These pages include parts of the process diary, notes on process, reading, as well as photos from my research process.  These are abstracts of my research and therefore curated in their own right to show not only my somewhat sprawling process but also my honest attempt to share how I document and research in my process. These “written expositions” mirrors how I gather material when I work as a performer and performance maker. This document is as much about me finding out what I did in the project as you are attempting to understand the project´s content, methods and results. It is me looking at the produced material from the outside, curating it to try out words on the method, content and material. I have written about the work reflectively at the same time as I invite you into this action. It´s speculative and intimate.   During my master studies in Performing Arts, I have reflected on what it means to be a performer beyond the symbolic meaning of it- such, as being material or representation for someone else work. I have investigated what the performer spends time doing and reflecting on beyond what is seen “on stage”, and present that, whatever it is and looks like. I have then, in my final degree project, looked at how I can use my gained knowledge as a mainly interactive performer in relation to performance arts and black feminism theory to create my own artistic practice.   My aim has been to do this by being, meaning to exist with, breathing with, becoming part of, attending to and situating myself in relation to performance arts and black feminism theory in a mindful manner.

This thesis engages with complex issues of musical expression and movement, and their relation, on the one hand, to musical structure and, on the other hand, to embodied musical experience. It aims to fill a gap in music theory and analysis: most methods overemphasise abstract conceptualisation of structural relations at the expense of the more dynamic, intuitive aspect of musical experience. As a solution, it offers a specific analytical method that can be used to explore dynamic aspects of music as experienced through the whole body. Drawing mainly on nineteenth-century piano music, I analyse aspects of structure in both composition and performance in terms of expressive and motional qualities, revealing the relationship between musical and physical movement. Expressivity in music derives its meaning, at least partly, from the embodied experience of music: performers shape expression through their whole body while listeners react to it in a comparable way, albeit less overtly. Two related systems of graphic notation are introduced, which provide a non-verbal means of representing expressive movement and at the same time encourage an immediate, visceral relationship to the music. The first notation captures the animated quality of expressive movement by analogy with the motion of a bouncing ball, while the second breaks down the expressive musical flow into discrete gestural patterns of specific motional character. While the ultimate value of this method lies in the analytical process it instigates, it also provides a novel theoretical framework that sheds light on the interaction, as well as integration, between structures such as metre, rhythm, harmony and voice-leading, which are traditionally studied mostly independently. In addition, it provides a useful tool for the study and communication of performance interpretation, based on data extracted from recordings in the form of tempo and dynamic fluctuation graphs.

À la lecture de la Loi sur le droit d'auteur, il n'est pas clair que la mise en scène y soit protégée. C'est pourquoi nous nous questionnons sur la qualification juridique la plus adéquate pour la mise en scène. Le metteur en scène est-il un artiste-interprète ou un auteur? Après avoir étudié les caractéristiques artistiques des mises en scène, par types de productions et à la lumière de facteurs faisant varier la latitude du metteur en scène, nous étudions les différentes possibilités de qualification juridique de la mise en scène. Les possibilités sont vastes, car le metteur en scène évolue dans un cadre comprenant plusieurs intervenants. De plus, la mise en scène rencontre deux obstacles caractéristiques à sa qualification juridique en droit d'auteur: la fixation et l'originalité. Nous en venons à la conclusion que le metteur en scène est un auteur, car chacun des aspects de la mise en scène serait protégeable sous différentes qualifications juridiques. / Stage directions are not c1early protected under the current wording of the Copyright Law. This is why we wonder which legal qualification would be most appropriate. Is the stage director a performer or an author? We study the possibilities of legal qualification for stage direction, according to its artistic characteristics by production types, and considering the different factors which influence the Stage Director's liberty as well. The possibilities are vast since the Stage Director works in collaboration with several other intervening parties. Also, the Stage Director meets two typical obstacles: fixation and originality. We conclude that the Stage Director is an author because each and every aspect of the stage directions are copyrightable, under different legal qualifications.

The early-twentieth-century culture in western art music of idolizing the composer as the autonomous creative genius has been challenged by recent developments across musicology and creativity research literature. The composer’s music is now regarded as the product of a collaborative network, influenced by all who come into contact with it—first and foremost the performer. Yet, the nature of the performer’s creative impact on the compositional process remains under-explored. This thesis is centred on a qualitative artistic research project, designed to identify and critically evaluate the prospective extent and scope of creative performer agency; it aims to ascertain how a typical lack of familiarity with the instrument may affect the composer’s creative practice, and to reveal key factors that shape the nature and the consequences of composer-performer interaction and collaboration. It proceeds by commissioning new works for guitar from a range of composers for different performers, and by documenting and analysing the processes of collaboration that result. This research agenda challenges the perception of distinct creative roles that remains resilient in present-day cultural understandings and discourse. The findings are intended to broaden understanding of contemporary collaborative practices in the compositional process for the guitar and generalize to the guitar repertoire of the long twentieth century, during which the majority of substantial works were composed in collaboration. The thesis also contributes to a developing and generalizable framework of practice-led research literature that analyses music-making by recognizing the multiple loci and their interactions that underpin all aspects of the creative processes. Chapter 1 discusses the establishment of the creative hegemony of the composer and its opposing currents across disciplines from the late romantic period to the late twentieth century. Chapter 2 comprises an indicative chronology of select collaborations in the long twentieth-century guitar repertoire and an overview of relevant practice-led research projects in performance studies. Ethnographic methodologies are reviewed in Chapter 3 and the fieldwork commissions are analysed in Chapters 4 and 5. Finally, Chapter 6 comprises an evaluation of the performer’s creative agency and its significance when placed in broader frameworks of contemporary guitar practices, contemporary composition across instrumentations, generalizing to historical guitar collaboration and its implications for creativity research.

The present research objective is to verify the existence of the Transformation of the Performer’s Appearance in live spectacles. The transformation is understood as a process resulting from the continuous interchange between scene light and visual characterization of the performer (consisting of costumes, makeup, hairstyle and accessories). Spectacles from the XX century are discussed, with special attention to theatre and dance. Initially, secondary objectives were defined in order to contribute to the thesis final result. These goals helped to determine some central aspects of the thesis, and to complement knowledge related to the theme. Therefore, the research aims: to make a literature review and understand the study subjects; to acknowledge process and technologies of the scenic design (light, visual characterization, scenario) through declaration of experts of the area; to verify differences and similarities of scenic design between eastern and western cultures; to verify scenic design evolution in the time rage defined; to define method to analyze the available material. Thus, from the thoughts developed during the knowledge formation (structured in three steps), we present the following research question: Could the interchange between the scenic light and the visual characterization of the performer result in a transformation of the performer’s visual appearance to the public? In other words, this study is a theoretical research with empirical approach. Some examples of the subject of study are qualitatively analyzed using the Content Analysis method. A content analysis methodology was used as a way of exploring images and text documents. The results from these analyses are registered at the end of the three parts (who are called here Route Methodological) of the thesis: literature review; empirical analysis – part one; empirical analysis – part two. The first empirical analysis contextualises the subject; it is composed of examples of experimentation of visual transformations in spectacles, and testimonials from professional artists of scenic design. The second empirical analysis is the central focus of the study. It investigates the Transformation of the Performer’s Visual Appearance in the trajectory and work of eight western artist of the XX century (who are called here Investigators Artists). The investigated artists are: Adolphe Appia, Edward Gordon Craig, Loïe Fuller, Mariano Fortuny y Madrazo, Josef Svoboda, Ariane Mnouchkine, Robert Wilson and Pina Bausch. The conclusion of the research indicates the existence of the Transformation of the Performer’s Visual Appearance. The transformation occurs in a predetermined short range of time, and is composed of a sequence of images in continuous transformation. This process starts in the initial appearance of the performer and ends with this appearance modified. The resulting visual characterisation of the performer, which happens in real time, may be permanent until the end of the spectacle or might come back to the original appearance. The Transformation of the Performer’s Visual Appearance, led by the light and the visual characterisation of the performer, was verified in this research mostly in the work developed by the scenic artists Loïe Fuller e Robert Wilson. The conclusion inferred in the present research is that visual changes in the performer are and have always been part of the scenic design of live spectacles during the time range studied. Nonetheless, the visual transformation of the performer has not always been a visual resource taking into account in the scenic design and plastic production. This study demonstrates that the visual appearance of the performer, influenced by the interchange between light and visual characterization, can be a live scenic element being active part of the dramatic proposal and work’s aesthetics. / Esta investigación consiste en la búsqueda para comprobar la existencia de la Transformación de la Apariencia Visual del Intérprete (TAVI) en espectáculos en directo. Transformación esta entendida como un proceso resultante del diálogo constante entre la luz escénica y la caracterización visual del intérprete (la CVI, compuesta por vestuario, maquillaje, peluquería y accesorios). Siendo esta búsqueda el objetivo general del estudio, sumado a la reflexión sobre el diálogo establecido entre la luz y la CVI en espectáculos del s. XX, concediendo especial atención al teatro y la danza. En este sentido, primeramente, fue necesario establecer una serie de objetivos específicos, que contribuyeron a lograr el resultado final y que, además, permitieron percibir aspectos determinados del cuerpo central de la tesis y complementar conocimientos relacionados con el tema. Por tanto, estos objetivos buscaron: alcanzar la comprensión y hacer una revisión histórica de los objetos de estudio; conocer los procesos y tecnologías del diseño escenográfico (luz, caracterización visual y decorado), por medio de la voz de los técnicos-artistas de las áreas que lo componen; verificar diferencias y similitudes del tema en las modalidades de espectáculos escénicos y entre las culturas occidental y oriental; verificar los cambios y evoluciones del tema en el espacio-temporal elegido; establecer un modo de análisis que permita lograr los resultados pretendidos. Siendo así, a partir de las reflexiones desarrolladas durante el proceso de construcción del conocimiento (estructurado en tres etapas), presentamos el siguiente cuestionamiento-hipótesis: ¿El diálogo entre la caracterización visual del intérprete y la luz escénica puede resultar en una transformación de la apariencia visual del intérprete delante del público? En términos más generales, la realización de este estudio trata de una investigación científico-teórica, amparada empíricamente en ejemplos de interés del tema estudiado, analizados con una metodología de análisis de datos cualitativos, inspirada en la metodología conocida como Análisis de Contenido. Teniendo un carácter eminentemente teórico, el presente estudio se apoya en la documentación y lectura de aquellos autores que han estudiado y trabajado sobre estos temas (y sus alrededores) desde una perspectiva teóricoimagética. Su principal procedimiento metodológico es la observación y reflexión en torno al referencial bibliográfico y de imágenes. Los contenidos analizados están compuestos por muestras intencionales y están registrados (registros a que hemos designado Recorrido Metodológico) al final de las tres partes que estructuran esta tesis: el marco teóricoconceptual, el análisis empírico uno y el análisis empírico dos. El análisis empírico uno, la contextualización del tema estudiado, está compuesta por ejemplos de experimentaciones de transformaciones visuales escénicas y por testimonios de profesionales-artistas de el área del diseño escenográfico. El análisis empírico dos, eje central del estudio, investiga la TAVI en la trayectoria y obra de ocho artistas de la escena occidental del s. XX (a los que designamos Artistas Investigadores): Adolphe Appia, Edward Gordon Craig, Loïe Fuller, Mariano Fortuny y Madrazo, Josef Svoboda, Ariane Mnouchkine, Robert Wilson e Pina Bausch. A final de la investigación se ha concluido por la existencia de la TAVI, que, por su vez, se produce en un espacio de tiempo corto predeterminado y es compuesta por una secuencia de imágenes en constante transformación. El proceso se inicia por una apariencia del intérprete ya existente para llegar a una etapa final con esta imagen transformada. La CVI resultante de la transformación puede se mantener hasta el final de la obra o volver a la imagen inicial que dio origen a la transformación. La TAVI, orquestada por la luz y CVI, fue verificada principalmente en el diseño escenográfico desarrollado por los artistas escénicos Loïe Fuller y Robert Wilson. De este estudio se deduce, como conclusión general, que el cambio de la apariencia visual del intérprete ha formado y forma parte del diseño escenográfico de espectáculos en vivo en el periodo estudiado. Sin embargo, la Transformación de la Apariencia Visual del Intérprete, como propone esta investigación, no siempre fue o es un recurso visual tenido en cuenta en los procesos de diseño y producción de la plástica escénica. Con este estudio se trata de demostrar como la transformación de la apariencia visual del intérprete, mediante el diálogo planteado entre la luz y la caracterización visual, puede ser un elemento escenográfico vivo, participando de forma activa en la propuesta dramática y estética de la obra.

À la lecture de la Loi sur le droit d'auteur, il n'est pas clair que la mise en scène y soit protégée. C'est pourquoi nous nous questionnons sur la qualification juridique la plus adéquate pour la mise en scène. Le metteur en scène est-il un artiste-interprète ou un auteur? Après avoir étudié les caractéristiques artistiques des mises en scène, par types de productions et à la lumière de facteurs faisant varier la latitude du metteur en scène, nous étudions les différentes possibilités de qualification juridique de la mise en scène. Les possibilités sont vastes, car le metteur en scène évolue dans un cadre comprenant plusieurs intervenants. De plus, la mise en scène rencontre deux obstacles caractéristiques à sa qualification juridique en droit d'auteur: la fixation et l'originalité. Nous en venons à la conclusion que le metteur en scène est un auteur, car chacun des aspects de la mise en scène serait protégeable sous différentes qualifications juridiques. / Stage directions are not c1early protected under the current wording of the Copyright Law. This is why we wonder which legal qualification would be most appropriate. Is the stage director a performer or an author? We study the possibilities of legal qualification for stage direction, according to its artistic characteristics by production types, and considering the different factors which influence the Stage Director's liberty as well. The possibilities are vast since the Stage Director works in collaboration with several other intervening parties. Also, the Stage Director meets two typical obstacles: fixation and originality. We conclude that the Stage Director is an author because each and every aspect of the stage directions are copyrightable, under different legal qualifications.

In the 2005 year the companies of the small and average business amounted up to 99,4 percentage of the all Lithuanian companies, they were engaged the 69,7 percentage of all Lithuanian staff and produced about 68,2 percentage of all Lithuanian surplus value. All the companies dependent on the market’s competition, taxes, technological advances, quality’s and environment’s rules, the changes of the laws, but the small and average companies differ from the gross companies, because they cannot reach these effects, similar to gross companies, and the small and average companies usually can only work in the market as gross companies’ partners. The main aim of the master work is to analyze the theoretical aspects of the activity of the small and average companies, besides to analize the main indicators of the small and average companies in Lithuania in the period of 2001 -2004 years (their structure, wages, size, financial rates and so on) and to analyze their taxation in 2005 year.

Living Lens is a practice-led study that explores interdependencies between performing bodies, visual images and sonic elements through two main areas of investigation: the propensity for the visual mode to be dominant in an interdisciplinary performance environment; and, a compositional structure to integrate performing bodies, visual and sonic elements. To address these concerns, the study necessitated a collaborative team comprising performers, visual artists, sound designers and computer programmers. The poetic title, Living Lens, became an important interpretative device and organising principle in this study, which is weighted 70% for the creative work and 30% for the written component. Working from an experiential and emergent methodology, the research employed two iterative cycles of development. Drawing on a previous work, Patchwork in Motion (2005), the extraction of one fragment entitled Living Lens (2005-6) was selected for further development, specifically to balance the relationship between performers and visual media with a deeper focus on the sonic component. The initial creative development (June-July 2005) addressed the area of interdependencies through the concepts of "poetic felt space" and "living painting", whilst the final stage of the study (June-July 2006) adopted the concept of "worlds within worlds" to facilitate greater contrast and connectivity in the piece. The final performance made partial progress towards shifting visual dominance and the development of an integrative structure, the digital media serving to enhance tangible connections between aural, visual and kinesthetic senses. As an immersive performance installation, the study thus adapts and extends painterly and sculptural sensibilities into a contemporary and interactive arts setting. Presenting a case for the personalised position of the practitioner voice, the study also offers practical and conceptual insights and solutions, to be adopted, adapted or applied tangentially, by other practitioners and researchers working in the domains of body movement practices, visual and sonic arts and human communication technologies.

The present research objective is to verify the existence of the Transformation of the Performer’s Appearance in live spectacles. The transformation is understood as a process resulting from the continuous interchange between scene light and visual characterization of the performer (consisting of costumes, makeup, hairstyle and accessories). Spectacles from the XX century are discussed, with special attention to theatre and dance. Initially, secondary objectives were defined in order to contribute to the thesis final result. These goals helped to determine some central aspects of the thesis, and to complement knowledge related to the theme. Therefore, the research aims: to make a literature review and understand the study subjects; to acknowledge process and technologies of the scenic design (light, visual characterization, scenario) through declaration of experts of the area; to verify differences and similarities of scenic design between eastern and western cultures; to verify scenic design evolution in the time rage defined; to define method to analyze the available material. Thus, from the thoughts developed during the knowledge formation (structured in three steps), we present the following research question: Could the interchange between the scenic light and the visual characterization of the performer result in a transformation of the performer’s visual appearance to the public? In other words, this study is a theoretical research with empirical approach. Some examples of the subject of study are qualitatively analyzed using the Content Analysis method. A content analysis methodology was used as a way of exploring images and text documents. The results from these analyses are registered at the end of the three parts (who are called here Route Methodological) of the thesis: literature review; empirical analysis – part one; empirical analysis – part two. The first empirical analysis contextualises the subject; it is composed of examples of experimentation of visual transformations in spectacles, and testimonials from professional artists of scenic design. The second empirical analysis is the central focus of the study. It investigates the Transformation of the Performer’s Visual Appearance in the trajectory and work of eight western artist of the XX century (who are called here Investigators Artists). The investigated artists are: Adolphe Appia, Edward Gordon Craig, Loïe Fuller, Mariano Fortuny y Madrazo, Josef Svoboda, Ariane Mnouchkine, Robert Wilson and Pina Bausch. The conclusion of the research indicates the existence of the Transformation of the Performer’s Visual Appearance. The transformation occurs in a predetermined short range of time, and is composed of a sequence of images in continuous transformation. This process starts in the initial appearance of the performer and ends with this appearance modified. The resulting visual characterisation of the performer, which happens in real time, may be permanent until the end of the spectacle or might come back to the original appearance. The Transformation of the Performer’s Visual Appearance, led by the light and the visual characterisation of the performer, was verified in this research mostly in the work developed by the scenic artists Loïe Fuller e Robert Wilson. The conclusion inferred in the present research is that visual changes in the performer are and have always been part of the scenic design of live spectacles during the time range studied. Nonetheless, the visual transformation of the performer has not always been a visual resource taking into account in the scenic design and plastic production. This study demonstrates that the visual appearance of the performer, influenced by the interchange between light and visual characterization, can be a live scenic element being active part of the dramatic proposal and work’s aesthetics. / Esta investigación consiste en la búsqueda para comprobar la existencia de la Transformación de la Apariencia Visual del Intérprete (TAVI) en espectáculos en directo. Transformación esta entendida como un proceso resultante del diálogo constante entre la luz escénica y la caracterización visual del intérprete (la CVI, compuesta por vestuario, maquillaje, peluquería y accesorios). Siendo esta búsqueda el objetivo general del estudio, sumado a la reflexión sobre el diálogo establecido entre la luz y la CVI en espectáculos del s. XX, concediendo especial atención al teatro y la danza. En este sentido, primeramente, fue necesario establecer una serie de objetivos específicos, que contribuyeron a lograr el resultado final y que, además, permitieron percibir aspectos determinados del cuerpo central de la tesis y complementar conocimientos relacionados con el tema. Por tanto, estos objetivos buscaron: alcanzar la comprensión y hacer una revisión histórica de los objetos de estudio; conocer los procesos y tecnologías del diseño escenográfico (luz, caracterización visual y decorado), por medio de la voz de los técnicos-artistas de las áreas que lo componen; verificar diferencias y similitudes del tema en las modalidades de espectáculos escénicos y entre las culturas occidental y oriental; verificar los cambios y evoluciones del tema en el espacio-temporal elegido; establecer un modo de análisis que permita lograr los resultados pretendidos. Siendo así, a partir de las reflexiones desarrolladas durante el proceso de construcción del conocimiento (estructurado en tres etapas), presentamos el siguiente cuestionamiento-hipótesis: ¿El diálogo entre la caracterización visual del intérprete y la luz escénica puede resultar en una transformación de la apariencia visual del intérprete delante del público? En términos más generales, la realización de este estudio trata de una investigación científico-teórica, amparada empíricamente en ejemplos de interés del tema estudiado, analizados con una metodología de análisis de datos cualitativos, inspirada en la metodología conocida como Análisis de Contenido. Teniendo un carácter eminentemente teórico, el presente estudio se apoya en la documentación y lectura de aquellos autores que han estudiado y trabajado sobre estos temas (y sus alrededores) desde una perspectiva teóricoimagética. Su principal procedimiento metodológico es la observación y reflexión en torno al referencial bibliográfico y de imágenes. Los contenidos analizados están compuestos por muestras intencionales y están registrados (registros a que hemos designado Recorrido Metodológico) al final de las tres partes que estructuran esta tesis: el marco teóricoconceptual, el análisis empírico uno y el análisis empírico dos. El análisis empírico uno, la contextualización del tema estudiado, está compuesta por ejemplos de experimentaciones de transformaciones visuales escénicas y por testimonios de profesionales-artistas de el área del diseño escenográfico. El análisis empírico dos, eje central del estudio, investiga la TAVI en la trayectoria y obra de ocho artistas de la escena occidental del s. XX (a los que designamos Artistas Investigadores): Adolphe Appia, Edward Gordon Craig, Loïe Fuller, Mariano Fortuny y Madrazo, Josef Svoboda, Ariane Mnouchkine, Robert Wilson e Pina Bausch. A final de la investigación se ha concluido por la existencia de la TAVI, que, por su vez, se produce en un espacio de tiempo corto predeterminado y es compuesta por una secuencia de imágenes en constante transformación. El proceso se inicia por una apariencia del intérprete ya existente para llegar a una etapa final con esta imagen transformada. La CVI resultante de la transformación puede se mantener hasta el final de la obra o volver a la imagen inicial que dio origen a la transformación. La TAVI, orquestada por la luz y CVI, fue verificada principalmente en el diseño escenográfico desarrollado por los artistas escénicos Loïe Fuller y Robert Wilson. De este estudio se deduce, como conclusión general, que el cambio de la apariencia visual del intérprete ha formado y forma parte del diseño escenográfico de espectáculos en vivo en el periodo estudiado. Sin embargo, la Transformación de la Apariencia Visual del Intérprete, como propone esta investigación, no siempre fue o es un recurso visual tenido en cuenta en los procesos de diseño y producción de la plástica escénica. Con este estudio se trata de demostrar como la transformación de la apariencia visual del intérprete, mediante el diálogo planteado entre la luz y la caracterización visual, puede ser un elemento escenográfico vivo, participando de forma activa en la propuesta dramática y estética de la obra.

The present research objective is to verify the existence of the Transformation of the Performer’s Appearance in live spectacles. The transformation is understood as a process resulting from the continuous interchange between scene light and visual characterization of the performer (consisting of costumes, makeup, hairstyle and accessories). Spectacles from the XX century are discussed, with special attention to theatre and dance. Initially, secondary objectives were defined in order to contribute to the thesis final result. These goals helped to determine some central aspects of the thesis, and to complement knowledge related to the theme. Therefore, the research aims: to make a literature review and understand the study subjects; to acknowledge process and technologies of the scenic design (light, visual characterization, scenario) through declaration of experts of the area; to verify differences and similarities of scenic design between eastern and western cultures; to verify scenic design evolution in the time rage defined; to define method to analyze the available material. Thus, from the thoughts developed during the knowledge formation (structured in three steps), we present the following research question: Could the interchange between the scenic light and the visual characterization of the performer result in a transformation of the performer’s visual appearance to the public? In other words, this study is a theoretical research with empirical approach. Some examples of the subject of study are qualitatively analyzed using the Content Analysis method. A content analysis methodology was used as a way of exploring images and text documents. The results from these analyses are registered at the end of the three parts (who are called here Route Methodological) of the thesis: literature review; empirical analysis – part one; empirical analysis – part two. The first empirical analysis contextualises the subject; it is composed of examples of experimentation of visual transformations in spectacles, and testimonials from professional artists of scenic design. The second empirical analysis is the central focus of the study. It investigates the Transformation of the Performer’s Visual Appearance in the trajectory and work of eight western artist of the XX century (who are called here Investigators Artists). The investigated artists are: Adolphe Appia, Edward Gordon Craig, Loïe Fuller, Mariano Fortuny y Madrazo, Josef Svoboda, Ariane Mnouchkine, Robert Wilson and Pina Bausch. The conclusion of the research indicates the existence of the Transformation of the Performer’s Visual Appearance. The transformation occurs in a predetermined short range of time, and is composed of a sequence of images in continuous transformation. This process starts in the initial appearance of the performer and ends with this appearance modified. The resulting visual characterisation of the performer, which happens in real time, may be permanent until the end of the spectacle or might come back to the original appearance. The Transformation of the Performer’s Visual Appearance, led by the light and the visual characterisation of the performer, was verified in this research mostly in the work developed by the scenic artists Loïe Fuller e Robert Wilson. The conclusion inferred in the present research is that visual changes in the performer are and have always been part of the scenic design of live spectacles during the time range studied. Nonetheless, the visual transformation of the performer has not always been a visual resource taking into account in the scenic design and plastic production. This study demonstrates that the visual appearance of the performer, influenced by the interchange between light and visual characterization, can be a live scenic element being active part of the dramatic proposal and work’s aesthetics. / Esta investigación consiste en la búsqueda para comprobar la existencia de la Transformación de la Apariencia Visual del Intérprete (TAVI) en espectáculos en directo. Transformación esta entendida como un proceso resultante del diálogo constante entre la luz escénica y la caracterización visual del intérprete (la CVI, compuesta por vestuario, maquillaje, peluquería y accesorios). Siendo esta búsqueda el objetivo general del estudio, sumado a la reflexión sobre el diálogo establecido entre la luz y la CVI en espectáculos del s. XX, concediendo especial atención al teatro y la danza. En este sentido, primeramente, fue necesario establecer una serie de objetivos específicos, que contribuyeron a lograr el resultado final y que, además, permitieron percibir aspectos determinados del cuerpo central de la tesis y complementar conocimientos relacionados con el tema. Por tanto, estos objetivos buscaron: alcanzar la comprensión y hacer una revisión histórica de los objetos de estudio; conocer los procesos y tecnologías del diseño escenográfico (luz, caracterización visual y decorado), por medio de la voz de los técnicos-artistas de las áreas que lo componen; verificar diferencias y similitudes del tema en las modalidades de espectáculos escénicos y entre las culturas occidental y oriental; verificar los cambios y evoluciones del tema en el espacio-temporal elegido; establecer un modo de análisis que permita lograr los resultados pretendidos. Siendo así, a partir de las reflexiones desarrolladas durante el proceso de construcción del conocimiento (estructurado en tres etapas), presentamos el siguiente cuestionamiento-hipótesis: ¿El diálogo entre la caracterización visual del intérprete y la luz escénica puede resultar en una transformación de la apariencia visual del intérprete delante del público? En términos más generales, la realización de este estudio trata de una investigación científico-teórica, amparada empíricamente en ejemplos de interés del tema estudiado, analizados con una metodología de análisis de datos cualitativos, inspirada en la metodología conocida como Análisis de Contenido. Teniendo un carácter eminentemente teórico, el presente estudio se apoya en la documentación y lectura de aquellos autores que han estudiado y trabajado sobre estos temas (y sus alrededores) desde una perspectiva teóricoimagética. Su principal procedimiento metodológico es la observación y reflexión en torno al referencial bibliográfico y de imágenes. Los contenidos analizados están compuestos por muestras intencionales y están registrados (registros a que hemos designado Recorrido Metodológico) al final de las tres partes que estructuran esta tesis: el marco teóricoconceptual, el análisis empírico uno y el análisis empírico dos. El análisis empírico uno, la contextualización del tema estudiado, está compuesta por ejemplos de experimentaciones de transformaciones visuales escénicas y por testimonios de profesionales-artistas de el área del diseño escenográfico. El análisis empírico dos, eje central del estudio, investiga la TAVI en la trayectoria y obra de ocho artistas de la escena occidental del s. XX (a los que designamos Artistas Investigadores): Adolphe Appia, Edward Gordon Craig, Loïe Fuller, Mariano Fortuny y Madrazo, Josef Svoboda, Ariane Mnouchkine, Robert Wilson e Pina Bausch. A final de la investigación se ha concluido por la existencia de la TAVI, que, por su vez, se produce en un espacio de tiempo corto predeterminado y es compuesta por una secuencia de imágenes en constante transformación. El proceso se inicia por una apariencia del intérprete ya existente para llegar a una etapa final con esta imagen transformada. La CVI resultante de la transformación puede se mantener hasta el final de la obra o volver a la imagen inicial que dio origen a la transformación. La TAVI, orquestada por la luz y CVI, fue verificada principalmente en el diseño escenográfico desarrollado por los artistas escénicos Loïe Fuller y Robert Wilson. De este estudio se deduce, como conclusión general, que el cambio de la apariencia visual del intérprete ha formado y forma parte del diseño escenográfico de espectáculos en vivo en el periodo estudiado. Sin embargo, la Transformación de la Apariencia Visual del Intérprete, como propone esta investigación, no siempre fue o es un recurso visual tenido en cuenta en los procesos de diseño y producción de la plástica escénica. Con este estudio se trata de demostrar como la transformación de la apariencia visual del intérprete, mediante el diálogo planteado entre la luz y la caracterización visual, puede ser un elemento escenográfico vivo, participando de forma activa en la propuesta dramática y estética de la obra.