Le spiritualisme se définit comme un accès à la divinité à travers l’ « esprit » ou l’ « âme » et la divinité comme lecentre de la pensée cosmogonique de l’harmonie. La structure de ce spiritualisme est le point fondamental – parmi denombreux autres – qui rapproche Banville de Mallarmé. La transmission de cette structure est donc l’influence la plusremarquable que Banville exerce sur Mallarmé. Son art étant fondé sur ce principe, Banville joue là son rôle le plusimportant pour Mallarmé, qui lui accorde donc un statut divin. Les autres legs de Banville à Mallarmé convergent vers cepoint.L’évolution de Mallarmé vis-à-vis de cet héritage est parallèle à celle du statut de Banville à ses yeux et à sa propreévolution spirituelle. Nous suivons celle-ci selon trois thèmes directeurs : l’idéalisme, le lyrisme et le sacerdoce littéraire quisont étudiés dans ses oeuvres de sciences, de vers et de théâtre.À cette fin, la vie de Mallarmé est divisée en quatre périodes : de l’automne 1861 à l’été 1864 ; de l’automne 1864 auprintemps 1866 ; du printemps 1866 à août 1885 ; d’août 1885 à septembre 1898. C’est dans la « Symphonie littéraire » de1864 que l’influence de Banville devient décisive. Cette étude prend en considération les différences entre les deux poètes,en s’orientant sur la réception de Banville par Mallarmé, et l’arbitraire de ce dernier dans l’interprétation de Banville. / The spiritualism is defined as an access to the divinity through “spirit” or “soul”, and the divinity as the center of acosmogonic thought of the Harmony. The structure of this spiritualism is the fundamental point – among many others –which brings closer Banville and Mallarmé. So the transmission of this structure is the most remarkable influence exercisedby Banville on Mallarmé. Banville’s art being based on this principle, Mallarmé gives him a divine status. The otherheritages from Banville to Mallarmé lead to this point.Mallarmé’s evolution in relation to this heritage is parallel to the evolution of Banville’s status, as well as to his ownspiritual evolution. We follow the latter according to three topics: idealism, lyricism and literary priesthood, studied in hisscientific works, verse and dramatic pieces.To this end, Mallarmé’s life is divided into four periods: from autumn 1861 to summer 1864; from autumn 1864 tospring 1866; from spring 1866 to august 1885; from august 1885 to September 1898. It is in his “Symphonie littéraire” thatBanville’s influence becomes decisive. Our study takes into consideration differences between the two poets, focusing onMallarmé’s perception of Banville and on his arbitrary interpretation of the latter.

La métaphore est une figure de style dans laquelle la signification d’un mot est transférée à un autre mot. Par exemple, l’énoncé « Axel est un renard » est une métaphore pouvant signifier qu’un homme appelé Axel est une personne rusée. La métaphore n’est pas seulement textuelle, elle se présente souvent sous une forme imagée. Par conséquent, l’image d’un homme avec un corps de renard pourra être traduite verbalement par : « cet homme est un renard ». Selon Forceville (2007, 2009), la métaphore picturale se définit en fonction de son type (métaphore contextuelle, métaphore hybride, métaphore de comparaison et métaphore intégrée), de sa structure (métaphore monomodale et multimodale) et de son usage (dans la publicité, dans les campagnes sociales, dans les caricatures politiques ou encore dans l’Art). L’objectif de ce travail est de créer une base de connaissances de métaphores picturales en examinant leur composition (topiques, véhicules). Les études expérimentales réalisées examinent la compréhension de métaphores picturales monomodales de type hybride en se focalisant sur le processus d’attribution de propriétés dans des situations où l’effet de la langue maternelle (française versus espagnole), du contexte, de l’âge et de l’usage de la métaphore est mesuré. La discussion met en évidence les apports et les limites de ce travail qui conduisent à des perspectives de recherche en considérant les travaux contemporains du domaine, l’utilisation d’outils spécifiques (e.g. oculomètre) et en élargissant le contexte d’étude de la métaphore à d’autres domaines de la psychologie (e.g. Neuropsychologie), d’autres publics (e.g. enfants) et des cultures éloignées (e.g. coréenne). / A metaphor is a figure of style in which the meaning of a term is transferred to that another term. For example, the sentence “Axel is a fox” is a metaphor in which a man is smart. The metaphor is not only introduced in a text. It can be depicted in a picture. Therefore, the image of a man with a body of a fox can refer to the sentence: “this man is a fox.” According to Forceville (2007,2009), a pictorial metaphor can be characterized considering its type (contextual metaphor, hybrid metaphor, simile and integrated metaphor), considering its structure (monomodal and multimodal metaphor) and its use (in commercials, in social campaigns, in political cartoons or in Art). The aim of this work is to create a knowledge base of pictorial metaphors examining their characteristics (topics, vehicles). Experimental studies examined the understanding of monomodal pictorial hybrid metaphors by focusing on property attribution process in several situations regarding the effect of the native language (French versus Spanish), context, age and the use of the metaphor. The discussion section illustrates perspectives of research considering current studies focused on pictorial metaphor comprehension and the use of specific tools (e.g. eye tracker). The understanding of pictorial metaphors could be applied to others field of expertise of psychology (e.g. Neuropsychology), other people (e.g. children) and different cultures (e.g. Korean).

« Lisez l’histoire et le tableau » : telle est l’invitation formulée par Poussin à l’adresse d’un de ses commanditaires, etqui d’une certaine manière consacre d’emblée le bien-fondé d’une approche iconologique de ses oeuvres. Et l’artisted’affirmer ailleurs que « la nouveauté dans la peinture ne consiste pas surtout dans un sujet non encore vu, mais dans labonne et nouvelle disposition et expression, et [qu’] ainsi de commun et vieux, le sujet devient singulier et neuf ».S’agissant cependant de la part cruciale de l’inspiration de ce peintre savant que représente la transposition des auteursclassiques, nous avons constaté que ses modalités n’avaient guère retenu l’attention de la critique. Nous avons donctenté de saisir, pour reprendre les mots de Poussin, ce qui fait la nouveauté et la singularité de la manière dont il traite sesapports littéraires. Il est ainsi apparu que le parti qu’il en tire, bien moins illustratif que d’ordre herméneutique, exige uneparticipation active du spectateur, en l’occurrence invité à déceler dans ses tableaux les rapports secrets qui s’y trouvent suggérés entre plusieurs passages d’une même oeuvre, voire entre le texte ancien apparemment figuré et tel autre, le cas échéant d’un auteur cette fois moderne. Une telle conception de sa pratique culmine dans le recours à un dispositif tout aussi ignoré de la critique, alors qu’il apparaît on ne peut plus caractéristique de l’art de Poussin : l’équivoque visuelle. Nous y percevons en dernier recours l’héritage du tableau à énigme cher aux collèges jésuites, et par là l’une des nombreuses marques que contient son oeuvre de la culture propre aux membres de la Compagnie. / « Read the story and the painting »: this invitation, sent by Poussin to one of his patrons, grounds the iconological approach of his works. The artist asserted elsewhere that « newness in painting does not consist mostly in a yet unrepresented subject, but in a proper and new dispositio and elocutio, thus turning the common and the old into the singular and new ». Still, little sustained critical attention has been paid to the actual ways in which Poussin made use and transposed the Ancient authors from which this erudite painter drew a large of share of his inspiration. We have therefore tried to recover what, according to Poussin himself, constitutes the newness, the singularity of his way of transposing the literary material. It appears that, rather than producing an illustration, Poussin’s word relied on a hermeneutic mode of engagement, calling upon the viewer to decipher in the paintings the secret relationships drawn between a plurality of a literary work’s loci, or between the Ancient source text ostensibly figured in the painting and another, eventually modern one. Such a conception of his practice is epitomized in Poussin’s characteristic use of a critically neglected device : the visual equivoque. We mayrecognize in its use the trace of a genre, that of the enigma painting, dear to the culture of Jesuit colleges, and anothermark of their influence on Poussin’s oeuvre.

Ce travail de thèse porte sur la question de la représentation picturale (l’aspect iconique de la peinture) et celle de la représentation de la peinture (l’aspect pictural de la peinture) dans le contexte contemporain. C’est un travail sur la peinture, avec la peinture et de la peinture. Un travail sur la peinture puisque l'acte de peindre n'a de finalité que celle de feindre la représentation et afin de permettre à la peinture de défendre un espace pictural. Un travail avec la peinture car il est question de partage lors d'une représentation, c'est à dire : tenir compte d'une libération de la peinture à travers la figure. Et enfin, un travail de la peinture qui est mise en exergue de la réalité matérielle de la peinture (la picturalité). Ma démarche a pour appui l'exercice d'une dialectique (acte de peindre et acte de peinture) et l'articulation d'un principe de la transfiguration (d’une figuration à une peinture figurée). De ce fait, j'opte pour une représentation qui s'élabore par dripping et jets de la peinture sur toile. / This thesis deals with the issue of pictorial representation (iconic aspect of the painting) and the representation of painting (pictorial aspect of the painting) in the contemporary context. It is a work on painting, with painting and painting. Work on the painting since the act of painting has finality than pretend representation and to allow the paint to defend a pictorial space. Work with the paint as it is about sharing during a performance, that is to say, reflect a release of painting through the figure. And finally, a paint job that is highlighted in the material reality of the painting (the pictoriality). My approach is to support the exercise of a dialectic (act of painting and action painting) and the articulation of a principle of transfiguration (in a figurative to a figurative painting). Therefore, I opt for a representation that is developed by dripping and throwing paint on canvas.

Par son recours à diverses formes d’expression, Unica Zürn (1916-1970) redynamise l’espace de la feuille en le faisant activement participer à l’écriture de soi. Le « je » semble en effet se démultiplier grâce à des jeux « anagrammatiques » sur les divers signes mobilisés, qu’ils soient alphabétiques, picturaux ou musicaux. L’autoreprésentation s’inscrit alors au sein d’une œuvre pluridisciplinaire inusitée, qui renouvelle l’esthétique quelque peu « essoufflée » du mouvement surréaliste. Cette attitude vis-à-vis de la feuille, où plusieurs signes « décomposables » et « recomposables » se partagent l’espace, est observable tant dans l’œuvre littéraire que picturale d’Unica Zürn. Le processus de création par la lettre, le trait et la note de musique, tend à revaloriser le support matériel utilisé par l’effacement des frontières entre les disciplines artistiques, qui appelle un regard distancié du lecteur/spectateur sur l’œuvre. Afin d’interpréter les travaux de Zürn dans la pluralité des moyens artistiques qui y sont déployés, l’approche intermédiale sera favorisée. Dans le premier chapitre de ce mémoire, il s’agira d’abord de voir comment s’articule un certain dialogue entre le discours des chercheurs de l’intermédialité et l’œuvre d’Unica Zürn. Le rapport à l’objet sera notre porte d’entrée dans la matière intermédiale. Par un retour à la matérialité de l’expérience médiatique, nous constaterons que Zürn met à l’avant-scène les instruments et supports de la création, ce qui mène à une représentation distorsionnée de soi, de l’espace et du temps. Une fois le parallèle établi entre les concepts de l’intermédialité et les travaux de Zürn, nous nous concentrerons sur le pan musical de l’œuvre pluridisciplinaire de l’auteure-artiste. Le second chapitre traitera de l’intrusion du sonore dans l’univers textuel, qui se fera notamment par la réappropriation de l’opéra Norma, de Vincenzo Bellini. Cette réécriture s’intitule Les jeux à deux et prend une distance considérable par rapport au texte originel. Elle s’accompagne de dessins effectués par l’auteure-artiste à même les partitions de l’opéra. Le regard multiple posé sur l’œuvre zürnienne permettra de comprendre que l’écriture palimpseste participe du processus d’autoreprésentation, tout en élaborant un discours sur la rencontre entre littérature, dessin et musique, ainsi que sur l’influence de cette juxtaposition sur le débordement des frontières médiatiques traditionnelles. / Having recourse to many forms of expression, Unica Zürn (1916-1970) revitalizes the space of the sheet by having it take an active part in the individual writing. The “I” seems to increase thanks to “anagrammatic” games on the many mobilized signs, whether they are alphabetical, pictorial or musical. The self-representation is inspired by an unusual multidisciplinary work, which renews the aesthetics, somewhat “worn”, of the surrealist movement. This attitude towards the sheet, where many “decomposable” and “recomposable” signs share the space, is observable in Unica Zürn’s literary work as well as in her pictorial work. The process of creation through the letter, the stroke and the musical note tends to reassert the value of the material support used by the abolition of the boundaries among the artistic disciplines, which calls for a distanced look from the reader/spectator on the work. In order to interpret Zürn’s work in the plurality of the artistic means that are deployed, the intermedial approach will be favoured. In the first chapter of this dissertation, we will see how a certain dialog is structured between the views of the intermediality’s researchers and Unica Zürn’s work. The relation to objects will be our entry point in the intermedial subject. Through a return to the materiality of the media-related experience, we will notice that Zürn puts at the forefront the instruments and the supports to the creation, which leads to a contorted representation of oneself, space and time. Once the parallel established between the intermediality’s concepts and Zürn’s work, we will focus on the musical aspect of the author-artist’s multidisciplinary work. The second chapter will deal with the intrusion of sound in the textual universe, which will occur through the reappropriation of the Vincenzo Bellini’s opera “Norma”. This revising is called “Les jeux à deux” and is significantly different from the original text, and is paired with drawings made by the author-artist directly on the opera’s partitions. The multiple look placed upon the zurnian work will allow to understand that the palimpsest writing takes part in the self-representation process, through elaborating a view regarding the interrelation of literature, drawing and music, as well as the influence of this juxtaposition on the overflow of the traditional media boundaries.

Les institutions culturelles mènent depuis une vingtaine année une politique de sauvegarde numérique exhaustive de leurs collections conduisant à la création de bases d'images de plus en plus grandes. Les oeuvres d'art se différencient des images naturelles car elles sont souvent stylisées. Cette caractéristique influence notre interprétation de l'image et l'impression visuelle qui nous est transmise. Nous proposons dans cette thèse des descripteurs et mesures de similarité spécifiques au contenu pictural et les testons dans le cadre de la recherche par le contenu d'images similaires. Le premier aspect du contenu pictural auquel nous nous sommes intéressés concerne l'organisation spatiale globale des couleurs. Nous modélisons le problème de la comparaison entre deux organisations spatiales des couleurs par un problème de transport optimal appliqué à des imagettes. Dans le cadre de la recherche d'images dans une base, nous proposons également un seuil adaptatif sur cette distance de transport fondé sur une approche "a contrario". Le deuxième aspect du contenu pictural que nous étudions concerne les caractéristiques du contenu géométrique lié aux lignes dans les dessins au trait. Pour cette approche nous développons un détecteur de contours de trait sans paramètre reposant sur un filtrage topologique de l'arbre des lignes de niveau significatives de Desolneux et al., ainsi qu'un ensemble de méthodes d'extraction de caractéristiques visuelles incluant les extrémités de trait, les jonctions et les coins. Nous évaluons ces deux approches en utilisant sept bases différentes totalisant environ 65000 images.

Par son recours à diverses formes d’expression, Unica Zürn (1916-1970) redynamise l’espace de la feuille en le faisant activement participer à l’écriture de soi. Le « je » semble en effet se démultiplier grâce à des jeux « anagrammatiques » sur les divers signes mobilisés, qu’ils soient alphabétiques, picturaux ou musicaux. L’autoreprésentation s’inscrit alors au sein d’une œuvre pluridisciplinaire inusitée, qui renouvelle l’esthétique quelque peu « essoufflée » du mouvement surréaliste. Cette attitude vis-à-vis de la feuille, où plusieurs signes « décomposables » et « recomposables » se partagent l’espace, est observable tant dans l’œuvre littéraire que picturale d’Unica Zürn. Le processus de création par la lettre, le trait et la note de musique, tend à revaloriser le support matériel utilisé par l’effacement des frontières entre les disciplines artistiques, qui appelle un regard distancié du lecteur/spectateur sur l’œuvre. Afin d’interpréter les travaux de Zürn dans la pluralité des moyens artistiques qui y sont déployés, l’approche intermédiale sera favorisée. Dans le premier chapitre de ce mémoire, il s’agira d’abord de voir comment s’articule un certain dialogue entre le discours des chercheurs de l’intermédialité et l’œuvre d’Unica Zürn. Le rapport à l’objet sera notre porte d’entrée dans la matière intermédiale. Par un retour à la matérialité de l’expérience médiatique, nous constaterons que Zürn met à l’avant-scène les instruments et supports de la création, ce qui mène à une représentation distorsionnée de soi, de l’espace et du temps. Une fois le parallèle établi entre les concepts de l’intermédialité et les travaux de Zürn, nous nous concentrerons sur le pan musical de l’œuvre pluridisciplinaire de l’auteure-artiste. Le second chapitre traitera de l’intrusion du sonore dans l’univers textuel, qui se fera notamment par la réappropriation de l’opéra Norma, de Vincenzo Bellini. Cette réécriture s’intitule Les jeux à deux et prend une distance considérable par rapport au texte originel. Elle s’accompagne de dessins effectués par l’auteure-artiste à même les partitions de l’opéra. Le regard multiple posé sur l’œuvre zürnienne permettra de comprendre que l’écriture palimpseste participe du processus d’autoreprésentation, tout en élaborant un discours sur la rencontre entre littérature, dessin et musique, ainsi que sur l’influence de cette juxtaposition sur le débordement des frontières médiatiques traditionnelles. / Having recourse to many forms of expression, Unica Zürn (1916-1970) revitalizes the space of the sheet by having it take an active part in the individual writing. The “I” seems to increase thanks to “anagrammatic” games on the many mobilized signs, whether they are alphabetical, pictorial or musical. The self-representation is inspired by an unusual multidisciplinary work, which renews the aesthetics, somewhat “worn”, of the surrealist movement. This attitude towards the sheet, where many “decomposable” and “recomposable” signs share the space, is observable in Unica Zürn’s literary work as well as in her pictorial work. The process of creation through the letter, the stroke and the musical note tends to reassert the value of the material support used by the abolition of the boundaries among the artistic disciplines, which calls for a distanced look from the reader/spectator on the work. In order to interpret Zürn’s work in the plurality of the artistic means that are deployed, the intermedial approach will be favoured. In the first chapter of this dissertation, we will see how a certain dialog is structured between the views of the intermediality’s researchers and Unica Zürn’s work. The relation to objects will be our entry point in the intermedial subject. Through a return to the materiality of the media-related experience, we will notice that Zürn puts at the forefront the instruments and the supports to the creation, which leads to a contorted representation of oneself, space and time. Once the parallel established between the intermediality’s concepts and Zürn’s work, we will focus on the musical aspect of the author-artist’s multidisciplinary work. The second chapter will deal with the intrusion of sound in the textual universe, which will occur through the reappropriation of the Vincenzo Bellini’s opera “Norma”. This revising is called “Les jeux à deux” and is significantly different from the original text, and is paired with drawings made by the author-artist directly on the opera’s partitions. The multiple look placed upon the zurnian work will allow to understand that the palimpsest writing takes part in the self-representation process, through elaborating a view regarding the interrelation of literature, drawing and music, as well as the influence of this juxtaposition on the overflow of the traditional media boundaries.

L’axe principal de cette thèse intitulée « La pratique du dessin et la cognition » concerne le rapport entre la perception de l’artiste et son geste graphique, tout en limitant la portée de la recherche aux productions picturales réalistes. En ce sens, la thèse pose deux questions fondamentales. Premièrement : Comment l’artiste voit-il le monde ? Et deuxièmement : dans quelle mesure la manière dont l’artiste voit le monde détermine sa pratique et son résultat ? La thèse présente les différentes approches qui ont tenté d’expliquer le regard de l’artiste lors de la réalisation d'œuvres picturales. Englobant ces points de vue dans deux théories générales sur la perception de l’artiste, la thèse présente Gombrich et Ruskin comme les représentants de cette divergence. Trouver des rapports entre ces théories, les observations et les expériences personnelles est une des motivations initiales de cette thèse qui regroupe les différentes expériences de pratique du dessin dans deux approches, une holistique et l’autre régit par le principe de détail. Les caractéristiques principales de ces différents types de pratique sont examinées par une approche expérimentale de la cognition, tout en essayant de redéfinir l’activité du dessin sur le plan cognitif. La thèse se compose de trois parties. La première partie retrace la problématique dans un champ qui intègre l’expérience personnelle ainsi que les idées historiques et esthétiques sur le dessin. La deuxième partie comprend une initialisation du même sujet dans le domaine cognitif, où la question de la perception est détaillée dans ses mécanismes basiques. Ces apports conduisent à la synthèse de la thèse, objet de la troisième partie. / The principal axis of this thesis entitled "The Practice of Drawing and Cognition" refers to the relationship between the perception of the artist and his graphic gesture, limiting the scope of the research to the realistic pictorial productions. In this sense, the thesis poses two fundamental questions. First: How the artist sees? And secondly, to what extent the manner in which the artist sees determines (his) its practice and its result. The thesis presents the different approaches that have attempted to explain the vision of the artist during the execution of pictorial works. Incorporating these viewpoints in two general theories on the perception of the artist, the thesis presents Ruskin and Gombrich as representatives of this divergence. Finding relationships between these theories, personal observations and experiences is one of the initial motivations of this thesis that comprises the various experiments in practice of drawing two approaches- a holistic and the other by the principle of detail. The principal characteristics of these different types of practice are examined by an experimental approach to cognition, trying to redefine the activity of drawing on the cognitive level. The thesis consists of three parts. The first part traces the problematic in a field that integrate personal experience and the historical and a esthetic ideas on drawing. The second part contain initialization of the same subject in the cognitive domain, where the issue of perception is detailed in its basic mechanisms. These efforts lead to the synthesis of the thesis, the subject of the third part.

L’art décoratif qui émerge à la fin de la République romaine sous la forme du trompe-l’œil architectural est fascinant par la technicité nouvellement éprouvée pour représenter un espace tridimensionnel. La perspective y est une composante majeure mais elle est assistée par d’autres innovations tout aussi essentielles. La connaissance de l’impact lumineux sur la matière et la capacité à suggérer les volumes contribuent efficacement aux exigences de la mimesis. D’autres usages picturaux restent mystérieux et leur fin se dérobe à nos regards trop jeunes de deux millénaires.La diversité et la richesse des matériaux rassemblés dans ces décors inspirés de plusieurs univers s’apparentent à la notion de varietas ou poikilia, ce goût délibéré pour la bigarrure. Pierres précieuses et métaux brillants, bois exotiques, écailles de tortues et ivoire, textile lourd et verre translucide y rivalisent avec la multitude des marbres polychromes imaginaires ou d’origine souvent lointaine. La valeur signifiante de ces parois imagées passe aussi par la distribution des couleurs – austeri ou floridi d’après la classification de Pline l’Ancien. Les lamentations de l’architecte passéiste Vitruve comme ses prescriptions pragmatiques nous permettent de saisir quelques aspects de la polysémie des couleurs. Souvent multiples par la combinaison d’éléments juxtaposés ou mêlées en une surface multicolore, elles daignent parfois endosser modestement le monochrome pour orner avec élégance une salle entière.La singularité de ce système décoratif appelé IIe style est accentuée par le fait qu’il apparaît subrepticement à l’aurore du Ier siècle avant notre ère pour disparaître tout aussi furtivement, avant même le trépas de ce siècle, avec l’émergence du nouveau langage visuel de l’art augustéen. / A new decorative art appears at the end of the Roman Republic: the architectural trompe-l'oeil. The new techniques used to represent the three dimensions of space are fascinating. Perspective is the major one, but other complementary innovations are just as essential. The perfect command of how light impacts on matter and the ability to suggest volumes efficiently meet the requirements of the mimesis. Certain other painting techniques however still remain mysterious to us after two thousand years.The diversity and magnificence of the materials gathered in these decors inspired from several sources evoke the concept of varietas or poikilia (the deliberate preference for the multi-coloured). Precious stones and shiny metals, exotic woods, tortoiseshells and ivory, heavy textile and translucent glass rival the multitude of polychromatic marbles either imaginary or often coming from far away. The meaning of these painted walls is also expressed through the distribution of colours - austeri or floridi according to Pliny the Elder's classification. Conservative Vitruvius' lament as well as his pragmatic advice enable us to understand some aspects of the colours' polysemy. Often multiple through the combination of various elements either side by side or mixed together, forming a multi-coloured area, they sometimes modestly condescend to monochrome and elegantly decorate a whole room.This decorative art is all the more singular that it appears furtively at the dawn of the first century and disappears as furtively even before the end of that same century, with the emergence of the Augustan art as a new visual language.

Ce travail de thèse porte sur la question de l’existence de représentations, sous forme picturale (dessins, peintures…), exécutées par certains sujets pendant leur internement dans les camps de concentration nazis, dans un contexte de traumatisme extrême, considéré comme de l’ordre de l’irreprésentable. A partir d’une étude de cas de trois sujets dessinateurs/trices, et de leur production picturale, abordée selon la méthode de la psychanalyse appliquée au sens d’André Green, une réflexion peut s’amorcer autour de l’hypothèse d’une autoconservation, différenciée, physique et psychique. Afin de la mener à bien sont résumées les représentations historiques après-coup, puis cernées la problématique du traumatisme extrême dans les camps de concentration et la création d’un point de vue psychanalytique avec des auteurs tels que Freud, Férenczi, Winnicott, Roussillon, Green, Bertrand, Zaltzman, Cerf de Duzeele, Waintrater et Cupa. Les résultats amènent à constater l’existence chez ces sujets d’une aire intermédiaire qui leur a permis de conserver une activité représentationnelle particulière. Celle-ci constitue un travail de représentation de la surréalité déréalisante du camp, principalement utilisé dans une autoconservation psychique. Inscrit dans un fil de culture, de filiation et d’historicisation, il participe d’un travail de liaison intrapsychique et intersubjectif ainsi que d’une lutte contre la désintrication pulsionnelle. Des fantasmes omnipotents d’éternité sous-jacents aux dessins vont de pair avec, dans l’activité, une coexcitation libidinale qui ouvre sur la question d’une éventuelle sublimation / This thesis begins with noticing that pictorial representations (e.g. drawings or paintings etc.) in nazi concentration camps have been made by some subjets while imprisonment, in a massive traumatism, usually thinked as a non-representable situation. From a three drawers and drawings study, imcompletely by Andre Green’s applied psychoanalysis method, reflexion can occur with the hypothesis of a dissociated physical and psychic self-preservation in that context. To achieve this goal, historical nazi camps differed representations, massive traumatism and creation, are detailed in a psychoanalytic viewpoint with Freud, Ferenczi, Winnicott, Roussillon, Green, Bertrand, Zaltzman, Cerf de Duzeele, Waintrater and Cupa as main authors. Results show the existence of an intermediate space that enabled these subjets to keep a specific representational activity. It’s mainly a representation work of the camp overreality in a psychic self-preservation way. This work is an internal and external connection work, in a culture and filiation link, that struggles against drive defusion. Eternity and omnipotent fantasy, libidinal coexcitation underly drawings and pictorial activity. They interrogate about a possible sublimation