La traduction a une longue histoire au Tamil Nadu. C’est une tradition qui remonte au IIIe siècle av. J.-C. Les toutes premières traductions sont des adaptations d’œuvres sanscrites, appelées transcréations, qui commencent pour de bon au VIe siècle de notre ère. La traduction d’œuvres anglaises débute au XIXe siècle. Au XXe siècle, les œuvres russes, françaises, latino-américaines et scandinaves sont traduites vers le tamoul. La traduction de la littérature québécoise voit le jour en 1995. Les premières traductions à paraître sont Le libraire de Gérard Bessette et Encore cinq minutes de Françoise Loranger. En 1997 apparaît la traduction de La vie en fuite de Denis Bélanger. En 2002, les pièces Les Belles-Sœurs de Michel Tremblay et Leçon d’anatomie de Larry Tremblay sont traduites. En 2008, La distraction de Naïm Kattan et l’Anthologie de la nouvelle québécoise actuelle sont traduites vers le tamoul. Dans la traduction tamoule de l’Anthologie de la nouvelle québécoise actuelle, nous constatons un nombre significatif d’omissions. Nos recherches montrent que les omissions peuvent être divisées en trois catégories, à savoir les métaphores, les descriptions d’ordre sexuel et les descriptions qui présentent des problèmes d’ordre linguistique. Dans la présente recherche, nous cherchons à découvrir les méthodes adoptées par les traducteurs indiens anciens et contemporains pour traduire les œuvres littéraires vers le tamoul, ce qui nous permettra de mieux comprendre les méthodes de traduction adoptées pour traduire vers le tamoul les nouvelles québécoises, en vue entre autres d’étudier le rôle du sens suggestif et du délice esthétique en traduction littéraire. Au moyen d’une lecture phénoménologique moniste des omissions, nous souhaitons relever l’importance de comprendre et de reproduire les huit correspondances, à savoir la corrélation, la compatibilité, la contiguïté, le rythme, les déterminants, les changements mimétiques, les émotions fugaces et le délice esthétique. La recherche devrait contribuer à mieux comprendre le rôle de l’interprétation dharmique, de l’herméneutique analogique et du principe des huit correspondances en traduction littéraire. Il convient de noter que notre objectif n’est pas de prescrire une approche globale qui s’étend à tout type de traduction, ni de décrire l’activité traduisante du point de vue de l’effet. Nous ne tenons qu’à ouvrir le débat sur l’art traductif par rapport à une nouvelle façon d’aborder la traductologie, en mettant l’accent sur ce que nous appelons la phénoménologie moniste du traduire. / Translation in Tamil Nadu has a hoary past. It is a tradition that dates back to the 3rd century B.C. The very first translations into Tamil are adaptations of Sanskrit works, called transcreations that appear in the sixth century C.E. The translation of English works begins in the nineteenth century. In the twentieth century, Russian, French, Latino-American and Scandinavian works are translated into Tamil. The translation of Quebec literature gets under way in 1995. That year, Le libraire by Gérard Bessette and Encore cinq minutes by Françoise Loranger are translated into Tamil. In 1997, La vie en fuite by Denis Bélanger is translated into Tamil. In 2002, the plays Les Belles-Sœurs by Michel Tremblay and Leçon d’anatomie by Larry Tremblay are translated. In 2008, La distraction by Naïm Kattan and Anthologie de la nouvelle québécoise actuelle are translated into Tamil. Our analyses show that there are a significant number of omissions in the Tamil translation of the Anthology. The omissions fall under three categories, namely omissions of metaphors, omissions of sensual descriptions and omissions of words/phrases owing to lack of equivalents. This research seeks to discover the methods used by the ancient and contemporary Indian translators to translate literary works into Tamil. This would help us better understand the translation methods adopted to translate Quebec novels into Tamil, and the role of suggestive meaning and aesthetic relish in literary translation. Through a Monist Phenomenological reading of the omissions, we propose to stress the importance of comprehending and recreating the eight correspondences, namely the correlation, the compatibility, the contiguity, the rhythm, the determinants, the mimetic changes, the transient states of mind and the aesthetic relish. This research should contribute to a better understanding of the role of dharmic interpretation, analogical hermeneutics and the principle of eight correspondences in literary translation. It is worth noting that our goal is not to put forth a one size fits all approach that is suited for all kinds of translation, nor to describe the translation process from the point of view of aesthetic response. Our sole aim is to kick start the debate on the art of translation from the perspective of a novel approach to Translation Studies, focussing on what could be named the Monist Phenomenology of translation.

Section création : Adèle encore une fois En lisant le journal, Charlotte apprend le décès de son amie, avec qui elle n'a plus de lien depuis deux ans. Elle se remémore une journée d'automne qu'elles ont passée ensemble. Afin d'échapper à une matinée désastreuse - rendez-vous raté avec son directeur de maîtrise pour Adèle, puissant coup de déprime pour Charlotte - les deux femmes se retrouvent en ville. De rues en rues, de lieux en lieux, elles se racontent, se rapprochent, s'éloignent. L'arrivée surprise de Laurent, l'homme qu'elles aiment, au bistro où elles prennent un dernier verre, vient à la fois brouiller leurs sentiments et révéler un peu plus qui elles sont vraiment. Section réflexion critique : Relations fraternelles et quête identitaire dans trois romans québécois contemporains: L'enfant migrateur (Aude. 1998), Les Yeux bleus de Mistassini (Jacques Poulin, 2002). Après la nuit rouge (Christiane Frenette, 2005). À l'intérieur des trois romans à l'étude, j'ai pu observer la répétition du schéma suivant : le personnage vit une relation fraternelle problématique, par exemple un sentiment amoureux ou fusionnel, du désir physique, de la haine, du rejet ou encore de la dépendance. C'est au contact d'une personne extérieure à son cercle familial, mais pouvant jouer le rôle d'un parent, que le personnage en conflit se forge et découvre sa propre identité. Dans chacun des romans, cette découverte identitaire prend forme à travers une activité créatrice ou un métier lié à la création : écriture, dessin, peinture, jeu théâtral. Ce schéma s'illustre également à l'intérieur de mon roman, d'où l'intérêt de creuser dans ces relations et de chercher à savoir quel sens je peux leur donner.

Mario Béland : LOUIS JOBIN (1845-1928) ET LE MARCHÉ DE LA SCULPTURE AU QUÉBEC Le sculpteur Louis Jobin est une figure marquante de 1'histoire de l'art ancien du Québec. Après avoir été 11 apprenti de François-Xavier Berlinguet à Québec et de William Boulton à New York, Jobin ouvrit sa première boutique à Montréal en 1870, boutique qu'il quitta cinq ans plus tard pour se fixer dans la Vieille Capitale. À la suite de 1'incendie de son atelier en 1896, le sculpteur alla finalement s'installer à Sainte-Anne-de-Beaupré où il travailla jusqu'à sa retraite en 1925. Cette longue carrière lui a permis de réaliser un millier d1 oeuvres qui sont disséminées un peu partout sur le continent nord-américain. Sa production statuaire s'avère non seulement la plus considérable de 1'époque mais constitue également un jalon fondamental dans 1'évolution de la sculpture québécoise. En effet, en raison des impératifs du marché, des contraintes de la concurrence et des innovations liées à 11 industrialisation, Jobin a dû s'adapter tout au long de sa carrière, passant progressivement d'une production diversifiée à un champ d'action très spécialisé, la statuaire religieuse de grand format destinée à 11 extérieur des édifices. S'appuyant sur une méthodologie propre à 1 'histoire de l'art ancien du Québec, notre problématique visait à identifier et à analyser les incidences du marché de la sculpture au Québec sur 1 'itinéraire et la production de Louis Jobin. Les grandes étapes et les tournants de la carrière du sculpteur furent effectivement tributaires des impératifs du marché ainsi que des contraintes de la concurrence et de 1 'industrialisation. Par le biais d'une démarche synchronique, nous avons cherché à dégager et à comparer les traits spécifiques de la production de 11 artiste durant les principales phases de sa carrière, et cela en relation avec les mécanismes complexes du marché de la sculpture. Surbordonnées aux règles de l'offre et de la demande, les oeuvres du sculpteur devaient répondre aux besoins et aux goûts particuliers de sa clientèle en matière de sujets, de modèles, d'usages, de fonctions et de destinations. Ces diverses exigences conditionnèrent de multiples façons 1'aspect matériel et visuel des oeuvres sculptées, tant au plan iconographique que décoratif, déterminant certains choix quant au format, au revêtement et à la finition. Ainsi avons-nous tenté de démontrer que 1'oeuvre de Jobin a progressivement évolué d'une production très diversifiée vers une production très spécialisée. Alors que, durant sa formation et ses débuts à Montréal, le sculpteur avait réalisé des pièces de mobilier, des sculptures ornementales, des figures de proue, des enseignes, des statues et des reliefs à caractère religieux, il en vint, à la fin de son séjour à Sainte-Anne, à façonner essentiellement des statues religieuses destinées à 11 extérieur des édifices. Le plus souvent de grandes dimensions et recouvertes de métal, ces oeuvres comprennent, parmi les plus représentatives, nombre de monuments au Sacré-Coeur et des groupes du Calvaire. Tout en tenant compte de 11 apport de divers auteurs dont Hayward, Potvin et Barbeau, la présente thèse devrait contribuer à renouveler d'une part la perception de la carrière et de la production de 11 artiste et à éclairer, d'autre part, le contexte socio-économique dans lequel évoluaient les sculpteurs québécois à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. / Montréal Trigonix inc. 2018

Le but de ce travail de recherche est de cerner et de circonscrire un certain esprit des temps pour observer ses manifestations dans l'art actuel. J'ai d'abord voulu rendre compte des valeurs qui marquent l'époque que nous vivons, aux plans philosophique et esthétique. Le champ de la connaissance a fait des bonds importants depuis la Renaissance et le Siècle des Lumières. La modernité a élargi les moyens d'analyse et de synthèse des phénomènes du monde. Récemment, la postmodernité semble cependant mettre en doute les expérimentations modernistes lorsqu'elle propose la multiplication des instruments de connaissance. En deuxième étape, j'ai voulu analyser l'esprit qui sous-tend le travail sculptural du post-formalisme américain et par la suite brosser un tableau historique de la situation de la sculpture au Québec. Finalement, je me suis arrêtée sur 1'installation aLomph aBram de l'artiste montréalais David Moore pour en montrer les appartenances contemporaines aux points de vue historique, intellectuel et esthétique. / Montréal Trigonix inc. 2018

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / La présente recherche porte sur la production d'un groupe de peintres anglophones de Montréal et de Toronto, qui ont séjourné à Beaupré de façon intermittente entre les années 1896 et 1904. Son originalité tient au fait qu'il s'agit d'une pratique collective réalisée dans un milieu rural canadien-français. Le cadre de cette recherche se limite au noyau principal de la colonie d'artistes présente à Beaupré à l'époque, passant sous silence la contribution des étudiants et des visiteurs occasionnels. Seuls les amis proches et membres du Pen and Pencil Club de Montréal ont été retenus, pour se concentrer sur les idées et les opinions qu'ils partageaient et ainsi chercher à cerner leur pensée, dont les textes de Paul Lafleur, écrivain et collègue de longue date, sont apparus comme un reflet significatif. À regarder de près les points communs qui unissaient les peintres, aux plans familial, académique et artistique, nous voulons mieux comprendre les motivations qui les ont poussés à s'arrêter à Beaupré, un lieu dont la spécificité s'est avérée très significative. L'analyse de cette spécificité de lieu, de temps et de mémoire a permis de mieux saisir comment Beaupré pouvait soutenir une quête identitaire. À une époque où on cherchait à développer un art national, l'image de Beaupré comme berceau des origines de la nation, apportait une réponse en termes historique et mythique aux aspirations profondes des peintres. / This project has to do with a group of English-speaking artists from Montréal and Toronto, who worked together in Beaupré, a small French rural community near Québec city, between 1896 and 1904. The group included William Brymner, William Cruikshank, Maurice Cullen, Edmond Dyonnet, James Wilson Morrice and Edmund Morris. We did limit the study to the artists who also belonged to the Pen and Pencil Club of Montréal at that time. The Club includes artists and writers, which allows us to gather informations on opinions and mentalities of the day. Paul Lafleur, a close friend of the artists in Montréal, accompanied them in Beaupré. We studied the production of Beaupré ( > 300 works of art ) which can be best qualified as regionalist and nationalist. A comparison was established between the ideologies behind the paintings on the one hand and the writing of Paul Lafleur on the other hand ( 33 texts ). The type of painting produced in Beaupré has to do with an identity quest ; we believe Beaupré was chosen by the artists because of its link with the origins of the country. In fact, Beaupré goes back ta 1626, when Champlain built there the first farm in Canada. Being a « lieu de mémoire » ( mythic site ), it had attracted English artists since 1790. The group of Beaupré created a representation of Canada as a French colonial settlement, some sort of primitive and idealistic society, far away from the threats of an overindustrial world.

Adrienne Maillet a fait paraître huit romans, un recueil de nouvelles et deux biographies en à peu près vingt ans, soit de 1937 à 1954. Malgré cette production importante, une réception critique favorable et quelques rééditions, très peu d'études lui ont été consacrées. Le présent mémoire vise donc à faire connaître cette écrivaine prolifique méconnue et son œuvre romanesque. Une grande partie des critiques et des relectures des romans de Maillet a insisté sur l’aspect sentimental ainsi que sur la grande moralité qui s’en dégage. Or, quelques récentes relectures de ceux-ci laissent entendre qu’il pourrait y avoir, derrière l’allure conformiste, une certaine part d’innovation. Il s’agit donc, dans le cadre de cette recherche, de vérifier si l’œuvre romanesque de Maillet se révèle idéologiquement ambigüe, entre conformisme et nouveauté, et comment elle développe ce double aspect. Pour ce faire, ce mémoire se décline en trois temps. Le premier chapitre établit tout d’abord le contexte historique et littéraire des années 1930-1940. Cette période est marquée par de nombreux bouleversements, de même que par le double sceau de la tradition et de la modernité. L’analyse de l’œuvre de Maillet se déroule pour sa part en deux temps. Le second chapitre porte sur l’aspect plus traditionnel des romans, leur appartenance au genre sentimental. Ceux-ci sont analysés à l’aide des théories sur le roman sentimental et le roman d’amour catholique, plus particulièrement celles d’Ellen Constans (1999). Par la forme qu’ils empruntent, les récits permettent l’inscription d’un premier discours conservateur à l’intérieur de l’œuvre romanesque de Maillet. Le dernier chapitre aborde pour sa part les différents aspects plus novateurs qui se retrouvent dans la production de la romancière. Il est entre autres question des particularités thématiques présentes dans les romans, soit la mise en place d’un espace urbain et bourgeois, de même que de certaines revendications féminines, voire féministes. Cette relecture de l’œuvre de Maillet permet tout d’abord de montrer que celle-ci n’est pas aussi univoque que la critique et la recherche l’ont d’abord cru, mais elle permet aussi d’enrichir nos connaissances en ce qui a trait à un domaine encore méconnu, l’écriture des femmes dans les années 1930-1940.

Plus de quarante ans après la révolution féministe des années 1970 qui a favorisé l’augmentation des publications d’auteurs féminins, les femmes sont-elles dorénavant aussi nombreuses que les hommes à être reçues favorablement dans les officines éditoriales? La publication, première étape menant vers la reconnaissance littéraire, est le résultat d’un échange entre l’auteur•e et l’éditeur•trice. Pour que cet échange soit fructueux, l’éditeur•trice – ou ceux et celles qu’il•elle mandate à cet effet – doit endosser, dans une certaine mesure, le manuscrit. Or, différents facteurs interviennent dans les choix éditoriaux. Ces derniers débouchent-ils au final sur une proportion équitable d’œuvres provenant d’hommes et de femmes? Cette recherche tente de vérifier si le sexe de la personne qui préside aux choix des manuscrits a une incidence sur la composition sexuée du catalogue. Plus précisément, ce mémoire cherche à savoir s’il y’a une corrélation entre le sexe des éditeur•trice•s et celui des auteur•e•s publié•e•s. Dans ce but, le premier chapitre établit le portrait chiffré de la profession éditoriale qui prévaut au Québec pour l’année 2005 en scrutant les proportions de femmes et d’hommes qui y travaillent. Dans cette partie des travaux, une attention particulière est réservée à la hiérarchie instaurée entre les différents métiers convoqués dans la chaine éditoriale. Dans le deuxième chapitre, ce sont les rapports entre, d’une part, le sexe des personnes qui président à la publication des ouvrages littéraires et, d’autre part, celui des auteur•e•s publié•e•s durant l’année 2005 qui sont examinés, dans le but d’établir le degré de mixité des catalogues. Celui-ci est établi en fonction des proportions de femmes et d’hommes qui les composent, puis est ventilé selon les divers genres littéraires. Enfin, le troisième chapitre du mémoire examine les proportions d’auteur•e•s publié•e•s dans les catalogues de jeunes maisons d’édition à vocation littéraire, c’est-à-dire celles fondées au Québec entre les années 1995 et 2005. Dans ce contexte précis d’une littérature essentiellement émergente, où l’on peut croire que les facteurs de sexe et de genre sont atténués, la recherche s’attarde, encore une fois, aux liens entre le sexe de l’éditeur•trice et la proportion de femmes et d’hommes publié•e•s afin de connaitre quels sont les facteurs qui influencent la mixité. Au terme de l’exercice, il apparaît que le sexe des personnes qui interviennent dans le choix des manuscrits a une réelle incidence, et qu’en l’occurrence, les auteurs masculins sont nettement favorisés.

Ayant recours aux théories de l’intertextualité et de la citation telles que développées par Genette, Compagnon et Morawski, ce mémoire met en relation deux corpus distincts mais complémentaires : les principaux essais d’Hubert Aquin, de Gaston Miron et des collaborateurs de la revue Parti pris sont analysés comme réécriture des textes (ou réélaboration des idées) d’Aimé Césaire, de Frantz Fanon et d’Albert Memmi, figures dominantes du discours de la décolonisation francophone. L’approche adoptée vise à mettre en lumière les bases sur lesquelles les intellectuels québécois tâchèrent de justifier leur réutilisation du discours de la décolonisation. Elle permet aussi d’observer dans quelle mesure ce discours orienta la réflexion entourant la redéfinition du nationalisme au Québec, en plus de faciliter sa diffusion. Articulé autour de trois grands axes – l’identité culturelle, les conflits linguistiques ainsi que le rôle de la littérature et de l’écrivain dans le combat pour l’émancipation nationale –, ce mémoire démontre que l'établissement d'un tel partenariat symbolique a été d'un grand apport quant à l'appartenance du Québec à la francophonie. / Refering to the theories of Genette, Compagnon and Morawski's on quotation and intertextuality, this thesis compares two distinct, yet complementary, body of works: the major essays written by Hubert Aquin, Gaston Miron and the young intellectuals who collaborated to Parti Pris are analyzed as rewriting (or rethinking) of the works of Aimé Césaire, Frantz Fanon and Albert Memmi, figureheads of the francophone decolonization movement. The main objective of this study is to investigate the bases on which Québécois intellectuals attempted to justify their recuperation of the discourse of decolonization, and how this discourse shaped their reflection towards redefining Québec nationalism, as well as promoting its diffusion. Articulated around three principal axes – cultural identity, language conflicts and the role of literature and the writer in the struggle for national emancipation –, this thesis shows that the creation of such a symbolic partnership has enabled Québec to join the community of francophone nations.

Ce mémoire porte sur le recueil de poèmes La terre est ici d’Élise Turcotte. Il s’attache à analyser les modalités par lesquelles le foyer de perception des sujets poétiques engendre un déplacement de la notion de « paysage » dans l’œuvre de Turcotte. Le premier chapitre étudie l’énonciation afin de retracer comment les subjectivités de La terre est ici investissent le langage et construisent le réel qui les entoure pour en donner une perception singulière. Le second chapitre analyse la création de cet espace visuel unique qui se déploie autour de la notion de « détail », tandis que le troisième et dernier chapitre s’intéresse à la remise en cause du statisme de la vision engendrant un « art de faire » qui tend plutôt vers la mise en scène et le mouvement. L’étude de cette scène comme convocation des sujets dans le langage permet de développer la conception de l’espace comme lieu pratiqué, où les multiples perceptions des sujets composent un « paysage » à la fois visuel, tout en donnant lieu à une possibilité d’action. / This M.A. thesis concerns the collection of poems La terre est ici of the poet Élise Turcotte. It studies the modalities by which the perception of the poetic subjects displaces the notion of « landscape » in the work of Turcotte. The first chapter, in studying enunciation, tries to understand how the subjectivities of La terre est ici invest the language and build the reality that surrounds them to create a singular perception. The second chapter analyzes the creation of this unique visual space which deploys itself around the notion of « detail », whereas the third and last chapter questions the vision engendering an « art de faire » which aims towards direction and movement. The study of this stage as a way to convoke the subjects in the language introduces the idea of the space as a practised place. Thus, the multiple perceptions of the subjects compose a « landscape », understood in a visual sense and as possibility of action.

Ce mémoire porte sur les deux premiers recueils de Raoul Duguay (ruts et or le cycle du sang dure donc). Il cherche à examiner les liens étroits qu’entretient la poésie de Duguay avec la production parallèle du poète, qui s’oriente dès la fin des années 1960 vers la chanson. Le mémoire s’attachera d’abord, dans le premier chapitre, à présenter l’histoire des liens entre les poètes et la chanson au Québec afin de relever les points de contact significatifs au cours des années 1960 et de poser le cadre théorique de la chanson comme objet d’étude. Dans un deuxième temps, l’analyse des deux premiers recueils de poèmes de Duguay nous mènera à une réflexion sur la présence de la métaphore du chant, puis de la parole poétique en poésie québécoise, qui annonce un changement de paradigme dans l’approche du lyrisme et du sujet lyrique. Enfin, le troisième chapitre se penchera sur le contexte contre-culturel québécois, pour examiner le discours et le contre-discours sur la poésie, pour expliquer le phénomène de décloisonnement des genres qui conduit Raoul Duguay à investir le champ de la culture populaire de sa poésie. Il y sera aussi question du sujet « dans le langage », de l’expérience de la langue et de la subjectivité de la voix. / This thesis addresses the early works of Raoul Duguay. Our study focuses on the first two collections of poem (ruts [1966] and or le cycle du sang dure donc [1967]), while examining Duguay’s parallel production as an experimental musical artist and eventually songwriter. Hereby, our study wishes to unveil the close ties between poetry and what could be considered as its popular derivatives: songwriting. Indeed, a significant number of poets wrote songs, especially among the proponent of the counterculture. Therefore, the first chapter will present a portrayal of Quebec’s cultural history that underlies the ties between songwriters, poets and artists in general in the 1960s. Furthermore, it will lay the theoretical framework to address the song as a study object. The second chapter studies the notion of lyricism in Quebec’s early modern poetry. It will study the use of song – or singing – as a metaphor, to demonstrate how it later loses its relevancy in regard of the modern poetry, which prefers the use of speech as metaphor. This shift heralds a change of paradigm in approaching lyricism and the lyrical subject. However, it will appear that Duguay persists in using song and singing metaphors – as well as speech – as he experiences language in its vocal and oral undertone. The third chapter studies the context – Quebec’s counterculture – in which the ties between poetry and song are tighten around the question of their function. It addresses the notion of popular art and its legitimacy.