Si les Poésies de l’époque des Thang (1862) de Hervey-Saint-Denys est apprécié des savants et des poètes, le Livre de Jade (1867) de Judith Gautier touche les non-spécialistes et diffuse la poésie chinoise en Occident. Regardé du point de vue de la poésie classique chinoise, le Livre de Jade porte plusieurs transformations : le changement du lyrisme à la narration, la perte inévitable des images et des formes poétiques classiques chinoises. Considéré du point de vue de la poésie française du XIXème siècle, le Livre de Jade porte les grands thèmes lyriques du romantisme et manifeste les récents développements du Parnasse : son enthousiasme pour le poème en prose et son goût pour la peinture. A la fin nous prendrons à la fois le point de vue de la poésie classique chinoise et celui de la poésie romantique française. Bien que le Livre de Jade possède deux caractéristiques communes à ces deux poésies, nous n’y trouvons pas de point de rencontre idéal. Tant de différences par rapport aux poèmes originaux justifient les réticences, depuis son apparition, à considérer Le Livre de Jade comme une traduction. Nous nous proposons de considérer ce livre du point de vue de la première rencontre poétique entre la France et la Chine. A travers cette rencontre, ces deux poésies se renvoient leur image comme un miroir l’une de l’autre et, ce faisant, leur fait découvrir ce qu’elles ne voyaient pas de leur propre culture. / If Hervey-Saint-Denys’s Poésies de l’époque des Thang (1862) have touched French sinologists and men of letters, the Judith Gautier’s Livre de Jade (1867) properly initiated classical Chinese poetry into the vision of the Western reader. Seen from the perspective of classical Chinese poetry, Poésies de l’époque des Thang can be taken as a reference for the Livre de Jade about what scholars and poets have in common when translating poetry. This demonstrates the influence and limitation that the Chinese and French languages, cultures, and literary traditions exert on poetic translation. Examined from the perspective of the 19th-century French poetry on the other hand, the Livre de Jade possesses qualities of romantic themes, but it also bears Parnassian imprints in its imitation of the newly emerging prose poetry and its transplantation of ideas of painting. Besides, in analyzing the two obvious features of the Livre de Jade, namely its abundant metaphors and the omnipresence of nature, this thesis juxtaposes French romantic poetry keen on figures of speech, especially metaphor, with classical Chinese poetry immersed in its tradition of bi-xing. The above analysis reveals that the Livre de Jade is by no means translation in the strict sense of the word. However we might regard it as the first encounter between Chinese and French poetry which enables them to reflect and rediscover each other before they finally merge into one.

Notre étude questionne la réception des discours et pratiques de développement durable et de RSE dans les pays du Sud. Nous adoptons une hypothèse de départ qui est que ces discours placent ces pays en situation de double bind. Après avoir tracé les contours des débats sur le développement durable et la RSE notre recherche empirique porte sur un projet tripartite de solidarité numérique franco-sénégalais. Une approche quasi-ethnographique, parfois auto-ethnographique, inspirée par K. Stewart nous permet de partir à la recherche d‟indice de double bind, de voir comment certaines pratiques, discours ou situations laissent entrevoir un malaise dans la réception. En confrontant ces observations avec le cadre de la théorie du don, nous remarquons que les effets des pratiques et discours dans le cas observé sont à l‟opposé de ce que prédit les recherches sur le don. Le don d‟ordinateurs semble unilatéral, ne crée pas de lien, au contraire semble éloigner les protagonistes. Les théories de Bateson et de l‟école de Palo Alto apportent un regard systémique sur cette situation, montrant que Nord et Sud sont en situation d‟injonctions paradoxales, les poussant vers des toujours plus menaçant de faire éclater la relation (schismogenèse). Nous concluons sur le besoin d‟une part de laisser la multiplication des voix s‟exprimer et d‟autre part une critique qui permettra d‟enfin enclencher un apprentissage. Cette recherche exploratoire mène finalement moins à une critique radicale du développement durable et des actions de RSE, que de la manière dont ils sont concrétisés dans l‟aide au développement. Il faut plusieurs voix, plusieurs acteurs, qui ensemble permettront peut-être un nouveau dialogue Nord-Sud pour une RSE plus responsable, une solidarité numérique plus solidaire, un développement plus durable… / This study investigates reception of discourses and practices about sustainable development and CSR in the Southern countries. It is framed by the assumption that those discourses place these countries in a double bind situation. The debates on sustainability are first delineated; then an empirical investigation inquires upon a digital solidarity project between France and Senegal. A quasi-ethnographic (sometimes auto-ethnogreaphic) approach is adopted, following K. Stewart‟s footsteps, in search for clues of double binds, when some practices, phrases or situations show unease inside the reception process. By comparing our observations with the theoretical frame of the gift, we notice that the effects of the studied discourses and practices are opposite to what gift researchers would predict. Computer donations are unilateral, do not build links and relations, on the contrary they tend to hold off both partners. Bateson‟s and Palo Alto School‟s theories bring a systemic perspective on this situation, showing North and South submitted to paradoxical injunctions, driving them towards the need to give always more that threaten to break up the relation. (schismogenesis). We conclude on the need both to let the expression of multiple voices (instead of the CSR monolinguism), and to allow for a critique that could help trigger learning processes. This exploratory research eventually leads less to a radical critique of sustainability and CSR‟s principles, that on the way they are actualized in development aid projects. We call for more voices, more actors, that together may foster a new dialogue for a more responsible CSR, a more solidary digital solidarity, a more sustainable development

Ma thèse s’intitule « Des âges au cinéma : la culture cinématographique des jeunes spectateurs ». Elle se consacre à l’étude de la socialisation au septième art sous la perspective privilégiée de l’âge, variable déterminante, sans néanmoins réduire la recherche à une analyse uni-factorielle.Pour mieux comprendre l’action de la variable d’âge, nous la décomposons dans une première partie en traitant de notions connexes essentielles ; l’individu, la mémoire, les interrelations sociales, le temps et le corps. L’âge n’est plus entrevu au singulier : il laisse place à une pluralité d’âges que l’on décompose en quatre échelles distinctes : l’âge que j’ai, l’âge des autruis matérialisés, l’âge de société, l’âge des objets. Preuve est faite que tout acteur et a fortiori tout spectateur croise ces échelles au quotidien pour se construire et pour construire le monde qui l’entoure. De fait, les façons dont nous appréhendons l’art en sont un exemple flagrant. Par entrecroisements constants d’échelles mis au jour grâce aux jugements, positions, réflexions émises en situation, les âges, leur conception et leur prise en compte se révèlent comme formateurs particuliers de goûts. Dans l’absolu, ces échelles peuvent se lire comme espace virtuel déployant tous les possibles. Néanmoins et en situation, leur entrecroisement est lié à une construction individuelle et collective, toujours parcellaire, et le croisement des échelles qu’exercent chaque acteur selon la mesure qu’il en fait, aboutissent finalement à des positions, des dispositions et des postures spectatorielles.La seconde partie de ma thèse est alimentée de cet état de fait et se focalise sur les structures socio-politiques de la socialisation au septième art. Elle dresse en premier lieu une étude approfondie de la réception du cinéma d’animation qui est l’un des genres initiatiques principaux de l’enfance, cela depuis des décennies. Cette partie s’attache ensuite à suivre l’avancée en âge, les interrelations qui lui sont corrélatives et significatives dans la socialisation au cinéma. Elle rend également compte de la mémoire que l’on garde de sa prime enfance ainsi que de ce que ce passé implique dans la socialisation actuelle de la jeunesse. Vers 11-12 ans, le cinéma est marqué par l’encadrement d’une censure qui va decrescendo avec l’avancée en âge. Dès lors qu’on grandit, non seulement nous dépassons progressivement des seuils, étant ipso facto amené à découvrir de nouveaux genres, mais nous les appréhendons à travers de nouveaux cercles sociaux : sont donc abordés les changements de structures relationnelles qui participent de cette socialisation et leurs implications. En termes génériques, l’initiation aux scènes de volupté cinématographique et au cinéma d’horreur nous sont apparus comme deux moments décisifs, déployant sous les yeux de la jeunesse de nouvelles épreuves amenant conjointement à de nouvelles réflexions sur le social. S’ensuit les derniers chapitres de la thèse où j’expose, à l’aide de mes enquêtes, comment se construit le goût à travers le discours, quels sont les critères pertinents de mesure de la qualité cinématographique à cet âge, mais également comment le cinéma s’avère un laboratoire social, mieux : un des laboratoires de la construction de soi et du monde.Cette thèse s’appuie sur les données d’une enquête qualitative. Elle déploie des méthodes variées : entretiens individuels, ateliers collectifs en collège et dans des locaux associatifs regroupant au total une soixantaine d’informateurs issus de France, de Belgique, du Luxembourg, de Hollande, d’Allemagne et du Maghreb. Mes informateurs privilégiés ont d’abord été les jeunes, suivis de près par leurs parents. Cette recherche et la construction de ses axes sont le fruit d’un mouvement ascendant – proche en cela de la méthodologie par induction d’Howard Becker –, c’est-à-dire partant des informateurs pour remonter vers la construction de concepts grâce au traitement progressif des données recueillies. / My thesis title is « ages and cinema : the cinematographic culture of young spectators ». This work deals with the seventh art socialization among youth and focus on the determinations of age – known as one of the most important sociological variable to understand societies – to select, taste and appreciate feature movies and series.In order to understand better its action, we decompose age between four different scales in the first part : individual age, socio-collective age, historical age and age of the objets surround us. This categories aren’t closed on themselves : they are combined by the actors to analyse and interprete arts and situations. Each temporality fragment known or imagined on each scale, lived or remembered by the actor can be mobilised as an appreciation’s tool. Theorising each age is a long work which necessits a better comprehension of individuality, memory, social interrelations, time, histories and body growth. We demonstrate that everybody embodies and crosses different fragments of different scales in everyday life to understand himself, the world surrounding and ultimately, the feature films content. Ways to understand, judge and appreciate art are a good field for studying temporal relations because arts objects are relatively preserved in time and tell about societies of the past. Each situation, person, object is structured by different kind of virtual or lived temporalities. When they are crossed according to the actor’s knowledge and his society position, they bring to different ways of art’s pleasure.The second part of my thesis shapes the first theorical one. It analyses the youth cinematographic culture. Thirty-four young spectators contributed to my sociological survey. They were aged from eight to fourteen years old. I studied the present socio-political structures in France and Europe leading to different forms of cinematographic socialisation. This part copes with the first feature movies rememberances – which are almost always composed by animation movies passed on by the parents – and their role in present art appreciation. At the age of the participants, the cinematography faces a global censure agreement : violent features are banished. Nevertheless, growing means to socialized with, that’s why two chapters of my thesis are consacred to the reception of more violent types of show at this ages, like the horrific gender for example which is often enjoyed by the youth. I try to understand how young people assimilate, step by step, the dark side of the world, the one which was previously hidded for their own safety. However, it is now a requirement of growth to mix with this forbidden shows. Peer reinforcement and autonomy help this initiation. They also bring to new cinematographic cultures as much as new social considerations. All this studies help us to understand how children and teenagers develop series and feature films’ taste by sharing it with friends or parents, depending on the content. This tell us about the developpment of quality classifications based on aesthetic, tales, relations, peers conversations, art memory, emotions and feelings. Finally, cinematographic culture appears to be a large social and aesthetical laboratory for the youth.This thesis is based on a qualitative survey. More specifically, I used a bottom-up method (Becker : 1988). The theories and the demonstrations are no less than the result of five years of several investigations’ technics on the field study. I began with individual consultations in France, Luxembourg and Belgium, then made collective groups in associations and schools. I created different questionnaires for the parents and the teenagers in aim to observe connections between their cinematographic cultures. This thesis claims interdisciplinarity.

Une opinion répandue tant parmi les théoriciens de la réception littéraire que dans la communauté didactique postule que la lecture d'une œuvre dépend pour partie des lectures faites antérieurement. Notre recherche vise à vérifier ce postulat dans une sorte de logique expérimentale. Trois classes ont été invitées à lire un même roman après avoir fréquenté en amont des œuvres différentes : la première n'a rien lu qui fût spécifiquement en relation avec le roman choisi, la deuxième a lu des œuvres qui pratiquaient des formes narratives semblables, la troisième des œuvres qui présentaient des fictions similaires. Des traces des lectures opérées par les élèves ont été recueillies. Elles montrent que la deuxième classe est plus habile à rendre compte des stratégies narratives. En revanche, la troisième classe ne manifeste pas de supériorité dans la restitution des enjeux de la fiction. Ce résultat oblige à tempérer le postulat initial. En analysant les séances de travail au moment de la lecture du roman, on peut déterminer trois paramètres qui, dans le cas de figure étudié, interviennent autant que l'influence des lectures antérieures : le projet d'enseignement du maître, visible dans sa manière de conduire la classe et dans sa manière d'accueillir les souvenirs de lecture, le mode de présentation des œuvres proposées en amont et la conception de la littérature et de son enseignement telle que les élèves se les représentent

La postmodernité est peut-être une époque de crise des humanités : depuis les années 60, l'apprentissage du latin et du grec est en chute libre. Les arts n'en continuent pas moins, toutefois, de recourir à la matière antique. Dans les arts à récit, c'est-à-dire à dominante narrative, l'esthétique postmoderne traite moins l'Antiquité comme une source de genres à imiter et adapter, à la manière des classiques, ou comme un ensemble de récits à parodier et transposer, à la façon moderne, que comme un corpus de textes auquel recourir pour pasticher les genres, déconstruire les récits, et notamment les " méta-récits ", les grands récits à message, les idéologies. L'Antiquité gréco-latine y fonctionne soit comme un autre passé, un autre monde, païen, homo-érotique, à opposer au nôtre, soit comme un nôtre passé, impérialiste, sexiste, une origine des " grands récits ", à laquelle remonter pour les déconstruire. Cependant, l'esthétique postmoderne n'englobe pas tout l'art de l'époque postmoderne. Les esthétiques classiques et modernes continuent d'exister pendant cette période. Dans une perspective classique, le péplum, c'est-à-dire l'Antiquité envisagée comme un genre, se déplace du cinéma vers d'autres arts (série télévisée, bande dessinée), se servant de l'espace-temps antique comme moyen d'évasion mais aussi comme matière à réflexion sur le pouvoir, le rapport entre dominants et dominés, centre et marges. La transposition moderne des récits antiques n'en finit pas, elle, de jouer son rôle pour mythifier le quotidien et démythifier l'héroïsme. Autant de manières d'aborder aujourd'hui l'Antiquité, non plus seulement comme ce modèle en crise de la République des Lettres.

Il est un champ d'investigation qui mérite un intérêt particulier : il s'agit de la réception des littératures maghrébines en milieu scolaire : les oeuvres littéraires n'existent que par la lecture dans le milieu scolaire. C'est donc ayant présente à l'esprit cette évidence que nous nous proposons d'approfondir la recherche en la matière. Nous empruntons trois voies: l'analyse des textes normatifs, notamment ceux qui concernent l'enseignement du français, l'enquête auprès des enseignants et l'analyse des manuels scolaires en usage dans le secondaire. Notre recherche comporte donc deux grandes parties : la première porte sur le système éducatif et l'enseignement du français au Maroc; alors que la deuxième est consacrée à la place des textes littéraires dans les documents officiels et aux représentations interprétatives des pédagogues sur les oeuvres maghrébines aux programmes

La Presse Quotidienne Nationale (PQN), historiquement presse de référence, se trouve aujourd'hui face à des difficultés économiques, traduites et aggravées par l'émergence de nouveaux modèles journalistiques, tels que ceux de la Presse Quotidienne Gratuite (PQG) et de la Presse Indépendante en Ligne (PIL). Cette reconfiguration du paysage médiatique soulève des questions à la fois économiques pour les entreprises de presse et démocratiques pour les citoyens. Il s'agit alors de comprendre le fonctionnement de ces trois types de presse : la PQN, dont le modèle est fondé sur un équilibre entre adaptation au lecteur et à l'annonceur ; la PQG, tournée vers l'élaboration d'un produit presse industrialisé financé exclusivement par les annonceurs ; la PIL, se voulant avant tout une alternative éditoriale à une presse historique considérée comme défaillante. A travers les notions de système médiatique, de contrat de communication et de cadres d'interprétation du monde social, l'enjeu de ce travail est de saisir en quoi les conditions de production du discours journalistique, ses formes discursives et ses modes d'appréhension en réception peuvent être interdépendants. Appliquée au discours d'actualité sur les ressources énergétiques (hausse du prix du pétrole et projet de loi dit « taxe carbone »), cette étude est donc avant tout comparative. Elle se propose d'articuler les dimensions socio-économiques de la production journalistique des trois types de presse précités, l'analyse linguistique de leurs produits discursifs respectifs et l'étude expérimentale de leur réception par des lecteurs préalablement caractérisés.

La conversion analogique-numérique sigma-delta passe-bande à temps continu constitue une approche intéressante pour la numérisation directe de signaux radiofréquences. Pour faire un premier pas vers des systèmes de conversion rapides et agiles basés sur cette approche, la faisabilité d'un convertisseur sigma-delta passe-bande à fréquence centrale ajustable sur une bande de fréquence limitée est étudiée au travers de la conception d'un circuit intégré prototype en technologie GaAs P-HEMT 0.2 µm.<br />L'architecture du modulateur sigma-delta comprend un filtre de boucle à structure parallèle, afin d'assurer à la fois la stabilité et la précision du dispositif, un sommateur et un comparateur. Les filtres passe-bande, constitutifs du filtre de boucle, sont du type Gm-LC à résistance négative. Le retard optimal théorique pour cette architecture est de 1,25 Te (Te : période d'échantillonnage) et ce retard est approximativement atteint grâce à un comparateur verrouillable (1,12 Te). Le réglage de la fréquence centrale s'opère par le biais de varicaps dans le résonateur d'entrée. La simulation du circuit au niveau transistor permet d'évaluer une résolution de 10 bits sur une bande de 4 MHz pour une fréquence centrale de 750 MHz et une fréquence de sur-échantillonnage de 3 GHz. La fréquence centrale du modulateur peut être abaissée à 725 MHz où la résolution atteint 9 bits. La consommation est estimée à 5,7 W. Le circuit a été implanté et la surface de la puce s'élève à 12 mm2.<br />Ce travail présente une méthodologie de conception basée sur des simulations multi-niveaux (transistor, fonctionnel). Cette approche permet d'isoler l'impact des non-idéalités de chacun des blocs au niveau circuit sur le fonctionnement général du modulateur. Des solutions sont proposées pour la correction de ces défauts. La robustesse du circuit a aussi fait l'objet d'une étude en termes de dispersions technologiques et d'éléments parasites introduits par l'implantation. Des remèdes sont proposés pour pallier ces problèmes.

Les Mille et une nuits, contes arabes de sources orales et écrites et d'influences nombreuses, se figent par l'écriture, dans la traduction française classique d'Antoine Galland qui prend pour modèle la langue et le style de la conversation spirituelle de son époque. Méprisés et tenus autrefois à l'écart de la littérature arabe, l'érudit orientaliste, Antoine Galland, opère, grâce à son talent singulièrement inventif, un changement de statut de ces contes, qui accèdent alors au panthéon de la littérature. Préservant l'originalité du conte, Antoine Galland, traducteur, conteur et écrivain, invente ainsi un nouveau genre littéraire français : le conte oriental. Il s'agit donc de se demander d'abord, comment Galland est resté fidèle à la parole vivante du conte d'Orient dans l'œuvre écrite et traduite en français. Quelle a été sa stratégie narrative pour figurer la performance conteuse orientale? Comment parvient-il à préserver la dynamique orale des Mille et une nuits tout en respectant les caractéristiques propres du conte d'Orient dans une version obéissant à l'esthétique française et arabe? Et sur quoi précisément repose ce nouveau genre littéraire, le conte oriental, inventé par Galland? Ce mémoire, par des approches méthodologiques multiples se veut donc une réflexion sur l'art de conter et plus particulièrement sur la figuration de la performance conteuse orientale à l'écrit, dans la version traduite, exclusivement d'Antoine Galland. Nous situons d'abord, par une approche historique, le contexte de l'œuvre et de l'auteur afin de comprendre le cheminement d'Antoine Galland dans la récupération et la traduction des contes arabes. Celui-ci se caractérisant originellement par la performance orale, il nous faudra dès lors la définir à partir des analyses folkloristes qui en ont dégagé des observations et une terminologie pragmatiques. La traduction et la transcription de la performance conteuse des Nuits de Galland se situent dans un contexte historique français particulier, soumises aux règles de la bienséance, obéissant ainsi à l'esthétique classique qui régit l'ensemble des œuvres littéraires. Dans une première étude textuelle, nous relevons que les Nuits sont adaptées pour le public occidental sur l'horizon d'attente de la poétique classique, mais surtout en fonction de la propre vision littéraire et philosophique d'Antoine Galland. Nous montrons dans une seconde étude, à partir des approches narratologiques de la polyphonie et celles historico-rhétorique et linguistique de la conversation que Galland a figuré la performance conteuse orientale par une production polyphonique et une réception conversationnelle civile et lettrée, adaptée à la singularité des Nuits, respectant son procédé d'énonciation originelle. Ce chef-d’œuvre métissé occidento-oriental, qui accueille de nombreuses influences littéraires et philosophiques, influences qui marquent par-là même, son originalité et qui ont contribué grandement à son invention, rassemble aussi l'ensemble des savoirs de Galland. Cette œuvre de vulgarisation, dans le prolongement même des principes classiques du savoir et de l'esprit rhétorique de la conversation spirituelle, est avant tout l'héritage d'un patrimoine culturel d'un homme et d'une époque. ______________________________________________________________________________

Cette recherche porte sur l'œuvre d'art comme dispositif, sur le décloisonnement des pratiques artistiques actuelles en tant que facteur déterminant de la réception de l'art. L'hypothèse qui sera explorée dans ce mémoire est que le décloisonnement des pratiques artistiques entraîne une diversification importante des contextes de l'art, ce qui favorise l'élargissement de la notion de public et une réévaluation de son rôle. Si les pratiques artistiques contemporaines nous semblent complexes à définir, ce serait lié à leur hétérogénéité ainsi qu'à la dissémination des contextes de diffusion : les œuvres s'insèrent dans des communautés, elles vont vers des lieux publics, des espaces sociaux et médiatiques rejoignant potentiellement un public plus large et engageant une participation plus directe du public. Nous étudions ici des pratiques artistiques qui soulèvent des questionnements sur la société dans laquelle nous vivons et qui mettent l'accent sur les relations intersubjectives et sur la réception de l'œuvre. Nous croyons que le contexte social de présentation de l'œuvre a un impact déterminant et qu'il peut transformer le rôle du public. Ce que nous voulons démontrer, c'est que l'œuvre d'art ne se conçoit pas comme un simple objet, mais comme un dispositif et que, ce faisant, l'œuvre d'art se dote d'un nouveau potentiel, celui d'élargir le public de l'art, tout en l'obligeant à une forme d'engagement plus complexe. Nous analyserons de façon comparative « La Cantine » de Massimo Guerrera, l'exposition « Keep it slick, Infiltrading capitalism with The Yes Men », de The Yes Men ainsi que « Money-back Products (Produits remboursés) » de Matthieu Laurette. Il est essentiel de noter que les œuvres de notre corpus ont des caractéristiques communes qui ne se situent pas dans leurs objets : elles se déploient dans d'autres espaces - c'est-à-dire l'espace public, social et médiatique; elles proposent des modes de relations nouveaux; et finalement, plus fondamentalement, elles regroupent des hétérogènes. Cette caractéristique est centrale et constitue le fondement de toute la réflexion qui sous-tend notre projet. Le principal problème qui se posait à nous était de trouver comment faire une étude qui porte en partie sur le public - les publics - sans sombrer dans les débats qu'animent les milieux de l'art et de la sociologie de l'art contemporain. Nous avons voulu partir des œuvres elles-mêmes pour comprendre leur potentiel à rejoindre le public. C'est là que la question de l'hétérogénéité s'est posée avec le plus d'acuité. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : dispositif, art actuel, Massimo Guerrera, Matthieu Laurette, The Y es Men, public, hétérogénéité, esthétique relationnelle, intervention en milieu urbain, infiltration médiatique.