Dissertation--Kunstgeschichte--Bern, 1984. / Bibliogr. p. 343-376.

Que le dépaysement soit devenu la méthode du processus créatif tel est le point de départ de cette réflexion qui prend appui sur un travail plastique personnel développé ces dix dernières années. Une recherche picturale qui devient le révélateur de cette expérience du prépictural, à partir de l'espace perçu et vécu. Exploration qui se renouvelle à même la toile, dans un dialogue dynamique entre paysage intérieur, le paysement et celui de la découverte, le dépaysement. L'espace pictural est construit, structuré et spatialisé à partir des seules couleurs du noir et blanc. Le dépaysement devient alors l'opération qui occasionne des transformations, des glissements, des débordements dans le lieu de la peinture. Celui-ci est en devenir, ni figé, ni statique, il est en mutation permanente car c'est bien à partir des impressions, des sensations et de la sensibilité de l'artiste que la relation au monde se modifie et engendre alors une nouvelle esthétique. Déplacée vers l'architecture, l'expansion du pictural propose au spectateur un nouveau dépaysement, dans le lieu d'exposition. / The starring point of this reflection, based on a personal plastic work developed in the last ten years, is the fact that an experience that I defined "dépaysement", a kind of “displacement in painting", has become my creative process method. This pictorial research becomes the indicator of the pre-pictorial experience, starting from the space that we have seen and lived. This exploration renews itself on the canvas, by the means of a dynamic dialogue between the internal landscape and that of discovery, this displacement. In the picture the space is built, structured and shaped from black and white only. The "dépaysement" becomes the operation that causes transformations, slidings and overflowings of this space, which is not static, but keeps changing and is constantly brought into being by the Impressions, the sensations and the sensibility of the artist, because his relationship with the world changes and generates a new aesthetic, Finally the pictorial expansion, shifted towards the architecture, proposes to the spectator a new disorientation in the exposition place.

La figure de l’homme a traversé l’histoire de la représentation, mais les valeurs signifiantes du mondecontemporain ne sont plus compatibles avec les conditions d’une histoire de l’idéal humain classique. Eneffet , face à l’évidence des changements induits par les avancées technologiques, nano et biotechnologiques,numériques, cognitives et génétiques, l’apparition d’une humanité augmentée semble irréversible. Entrel’angoisse d’un avenir profondément détérioré par les assauts d’un ultra libéralisme et le messianisme destechnoprohètes , l’expression d’un corps autre, « posthumain », conjugue émancipation narcissique, recherchescientifique, et hybridation corporelle. Le dispositif posthumain, qui émerge comme une des manifestations de«l’esprit du temps » dominant, peut se comprendre comme une « Vanité contemporaine ». Ce dispositif entenddépasser l’humain, construire un nouvel imaginaire, et chemin faisant, inventer une nouvelle représentationfigurative de l’individu.Dans le champ des arts plastiques, « le dispositif posthumain » donne lieu à de multiples expressionsqui en soulignent les incohérences, et surtout dénoncent certains déterminismes scientifiques. Conscient del’importance de ces enjeux scientifiques, culturels et idéologiques et souhaitant demeurer dans la logiqueinterrogative qui définit le champ des arts plastiques, / In front of the changes inferred by technological breakthroughs, nano and biotechnological, digital,cognitive and genetic, the appearance of a « increased » humanity seems inflexible. Between the anxiety of afuture profoundly damaged by the assaults of ultra liberalism, and the messianism of « technoprohets », theexpression of an other body, « posthuman « , conjugates narcissistic emancipation, scientific research, andphysical hybridization. The figure of the man crossed the history of the representation, but the significantvalues of the contemporary world are not compatible any more with the conditions of a history of the idealclassic human being. The « posthuman plan », which emerges as « spirit of the times », can understand as a« contemporary Vanity ». This device intends to overtake the human being, to build a new imagination, andcertainly to invent a new history of the representation of the individual. In the field of the plastic arts, « theposthuman device » give rise to multiple expressions who underlines the incoherence, and especially denouncescertain scientific determinisms. Aware of the importance of these scientific problems, but wishing to remainin this inquiring logic which defines the field of the plastic arts, I wanted to propose a plastic expression inall these questions. Three attitudes were respected to succeed for confining this question of the representationof the posthuman being. These attitudes could correspond in a kind of declension of the time : the end of thehumanism, the birth of a « increased » humanity, and finally, the appearance of a « posthuman being ».

Résumé. Le sujet de ce mémoire d'arts plastiques est d'étudier « le branle du statut de l'image » selon l'expression d' Anca Vasiliu , mais d'une image contemporaine par le biais d'une peinture de recherche. Cette étude passe par le paradigme de l'aura Benjaminienne puis son application rapportée à la notion de matrice (chôra Platonicienne) en condition de lumière particulière (le diaphane). Une forme sans forme, celle d'une « chôra diaphane » , comme volumétrie transparente du tableau est déduite et s'agrège autour d'un volume reformulant son percept.C'est ainsi que l'analyse étudie les propriétés d’un subjectile devenu biface pour le plasticien et le regardeur où la couleur incorpore la rétention lumineuse singulière d’un châssis. L'étude débouche sur un constat plastique, celui d'un dispositif cathartique hybride nécessitant un travail de synthèse : la percolation du feuil peint par le regard où des plans (toiles) complexes sont explorés. La conclusion se porte alors sur l'évolution du médium Peinture en direction de ce subjectile à l'aura reformulée dans l'ensemble du champ dit « postmoderne ». / Abstract. The subject of this visual arts dissertation is to study "the motion of the status of the image", a contemporary image through a painting of research. This study goes through the paradigm of the Benjaminian aura and its application related to the notion of matrix (platonic chôra) in particular light condition (diaphanous). A formless form, that of a « diaphanous chôra », as a transparent volumetry of the painting is deduced and aggregates around a volume reformulating its percept. This is how the analysis studies the properties of a substrate that has become biface for the visual artist and the viewer where color incorporates the singular luminous retention of a frame. The study leads to a plastic finding, that of a hybrid cathartic device requiring a synthesis : the percolation of the film painted by the look where complex plans (canvases) are explored. The conclusion then turns on the evolution of the painting medium in the direction of this substrate to the reformulated aura throughout the "postmodern" field.

En 1981, le sort de la peinture fait l'objet d'annonces les plus contradictoires de part et d'autre de l'Atlantique : un « nouvel esprit en peinture » est célébré au moment même où est promulgué l'acte de décès du medium. Emblème du modernisme greenbergien et repoussoir bourgeois mis à mal par les avant-gardes des années 1960 el 1970, la peinture est prise pour cible privilégiée des théoriciens du postmodernisme, qui réaniment le poncif de la rivalité avec la photographie. Une fois élucidés les enjeux marchands ou idéologiques associés à ces stratégies institutionnelles et théoriques. il s'agira de confronter le discours critique à l'analyse des procédures artistiques élaborées entre le début des années 1960 et la fin des années 1980. Loin d'exclure l'un ou l'autre medium, ces procédures travaillent à de continuelles reconfigurations de combinaisons entre la peinture et la photographie. / In 1981, the fate of painting subject to the most contradictory declarations on both sides of the Atlantic : “A New Spirit in Painting” is celebrated as the medium 's death certificate is being promulgated Symbol of the greenbergian 's modernism and repoussoir bourgeois, damaged by the avant-garde from the Sixties and Seventies, painting is the target of choice for post-modernism theoreticians, who revive the cliché of rivalry with photography. Once clarified the economic or ideological stokes associated with institutional and theoretical strategies, it will be necessary to confront the critical discourse to the analysis of artistic procedures elaborated between the early Sixties and late Eighties. Far from excluding either of these two mediums, these procedures act towards continuous reconfigurations of combinations between painting and photography

Doctorat en philosophie et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

La thèse l'oeil qui rendroit le plus barbare apris comprend un effort pour analyser les aspects de la rencontre de la poésie, des arts visuels et de la musique de la renaissance française. pour atteindre notre objectif, nous nous servirons de l'histoire et de la philosophie. ainsi notre approche sémiologique et en même temps humaniste apportera un tout nouveau regard sur les premières oeuvres de la modernité en france. notre étude commence par la poésie de pétrarque mais met l'accent sur l'oeuvre de jean lemaire de belges, pierre de ronsard, joachim du bellay, michel-ange (poésie et peinture), etienne jodelle et bien d'autres. quant aux peintres, nous analyserons les tableaux de l'ecole de fontainebleau, jean fouquet et jean clouet. de plus il s'avèrera profitable d'ajouter les images qui se trouvent dans les enluminures de l'époque. cette thèse s'enrichira avec les bâtiments renaissants français et la chanson de l'époque. les traités de peinture, architecture et poésie de cette époque nous aideront à mieux comprendre l'importance et la signification des formes, couleurs et thèmes, et aussi la relation qui existe entre les arts et la poésie de l'époque. a partir de la lecture des traités on peut apercevoir que l'humanisme joue un rôle déterminant dans le développement de la poésie, des arts visuels et même de la musique. /... / To find a definition of a complex concept such as melancholy, we decided to write a history of passions, because they are at the origin of all the excesses of this temperament. After an Antiquity that has promoted stoicism, Augustine proves that passions make us feel closer from God, imitate the existence of Christ and get to know the mercy. Thus, the melancholy is may be the temperament of wise persons, and also, according to Aristotle, the one of the heroes and the artists. For us, the parallelisms between the Vitruvian rhetoric and the elements of Durer’s Melencolia I emphasize the importance to find the order in the chaos of the imagination produced by the excess of black bile, specially among the artists. This representation of the melancholy like a lack of internal harmony belongs to the early years of the 16th century. A few years later, the French hypermanierisme let us understand that the ornament in buildings and paintings tried to fill spiritual emptiness of the period we are studying. Melancholy is the fear of nothingness.

Jusqu'à récemment, l'industrie chimique se contentait de développer des produits en répondant exclusivement à des contraintes de prix et de performance sans accorder d'importance à l'origine et à la toxicité des matières premières utilisées. Cependant, face à la diminution des ressources pétrolières et aux enjeux environnementaux, le développement de produits durables a connu un fort essor au cours des dernières années et confronte dorénavant les chimistes à de nouvelles contraintes sanitaires et environnementales. Dans ce contexte, la vieille chimie des peintures alkydes a été remise à l’ordre du jour, puisqu'utilisant un liant issu d'une polycondensation entre des matières premières renouvelables. Le séchage d’une peinture alkyde implique à l’heure actuelle un mécanisme oxydatif nécessitant d'être catalysé par des sels de Cobalt pour se produire en moins de 6 h. Ces catalyseurs sont potentiellement cancérogènes et soumis au règlement REACH. Après un état de l'art sur les alkydes et les alternatives aux sels de cobalt, trois mécanismes de réticulation ont été proposés afin d'offrir une alternative viable au séchage oxydatif. Ces trois mécanismes reposent sur une réaction chimique à température ambiante entre deux groupements fonctionnels. Plusieurs résines alkydes biosourcées et ainsi fonctionnalisées ont été synthétisées et caractérisées par mesures physico-chimiques. Leurs performances de séchage ont ensuite été évaluées et comparées au séchage oxydatif d'une résine alkyde conventionnelle par mesure de leur dureté Persoz, leur jaunissement dans le temps, leur brillance ou encore par mesure d'angle de contact. / Up to recently, the origin and toxicity of raw material were not a major concern for the chemical industry, the main drivers of innovation being cost and performance. Increasing awareness of sustainability, supported by both public opinion and governments, is now adding a new constraint for chemists to take into account the origin of the raw materials used. In this context, alkyd coatings are making a huge comeback, because based on a binder obtained by polycondensation reactions of renewable raw materials. Conventional alkyd paints chemically dry through an oxidative mechanism, which requires cobalt salt to occur in less than 6 h. Chemical regulations such as REACH tend to limit the use of colbalt salts, because of their potentially carcinogenic effect. After reviewing the current state-of-the-art regarding conventional alkyd resins and cobalt salts alternatives, we proposed three new non-oxidative drying mechanism, each involving a chemical reaction between two key functional groups. Several biobased alkyd resins bearing these chemical groups were synthesized and characterized by physico-chemical analysis. Their drying performances were evaluated by following over time the Persoz hardness, the gloss, the yellowing or the contact angles. These non-oxidative crosslinking mechanisms were then compared with the oxidative drying of a conventional alkyd binder.

Mon sujet de thèse sur "La peinture à Montpellier de Sébastien Bourdon à Joseph- Marie Vien" tend à fédérer dans un premier temps les recherches qui ont été effectuées par bribes sur les peintres montpelliérains du XVIIe et XVIIIe siècles (Antoine Ranc (1634 - 1716), Jean de Troy (1638 - 1691), Etienne Loys (1724 – 1788) , Jean Coustou (1719 – 1791)...). Elles permettent de retracer le contexte artistique et historique du foyer culturel de la ville à travers les nombreuses commandes privées et publiques. Il est aussi intéressant de se demander s'il existe une école montpelliéraine dans laquelle la création des Académies aurait pu avoir un rôle. Enfin cette étude permettra de comprendre quelle est la place artistique de la cité montpelliéraine par rapport aux deux autres grandes provinces du sud que sont Toulouse et Marseille. / This study draws the history of painting in Montpellier in the 17th and 18th centuries, through the careers of Sébastien Bourdon (1616-1671) and Joseph-Marie Vien (1716-1809). Although these two masters are internationally recognized, their influences on local painting remained to be defined, just like those of three other academicians: Hyacinthe Rigaud (1659-1743), Jean Ranc (1674 - 1735) and Jean Raoux (1677-1734). This study not only aims at analysing works by painters now famous, but also at revealing other contemporary artists as well as local workshops, which were opened to multiple influences. These workshops and artists were at the forefront of the paintings done in Montpellier up to the end of the 18th century. Some were more important than others, as those of Flemish masters at the beginning of the 17th century, of Paul Pezet ( ? – 1687) and of Antoine Ranc (1634 - 1716) during the Classical Age or even those of Etienne Loys (1724 - 1788) and Jean Coustou (1719 - 1791) in the 18th century. The latter trained the great masters from Montpellier who became academicians. This study means to define the essence of this local painting and its models. The issue of academies also partakes of our domain of research. Several attempts at creations of academic schools marked out these two centuries: be they, that of Sébastien Bourdon in 1649, that of Jean de Troy (1638-1691) in 1679, that of Jacques Giral (1684-1749) in 1737 and finally “la Société des Beaux-arts” (the Company of the Fine arts) in 1779. They are studied along with other southern academies of art, in Toulouse and Marseille. Thus, this analysis of local workshops and academies interrogates the notion of school in Montpellier, thereby registering this research at a more global scale, by comparing its results with the matching productions of other artistic centers in the same area, but also of Parisian and European great masters.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.