.net". The research pointed the development of an interface based in open source code who makes maps of relations between different subjects such as the new scientific paradigm, the rhythm on multicultural process, the Oriental and Occidental ways of observing things, and interconnected society in terms of sacred thinking and expression.This is mainly a multiuser multimedia database that makes visual relations between the different parts:These relations become represented on maps that can be surfed by anyone, making the stress on the relations and not in the nodes. There is a theoretical part about the new scientific theories (new scientific paradigm) and the interconnections between other multidisciplinary fields like oriental art, occidental net-art, mantras, dancing, meditation, yoga, software, sharing knowledge, biology and so on. This is the reason of having developed an interface that makes maps of relations between different things (in these case, multimedia documents) and that looks at the chaos, synchronicity, and metaphors as tools to develop knowledge.As a main frame to start the links I have stated five types of thought: Linear Thought, Circular Thought, Transformation, Network Thought and Unity Thought. Of course, they are interdependent and interconnected.