La postmodernité est peut-être une époque de crise des humanités : depuis les années 60, l’apprentissage du latin et du grec est en chute libre. Les arts n’en continuent pas moins, toutefois, de recourir à la matière antique. Dans les arts à récit, c’est-à-dire à dominante narrative, l’esthétique postmoderne traite moins l’Antiquité comme une source de genres à imiter et adapter, à la manière des classiques, ou comme un ensemble de récits à parodier et transposer, à la façon moderne, que comme un corpus de textes auquel recourir pour pasticher les genres, déconstruire les récits, et notamment les « méta-récits », les grands récits à message, les idéologies. L’Antiquité gréco-latine y fonctionne soit comme un autre passé, un autre monde, païen, homo-érotique, à opposer au nôtre, soit comme un nôtre passé, impérialiste, sexiste, une origine des « grands récits », à laquelle remonter pour les déconstruire. Cependant, l’esthétique postmoderne n’englobe pas tout l’art de l’époque postmoderne. Les esthétiques classiques et modernes continuent d’exister pendant cette période. Dans une perspective classique, le péplum, c’est-à-dire l’Antiquité envisagée comme un genre, se déplace du cinéma vers d’autres arts (série télévisée, bande dessinée), se servant de l’espace-temps antique comme moyen d’évasion mais aussi comme matière à réflexion sur le pouvoir, le rapport entre dominants et dominés, centre et marges. La transposition moderne des récits antiques n’en finit pas, elle, de jouer son rôle pour mythifier le quotidien et démythifier l’héroïsme. Autant de manières d’aborder aujourd’hui l’Antiquité, non plus seulement comme ce modèle en crise de la République des Lettres. / Postmodernity may be a time of crisis of the humanities: since the sixties, the learning of the classics has been plummeting. Nevertheless, the arts have gone on using the matter of Rome. In narrative arts – in other words, arts where narratives are dominant, the postmodern aesthetic does not use Antiquity through imitation and adaptation of its genres, as did the classics, nor through parodies and transpositions of its narratives, in the manner of the moderns: it resorts to it as a corpus of texts, in order to pastiche genres, to deconstruct narratives, and especially “metanarratives”, great narratives conveying messages, ideologies. Greek and Latin classics function either as another past, another world, a pagan, homo-erotic world, that can be contrasted with ours; or as our past, steeped in imperialism, and sexism, an origin of the “metanarratives”, that we can get back to for their deconstruction. However, the postmodern aesthetic doesn’t rule all art in the postmodern era. Classic and modern aesthetics still exist during this period. On one hand, in a classical way, the epic, that is Antiquity viewed as a genre, spreads from the cinema to other arts (television series, comic books), and uses ancient space-time for escapism, but also as material for reflections on power, relationships between the dominants and the dominated, centre and periphery. On the other hand, the modern transposition of ancient narratives relentlessly plays its part to mythologize everyday life and demythologize heroism. These are all different, contemporary ways of dealing with the classics, beyond the mantra of a “model in crisis” within the Republic of Letters.

RESUMEŒuvre poétique, publié en 1990 par les éditions du Seuil rassemble la totalité de la création littéraire de Léopold Sédar. Les poèmes qui y sont insérés, examinés à la lumière des déclarations de leur auteur, font déceler trois périodes de création : celle des « poèmes perdus », celle des « poèmes divers » et celle des poèmes de la maturité répartis entre les titres de recueils que sont : Chants d'Ombre (1945), Hosties noires (1948), Ethiopiques (1956), Nocturnes (1961), Lettres d'hivernage (1973), Elégies majeures (1979). Les « poèmes perdus » sont présentés comme des « poèmes imparfaits », les « poèmes divers » comme ceux qui, contrairement aux premiers, se rapprochent de l'esthétique négro-africaine et les poèmes de la maturité comme des textes illustrant « le modèle nègre ».L'existence de ces trois étapes se justifie par le fait que Senghor a commencé à rédiger des poèmes avant de concevoir un projet poétique. Déjà, sur les bancs du collège, à Dakar, il versifiait et, une fois à Paris, dans le courant des années 1930, il se consacre, en militant nationaliste, à « la défense et l'illustration des valeurs civilisatrices du monde noir » injustement méconnues ou méprisées. L'une des conséquences de ce militantisme fut la découverte et la formulation des lois de l'esthétique négro-africaine ; lesquelles furent suivies de la formulation d'un projet : créer une nouvelle poésie nègre de langue française. Il entend réaliser ce projet, confie l'avoir réalisé, d'une part, à l'attention d'un public constitué par « mon peuple » et « le peuple de France » ; d'autre part, en rompant avec la poétique française traditionnelle pour renouer avec la poétique négro-africaine. Le militantisme dans le cadre de l'affirmation de la négritude a donc mené Senghor à se choisir : un public, une thématique et une poétique.Que Senghor soit l'auteur d'une œuvre poétique de premier plan est incontestable : poète franco-sénégalais, il a élargi les sources d'inspiration de la poésie française et créé une nouvelle poésie nègre. Cependant, la réalisation de son projet poétique amène à poser deux questions : a-t-il réellement écrit pour le public qu'il s'est choisi ? Ses poèmes constituent-ils réellement une illustration des lois de l'esthétique négro-africaine telles qu'il les a présentées dans plusieurs de ses essais ? Voilà les deux questions auxquelles le présent travail entend répondre. Il y sera question, en premier lieu, d'une biographie conçue pour éclairer la signification des poèmes. Ensuite, l'accent sera mis sur la quête et la découverte de la poétique négro-africaine et des conséquences qui en découlèrent. Enfin, la réflexion portera sur le processus créateur de la réalisation et l'esthétique de la réception. / ABSTRACTSŒuvre poétique, published in 1990 by Le Seuil Edition gathers all the literary creation of Léopold Sédar Senghor. Poems inserted in, examined in the light of the statements made by the author, make reveal three periods of creation : the one of “lost poem”, the one of “various poems” and that of maturity poems shared among titles of collections which are : Chants d'Ombre (1945), Hosties Noires (1948), Ethiopiques (1956), Nocturnes (1961), Lettres d'hivernage (1973), Elégies majeures (1979). The “lost poems” are shown as “imperfect poems”, the “various poem” as those which, opposite to the first ones, are close to Negro-African aesthetics and the poems of maturity are shown as being the texts illustrating by the “negro template”.Existence of these three steps is justified by the fact that Senghor started to poetize before designing a poetical project. Before, on the benches of school in Dakar, he put into verse and, once in Paris, during the years 1930s, he devoted, while being a nationalist activist, to “defence and illustration of civilizing values of the black world” unjustly ignored of despised. One of the consequences of that activism was the discovery and the formulation of a project : create a new Negro French language poetry. He thinks to implement that project, confides having executed it, on the one hand, to the attention of an audience composed of “my people from France”; on the other, breaking with French traditional poetry to take up with Negro-African again. Activism in the framework of assertion of negritude therefore led Senghor to choose for himself an audience, a theme and Poetry.The fact that Senghor is the author of uppermost poetical work is unquestionable: as a Franco-Senegalese poet, he widened sources of inspiration of French Poetry and created a new Negro Poetry. However, implementation of his poetical project leads to ask two questions: was he the one who actually wrote for the audience he chose? Do his poems actually constitute an illustration of laws of Negro-African aesthetics as he presented them in many of his essays? These are two questions which the present word undertakes to answer. It will concern, at first a biography designs do enlighten meaning of poems. Then, emphasis will be put on the quest and discovery of Negro-African poetry and consequences which derived from. Finally, reflection will relate to the creating process of the implementation and aesthetics of acceptance.

Cette thèse rend compte des usages et des pratiques à l’œuvre dans les lectures publiques actuelles. Et plus précisément de leur réception par les auditeurs-spectateurs, pendant et après les lectures. Les sources et matériaux utilisés sont divers : ce sont en partie des récits de réception empruntés à la littérature classique ou contemporaine, et aux publications de chercheurs en sciences humaines et sociales. J’ai d’autre part utilisé mes propres récits, des narrations rédigées après avoir assisté à des lectures publiques à voix haute. J’ai donc construit mes matériaux à partir de ce que j’ai éprouvé au milieu d’une assemblée, au milieu des autres, au milieu d’autres corps. Je me suis autorisée et inspirée de la « pensée par cas » (ou « singularités »), une méthode qui suppose une pratique d’auto-observation inspirée de l’approche clinique. Elle écarte donc toute prétention au réalisme ou à l’objectivisme. Les lectures publiques sollicitent simultanément l’œil et l’oreille. La réception des auditeurs-spectateurs, qu’elle soit recueillie ou éprouvée en personne, apparaît souvent très individuée, peu normée.Un prologue fait retour sur trois périodes de la grande histoire de la lecture : récits de lectures à voix haute partant de l’Antiquité grecque et romaine jusqu’à une période récente. Les deux autres parties s’attachent ensuite à éclairer les rapports qui se nouent entre les acteurs présents à des lectures données en public, de nos jours. Rapports d’échange ou d’altérité, ou bien rapports de pouvoir, ils révèlent la manière dont se forment les réceptions individuelles - à partir des récits ou cas et de leur rapprochement avec d’autres corpus disciplinaires. Mais le matériau est hétérogène, labile, instable, parfois étrange. Aussi ce parcours ne va pas en ligne droite : il est sillonné d’allers et retours et de bifurcations ; emporté par des processus associatifs, arrêté ou suspendu par des détails sonores ou visuels, parfois infimes ; ou par la qualité du silence. Son tracé apparaît donc a posteriori.L’acte d’écouter-regarder lire au milieu d’une assemblée, et ses retentissements dans le for intérieur, incitent constamment à se déplacer mentalement, à sortir de soi ou à passer du « je » au « nous ». Le « nous » signifie que j’intègre en silence la présence du Lecteur sonore et des autres auditeurs-spectateurs, que je les associe à ma réception : l’individu dit « nous » (dans son intimité comme en société) en s’adressant ou en s’incluant aux autres. Les lectures publiques touchent à la fois l’individuel et le collectif ; voire questionnent le concept de communauté.Elles nous reconduisent naturellement à des relectures et s’offrent elles-mêmes comme forme singulière de relecture. Elles nous conduisent aussi à d’autres pratiques du partage grâce à l’usage de la voix haute ; à d’autres modes d’exister de la littérature, d’autres formes d’oralité (les groupes de lecture, la récitation, le témoignage, le cinéma). In fine, ce travail met au jour une expérience, et les « savoirs » singuliers qu’elle engrange et diffuse. Cette expérience peut être transmise, reprise, re-questionnée et discutée. Car les lectures publiques, censées nous immobiliser ou nous sidérer sur un fauteuil, nous engagent personnellement dans le rapport à autrui. Ce n’est pas le moindre enseignement de cette aventure. / This PhD thesis is an account of uses and practices at stake in public reading nowadays ; more precisely, of its reception by the listening audience, during and after the readings. The sources and material used are diverse : partly accounts of reception extracted from classical and contemporary literature, and publications by searchers in human and social science. I have also used my own accounts, narrative pieces I redacted after witnessing public readings. I thus have built my own material based on what I felt among an audience, among others, among other bodies. I have leaned on and inspired myself from “case thinking” (or “singularities”), a method which relies on practicing self-observation, based on clinical approach. Therefore, it excludes any claim to realism or objectivism. Public readings appeal to the eye and the ear at once. The reception by the listeners-spectators, whether it’s collected or felt in person, seems to be frequently personal, not very normalized.A prologue goes overs three periods of the great history of reading: accounts of readings aloud from Greek and Roman Antiquity to a recent period of time. The other two parts aim to highlight the connections that awaken between the actors during public readings nowadays. Those relationships of exchange, of otherness, or of power, reveal the way in which individual reception forms - from accounts or cases and relating them to corpuses from other subjects.But the material is a heterogeneous, labile, instable one; sometimes strange. Which explains that the journey isn’t straight: it is criss-crossed by comings and goings and branching roads; drawn as it was by associating processes, stopped or paused by sound or visual details, sometimes minute; or by the quality of silence. As a result, its course appears a posteriori.The act of listening-watching read among an audience, its repercussions onto the inner self, are a constant incentive to move mentally, get out of oneself or switch from “I” to “we”. “We” means I silently integrate the person who reads aloud and the other listeners-spectators into my reception: the individual says “we” (in their intimacy as well as in society), addressing themselves to or including themselves with others. Public readings concern the individual as well as the collective level; and even question the concept of community. They naturally drive us to rereads and offer themselves as a singular form of reread. They also drive us to other practices of sharing through the use of voicing : to other ways of existing for literature, to other forms of oral performance - reading groups, recitation, account, cinema.

Arthur Adamov (1908-1970) est une figure peu étudiée du théâtre contemporain. Le regard culturel et social que nous avons adopté doit permettre de renouveler l'intérêt pour cet homme de théâtre inclassable, mais dont l'apport a été majeur. D'abord lié à l'«absurde», il s'est tourné vers un théâtre social voire politique, sans jamais s'y cantonner, alors même qu'il se rapprochait du parti communiste. Cette thèse analyse les évolutions de son théâtre, qui n'a jamais été figé, et dont les formes se sont transformées en fonction des évolutions politiques et sociales ainsi que celles du milieu théâtral. Elle met en lumière l'intellectuel engagé et les divers répertoires d'action qu'il a utilisés, surtout entre la crise de mai 1958 et la fin de la guerre d'Algérie. L'œuvre d'Adamov a reflété la société de son temps, elle a parfois été encouragée, a suscité des enthousiasmes, mais aussi de vives critiques. Sont mises en exergue autour de son œuvre les sociabilités et instances de légitimation : directeurs de salles, revues, metteurs en scène. Les lieux où il est joué, en France - des salles avant-gardistes aux théâtres de la banlieue «rouge» - ou à l'étranger, déterminent une géographie propre aux théâtres ouverts à une dimension politique et à un nouveau public. Les écarts entre le public souhaité et réel, comme entre le théâtre théorisé, pensé et la pratique forment un autre axe d'analyse. Enfin, cette recherche dresse un tableau de la réception de son œuvre, particulièrement empreinte des sensibilités de son temps. C'est une utopie artistique et politique quelque peu enfouie, qui surgit dans sa dimension singulière et collective. / Arthur Adamov (1908-1970) is a Jess studied figure of contemporary theatre. The social and cultural point of view that we adopt allows renewing interest for this unclassifiable and playwright. Initially linked to the "absurd", he shifted towards social and political theatre; meanwhile he was getting closer to the communist party. This thesis analyzes the evolution of his theatre that never freezes but reconfigures with the transformation of theatre, political and social backgrounds. We try to bring out the engaged intellectual and the list of his various actions that reached its peak between May 1958 cri sis and the end of the Algerian war. Adamov' s work reflects the society of his time; it has been encouraged, provoked enthusiasms as well as received hard critics. Sociability and legitimation instances reconfigure around his work: theatre hall directors, magazines, producers. The places when he has been played, in France - from avant-garde halls to the "red" suburb - or abroad, determines the particular geography of theaters opened to certain political dimension as well as to a new audience. The gap between the wished and real audience, as between theorized, imagined and practical theater, form other axes. Finally, this research provides information about the reception of Adamov's works, especially the impressions and sensibilities of his time. It's all about artistic and political utopia somehow buried which will arise in its collective dimension.

Cette thèse a pour but d'envisager en miroir le ningyô-jôruri, dit bunraku, et ses réceptions sur les scènes françaises contemporaines, ainsi d'identifier les raisons de la fascination et les influences sur les créations théâtrales.Une première partie se concentre sur l'art tricentenaire japonais et plus spécifiquement sur le collectif d'artistes, le Bunraku Kyôkai du Théâtre du Bunraku à Ôsaka. Trois arts, en étroite collaboration, le composent : le gidayû-bushi (qui associe voix et instrument) et les marionnettes manipulées à trois manipulateurs (technique dite sanninzukai).Le deuxième mouvement retrace le voyage de cet art dans l'imaginaire de lettrés et hommes de théâtre français, Paul Claudel, Jean-Louis Barrault, Roland Barthes, Georges Banu ; dans les travaux d'universitaires, Jacques Pimpaneau, Jean-Jacques Tschudin ; de traducteurs, René Sieffert et Jeanne Sigée. Figures de passeurs, ils rencontrent cet art, l'érigeant parfois en contre-modèle du théâtre français,dont la figure centrale est l'acteur, parfois en utopie théâtrale.Enfin, sans se risquer à une véritable adaptation, les metteurs en scène du monde de la marionnette (Philippe Genty, Dominique Houdart, Michael Meschke) puis plus largement des univers du théâtre et de la danse transposent, empruntent, citent dans un jeu subtil d'éloignement et d'intimité avec l'art originel. Les nouveaux visages du bunraku sur les plateaux français portent les interrogations de la scène contemporaine : quête idéale de théâtralité (Ariane Mnouchkine), perspective de l'hyperréalisme (Bérangère Vantusso), tentation d'accès à l'invisible (Claude Régy). / This work aims at considering ninjyô-jôruri -or bunraku- on the one hand and how French stages integrated it on the other hand. By doing so, we will understand better the fascination for it and explain how it influenced theatrical creations.The first part focuses on this three-century-old art and more precisely on a group of artists, the Bunraku Kyôkai from the Bunraku Theatre in Ôsaka. Bunraku is composed of three closely linked arts: gidayû-bushi (which couples voices and instruments) and puppets manipulated by three artists (sanninzukai technique).The second part tells how French intellectuals like Paul Claudel, Jean-Louis Barrault, Roland Barthes and Georges Banu made bunraku their own. Jacques Pimpaneau and Jean-Jacques Tschudin also brought a new light through their academic works, as well as translators such as René Sieffert and Jeanne Sigée. They all acted as go-betweens. They sometimes presented Bunraku as a counter-model for French theatre -in which actors are a central figure- and sometimes as a theatrical utopia.To finish, puppet stage directors (Philippe Genty, Dominique Houdart, Michael Meschke) although they didn't venture into a real adaptation, started a dialogue with bunraku by transposing, borrowing from or quoting some aspects of it. The world of theatre and dance followed a similar suit. The new faces of bunraku in France are interrogating the contemporary stage: it's an ideal quest for theatricality (with Ariane Mnouchkine), a perspective for hyperrealism (with Bérangère Vantusso) and an attempt to reach the invisible (with Claude Régy).

Cette thèse, qui a pris pour point de départ l’inventaire des recueils collectifs de poésies fourni par le bibliographe Frédéric Lachèvre, vise à établir le rôle qu’ont joué les recueils poétiques polygraphiques dans la publication, la pratique et la réception de la poésie au XVIIe siècle.Au XVIIe siècle, en effet, les recueils collectifs deviennent le principal mode de publication imprimée de pièces poétiques inédites. Ces imprimés n’ont jusqu’à présent fait l’objet d’aucune analyse systématique suivie. Pour rendre compte à la fois des recueils, de leur évolution entre 1597 et 1671 et des pièces qu’ils publient, ce travail utilise une approche double.D’une part, il propose une typologie des recueils en général qui permet une étude de la place et du rôle des recueils collectifs de poésies parmi les publications du temps.D’autre part, à l’aide d’une base de données recensant plus de 10 000 pièces, cette thèse analyse les poèmes publiés dans les recueils collectifs de poésies selon plusieurs critères : forme, genre, composition, thème. L’exploitation du contenu de ces recueils par l’outil numérique permet de rendre compte de diverses évolutions et d’isoler les pièces les plus représentatives de certaines périodes.Cette étude contribue à notre connaissance de la poésie entre 1597 et 1671 parce qu’elle prend en considération tous les auteurs publiés et le mode de publication majeur de la poésie à l’époque : le recueil collectif. Dans une perspective diachronique, elle affine notre connaissance des différents courants poétiques qui se succèdent au cours de cette époque. Dans une perspective synchronique, en exploitant la base de données, elle entreprend de dégager les principaux traits stylistiques et métriques caractérisant les pièces d’une même période. Enfin, croisant l’histoire du livre et l’analyse sociocritique, ce travail s’intéresse au recueil en tant qu’objet commercial et aux usages que libraires, auteurs et lecteurs en font. / This study examines poetry collections printed in France between 1597 and 1671. During this period, poetry is not published as the work of an author, but integrated into collections, which unite the works of various authors. While Frédéric Lachèvre has alerted us to the importance of the phenomenon through his bibliography (Bibliographie des recueils collectifs publiés de 1597 à 1700), a systematic study on 17th century poetry collections is still missing. How did these collections influence the way poetry was written, read and published? To answer this question, this study uses a two-fold approach.I carve out a typology of 17th century text collections with the aim of determining their importance in the editorial practice of the time. A database containing information on 10 000 poems, developed specifically for this study, enables us to analyse these texts following various criteria (poetic form, metre, subject, composition) and further to identify the most typical pieces of certain decades.Instead of focusing on individual poets, this study centres around the prevailing way of publishing poetry in 17th century France. Thanks to this general approach it is able to identify different poetical and aesthetical movements of the time. Moreover, with the help of the database, I can isolate the stylistic characteristics that identify poems composed during the same period. This study finally considers 17th century poetry collections as an historical and commercial object. By taking into account studies on book history and the socio-cultural context, it discusses how these collections were composed, produced and read.

Cette thèse se propose de comprendre la réception de Maurice Barrès (1862-1923) des premières années de sa carrière au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, en insistant sur différents « moments » de cette réception. Il s’agit d’abord de comprendre comment se constitue son autorité d’écrivain, dans le contexte des milieux symbolistes des années 1890. Nous étudions notamment les rapports de Barrès avec les rédacteurs de La Revue blanche – des rapports qui définissent l’identité même de la revue – jusqu’à la rupture de l’affaire Dreyfus. Nous nous intéressons ensuite à sa réception au sein de La NRF, à travers les lectures – à la fois critiques et fascinées – qu’en font trois figures majeures de la revue : André Gide, Albert Thibaudet et Jacques Rivière. De même, nous tentons de comprendre comment les surréalistes ont gardé un lien ambigu avec cet écrivain au cours des années 1920, en étudiant de plus près le procès Barrès (mai 1921) et la réception particulière que fait Louis Aragon de cette figure, dans sa phase surréaliste, mais aussi dans la suite de sa carrière. Enfin, nous terminons par étudier le cas particulier de Joseph Delteil, écrivain proche du surréalisme, mais dont la position est tiraillée entre ancrage régionaliste et avant-garde, et qui trouve dans l’exemple barrésien un modèle (provisoire) de résolution de ces contradictions. L’étude de cette réception, à travers les exemples cités, se donne ainsi pour but de comprendre comment une posture d’auteur a pu essaimer dans des milieux idéologiques et esthétiques opposés au traditionalisme, et à travers des manifestations ambiguës de fidélité littéraire. / The purpose of this Dissertation is to understand the reception of Maurice Barrès (1862-1923), going from the first years of his career to the aftermath of the Second World War, while insisting on specific “moments” of this reception. This will firstly be done by comprehending how a writer’s authority is shaped, in the context of 1890’s Symbolist milieu. Consequently, we will analyse the relationships between Barrès and the copywriters of the La Revue blanche going till the clash caused by the Dreyfus affair. We will then take interest in his reception within the La NRF, through the interpretation that made three major figures of the review: André Gide, Albert Thibaudet and Jacques Rivière – readers that were both critic to the nationalist writer as fascinated by his auctorial posture. At the same time, we will try to understand how the Surrealists have kept an ambiguous tie with this writer during the 1920’s, by closely studying Barrès’s trial (May 1921) and the particular welcome that Louis Aragon gave to this figure, during his surrealist phase, but also during the rest of his career. Finally, we will finish by analysing the particular case of Joseph Delteil, a writer close to Surrealism but whose position was torn between his regionalist grounding and an avant-garde one, and who finds through Barrès a model of resolution of these contradictions. The study of Barrès’s reception, by means of the quoted cases, is thus made in the purpose of understanding how an author’s posture was able to dispense, in the ideologist and esthetical milieu opposed to traditionalism, as well as among the ambiguous manifestations of the literary loyalty.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / Lavoisier à la mer est une recherche-création visant à mettre en parallèle deux différents modes de perception et de pensée, l'un de type lecture et l'autre de type réseau, tout en offrant deux points de vue sur la fable, au sens propre comme au figuré. Ce mémoire présente les prémices de même que les étapes préparatoires à la réalisation future de cette recherche-création. La conception d'un espace théâtral à double optique a pris appui sur certaines conclusions de Marie-Madeleine Mervant-Roux et de Rie Knowles portant sur la réception théâtrale. La conception de la proposition dramaturgique et du texte laboratoires a été orientée par le principe de double optique. Les différents langages scéniques (scénographie, lumière, son, image, texte, etc.) ont été mis en espace de manière à tenter de susciter des expériences de réception différentes en fonction de l'emplacement du spectateur dans l'espace théâtral.

Les avantages de la modulation de phase vis-à-vis la modulation d’intensité pour les réseaux optiques sont claires et accepté par la communauté scientifique des télécommunications optiques. Surtout, la modulation de phase montre une meilleure sensibilité au bruit, ainsi qu’une plus grande tolérance aux effets non-linéaires que la modulation d’intensité. Nous présentons dans cette thése un étude qui vise à développer les avantages de la modulation de phase. Nous attaquons d’abord la complexité du récepteur en détection directe, en proposant une nouvelle configuration dont la complexité est comparable à celle du récepteur pour la modulation d’intensité traditionnel, mais avec des meilleures performances. Cette solution pourrait convenir pour les réseaux métropolitains (et même d’accès) à haut débit binaire. Nous passons ensuite à l’examen de la possibilité d’utiliser des amplificateur à semi-conducteur (SOA) au lieu des amplificateurs à fibre dopée à l’erbium pour fournir amplification optique aux signaux modulés en phase. Les non-linéarité des SOA sont étudiées, et un compensateur simple et très efficace est proposé. Les avantages des amplificateurs à semi-conducteur par rapport à ceux à fibre sont bien connus. Surtout, la méthode que nous proposons permettrait l’integrabilité des SOA avec d’autres composants de réseau (par exemple, le récepteur nommé cidessus), menant à des solutions technologiques de petite taille et efficaces d’un point de vue énergétique. Il y a deux types de systèmes pour signaux modulés en phase: basé sur la détection directe, ou sur les récepteurs cohérents. Dans le dernière partie de ce travail, nous nous concentrons sur cette dernière catégorie, et nous comparons deux solutions possibles pour la mise à niveau des réseaux terrestres actuel. Nous comparons deux configurations dont les performances sont très comparables en termes de sensibilité au bruit, mais nous montrons comment la meilleure tolérance aux effets non linéaires (en particuliers dans les systèmes à débit mixte) fait que une solution soit bien plus efficace que l’autre. / The advantages of phase modulation (PM) vis-à-vis intensity modulation for optical networks are accepted by the optical telecommunication community. PM exhibits a higher noise sensitivity than intensity modulation, and it is more tolerant to the effects of fiber nonlinearity. In this thesis we examine the challenges and the benefits of working with different aspects of phase modulation. Our first contribution tackles the complexity of the direct detection noncoherent receiver for differentially encoded quadrature phase shift keying. We examine a novel configuration whose complexity is comparable to that of traditional receivers for intensity modulation, yet outperforming it. We show that under severe nonlinear impairments, our proposed receiver works almost as well as the conventional receiver, with the advantage of being much less complex. We also show that the proposed receiver is tolerant to chromatic dispersion, and to detuning of the carrier frequency. This solution might be suitable for high-bit rates metro (and even access) networks. Our second contribution deals with the challenges of using semiconductor optical amplifiers (SOAs) instead of typical erbium doped fiber amplifiers (EDFAs) to provide amplification to phase modulated signals. SOAs nonlinearities are investigated, and we propose a simple and very effective feed-forward compensator. Above all, the method we propose would permit the integrability of SOAs with other network components (for example, the aforementioned receiver) achieving small size, power efficient sub-systems. Phase modulation paves the way to high spectral efficiency, especially when paired with digital coherent receivers. With the digital coherent receiver, the degree of freedom offered by polarization can be exploited to increase the channel bit rate without increasing its spectral occupancy. In the last part of this work we focus on polarization multiplexed signaling paired with coherent reception and digital signal processing. Our third contribution provides insight on the strategies for upgrading current terrestrial core networks to high bit rates. This is a particularly challenging scenario, as phase modulation has to coexist with previously installed intensity modulated channels. We compare two configurations which have received much attention in the literature. These solutions show comparable performance in terms of back-to-back noise sensitivity, and yet are not equivalent. We show how the superior tolerance to nonlinear fiber propagation (and particularly to cross phase modulation induced by the presence of intensity modulated channels) makes one of them much more effective than the other.

Titre de l'écran-titre (visionné le 27 novembre 2023) / Nadia Myre est une artiste actuelle de la nation Anishnabeg Kitigan Zibi. Malgré les questionnements fortement politiques, voire polémiques dont l'artiste traite - par exemple la Loi sur les Indiens -, ses œuvres restent ambiguës, laissant plutôt le spectateur dans une équivoque. Cette suspension permet à ce dernier d'appréhender cette pratique à partir de référents personnels, investissant cet inconnu - par exemple, la violence faite aux autochtones par un système colonial - à partir du connu - les propres drames vécus par le spectateur. Si l'artiste affirme intégrer des gestes décoloniaux à son travail, ce mémoire analyse comment cette décolonisation peut se poursuivre dans la réception de ses œuvres. Pour ce faire, je recours aux concepts d'« image pensive » et de « dissensus » de Jacques Rancière, ainsi qu'à ceux de « rapport intéressé » de David Garneau et de « mode de perception affamé » de Dylan Robinson. Au moyen de ces outils théoriques, je détaille une éventuelle réception où s'enclenche un processus de décolonisation chez le spectateur. / Nadia Myre is an artist from the Kitigan Zibi Anishnabeg nation. Despite the highly political, even polemical questions she tackles - for example, the Indian Act - her works remain ambiguous, rather leaving the spectator in an ambiguity. This suspension allows the latter to apprehend this practice from personal referents, investing this unknown - for example, the violence done to indigenous peoples by a colonial system - from the known - the own dramas experienced by the spectator. If the artist claims to integrate decolonial gestures into her practice, this thesis analyzes how this decolonization can continue in the reception of her works. To do this, I use Jacques Rancière's concepts of « pensive image » and « dissensus », as well as those of David Garneau's « interested approach » and Dylan Robinson's « hungry mode of perception ». By means of these theoretical tools, I detail a possible reception which triggers a process of decolonization for the spectator.