nÃo hà / Ce travail a pour objectif de vÃrifier la relation existante dans la figure des personnages non hÃtÃrosexuels à la fin du XIXe siÃcle en utilisant la ThÃorie et la Critique LittÃraire FÃministe (SCHMIDT 1995; THOME 2004) la Sociologie (FOUCAULT 2002) et lâHistoire Culturelle (DOVER 2007) comme forme de complÃment pour la recherche De cette faÃon pour ce thÃme nous avons choisi les oeuvres O Ateneu (1888) de Raul Pompeia et Bom-Crioulo (1895) de Adolfo Caminha Ces oeuvres prennent pour thÃme tangentiel ou principal lâhomosexualità masculine Nous avons analysà les reprÃsentations des identitÃs homo-affectives dans le contexte socio-historique et dans les discours mÃdical psychanalytique et religieux avec la reprÃsentation de lâhomosexuel dans les oeuvres analysÃes Nous avons lâintention de comprendre quelles sont les raisons qui ont conduit lâhomosexuel à Ãtre poursuivi et pathologisà pendant lâhistoire de lâOccident et comme les Ãcrivains du rÃalisme et du naturalisme ont reprÃsentà ces sujets dans leurs oeuvres Lâanalyse de lâespace se distingue puisque dans les deux narratives le dÃsir homo-affectif commence dans les espaces clos exclusifs aux hommes La relation entre la sociÃtà et le soi et lâautre sont des facteurs fondamentaux pour la construction de lâidentità non hÃtÃrosexuel. / O presente trabalho tem como foco verificar a relaÃÃo existente na figura dos personagens nÃo heterossexuais em fins do sÃculo XIX utilizando a Teoria e CrÃtica LiterÃria Feminista(SCHMIDT 1995; THOME 2004), Sociologia (FOUCAULT 2002) e a HistÃria Cultural (DOVER 2007) como forma de complemento para a pesquisa Dessa forma, para o presente tema foram escolhidas as obras O Ateneu (1888) de Raul Pompeia e Bom-Crioulo (1895) de Adolfo Caminha As obras em questÃo tÃm como tema tangencial ou principal a homossexualidade masculina Analisamos as representaÃÃes de identidades homoafetivas no contexto do final do sÃculo XIX Partindo de conceitos literÃrios sociolÃgicos e histÃricos e confrontando o contexto sÃcio histÃrico e os discursos mÃdico psicanalÃtico e religioso com a representaÃÃo do homossexual nas obras em anÃlise pretendemos entender quais motivos que levaram o homossexual a ser perseguido e patologizado durante a histÃria do Ocidente e como os escritores de literatura realista e naturalista representaram esses sujeitos em suas obras A anÃlise do espaÃo ganha destaque uma vez que em ambas narrativas os desejos homoafetivos se iniciam em espaÃos fechados exclusivos para homens A relaÃÃo entre sociedade o eu e o outro sÃo fatores fundamentais para construÃÃo da identidade nÃo heterossexual

CoordenaÃÃo de AperfeiÃoamento de Pessoal de NÃvel Superior / A presente dissertaÃÃo investiga a elocuÃÃo de onze poemas da obra atribuÃda ao poeta latino Ãlbio Tibulo (c. 55-19 a.C.): os poemas 1.1-6, 1.8-9, 2.3-4 e 2.6. A delimitaÃÃo desse corpus de anÃlise baseia-se na temÃtica erÃtica e nos personagens aos quais os poemas sÃo direcionados, DÃlia, MÃrato e NÃmesis; a investigaÃÃo formal da elocuÃÃo ampara a discussÃo de aspectos dessa temÃtica; em funÃÃo disso, dividimos em trÃs ciclos os poemas a serem analisados; a elocuÃÃo de cada ciclo serà examinada em separado e depois comparada com a dos demais. Para desenvolver esta pesquisa, utilizamos como fundamentaÃÃo teÃrica estudos e comentÃrios da obra de Tibulo, textos de retÃrica da Antiguidade greco-latina e estudos de retÃrica, especialmente os que abordam a elocuÃÃo. A anÃlise dos poemas foi fundamentada principalmente na RetÃrica a HerÃnio e no Manual de RetÃrica LiterÃria, de Lausberg. Uma discussÃo mais aprofundada de poesia latina requer um exame da elocuÃÃo, pois os poetas latinos tinham o estudo da retÃrica como formaÃÃo bÃsica. Na obra de Tibulo, à perceptÃvel que a seleÃÃo e a disposiÃÃo de palavras nos versos servem-se de figuras de linguagem em consonÃncia com o conteÃdo e ainda sublevam o teor erÃtico dos poemas. / This dissertation investigates the elocution of eleven poems from Albius Tibullus (c. 55-19 BC) work: poems 1.1-6, 1.8-9, 2.3-4 and 2.6. The demilitation of this corpus of analysis is based on the erotic subject and it is also based on the characters to which the poems are addressed: Delia, Marathus and Nemesis; the formal investigation of the elocution sustains the discussion about some aspects from this subject; therefore, we divided the poems analyzed in three cycles; the elocution of those cycles is going to be analyzed separately and compared to each other. In order to develop this research, as theoretical foundation we use research and commentaries on the work of Tibullus, rhetorical texts from Greco-Roman Antiquity, and researches about rhetoric, especially those woks that develop the elocution. The analysis is based mainly on Ad Herennium and also on Manual de RetÃrica LiterÃria, from Lausberg. A further discussion of Latin poetry requires an examination of the elocution, since the Latin poets had rhetoric as their foundation. It is noticeable, that Tibullus selection and arrangement of the words in his verses utilizes figures of speech in order to mimic their content; moreover the disposition rise up the erotic content of the poems.

CoordenaÃÃo de AperfeÃoamento de Pessoal de NÃvel Superior / Neste estudo nos detemos sobre dois representativos livros da literatura do sÃculo XX: o Livro do desassossego, de Fernando Pessoa, e Ãgua viva, de Clarice Lispector. Apoiados, sobretudo, no pensamento de Maurice Blanchot, buscamos, atravÃs do mÃtodo de pesquisa teÃrico-bibliogrÃfico, compreender a natureza de ambas as obras, visto elas, marcadas pela incompletude e pelo fragmentÃrio, muito se aproximarem do pensamento desse teÃrico sobre a literatura. Partindo da descriÃÃo blanchotiana do encontro de Ulisses com as sereias, buscamos delinear os principais conceitos do pensamento de Blanchot para, em seguida, aplicÃ-los na anÃlise das obras. Tais conceitos manifestam-se na anÃlise sobre o Livro do desassossego sob a imagem do quarto e do escritÃrio, espaÃos que se opÃem na construÃÃo da escrita. à o mesmo que ocorre em Ãgua viva, sob a forma da alegria e do medo, que, do mesmo modo, premem a narradora e exigem dela uma escrita paradoxal. Essa escrita paradoxal à o foco da Ãltima parte do trabalho, que analisa suas caracterÃsticas, advindas do jogo de opostos descrito nos capÃtulos anteriores. O fundamento teÃrico da pesquisa provÃm de teÃricos como Blanchot (1997, 2005, 2007, 2010, 2011), Barthes (2004, 2007, 2010), Deleuze (2011) e Heidegger (2008), que contribuem com uma anÃlise geral da literatura e da arte. A suas ideias unimos o estudo de pesquisadores que se detÃm de maneira especÃfica sobre a obra dos escritores analisados, como Cintra (2005), Gil (1996, 2009), Helena (2010) e Nunes (1995, 2009).

FundaÃÃo Cearense de Apoio ao Desenvolvimento Cientifico e TecnolÃgico / Este trabalho analisa a traduÃÃo da obra The Road (2006), de Cormac McCarthy, para o cinema, com foco na temÃtica da violÃncia e a forma como foi traduzida na narrativa fÃlmica. The Road narra a histÃria de um pai e seu filho, ambos sobreviventes de uma catÃstrofe ocorrida na terra. Juntos caminham em direÃÃo à costa sul dos Estados Unidos. Durante a jornada, os personagens reescrevem a HistÃria americana, paÃs que obteve sua expansÃo territorial do norte para o sul. No entanto, nÃo hà nada para conquistar, pois o Oeste vive dias pÃs-apocalÃpticos. Dessa forma, os personagens vagueiam entre cadÃveres e buscam protegerse de grupos que praticam canibalismo. O romance, com esse enredo, alcanÃou popularidade no seu paÃs de origem, assim como obteve prestÃgio da academia, que culminou com o prÃmio Pulitzer de ficÃÃo. TrÃs anos depois de seu lanÃamento, The Road foi adaptado para o cinema com o tÃtulo homÃnimo, dirigido por John Hillcoat. Nosso principal objetivo, portanto, à investigar quais as estratÃgias usadas pelo diretor para traduzir o tema da violÃncia no cinema. Partimos da hipÃtese de que o filme traduziu a violÃncia, seguindo parÃmetros do melodrama hollywoodiano, por meio de uma construÃÃo narrativa que busca fazer com que o espectador crie identificaÃÃo com os personagens. Para tal, recorremos à leitura das obras dos seguintes teÃricos dos Estudos da TraduÃÃo: Lefevere (1992), Toury (1995) e Even-Zohar (1990). Por conseguinte, realizamos a leitura de teÃricos que discutem a respeito de adaptaÃÃes literÃrias para o cinema como: Cattrysse (1992), Stam (2008) e Hutcheon (2013). Embasamonos ainda nos crÃticos de cinema: Machado (2011), Xavier (2003, 2012) e Bordwell (1985). Sobre a representaÃÃo da violÃncia na literatura e no cinema, optamos por Leenhardt (1990), Lins (1990), Ginzburg (2012), Abel (2007), Hikiji (2012), e Mongin (1999). Por fim, acerca da fortuna crÃtica de McCarthy, destacamos Cant (2009), Ellis (2006), Walsh (2009) e Hage (2010), entre outros. Os resultados mostraram que a adaptaÃÃo fÃlmica traduziu a violÃncia de modo que ela acentuasse o melodrama, reforÃando a condiÃÃo precÃria dos personagens no tempo-espaÃo da narrativa e incorporando estratÃgias narrativas que reproduzissem no espectador certa identificaÃÃo com os personagens pai e filho. / This paper analyzes the translation of the book The Road (2006), by Cormac McCarthy, to cinema, focusing on the theme of violence and the way it was translated to film. The Road tells the story of a father and his son; both are survivors of a disaster on Earth. They walk towards the south coast of the United States. During this journey, the characters remake the American History, a country that obtained its territorial expansion from north to south. Nevertheless, there is nothing to be conquered because the West lives post-apocalyptic days. On this regard, the characters wander among corpses seeking protection from the groups that practice cannibalism. Having this plot, the novel achieved popularity in its home country, as well as it obtained academic prestige, which culminated with the Pulitzer Prize for fiction. Three years after its release, The Road was adapted to a film with the same tittle, directed by John Hillcoat. Our main aim, then, is to investigate which strategies the director used to translate the theme of violence in cinema. We assume that the film translated violence according to the patterns of Hollywood melodrama, through a narrative construction that intends to make the spectator have affection for the characters. For this purpose, we based our research on some authors of Translation Studies: Lefevere (1992), Toury (1995) and Even-Zohar (1990). Thereafter, we studied some theories concerning adaptation from literature to screen according to Cattrysse (1992), Stam (2008) and Hutcheon (2013). Related to cinema theory, we studied Machado (2011), Xavier (2003, 2012) and Bordwell (1985). We also investigated the depiction of violence in literature and in the film, according to the authors Leenhardt (1990), Lins (1990), Ginzburg (2012), Abel (2007), Hikiji (2012) and Mongin (1999). Finally, we discussed some critical essays on McCarthy, pointing out Cant (2009), Ellis (2006), Walsh (2009), and Hage (2010), among others. The results showed that the adaptation translated violence in a way it reinforced the melodrama, highlighting the charactersâ hazardous condition in both the time and the space of this narrative film, and incorporating narrative strategies which could make the spectator identify with the father and his son.

L’hypothèse qui oriente ce travail se fonde sur la lecture de plusieurs ouvrages présentant un caractère hybride. Nous postulons l’existence d’une fonction textuelle, spécifique à ce genre de texte, nommée « sujet articulateur ». L’objectif de ce travail est donc de confirmer l’existence de cette fonction textuelle distincte du narrateur et de la fonction d’auteur. Il s’agit d’un sujet textuel engendré par la disparition de l’auteur, ne pouvant être pris pour le narrateur puisqu’il exerce des fonctions différentes. Afin d’étudier cette fonction, nous avons choisi deux textes latino-américains d’auteurs très connus et qui contiennent une variété importante de matériel interdisciplinaire : El beso de la mujer araña de Manoel Puig et La ley del amor de Laura Esquivel. L’analyse a montré que le texte de Laura Esquivel appartient à la paralittérautre, et dans ce sens le rapprochement entre les deux ouvrages a constitué un défi très intéressant. Pour atteindre l’objectif proposé, nous avons étudié l’intersection entre les textes : l’examen de l’idéologie véhiculée par le sujet articulateur, à travers les différents matériels interdisciplinaires et intertextuels composant l’hybride. Après l’examen du corpus, nous avons pu affirmer l’existence de cette fonction, qui a pour attribution de choisir et d’ordonner les différents matériels qui intègrent ce genre de texte mais aussi de véhiculer l’idéologie, en établissant la pré-linéarité inhérente à ces récits. L’analyse a démontré que, selon le genre de texte, prédomine soit la fonction esthétique, soit la fonction idéologique, ou les deux. Nous avons aussi été amenée à changer notre conception sur les rôles du lecteur. Il se libère d’une position passive pour devenir actif – acteur à part entière de la construction de l’ouvrage. De lui dépend également l’établissement complet de la linéarité narrative. Ce travail contribue à l’établissement d’une nouvelle perspective de lecture et d’analyse d’ouvrages hybrides. Il offre aux théoriciens un autre point de vue pour analyser la question des processus d’hybridation, car, selon Néstor García Canclini, c’est la principale tâche de l’hybridisme culturel. / A hipótese que norteia o presente estudo está alicerçada na leitura de diversas obras de caráter híbrido. Postulo a existência de uma função textual, própria desse tipo de texto, que denominei “sujeito articulador”. O objetivo do trabalho é comprovar a existência dessa função textual diferente do narrador e da função autor. Trata-se de um sujeito textual que tem origem no desaparecimento do autor e não pode ser arrolado como narrador, pois exerce funções diferenciadas deste. Para estudar essa função, escolhi dois textos latino-americanos de escritores consagrados, os quais encerram uma boa variedade de material interdisciplinar: El beso de la mujer araña e La ley del amor, respectivamente de Manoel Puig e Laura Esquivel. A investigação demonstrou que o texto de Laura Esquivel pertence à Paraliteratura, o que tornou a aproximação entre as duas obras um desafio bastante estimulante. Para poder atingir o objetivo proposto, a linha de análise possível foi a intersecção entre os textos: o exame da ideologia veículada pelo sujeito articulador, através dos diferentes materiais interdisciplinares e intertextuais que compõem o híbrido. Após o exame do corpus, pôde-se afirmar a existência dessa função, cujas atribuições são as seguintes: escolher e ordenar os diferentes materiais que integram esse tipo de texto; e veicular ideologia e estabelecer a pré-linearidade inerente a essas narrativas. A investigação demonstrou que, dependendo do tipo de texto, predomina por vezes a função estética, por vezes a ideológica, podendo ainda ocorrer ambas. Outra descoberta relevante nesse estudo foi a mudança de concepção acerca de quais sejam os papéis do leitor. Ele se liberta de uma posição passiva para tornar-se ativo – pleno participante na construção da obra. Dele depende também o estabelecimento completo da linearidade narrativa. Este trabalho contribui com a abertura de uma nova perspectiva de leitura e análise de obras híbridas. Proporciona aos estudiosos um outro prisma para ponderar sobre a questão dos processos de hibridação, pois, conforme apontado por Néstor García Canclini, essa é a principal tarefa que se impõe ao hibridismo cultural.

Este trabalho de pesquisa tem o escopo de abordar a produção literária de Sergio Faraco, adentrando ao estudo de fronteiras e de suas implicações nas esferas antropológica, cultural e identitária, valendo-se de ferramentas dos Estudos Culturais e dos Estudos de Tradução. Partiu-se de um duplo viés e considerou-se, especialmente, o enfoque na tradição, que Faraco leva a cabo na sua produção como contista, e na tradução, feita a partir da obra de Mario Arregui, escritor uruguaio com quem o alegretense manteve uma amizade de quase quatro anos, documentada nas cartas trocadas durante o período. Entrementes, visando a estabelecer o debate sobre a literatura dos gaúchos, propôs-se uma análise sobre os influxos platinos no sistema literário sul-riograndense, atentando para a oposição / aproximação do personagem gaúcho sul-rio-grandense com relação ao seu Outro castelhano e desvelando as construções de planos simbólicos de referência. Pretendeu-se, pois, abordar a (re)absorção da tradição da gauchidade, amparada no resgate memorialístico que acabou por renovar o regionalismo sul-rio-grandense e que teve em Sergio Faraco um de seus expoentes mais consideráveis. Foram abordados os contos que constroem o Outro platino não mais como inimigo, e sim como mais um pobre marginado buscando sobreviver ao interstício. Da mesma forma, os dois livros que Sergio Faraco traduziu de Mario Arregui deixam entrever o engajamento de pôr na ordem do dia as semelhanças entre os seres humanos de um e outro lado da fronteira. Mais do que mera reprodução do Outro em língua vernácula ou um processo de tradução cultural, o acolhimento dos platinos, por parte de Faraco, ilustra a disposição de trazer ao debate as semelhanças narrativas, culturais e ideológicas que voltam a unir esse pampa, outrora sem alambrado. Nessa trilha, empregou-se a metodologia comparatista, dispondo de uma organização inferencial dedutiva e partindo-se de postulados gerais rumo ao particular. Além de suprir uma lacuna na produção acadêmica, que tão pouco tem abordado esse importante escritor e tradutor, espera-se estar contribuindo para o estudo de fronteiras na literatura e do contrabando de imaginários, incitando novos temas em face das teorias críticas latino-americanas. / Este trabajo tiene el objetivo de llevar a cabo un abordaje sobre la producción literaria de Sergio Faraco, ingresando al estudio de fronteras y de sus implicaciones ante las esferas antropológica, cultural e identitaria. Serán consideradas, para tanto, herramientas de Estudios Culturales y de Estudios de Traducción. Se ha partido de una doble mirada y se ha considerado, especialmente, la importancia de la tradición, que Faraco deja entrever en su producción como cuentista, y en la traducción que hace de Mario Arregui, escritor uruguayo con quien el brasileño mantuvo una amistad de casi cuatro años y que sigue documentada en las cartas que intercambiaron en el periodo. Mientras tanto, buscando establecer el debate sobre la literatura de los gauchos, se propone un análisis sobre los influjos platinos en el sistema literario de Rio Grande do Sul, centrando las atenciones en la oposición / acercamiento del personaje gaucho brasileño con su Otro castellano y desvelando las construcciones de planos simbólicos de referencia. Se ha pretendido, pues, abordar la (re)absorción de la tradición gaucha, basada en el rescate de la memoria, que ha terminado de renovar el regionalismo de Rio Grande do Sul y que ha encontrado en Sergio Faraco uno de sus exponentes más decisivos. Han sido considerados los cuentos en que el Otro platino no vuelve a aparecer como enemigo, sino como un pobre orillero más, buscando sobrevivir a la frontera. De igual modo, los dos libros de Mario Arregui que Sergio Faraco ha traducido dejan entrever el compromiso de poner en discusión las semejanzas entre los seres humanos de uno y otro lado de la frontera. Es más que una simple reproducción del Otro en lengua portuguesa o que un proceso de traducción cultural: la acogida de los platinos por parte de Faraco ilustra el intento de poner en pauta el acercamiento narrativo, cultural e ideológico que une a esa pampa antes sin alambrado. De ese modo, se ha empleado la metodología comparatista, disponiendo de una organización de inferencia deductiva y partiendo de postulados generales hacia lo particular. Además de suplir un hueco en la producción académica, que muy poco ha elaborado sobre ese importante escritor y traductor, se espera estar contribuyendo para el estudio de las fronteras en la literatura y del contrabando de imaginarios, promoviendo nuevos temas frente a las teorías críticas latinoamericanas.

A presente dissertação visa a investigar como a sobrevivência, tema colocado por Margaret Atwood como eixo central para o estudo da Literatura Canadense em Survival (1972), pode ainda ser relevante no estudo da Literatura Indígena Canadense contemporânea. Além disso, seguindo a linha de pesquisa das Relações Literárias Interamericanas, o trabalho objetiva buscar divergências e convergências no uso de tal temática na Literatura Indígena que, desde os anos 1990, se multiplica no Brasil. Tais literaturas foram escolhidas porque, após a chegada de exploradores e missionários nas Américas, culturas muito diferentes encontraram-se em uma zona de contato, na qual tiveram de buscar estratégias transculturais para se relocalizarem no mundo. A escolha de autores contemporâneos, os quais vivem em centros urbanos – apesar de manterem, em maior ou menor medida, uma conexão com suas culturas nativas – também foi consciente, visto que possibilita investigar como se dão, no âmbito da literatura, essas renegociações identitárias. Através do estudo das obras Green Grass, Running Water, de Thomas King, e Kiss of the Fur Queen, de Tomson Highway, o caso canadense é examinado. Em contrapartida, são analisadas as obras brasileiras Todas as vezes que dissemos adeus, de Kaká Werá Jecupé, e Metade Cara, Metade Máscara, de Eliane Potiguara, a fim de observar como se dá a sobrevivência indígena na literatura brasileira. A análise das quatro obras está calcada em um suporte teórico que, rejeitando nomenclaturas impostas pelo colonizador, começa a formar uma teoria literária indígena, marcada pela hibridação entre a visão tradicional nativa e o aporte ocidental. Dentre os teóricos e críticos que servem de base a esta análise, procuramos, sempre que possível, ressaltar o pensamento dos próprios autores analisados, mantendo, no entanto, o foco no conceito de literature of survivance de Gerald Vizenor. Embora tenham sido observadas importantes diferenças entre os casos canadense e brasileiro, desde a formação de suas literaturas indígenas até os aspectos privilegiados pelos autores em suas obras, nota-se que todos eles, bem de acordo com o que diz Vizenor, defendem a sobrevivência ativa e continuada das populações indígenas através de um processo de resgate das vozes indígenas, superando estereótipos e simulações cristalizadas. / This thesis aims to investigate how survival – theme considered by Margaret Atwood as the central axis to the study of Canadian Literature in Survival (1972) – can still be relevant in the study of contemporary Canadian Native Literature. Furthermore, following the line of research of Interamerican Literary Relations, the present work seeks for divergences and convergences in the use of such theme in the Native Literature that has grown in Brazil since the 1990’s. These literatures were chosen because, after the arrival of explorers and missionaries in the Americas, very distinct cultures met in a contact zone, in which they had to find transcultural strategies to relocate themselves in the world. The choice of contemporary authors who live in urban centres and yet keep, to a greater or lesser extent, some sort of connection with their native cultures, was also conscious, since it allows a clear investigation on how such identitary renegotiations happen in the realm of literature. Through the study of the novels Green Grass, Running Water, by Thomas King, and Kiss of the Fur Queen, by Tomson Highway, the Canadian case is examined. The Brazilian works Todas as vezes que dissemos adeus, by Kaká Werá Jecupé, and Metade Cara, Metade Máscara, by Eliane Potiguara are analysed, on their turn, in order to observe how indigenous survivance happens in Brazilian Native Literature. The analysis of the four books is underpinned by theoretical and critical works which, rejecting the names imposed by the colonizer, have started building a native literary theory marked by a hybridization between the traditional view and the Western contribution. Among the theoreticians and critics whose works have been used as a base to this work, we have tried to highlight, whenever possible, the thought of the authors we were analyzing themselves, keeping the focus, nevertheless, on Gerald Vizenor’s concept of literature of survivance. Even though significative differences were observed between the Canadian and the Brazilian cases, from the formation of the countries’ native literatures to the aspects highlighted by the authors, it was observed that the four of them, in accordance with the words by Vizenor, fight for an active and continued survivance of the indigenous populations through a process of reapropriation of indigenous voices, overcoming stereotypes and crystalized simulations.

Este trabalho, inserido no âmbito dos estudos comparados, propõe-se a analisar o conceito de narrativa de viagem em duas obras de Erico Verissimo – mais precisamente – A volta do gato preto e México. No que diz respeito à metodologia, busca pontuar e desenvolver os aportes teóricos comparatistas. Por meio dos estudos comparados é possível transitar com mais clareza por questões relevantes dessa disciplina, tais como intertextualidade, interdisciplinaridade, alteridade, identidade, nacionalidade, questões de tempo e espaço e de deslocamentos/viagens, levando-se em conta, é claro, o enfoque não apenas geográfico, mas também a identidade cultural dos textos do corpus, procurando ressaltar pontos em comum e níveis de alteridade entre os dois romances. Analisase, também, as suas influências, a riqueza de fontes históricas e literárias e a possível contribuição da literatura de viagem na formação de diversas culturas. / This paper, within comparative studies, is aimed at analyzing the concept of travel in two masterpieces of the writer Erico Verissimo – more precisely – A volta do gato preto and México. The methodological issue is focused on the development of comparative theoretical bases. The comparative studies goal allows them to interact and clarify relevant matters to this discipline, such as intertextuality, interdisciplinarity, alterity, identity, nationality and questions about time and space of commutation/travels. Of course, it also takes into account the focus not only on geographic areas, but also on the cultural identity of the confronted texts, which are the corpus of this dissertation. Thus, it is in this sense that this paper intends to act, always highlighting common points and alterity levels between these two novels. Furthermore, it is also necessary to analyze their influences, the value of the historical and literary sources and the possible contribution of travel literature in the formation of many cultures.

Este trabalho trata da abordagem de duas obras literárias como fonte de conhecimento histórico e as implicações dessa forma de olhar para a história e para a literatura. A lua vem da Ásia e O púcaro Búlgaro, obras do escritor mineiro Campos de Carvalho, são vistas sob a perspectiva de obras que, analisadas dentro de seu contexto histórico, são lentes através das quais podemos ver o que pensava o seu autor sobre a realidade que questionava, sem, no entanto, associar-se a nenhuma linha de pensamento pré-determinada, razão esta que fez com que seus livros desaparecessem das prateleiras e das análises de críticos especializados, numa época em que o engajamento político direto era condição determinante para ser lido. A análise da crítica social mordaz de Campos de Carvalho é feita através da perspectiva do riso e do risível nos dois romances analisados. O riso é visto como uma forma de apontar as falhas da sociedade massificante, consumista e belicosa que criticava. Os narradores de Campos de Carvalho podem ser lidos como gêmeos: “noite”/“dia”, revelam seu descontentamento com o mundo através do controle das narrativas, respectivamente, de A lua vem da Ásia e O púcaro búlgaro, e apontam, de formas diferentes, sua desesperança frente ao mundo. A questão da interdisciplinaridade também é discutida neste trabalho, num momento em que as diversas áreas de conhecimento dialogam entre si para se enriquecer mutuamente, uma vez que, de narrativas ficcionais, se podem extrair informações válidas para a pesquisa em história. / This work deals with the approach of two literary compositions as source of historical knowledge and the implications in that way of looking for the history and literature. A lua vem da Ásia and O púcaro Búlgaro, works of Campos de Carvalho, are seen under the perspective of works that, analyzed inside of its historical context, they are lenses through which we can see what its author thought about the reality that questioned, however, without to associate it to any line of daily opinion. This reason that did whit their books disappeared of the shelves and the analyses of specialized critics, at a time where the direct political engagement was decisive condition to be read. The analysis of mordacious social critic of Campos de Carvalho is made through the perspective of the laughter and of the laughable in the two analyzed romances. The laughter is seen as a form of pointing the imperfections of the society homogeneously, consumerist and belligerent that criticized. The narrators of Campos de Carvalho can be read as twins: "night"/"day", they reveal his dissatisfaction with the world through the control of the narratives, A lua vem da Ásia e O púcaro búlgaro, respectively, and they appear, in different ways its hopelessness front to the world. The interdisciplinarity is also discussed in this work, at a moment where distincts areas of knowledge dialogue amongst itself to enrich mutually. From fictions narratives can be extracted valid information for history investigation.

Paul Auster, um escritor norte-americano nascido em 1945, já publicou inúmeros romances, poemas e diversos textos críticos. É também tradutor, roteirista e já dirigiu filmes, como Sem Fôlego (1995). Seu trabalho integra as mais diferentes artes, como literatura, fotografia e cinema, aproximando-as dentro da própria narrativa literária. É ainda neste espaço que a figura do autor se problematiza, a partir dos nomes atribuídos a narrador e personagens, por exemplo. Um desses nomes pode ser ―Paul Auster-, mas, ao invés dele pode-se procurar deixar um espaço em branco, ou então negá-lo. Da mesma forma, quando fala de espaços, como aquele onde o escritor reside, o Brooklin, é sempre a partir de uma multiplicidade e de uma diferença cultural que não consegue fixar um único sentido ou origem. Seja, então, na autobiografia ou biografia, no diário, no retrato ou utilizando-se de elementos do documentário, sua obra aproxima a ficção de suas próprias ―verdades‖, deixando de lado o ―real preexistente‖ como ponto de partida, e baseando-se também na narração a partir da memória. Neste trabalho, esboçam-se aproximações entre sua obra e as de outros artistas, como Diego Velázquez, René Magritte e Orson Welles, para então repensar o que se entende pelo conceito de ―representação‖ nas artes, quais são seus limites, e como o próprio pensar artístico reflete (sobre) esse problema. / Paul Auster, a North-American writer born in 1945, has already published many novels, poems, and texts on art criticism. He is also a translator, scriptwriter and has directed films, such as Blue in the Face (1995). His work involves different arts, like literature, photography and cinema, approximating them inside the literary narrative. It is also in this space that the notion of ―author‖ is discussed, considering the names attributed to the narrator and the characters, for example. One of these names might be ―Paul Auster‖, but, instead of accepting this option, a blank space may be left, or the name could be denied. This way, when Auster mentions spaces, such as the one where the writer resides, that is, Brooklyn, it is always from a perspective of multiplicity and cultural difference which can‘t settle on one meaning or origin. May it be, then, in the autobiography or the biography, in the diary, the portrait or making use of elements from the documentary as a genre, his work makes fiction closer to its own ―truths‖, leaving aside the ―real‖ as a notion of something preexistent, and also taking the narration from the perspective of memory. This thesis establishes relations between Auster‘s works and the works of other artists, such as Diego Velázquez, René Magritte and Orson Welles, seeking to rethink what is understood by the concept of ―representation‖ in the arts, which are its limits, and how art can poetically reflect (on) this problem.