Cette recherche, menée par un designer-chercheur en immersion dans le monde professionnel, interroge la problématique de la conciliation entre pratique réelle et prise de recul réflexive sur le métier. Dans cette visée, elle est en partie fondée sur une question épistémologique : quelles sont les connaissances spécifiques apportées par la recherche en design ? Quelle est sa place dans les cadres académique et professionnel ? De manière plus individuelle, peut-on aujourd’hui mener une démarche de design-poïétique, qui concilie pratique et discours ? Si oui, quelles sont les modalités de cette dualité, et comment l’intégrer dans le monde professionnel ? Explorer les porosités, les échos et les tensions entre praxis, pensées et implications sociales du design permet de développer une connaissance active, ancrée dans le réel. Envisagés sous l’angle commun de l’expérience, ces axes disciplinaires deviennent complémentaires, dépassant les dualismes qui ont trop souvent cours entre théorie et pratique, entre faits et valeurs, entre sciences et société, entre esthétique et politique. Une pensée du design ne peut pas viser à ériger des vérités, mais plutôt à ancrer la pratique dans une éthique, qui respecte les singularités de chaque individu et de chaque situation. Pour le chercheur, il s’agit de commencer par décrire ces relations entre pratique et réflexion pour ensuite les redéfinir en fonction de ses besoins – et permettre à d’autres de le faire. Le profil du praticien réflexif se double alors de celui de théoricien et de passeur. / This research work, lead by a designer-researcher embedded into the professional field, questions the conciliation between real-life practice and reflective hindsight. On this basis, it partly relies on the epistemological issue: what kind of specific knowledge can design research create? How does it fit into both academic and professional frameworks? In a more personal way, how can one conduct a poietic design approach that combines practice and discourse? How to reconcile it with working reality? Exploring the continuities, echoes or tensions between praxis, theories and social implications linked to design practice is a way to develop a dynamic knowledge, rooted in reality. When looked at with a focus on experience, these disciplinary axes become complementary. They overcome the conservative oppositions between theory and practice, facts and values, sciences and society, aesthetics and politics. A design theory cannot aim at seeking the absolute truth, but rather at anchoring practice in ethics that respects the uniqueness of each individual and situation. For the design researcher, that means starting by describing the relations between practice and thinking, in order to rearrange them according to one’s needs. Then, the reflexive practitioner evolves into a theorist and a broker of ideas.

Mapamundi (du latin mappa mundi, « carte du monde », représentation de toute la superficie de la planète.)La Mapamundi, que je présente dans le cadre de cette thèse doctorale, est un essai de configuration poétique de l’étendue du « plurivers » artistique de Mapa Teatro pendant ses trente ans d’existence (1984-2014). Elle est imprimée sur papier et en même temps sur ma peau, inscrite dans la mémoire du corps. Trace physique d’une histoire, marque géographique d’un affect : à la fois pensée du corps et corps d’une pensée.Les cartes qui représentent la superficie de la Terre utilisent une « projection », une manière de traduire la superficie réelle tridimensionnelle d’un géoïde en un dessin bidimensionnel. Une Mapamundi « projetée » en une forme sensible, réflexive, pluriaxiale, qui se distinguerait d’un type d’analyse taxonomique purement « extérieur », mais aussi de tout catalogue intimiste, exclusivement « intérieur », et même de toute archive supposée intégrale, tel est le défi que je tenterai à présent dans la forme Atlas, « projection » conceptuelle et affective, théorique et poétique, de la Mapamundi de Mapa Teatro.L’Atlas est une forme visuelle du savoir, une forme savante du voir (Didi-Huberman).Une cartographie autant chronographique que chronogénétique, parce qu’elle trace un devenir, parce qu’elle ouvre des possibles. La carte (un espace, un dispositif), le témoin (un point de vue, une subjectivité) et le triptyque (un temps, un événement) constituent les trois axes de projection et d’analyse réflexive choisis pour la configuration de cet Atlas : carte (chapitre I), témoin (chapitre II) et triptyque (chapitre III) réunissent et problématisent un ensemble de figures qui traversent la cartographie poïétique de Mapa Teatro depuis sa création jusqu’à ce jour. Une forme de pensée-montage. / Mapamundi (from latin mappa mundi, « world’s map» a representation (a map) of the entire surface of the planet). The Mapamundi, that I here present, under the frame of this doctoral research, is an attempt to draw a poetical configuration of Mapa Teatro’s artistic «plurivers», built up during its thirty years of existence (1984-2014). It is printed on paper, and at the same time on my skin, engraved in my body’s memory. Physical trace of a history, geographical affectionate token: both the thinking of a body and a body of thought. Maps that represent the surface of the earth make use of a « projection », as a way of translating the real three-dimensional surface of a geoids into a two-dimensional basin. This is a «projected» Mapamundi in a sensible, reflective, pluriaxial form, that distinguishes itself not only from a taxonomic analysis, but also from any type of intimate catalogue, exclusively interior, or of any kind of a presumably overall archive. This is the challenge that I have risked in this Atlas form, a conceptual and affective « projection », both theoretical and poetic, of Mapa Teatro’s Mapamundi. An Atlas is a visual form of knowledge, a savant form of seeing (Didi-Huberman).A cartography in as much as it is both chronographic and chronogenetic, because it draws a becoming, because it opens to the possibles. The map (a space, a device), the witness ( a point of view, a subjectivity ) and the triptych ( a time, an event ) have been the three axis of projection and of reflective analysis chosen to shape this Atlas. Map (Chapter I), Witness (Chapter II) and Tryptique (Chapter III) gather and problematize a group of figures that traverse Mapa Teatro’s since its creation to our days. A form of montage-thought.

Nombreux sont les travaux consacrés aux Essais à avoir embrassé d’un seul regard les caractéristiques littéraires et la teneur philosophique du livre de Montaigne. Mais la nature philosophique de la prose d’idées des Essais restait une évidence inquestionnée ; c’est ainsi que s’est constituée une représentation opaque de l’œuvre selon laquelle l’ensemble réputé inextricable de ses aspects ne pouvait être pensé qu’à travers la catégorie doxographique du scepticisme. Enquête méthodologique et critique, la présente thèse vise à dissiper cette opacité en dégageant spéculativement les fondements d’une manière alternative de rendre compte de la philosophie dans les Essais à partir de son articulation avec les propriétés du texte. L’expérience que le lecteur des Essais peut faire de la philosophie montanienne est spécifique : cette philosophie se manifeste comme détermination. Est ensuite démontrée la nécessité méthodologique de localiser la philosophie à sa juste échelle dans le texte pour pouvoir rigoureusement l’identifier. Il apparaît alors que ce n’est qu’à la faveur d’une compréhension poïétique des ressorts textuels de la pensée montanienne que devient véritablement pensable la philosophie des Essais. La description de la philosophie des Essais sur laquelle débouche cette investigation permet enfin de prendre la pleine mesure de l’inventivité d’une pensée tributaire d’une écriture, aux sens matériel et stylistique du terme. / It is common practice for works pertaining to Montaigne's Essays to embrace in a single glance its literary characteristics and its philosophical content. But the philosophical nature of the Essays' non-fictional prose has yet remained unchallenged, crystallizing an opaque representation of the text that precludes its supposedly inextricable aspects from being thought outside the doxographic category of skepticism. A methodological and critical enquiry, the present thesis intends to dispel this opacity by speculatively unfolding the fundamental principles for an alternative construal of the Essays' philosophical content, rooted in its articulation with the properties of the text. The way in which the reader of the Essays shall experience Montaigne's philosophy is specific: this philosophy emerges as semantically determined content. From this ensues the methodological imperative to localize philosophy at its legitimate scope of focus within the text in order to allow for its rigorous identification. It then appears that philosophy of the Essays can only be truly thought through the lens of a poietic understanding of the textual elements of Montaigne’s thought. Finally, the description of the philosophy of the Essays brought about by this enquiry sheds light on the full extent of the ingenuity of Montaigne's thought, tributary of his writing in both the material and stylistic senses of the term.

Sur le fil invisible reliant la temporalité tridimensionnelle de l'ancestral, du présent et du devenir, se profilent les pas du compositeur. Parcours individuel, traversée sociale, épopée humaine, l'acte créatif émane des profondeurs du ressenti de l'être et des profondeurs de la collectivité sociale. Notre recherche se veut un voyage en vue d'une reconstitution du parcours du dire musical en tant qu'expression de l'être impliquant culturalité et subjectivité compositionnelles et aboutissant à l'œuvre musicale en tant qu'entité-signe. En consacrant notre réflexion aux musiques modales arabo-musulmanes de tradition orale, nous développerons dans ce cadre une théorie des strates englobant le processus compositionnel dans sa totalité en le considérant comme un processus préparé par une phase pré-œuvre, élaboré en une phase poïétique et aboutissant à l'émergence d'une entité-signe porteuse de sens. La phase pré-œuvre met à contribution les strates profondes, à savoir la strate psychoperceptive empreinte des composantes immatérielles du ressenti modal, la strate neuroesthétique impliquant les prédispositions génétiques et l'impact du milieu culturel pour une imprégnation modale et la strate d'appropriation du mode d'expression propre au langage modal. La phase poïétique s'articule ensuite autour de l'évolution des strates d'influence constituées d'une strate des facteurs motivationnels, d'une strate permettant l'acheminement vers une amorce de l'œuvre et d'une strate de transduction aboutissant à l'œuvre. Après l'étude de la phase pré-œuvre et de la phase poïétique, nous entreprendrons une analyse sémiotique de l'œuvre en tant qu'entité-signe porteuse d'une mosaïque de sens. / On the invisible thread connecting the three-dimensional temporality of the ancestral, the present and the becoming, the figure of the composer looms large. At once an individual trajectory, a social crossing, a human epic, the creative act emanates from the depths of the being and from those of the social community. This research aims to be like a journey where we seek to reconstitute the path of musical telling as an expression of the being, involving both the cultural and subjective dimensions of composition, and leading to the musical work as a sign-entity. In this framework, by devoting our reflection to Arab-Muslim modal music of the oral tradition, a theory of strata will be developed to include the totality of the compositional process considered as a process prepared by a pre-work phase, elaborated into a poietic phase and leading to the emergence of a meaningful sign-entity. The pre-work phase engages deep strata, namely the psychoperceptive stratum imprinted with the immaterial components of modal feeling, the neuroaesthetic stratum implying genetic predispositions and the importance of cultural environment for modal impregnation, and the stratum of the appropriation of the expressive mode specific to modal language. The poietic phase is then organised around the development of the affluence strata constituted by a stratum of motivational factors, a stratum enabling the progression towards the onset of a work and a transduction stratum leading to the work. After the study of the pre-work phase and the poietic phase, we undertake a semiotic analysis of the work as a sign-entity carrying a mosaic of meanings.

A conduta criativa de João Cabral de Melo Neto é tradicionalmente caracterizada como uma atividade controlada por uma razão arquitetônica, que lucidamente projeta, e rigorosamente realiza a obra literária. A abordagem, aqui feita, de seu pensamento sobre a criação quer dizer, das representações do fazer em seus poemas metalinguísticos e também de sua prática criativa legível nos traços de seus manuscritos afasta-nos sensivelmente do paradigma da arquitetura. Em seu lugar, propomos considerar o fazer cabralino como uma atividade de reformulação constante, que produz, durante o processo de escrita, novos sentidos e estruturas não determinados a priori, integrando, dessa forma, a imprevisibilidade e a instabilidade na essência mesma da criação literária. / João Cabral de Melo Neto\'s creative conduct is traditionally characterized as an activity directed by an architectonic reasoning, which consciously projects and rigorously realizes the literary work. The approach taken here of his creative thinking that is, of the representations of the act of making in his metalinguistic poems and of his creative practice which is discernible on the glyphs of his manuscripts takes us sensibly away from an architectural paradigm. Instead, we propose to consider Cabral\'s making act as a constant reformulation activity, which produces, during the writing process, new meanings and structures not determined a priori, in this way integrating imprevisibility and instability to the very essence of literary creation.

A conduta criativa de João Cabral de Melo Neto é tradicionalmente caracterizada como uma atividade controlada por uma razão arquitetônica, que lucidamente projeta, e rigorosamente realiza a obra literária. A abordagem, aqui feita, de seu pensamento sobre a criação quer dizer, das representações do fazer em seus poemas metalinguísticos e também de sua prática criativa legível nos traços de seus manuscritos afasta-nos sensivelmente do paradigma da arquitetura. Em seu lugar, propomos considerar o fazer cabralino como uma atividade de reformulação constante, que produz, durante o processo de escrita, novos sentidos e estruturas não determinados a priori, integrando, dessa forma, a imprevisibilidade e a instabilidade na essência mesma da criação literária. / João Cabral de Melo Neto\'s creative conduct is traditionally characterized as an activity directed by an architectonic reasoning, which consciously projects and rigorously realizes the literary work. The approach taken here of his creative thinking that is, of the representations of the act of making in his metalinguistic poems and of his creative practice which is discernible on the glyphs of his manuscripts takes us sensibly away from an architectural paradigm. Instead, we propose to consider Cabral\'s making act as a constant reformulation activity, which produces, during the writing process, new meanings and structures not determined a priori, in this way integrating imprevisibility and instability to the very essence of literary creation.

« Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de ce mémoire [de cette thèse] a été dépouillée de certains documents visuels et audio‐visuels. La version intégrale du mémoire [de la thèse] a été déposée à la Division de la gestion des documents et des archives » / Cette thèse s’intéresse à la présence opérante, dans plusieurs discours fondateurs du modernisme et dans certaines de ses pratiques, de l’ivresse comme concept, c’est-à-dire comme façon de penser la création artistique, ou comme méthode concrète d’intoxication permettant d’y accéder. Dans la première partie de la thèse, nous observons comment, au 19e siècle, les spéculations sur les états de conscience modifiés (alcool, opium, haschich, etc.) ont croisé les considérations poïétiques et esthétiques. Pour ce faire, nous mettons en rapport le développement d’un imaginaire de l’ivresse nourri de références à la peinture et des écrits sur la création artistique faisant bon accueil aux dérèglements psychophysiologiques. Afin de problématiser ce rapport de l’art et de l’ivresse qui est pour nous constitutif de l’esprit du modernisme, nous sollicitons les points de vue de quatre auteurs qui ont adopté une perspective physiologique sur l’art : Stendhal, Balzac, Baudelaire et Nietzsche. Notre traitement vise à préciser le développement d’une pensée de l’ivresse spécifique à chacun sans perdre de vue le contexte sociohistorique élargi dans lequel ils ont respectivement évolué. Il nous est ainsi possible de retracer l’émergence de la figure de l’artiste intoxiqué et d’en déterminer les résonances idéologiques. Dans la seconde partie de la thèse, nous observons les incidences de cette construction sur les pratiques artistiques elles-mêmes au cours du 20e siècle. En premier lieu, nous constatons les défis et les problèmes concrets qu’ont pu poser les états d’intoxication dans l’exercice du métier de peintre. Nous mettons ainsi à jour les raisons qui ont conduit les artistes des premières avant-gardes à tenir l’ivresse à distance. Nous nous intéressons ensuite à des peintres qui, à partir de l’entre-deux-guerres, ont plutôt recherché les états d’ivresse et développé des stratégies pour les exploiter à des fins créatrices : S.I. Witkiewicz, Josef Sima, André Masson, Jackson Pollock et Kazuo Shiraga. Nous remarquons d’abord que ces démarches tendent à se détacher d’un formalisme pictural rigoriste en accordant plutôt une fonction déterminante à l’empathie dans la création et dans la réception de l’œuvre d’art. Nous proposons ensuite de distinguer deux types d’expressions picturales de l’ivresse : l’une qui nécessite encore l’expédient de la figuration, l’autre qui s’appuie sur une mise en mouvement spontanée du corps de l’artiste. Les notions de trace et d’aura théorisées par Walter Benjamin nous permettent de rattacher ces deux façons de pratiquer l’ivresse à des manières d’envisager la création artistique à une époque marquée par le taylorisme ainsi que par les technologies de reproduction de l’image. / This thesis examines the operating presence of intoxication as a concept in many of modernism’s founding discourses as well as in some of its practices. Intoxication is considered both as a way to understand artistic creation and as a chemically-induced state allowing artists to access a specific kind of creativity. The first part of the thesis shows how, in the 19th century, speculations about altered states of consciousness (alcohol, opium, hashish, etc.) intersected with poietic and aesthetic considerations. To demonstrate this, we link the development of an imaginary construct of intoxication that is filled with references to painting with writings on artistic creation that celebrate psychophysiological disorders. To support our hypothesis that the relationship linking art and intoxication is constitutive of the spirit of modernism we solicit the points of view of four writers who have adopted a physiological perspective on art: Stendhal, Balzac, Baudelaire and Nietzsche. Our aim is to elaborate notions of intoxication that are specific to each without losing sight of their respective sociohistorical contexts. By doing so, it becomes possible to delineate the emergence of the figure of the intoxicated artist and to analyze its ideological character. In the second part of the thesis, we observe the implications of this construct on artistic practices during the 20th century. We begin by attesting to the challenges and material difficulties which states of intoxication can pose to painters. We thereby identity reasons why artists from the early avant-gardes kept their distance from intoxication. We then turn to painters who, from the inter-war period on, instead sought states of intoxication and developed strategies to exploit them to creative ends: S.I. Witkiewicz, Josef Sima, André Masson, Jackson Pollock and Kazuo Shiraga. First, we observe how these processes tend to detach themselves from a rigorist pictorial formalism, granting instead a determining function to empathy in the creation as well as the reception of the artwork. We go on suggest two distinct types of pictorial expression of intoxication: one which still requires the expedient of figuration, the other which is grounded in a spontaneous involvement of the artist's body. The notions of trace and aura theorized by Walter Benjamin allow us to tie these two modes of practicing intoxication to ways of conceiving artistic creation during a period distinguished by Taylorism as well as by image reproduction technologies.