Made available in DSpace on 2014-06-11T19:27:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-07-05Bitstream added on 2014-06-13T19:35:37Z : No. of bitstreams: 1 motta_dar_me_ia.pdf: 1605635 bytes, checksum: 0851c0715a487a5f1282bf986a48b432 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Esse trabalho tem como foco a versão de “Quadros de uma Exposição” de Modest Musorgsky feita para violão solo por Kazuhito Yamashita. Através de uma contextualização histórica e estética, insere essa obra no cânone do repertório para violão e estuda os impactos causados pela gravação desta e por sua performance. Comparando-a com o original para piano e com a orquestração feita por Maurice Ravel, analisa as técnicas violonísticas empregadas de maneira incomum. Discute as formas de escrita para o violão, seus efeitos e possibilidades de execução / This work is about the guitar version of Modest Musorgsky’s “Pictures at an Exhibition” made by Kazuhito Yamashita. By an esthetic and historical context, analyses the insertion of this piece in the classical guitar repertoire and studies the impacts by the recording and performance of it. Making a comparison with the original piano piece and with the orchestration made by Maurice Ravel, makes an analysis about the guitar techniques used in an unusual way. Debates the guitar writing, his effects and the performance possibilities

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 122560.pdf: 10375402 bytes, checksum: 802c1a2fbbec7cad660684dd232c757c (MD5) Previous issue date: 2015-03-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research has as its main object the study of collaborative pianists and their musical skills, especially sight-reading. The purpose of this dissertation is to discuss how collaborative practice is conceived and carried out in the context of the University of the State of Santa Catarina UDESC. Therefore, the text is divided into three chapters. The first chapter presents a definition for collaborative pianists and their musical skills, with an emphasis on sight-reading. In the second chapter, we will briefly review the process of formation of piano students at UDESC. And the third chapter is the report of a workshop held with piano students of this university, in order to assess to what extent the collaborative activity is compatible with the professional and artistic expectations of these piano bachelor degree students. / A presente pesquisa tem como principal objeto de estudo o pianista colaborador e suas habilidades musicais, em especial a prática da leitura à primeira vista. O objetivo principal é discutir como a prática colaborativa é concebida e realizada no contexto da UDESC. Para tanto, o texto está dividido em três capítulos. O primeiro capítulo apresenta uma definição do pianista colaborador e das habilidades que o caracterizam, com ênfase na leitura à primeira vista. No segundo capítulo, faremos uma breve análise do processo de formação dos alunos de piano na UDESC. E o terceiro capítulo é o relato de uma oficina realizada com os alunos de piano dessa instituição, a partir da qual procuramos verificar em que medida a atividade colaborativa é compatível com as expectativas profissionais e artísticas de seus alunos de bacharelado em piano.

Orientador: Helena Jank / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-18T04:53:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pereira_LucianoSilveira_M.pdf: 11501288 bytes, checksum: 0a477da91c11cc3b36ae405f8265a1c5 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Este trabalho tem por objetivo oferecer, em uma visão contextual, subsídios para a interpretação da música clássica para clarinetistas modernos. O trabalho apresenta, inicialmente, as transformações organológicas pelas quais o clarinete passou, desde sua criação, no final do século XVII, até o final do século XVIII, quando o instrumento atinge sua tessitura completa. A seguir, concentra-se em aspectos interpretativos do repertório escrito para o clarinete de 5 chaves, o primeiro a agregar o registro grave, até então explorado apenas pelo chalumeau, e o registro agudo, próprio do clarinete barroco. Este clarinete - standart do período clássico - possui características sonoras semelhantes às do clarinete moderno. O repertório setecentista dedicado a este instrumento é um dos mais vastos da literatura clarinetística. Paradoxalmente, a maior parte deste repertório é praticamente desconhecida por clarinetistas modernos. As diretrizes interpretativas propostas por este trabalho enfocam dois aspectos principais: articulação e acentuação, fundamentando-se em tratados e métodos antigos para clarinete. Dentre estas publicações, foram selecionados seis métodos, com maior destaque para o Méthode de clarinette (1802) de Jean Xavier Lefèvre (1763-1820). Deste modo, é proporcionado ao intérprete moderno um contato direto com a literatura didática setecentista para clarinete. As informações contidas nestes métodos são comparadas com regras propostas por autores como: Leopold Mozart (1719-1787), Johann Joachim Quantz (1697-1773), Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) e Daniel Gottlob Türk (1750-1813). Com isto, esta pesquisa oferece a clarinetistas suporte para a execução e para uma compreensão mais profunda da música clássica, levando em conta uma abordagem histórica para este repertório / Abstract: This paper aims to provide support for the interpretation of classical music to modern clarinetists in a contextual way. The paper initially presents the transitions which the clarinet experienced since its creation in the late seventeenth century until the mid eighteenth century, when the instrument reached its full range. Next, the paper focuses on the interpretative aspects of the repertoire written for the five-key clarinet, the first one to have both the low register added to it, which had until then had been only explored by the chalumeau and the upper register which was typical of the baroque clarinet. The standart clarinet of the classical period has sound characteristics similar to the modern clarinet. The eighteenth-century repertoire dedicated to this clarinet is one of the most extensive ones. Paradoxically, most of this repertoire is almost unknown to modern clarinetists. The interpretive guidelines proposed by this work focus on two main aspects: the articulation and metrical stress, based on historical treatises and methods for the clarinet of that period. Among these publications, six methods were selected, with greater emphasis being given to the Méthode de clarinette (1802) by Jean Xavier Lefèvre (1763-1820). Thus, the modern interpreter is provided with a direct contact with the eighteenth-century didactic literature for the clarinet. The information contained in these methods are compared to the rules proposed by authors such as Leopold Mozart (1719-1787), Johann Joachim Quantz (1697-1773), Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) and Daniel Gottlob Türk (1750-1813). With that, this research provides support for the presentation and a deeper understanding of classical interpretation, taking into account a historical approach to this repertoire / Mestrado / Praticas Interpretativas / Mestre em Música

Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-05-22T13:26:46Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - João Henrique Thomé Santiago - 2017.pdf: 1363070 bytes, checksum: 5fbdbd407734f799897f47af07bc6445 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-05-22T13:27:09Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - João Henrique Thomé Santiago - 2017.pdf: 1363070 bytes, checksum: 5fbdbd407734f799897f47af07bc6445 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-22T13:27:09Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - João Henrique Thomé Santiago - 2017.pdf: 1363070 bytes, checksum: 5fbdbd407734f799897f47af07bc6445 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2017-04-24 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This research aims to comprehend the extent to which the virtual environment can be responsible for reuniting common identifications between individuals from distinct groups, resulting in the formation of an indie and hybrid music scene, represented by Goiânia Noise Festival, the main object of this dissertation. Therefore, the contextualization of Goiânia’s indie music, the identification of this music scene’s public, their characteristics and preferences, the understanding of the way how social network sites negotiate with the public’s different identifications and the evidence of the Internet’s role for music scenes’ development explored by Goiânia’s alternative festivals are all objectives and key points. In the qualitative and quantitative methodological course, bibliographical and documental researches, field observations (including online), photo analysis and questionnaires during the 22nd edition of Goiânia Noise were used. The obtained data, especially the ones from the 131 questionnaires’ answers during the event’s three days, were analyzed based on four fundamental axes: the cultural references and the Internet in Goiânia’s indie music scene context; the emergence of urban neotribes based on Goiânia Noise; the festival public’s cultural identifications, tastes and consumptions; and, lastly, the Web as a device for the event’s media viabilization. Conclusively, the hybridity and plurality of a scene and a public both considered neotribal, are partial, always anchored by the social network sites. / Com a presente pesquisa, busca-se compreender até que ponto o ambiente virtual pode ser responsável por reunir identificações comuns entre indivíduos de grupos distintos, resultando na formação de uma cena musical independente e híbrida, representada pelo Goiânia Noise Festival, principal recorte desta dissertação. Para tanto, a contextualização da música independente em Goiânia, a identificação das características e preferências do público da cena musical em questão, o entendimento da forma como os sites de redes sociais negociam com as diferentes identificações do público e a evidência do papel da Internet para o desenvolvimento de cenas musicais exploradas pelos festivais goianienses de música alternativa configuram-se como objetivos e pontos chaves. No percurso metodológico, de abordagem qualitativa e quantitativa, abarcam-se pesquisas bibliográficas e documentais, observações participantes (online e durante os festivais), análise de fotografias e a aplicação de questionários durante a 22.ª edição do Goiânia Noise. Os dados obtidos, principalmente aqueles que partiram das 131 respostas dadas aos questionários aplicados durante os três dias de evento, foram analisados com base em quatro eixos fundamentais: os referenciais culturais e a Internet no contexto da música independente em Goiânia; a formação de neotribos urbanas a partir do Goiânia Noise; identificações, gostos e consumos culturais do público do festival; e, por último, a Web como dispositivo de viabilização midiática do evento. Conclusivamente, aponta-se para uma confirmação parcial da hibridez e da pluralidade dos gostos, das preferências e das identificações de uma cena e de um público considerados neotribais, amparados essencialmente pelos sites de redes sociais.

Orientadores: Mauricy Matos Martin, Maria Lucia Senna Machado Pascoal / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-02T12:55:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bark_JoselyMariaMachado_M.pdf: 9214180 bytes, checksum: 09dbfa5113ed4ab4ea989eb9d1c5ce33 (MD5) Previous issue date: 2002 / Resumo: O presente trabalho tem como principal objetivo realizar uma análise da Sonatina para Piano de Alceo Bocchino. Para introduzir e contextualizar essa análise, apresenta na Primeira Parte um levantamento biográfico e histórico da vida do compositor. A Segunda Parte focaliza a obra. Introduz aspectos da Forma Sonata, bem como das formas características de cada um dos movimentos da Sonatina em questão: Toccata, Invenção e Cadenza. Segue com o estudo analítico da obra através das técnicas de análise musical desenvolvidas por Arnold Schoenberg e John White, e fundamentos teóricos sobre a harmonia do século XX, segundo Vincent Persichetti. Desse estudo são levantadas sínteses a respeito da linguagem empregada, quais os elementos composicionais característicos utilizados pelo compositor e como ele os manipula. Também de acordo com esse estudo analítico, estão indicadas sugestões sobre a execução da obra, apontando aspectos relevantes da interpretação pianística. A conclusão reúne as informações de maior interesse obtidas da análise efetuada, das orientações do próprio compositor a respeito da execução da obra, e da entrevista complementar realizada com o mesmo e com o fagotista Noel Devos no Rio de Janeiro. Em anexo se encontram: a edição do manuscrito original, realizada com uso de software de editoração de partituras musicais, e um CD com a gravação da obra; ambos executados pela autora dessa pesquisa / Abstract: The main objective of the present research is to ana1yzethe Sonatina for the Piano of Alceo Bocchino. In order to introduce and to structure the Analysis, the First Part presents biographical and historica1 data of the composer's life, while the Second Part focuses on the piece. The Second Part starts with aspects of Sonata Form and introduces the forms involved in each movement of the Sonatina: Toccata, Invention and Cadenza. It follows with the Analysis of the piece according to the techniques of musical ana1ysis developed by Amold Schoenberg and John White, and theoretical approaches about twentieth-century harmony by Vincent Persichetti. The analytical process leads up to syntheses, where it is possible to identify the compositional language used, the typical compositional elements, and how the composer uses them Furthermore, according to this ana1ytical study, there are suggestions concerning the performance of the piece, pointing to relevant aspects of piano interpretation. The conclusion gathers the most prominent information acquired from the Analysis, from the composer's advices on the performance of this piece and from the complementary interview with the composer and with the bassoonist Noel Devos in Rio de Janeiro. As appendixes, there are the edition of the original manuscript, which was developed with the use of appropriate eletronic software designed for musical editions, and a recording on CD ofthe piece, performed by the author ofthis research / Mestrado / Artes Musicais

Orientador: Emerson Luiz de Biaggi / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-27T09:43:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sacco_AnaCarolinaRobusti_M.pdf: 15590996 bytes, checksum: ae62d7c571cb9ee599acbdfd96cc3ecb (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: O objeto de estudo deste trabalho é a peça "Trio das Águas" composta por Ricardo Tacuchian no ano de 2012 e dedicada ao Terra Brasilis Trio, grupo no qual a autora desta dissertação atua como pianista. O primeiro capítulo aborda aspectos do ofício de compositor segundo Tacuchian, seus anseios e motivações para compor, fazendo ainda uma breve explanação a respeito dos fundamentos teóricos do Sistema ¿ T, ferramenta de controle de alturas desenvolvida pelo compositor no início dos anos 80 utilizada para a composição do "Trio das Águas". No segundo capítulo identificamos aspectos relevantes do emprego do Sistema ¿ T e que serviram de base para estruturar esta primeira interpretação. As sugestões interpretativas aqui encontradas baseiam-se no trabalho em conjunto dos primeiros intérpretes da obra com o compositor, buscando melhor compreensão de suas ideias quanto à concepção da obra, sonoridade e articulações desejadas. Os anexos consistem em textos de autoria do compositor sobre a abordagem estética em suas obras e seu Sistema ¿ T, disponibilizados pelo mesmo, e que deram suporte a essa dissertação. Ao levantar essas informações, o presente trabalho tem por objetivo dar subsídios aos futuros intérpretes desta peça no desenvolvimento de uma interpretação coerente com as idéias do compositor / Abstract: The subject of this dissertation is the piece "Trio das Águas" (Water¿s Trio) composed by Ricardo Tacuchian in the year 2012 and dedicated to the Terra Brasilis Trio, ensemble where the author of this dissertation acts as pianist. The first chapter addresses aspects of the composer¿s craft, his wishes and motivations to compose it, and explains the T-System (Sistema ¿T), a pitch control tool developed by the in the 1980¿s used in the composition of the "Trio das Águas". In the second chapter, we identify relevant aspects of the use of this T-System that worked as basis for the first interpretation of the piece. The interpretative suggestions are based in the collaborative work of the first interpreters with the composer, seeking a better comprehension of his ideas about the concept of the work, sonority and desirable articulations. The attachments consist of texts by the composer about the aesthetical approach in his pieces and the "Sistema ¿ T". These texts, made available by the composer himself, served as basis for this dissertation. The present dissertation has as its goal to offer support to future interpreters of this piece, facilitating the development of an interpretation coherent with the composer¿s ideas / Mestrado / Praticas Interpretativas / Mestra em Música

La guitarra andina solista viene tomando mayor presencia en las últimas décadas debido a la labor de los músicos cultores del instrumento, la cual se ha diversificado en cuanto a interpretación, sistematización de la enseñanza y aprendizaje y al campo laboral artístico en el cual se desenvuelven. La presente investigación analiza los aspectos sustanciales de la formación de la técnica de la guitarra andina de concierto, con el propósito de proponer bases para el estudio y el reconocimiento de esta práctica instrumental y sus intérpretes. En la primera parte, se analiza el proceso por el cual la guitarra andina ha ido tomando presencia y vitalidad en los ámbitos de concierto. Para ello, se revisan aspectos históricos de la llegada de la guitarra al territorio andino peruano, el desarrollo del formato solista y la sistematización de los conocimientos que se generaron en este proceso, el cual ha sido plasmado en obras, repertorios y métodos de enseñanza y aprendizaje. En la segunda parte, se analizan los aspectos propiamente guitarrísticos de la formación del bagaje de técnicas aquí denominado guitarra andina, entre estos, la ergonomía con respecto al instrumento, la cual involucra aspectos de postura corporal y el posicionamiento de ambas manos, aspectos de la producción sonora y formas de articulación, aspectos de motricidad y adiestramiento en cuanto a la coordinación motora de la mano derecha por medio de ejercicios y estudios. Se devela de esta manera, la existencia de un proceso de profesionalización de los concertistas de guitarra andina, basado en su formación técnica interpretativa y en la visibilización de su producción artística. / The Andean solo guitar has been gaining more presence in recent decades due to the work of the musicians who practices the instrument, which has diversified in terms of interpretation, systematization of teaching and learning and the artistic work field in which they develop. The present research analyzes the substantial aspects of the formation of the Andean concert guitar technique, in order to propose theoretical bases for the study and recognition of the practice of the instrument and its interpreters. In the first part, the process by which the Andean guitar has been gaining presence and vitality in concert is analyzed, for this, historical aspects of the arrival of the guitar to the Peruvian Andean territory, the development of the soloist guitar format and the systematization of the knowledge that was generated in this process are reviewed, which has been particularly guitar aspects in musical pieces, repertoires and teaching-learning methods. In the second part, the guitar aspects of the formation of the technique called Andean guitar are analyzed, among these, ergonomics with respect to the instrument, which involves aspects of body posture and the positioning of both hands, aspects of sound production, forms of articulation, motor skills and training in motor coordination of the right hand through exercises and studies. In this way, it`s revealed the existence of a process of professionalization of Andean guitar musician soloists based on their interpretive technical training and artistic production.

En la actualidad, uno de los rasgos que distingue a la música criolla peruana frente a otros estilos musicales, es el rol particular de la guitarra sobre todo en las introducciones de las canciones. La mayor parte de los valses grabados por la industria musical criolla han colocado a las melodías ejecutadas por la guitarra como el elemento característico por encima de otras apuestas musicales. Sin embargo, esto que hoy parece ser el rasgo distintivo más importante de este estilo musical, no fue siempre lo que lo determinó. En ese sentido, la presente investigación busca identificar los factores que contribuyeron a que la guitarra se torne en un elemento protagónico en el vals criollo en el proceso de su evolución alrededor del periodo de la década de 1950, época en la que la guitarra paso de ser un instrumento acompañante a desarrollar ciertos recursos estilísticos que favorecieron la adquisición de un papel determinante en el imaginario de la música criolla. Para identificar las características interpretativas y los estilos en la guitarra que se manejaron en el vals criollo de este periodo, se identificará los elementos estilísticos y los intérpretes que contribuyeron a la consolidación de la guitarra en el vals criollo durante la década de 1950; así mismo, se reconstruirá el perfil estilístico de las introducciones a través del análisis musical de grabaciones de la década de 1940 y 1950, resaltando el rol de la guitarra en el género para entender cómo estos recursos se posicionaron como uno de los símbolos fundamentales de la música criolla. Los factores encontrados que favorecieron el rol protagónico de la guitarra en el vals criollo se hallan en los barrios donde fue interpretado, en los géneros musicales que lo influenciaron y en los medios donde fue difundido, como la radio y el cine; además de los aportes de los guitarristas de esa época. La guitarra como instrumento protagónico del vals criollo adquirió en las décadas mencionadas, un perfil con un conjunto de elementos estilísticos.

Este documento de tesis aborda como problema de investigación la interacción de la música y la imagen en la construcción del significado del film documental Koyaanisqatsi (1982). En nuestra investigación, Koyaanisqatsi representa un problema de investigación en sí mismo en tanto, por un lado, tiene cualidades poco convencionales o experimentales que corresponden a un modo poético de realización documental y, por otro lado, el film deja abierta la posibilidad a múltiples interpretaciones pues, como indica su director, Godfrey Reggio, depende del espectador encontrar el significado del film y completarlo. La música y la imagen representan los principales estímulos que componen este film, de manera que nuestra aproximación metodológica consiste en la observación, escucha y análisis de los componentes constitutivos de la música y la imagen del film con la finalidad de comprender cómo éstas, en su combinación, o interacción, construyen el significado de la obra audiovisual. La investigación revela relaciones entre música e imagen cuyas características construyen en el film la representación audiovisual de una sociedad contemporánea occidental en decadencia y autodestrucción, donde el ser humano, inmerso en un mundo moderno y tecnológico, se muestra alienado y deshumanizado, en oposición a un mundo ancestral de quietud, contemplación y equilibrio con la naturaleza majestuosa que el film pone en vigencia. / This thesis addresses as a research problem the interaction of music and image in building the meaning of documentary film Koyaanisqatsi (1982). In our research, Koyaanisqatsi is a problem in itself because, on one hand, it has experimental and non conventional qualities that belong to a poetic mode of documentary filmmaking and, on the other hand, this film leaves the open door for multiple interpretations by the audience as film director, Godfrey Reggio, refers that it’s up to the viewer to find and fulfill its meaning. Music and image are the main stimuli that take part on this film, so our methodological approach involves observing, listening and analyzing the main components of both music and image in the film pursuing to comprehend how their combination or interaction build the film meaning. The research reveals music and image relationships and characteristics that build and describe an audiovisual representation of the decline and self-destruction of a contemporary and occidental society in which humans, surrounded by a technological world, are alienated and dehumanized as opposed to an ancestral, natural, still, and well-balanced world that this film validates and legitimaze.

El cine social latinoamericano ha atravesado varios procesos de crecimiento y evolución con el paso de los años. Lo que también implica el desarrollo de un arte que encontró un potencial único, producto de la unión con este: la música. La música jugó un papel muy importante en el desarrollo del lenguaje de este estilo cinematográfico y en su reconocimiento a nivel mundial. Gustavo Santaolalla fue una figura trascendental en todo este proceso, puesto que, con su estilo minimalista adaptado a medios audiovisuales, logró plantear un nuevo tipo de composición musical para el género. Su faceta de compositor de películas comenzó a inicios del 2000 y significó una destacada trayectoria. En esta, perfeccionó un estilo caracterizado principalmente, por emplear elementos folclóricos en su música y adaptarla a un contexto cinematográfico, lo que le dio al cine latinoamericano una identidad musical propia y le valió reconocimiento mundial. Tras su consagración, realizadores y compositores en todo el continente empezaron a usar este estilo, cuando de cine social se trataba. Se puede hablar claramente de un impacto, que para esta investigación se centrará únicamente en el Perú, donde los compositores de música para cine adoptaron el nuevo estilo propuesto por Santaolalla y lo adaptaron al cine social nacional.