This paper will be focusing on sound mixing in film by using a comparative study. This article will try to find out if there is a way to use Michel Chion’s and Walter Murch’s sound design theories as design methods and compare them with each other. To test their theories we did our own sound design and sound mixing to a short film. During the mixing process we split up the project and worked on two different mixes. Strictly following the theories of Murch and Chions theories. During the comparison which contains the questions about effectivity, quality and priority in the mix we figured out that both theories could be used as a design perspective since they are both able to be divided into methods. / Denna undersökning kommer att fokusera på ljudmixning inom film med användandet av komparativ metod. Artikeln kommer försöka ta reda på om det går att använda sig utav Michel Chion och Walter Murch ljuddesignteorier som designmetoder och jämföra dem med varandra. För att testa deras teorier gjorde vi vår egna ljuddesign och mixning till en kortfilm. Under mixningsprocessen delade vi upp projektet och arbetade med två mixningar och strikt följde deras teorier. Under jämförelsen vilket innehåller frågor om effektivitet, kvalitet och prioritet i mixen fick vi reda på att de båda går att använda som designperspektiv då respektive teorier gör det möjligt att dela upp de i metoder.

De senaste åren har surround-formatet Dolby Atmos blivit allt mer populärt inom musikproduktion. Musikproducenter och mixare världen över har börjat inse de möjligheter och fördelar som Dolby Atmos kan bidra med till ens egna producerande och mixande. Många artister och band väljer nu även att göra mixar i Dolby Atmos av sin redan befintliga stereo-katalog. Vissa utnyttjar formatet mer extremt och panorerar ljud åt alla olika håll och kanter i rummet medan andra använder formatet mer subtilt och kanske endast strävar efter en bredare stereo-upplevelse. Hur skulle det låta om jag mixade om två av mina låtar i Dolby Atmos, låtar som jag redan producerat och mixat i stereo? Kan spatialt ljud ge min musik nytt liv och förhöja den musikaliska upplevelsen? Denna text fokuserar kring mitt utforskande och min upplevda process av att mixa i Dolby Atmos. Syftet med projektet är att utforska produktion och mixning i Dolby Atmos för att således erhålla mer erfarenhet och kunskap som producent och mixare. Ett delsyfte är även att undersöka skillnader inom arbetsmetoder från att mixa i stereo kontra att mixa i Dolby Atmos och på ett djupare plan skaffa mig en större insikt i hur den upplevda surround-känslan i Dolby Atmos kan upplevas av min egenproducerade musik både för mig personligen och för utomstående parter. Projektet avslutas med ett genomförande av ett lyssningstest där jag bjuder in lyssningsdeltagare för att lyssna på och jämföra stereo-versionen med Dolby Atmos-versionen. Dagbok och anteckningar i min smartphone har förts under processens gång samt ljudupptagning av intervjuerna från lyssningstestet. Undersökningen mynnar ut till resultat och avslutande diskussion där jag jämför stereo och Dolby Atmos med varandra och kommer fram till att formaten erbjuder sina egna förmåner och fördelar till att mixa musik. Undersökningen avslutas med förslag till framtida forskning inom området.

Bluegrass är en energi- och glädjerik genre som kräver mycket samspel och kommunikation mellan alla musicerande. Detta gör det svårt att fånga genren bra under organiserade inspelningsförhållanden utan att tappa själen i musiken. Syftet med mitt arbete är att undersöka hur olika inspelningssätt, såväl tekniska som miljömässiga, påverkar musiker, instrument, ljud och känsla. Tre olika inspelningar har genomförts, en utomhusinspelning, en inspelning i studiomiljö samt en inspelning under en livekonsert. En mix mellan utomhus- och studioinspelningen skulle med facit i hand varit det allra bästa. Inspelningstekniken och miljön behöver anpassas efter den ensemble som ska spelas in. Allt beror på i vilket sammanhang musikerna känner sig avslappnade och trivs bäst. Det viktigaste som inspelningstekniker och producent är att skapa rätt förutsättningar för musikerna och att inspelningstekniken anpassas efter det sammanhanget. / <p>En inspelning från varje tillfälle medföljer, totalt tre inspelningar.</p><p>Den första är låten "Ill Fly Away" från utomhusinspelningen.</p><p>Den andra låten är "Man of Constant Sorrow" från studioinspelningen.</p><p>Den tredje låten är "Will the Circle Be Unbroken" från livekonserten.</p><p>Videodokumentären och musikvideos från respektive tillfälle finns på www.rebeckaroberts.com</p>

Teorier inom psykoakustik, ljudens funktion i spel och modeller för kategorisering av ljud lägger en grund för definitionen av ljud som kommunikation. Verktygen för adaptiv mixning tycks bristfälliga för en kommunikativ ljudbild utan estetiska kompromisser. Spel som Overwatch och Torchlight 3 utforskar nya sätt att tekniskt lösa klarhet i mixen men misslyckas med att presentera en ny standardiserad modell. Genom definitioner av begreppen genre och immersion samt en analys av ovan nämnda spel,har den här studien därför undersökt möjligheterna för en sådan modell. Ett genrespecifikt mixsystem har skapats och applicerats på ett ARPG som utvärderats i jämförelse med den tidigare spelspecifika mixen. Det har sedan kunnat konstateras att genrespecifika parametrar kan användas som grund för prioriteringssystem i adaptiv mixning. Detta kan effektivisera processen och möjliggör också teknisk klarhet utan estetiska kompromisser. Fortsatt forskning på fler genrer och genrespecifika parametrar förväntas kunna standardisera ett nytt verktyg inom adaptiv mixning av spel.

I detta arbetet så analyserar jag soundet ifrån tre framgångsrika musikproducenter inom popmusiken samt återskapar deras sound på mina egna låtar. Detta görs genom en grundlig analys i tre steg. Resultatet blev tillfredställande då jag har fått ett par ”aha-upplevelser” som direkt höjt kvalitén på mina produktioner.

Detta kandidatarbete undersöker ljudbilder i film och vad som påverkar ljudbildens mättnad. Med stort fokus på Walter Murchs Dense Clarity, Clear Density (2005) bryter vi ner uppbyggnaden av en ljudbild för att få bättre förståelse kring detta. Med en egenframtagen analysmetod som fokuserar på filmers ljudbild analyserar vi scener ifrån flertalet filmer och tv-program, hittar mönster kring deras ljudläggning och hur det påverkar ljudbilden. Därefter bygger vi upp en lista med förhållningspunkter för olika typer av ljudbilder. Resultatet av undersökningen blir en förklaring av hur man uppnår olika former av ljudbilder i film och varför det blir så.

There are many useful guidelines and theories to be found on mixing and mastering. One of these statements is that the monitoring level affects how well one can detect and evaluate the Dynamic Range Compression (DRC) when mixing. However, some of the sources that support this idea are contradictory as to whether a low or high monitoring level is better for this purpose. No previous research on this subject has been found, even though monitoring levels are presumed to be essential for the mixing and mastering engineer. The aim of the study was to investigate if the monitoring level will affect the listeners’ detection threshold for DRC when applied to a vocal track. For this, one higher and one lower monitoring level was chosen, and a simple up-down method was used to obtain the X50 in each monitoring condition, in which these were compared. The results indicate that the monitoring level does not affect the listeners’ threshold of detection for DRC. Moreover, it can be stated that the monitoring level in which the participants had the most habit of working in did not affect the result either. This research can be used to take more informed decisions regarding monitoring levels and to revisit some previous observations.