This project is an investigation of the relationship between spatial dressing and body dressing. It aims to find a new way of dressing the body by looking at how a room is dressed. It is explored by using the mindset of when dressing and furnish a room, looking at elements such as materials, details and fixtures of what defines the different rooms. To gain knowledge and understanding of the chosen elements they have been decontextualized and experimented with on a body, using the body as a spatial canvas. It has been explored through placement in order to challenging the limitations of starting points when dressing as well as other aspects such as the spatial aesthetic as dress, new expressions, function and shape. It suggests a playful- and different interpretation of how to dress the body. The importance of this investigation has been to keep the objects as they are, to mix the things we know and can refer to, in its original form and function, with an unexpected context in order to maximize its potential use and to question how we categorize things.

The starting point in the field of research in this essay, is skill in contemporary craft. The term is loaded with values and preconceptions. The essay pays attention to how the topic is discussed currently in the craft field. Society is changing and naturally the variety and amount in skills is changing accordingly. The role of education, teaching and learning in the acquisition of skills is discussed. Skill in craft is viewed in two of its extreme ends, sloppy craft and “hypermaking”. Sloppy craft is a trend where the craftsmanship is not demonstrated by a consious choice. “Hypermaking” refers to artists whose technical skills are tremendous. .   The main part of the investigation of skill is made through artistic research in the field of contemporary jewellery. The maker’s practice is dominated by one material, stone. Throughout the investigation, a diary has been kept in order to record the thinking and making in the working process. This has revealed notions of different aspects of skill: silent knowledge in manual skill, how the skill can trick the maker, and how skill grows by time. Artistic research has also clarified the maker’s relationship to stone.  The essay focuses on how the traditional stoneworking skill is challenged by the maker by using readymade instead of a raw stone material. The reason for challenging is the need of confrontation in artistic development. / <p>The full thesis contains copyrighted material</p><p>which has been removed in the published version (pictures).</p>

Le collage et le cut-up sont deux « procédés » apparus, comme pratique et comme concept, dans le courant du XXe siècle : dans la première décennie pour ce qui est du collage et, pour le cut-up, à la fin des années cinquante. Le terme de collage est issu des arts plastiques, et des pratiques qui ont succédé aux expérimentations des « papiers collés » de Georges Braque et Pablo Picasso à partir de 1912, tandis que celui de cut-up est emprunté à l'écrivain américain Brion Gysin expérimentant cette technique, avec William Burroughs, en 1959. Une cinquantaine d'années sépare les deux « procédés », qui ne recouvrent pas exactement les mêmes pratiques, comme le notait Brion Gysin : « L'écriture a cinquante ans de retard sur la peinture », en entendant par là appliquer à la lettre – et à la littérature – la pratique même des « papiers collés » des expérimentations cubistes.Cinquante ans de retard ? Rien n'est moins sûr en réalité, si l'on examine l'histoire de la pratique dans la littérature, notamment à travers les expérimentations des premiers courants d'avant-garde, puisque se mettent en place, dès 1912-1913, des procédures de transmédiation qui font progressivement glisser l'esthétique du collage des arts plastiques à la poésie.C'est sur l'histoire de ces cinquante années « de retard » que voudrait revenir cette étude, pour examiner les différentes formes que prend cette transmédiation de l'esthétique du collage dans les courants d'avant-garde, jusqu'à l'invention du cut-up. / Collage and cut-up are two techniques that have emerged – as a practice and as a concept – in the mid-twentieth century: collage appeared in the first decade, while cut-up appeared in the late fifties. The word collage comes from the visual arts and from the practices that have succeeded to the experiments that Georges Braque and Pablo Picasso did with “papiers collés” from 1912, while the term cut-up is borrowed from American writer Brion Gysin who experimented this technique together with William Burroughs in 1959. Some fifty years separate the two techniques which do not cover quite the same practices as Brion Gysin noted: “Writing is fifty years behind painting”, thereby meaning to strictly apply to literature the very practice of “papiers collés” of cubist experiments.

This paper revolves around the idea of the infra-thin, a concept coined by Duchamp, which describes paradoxes and/or phenomena that are not easily defined with words but instead sensed. The infra-thin is illustrated throughout the paper by discussions revolving around scars, bruises, birthmarks, dust, fog, lint, and other similar "things" that are, in some definition of the term, objects. The afore listed entities are used as examples: 1. To initiate a dialogue that starts with Minimalism, bounces back to Duchamp and explains how he influenced the Minimalists, places Warhol in context, describes how Minimalism moved forward from the show at the Jewish Museum, and puts the rest of us working post-1966 in perspective. 2. To begin a conversation about readymades. A readymade being an anonymous, neutral object that we take for face value as "work of art" simply because of an artist's deeming it art. Because it exists as a neutral object, it is seen out of the corner of the viewer's eye, recognized as this anonymous thing that equals art object, and is then forgotten about and only recollected by memory as a readymade as opposed to the object that it resembles. 3. To introduce the idea of attempting to explain through language paradoxes that are sensed and/or attached directly to memory. I start with readymade but then there are other things. Bruises, scars, birthmarks are a few examples. Others include fog, dust, fuzz. Still others are shadows and stains. A few more are vapor and evanescence. Also, things inherently human, like emotion.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-06-17Bitstream added on 2014-06-13T19:48:49Z : No. of bitstreams: 1 broggiato_fc_me_ia.pdf: 1793369 bytes, checksum: d1db97efd02420fa1d1f2697e1e72126 (MD5) / Esta dissertação trata de como a pintura, no decorrer do século XX, deixou de ser vista como um espaço virtual, ilusionista, para ser concebida em sua literalidade, como uma superfície plana. Esta pesquisa tem dois resultados distintos: a produção, entre 2009 e 2011, de uma série de pinturas e o desenvolvimento de um texto. O texto, por sua vez, é dividido em duas partes: na primeira, apresento e procuro analisar minha obra pictórica recente, e na segunda, desenvolvo, em três capítulos, reflexões sobre a relação entre o espaço da pintura, o espaço do teatro e o espaço dos objetos comuns, destacando a influência que os readymades de Marcel Duchamp e o minimalismo norte-americano exercem sobre a pintura contemporânea. Nesse contexto, analiso visões dos críticos Michael Fried, Clement Greenberg, Ferreira Gullar, Leo Steinberg e Alberto Tassinari / This dissertation discusses how the art of painting, during the twentieth century, ceases to be seen as a virtual illusionist space, to be conceived in a literal way, as a flat surface. This research has two distinct outcomes: the production of a series of paintings (between 2009 and 2011) and also the development of a text. The text, in turn, is divided in two parts: in the first part I present and try to analyze my recent pictorial work; in the second part, which is divided in three chapters, I reflect upon the relationship between the space of painting, the theater space and the space of common objects, highlighting the influence of Marcel Duchamp’s readymades and North-American minimal art on contemporary painting. In this context, I analyze the views of the critics Michael Fried, Clement Greenberg, Gullar, Leo Steinberg and Alberto Tassinari

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-12-17Bitstream added on 2014-06-13T20:49:04Z : No. of bitstreams: 1 jesus_dv_me_ia.pdf: 3843326 bytes, checksum: f6400c5bee7f7f889be36cabedca2097 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Este trabalho tem como objeto de pesquisa obras de artistas brasileiros, que nas décadas de 1960 e 1970 produziram seus trabalhos utilizando como procedimento artístico a apropriação e também a (re) inserção de suas obras no cotidiano. Dentre os que mais se destacaram nesta prática no período estudado, selecionaram-se para análise os artistas: Nelson Leirner, Cildo Meireles e Antonio Manuel. Definindo melhor o conceito de apropriação e retomando a história desse procedimento na arte foi possível fazer um levantamento de questões que este tipo de prática aponta e as mudanças de paradigma que ocasionou. Desde os readymades de Duchamp aos détournement dos situacionistas, a prática da apropriação problematizou questões como a autoria do artista e a própria natureza da arte. Como o suporte de tais obras são objetos do cotidiano, foi também analisada a questão do que definiria um objeto apropriado como obra de arte, tendo como base teórica a definição de arte de Arthur C. Danto (A Transfiguração do lugar-comum). Partindo para a arte brasileira, buscaram-se as primeiras manifestações desta prática para verificar sua adaptação aos ideais de arte nacional. Retomando o contexto sócio-políticoeconômico dos anos 1960 e 1970, em particular o período do AI-5, foi possível analisar se tal contexto influenciou na criação das obras dos artistas analisados. Tendo como referência o termo ‘contra-arte’ - cunhado pelo crítico Frederico Morais para referir-se à arte da geração AI-5 - verificou-se que esses artistas somaram a contestação política à contestação da própria arte, residindo neste último seu verdadeiro legado / The purpose of this work is to research the artwork of Brazilian artists, that in the 60`sand 70´s produced their artworks using as artistic procedure the appropriationand also the(re)insertionof theirartworks in the everyday life. Among those whostood out in the researched period, the following artists were chosen: Nelson Leirner, Cildo Meireles e Antonio Manuel. Better defining the concept of appropriationand retaking thehistory of this procedurein the arts,itwas possible to arise questions that this kind of process caused andthe changes in theparadigmthat it brought on. Since Duchamp´s readymades until the détournement of the Situationists, the appropriation practice brought problematic situations, as theartist`s authorship and the own nature of art. As thesupportfor that artworksare everyday lifeobjects, it was analyzed whatwould defineanappropriated object asan artwork, taking as a theorist reference, the definition of art of ArthurC.Danto (The transfiguration of the commonplace). Forthe Brazilian art, the first manifestations of this kindof art were researchedto see its adaptation to the ideals of national art. Taking into consideration the social,politicaland economic contextof the 60´s and 70´s mainly theAI-5 period, itwas possible to verify if thatcontext influenced theartwork creation of the researched artists. Having as reference the term ‘contra-arte’ – created bythe criticFredericoMorais to refer to the art of AI-5 generation,it wasconcluded that those artists added the political contestation to the contestation of the art itself, being the latter their true legacy

Durante meu mestrado selecionei textos específicos de Marcel Duchamp: textos teóricos nos quais ele reflete sobre o mundo das artes. São palestras que ele deu em universidades, cartas e catálogos para as exposições que ele organizava cujos textos são dele. Este material é fundamental para entender como este artista tão radical entendia a arte e como se esforçava para propagar suas concepções. São temas surpreendentes porque Duchamp teve um importante papel na apresentação da arte européia aos Estados Unidos trabalhando como curador durante um bom período. É impressionante vê-lo apresentando Picasso, Calder ou Matisse. Ou então defendendo os motivos pelos quais todo artista deve cursar uma universidade. São textos que todo estudante de arte deveria ler. Ou melhor, todos que gostam ou trabalham com arte... Este material foi selecionado e traduzido a partir dos originais em inglês e francês que estão nos livros Duchamp du Signe - écrits (Paris, Flammarion, 1975) e The Writings of Marcel Duchamp (New York, Da Capo Preess, 1989) , organizados por Michel Sanouillet com a colaboração de Elmer Peterson (ambos contém os mesmos textos, um em inglês e outro em francês). É uma seleção que cobre de 25 a 30% do total destes livros. Deixei fora do meu recorte todas as notas que fazem parte das próprias obras de Duchamp e têm um caráter poético intenso, recorrendo frequentemente a sofisticados trocadilhos dignos de uma tradução pelos irmãos Campos. Além da tradução dos textos teóricos, meu trabalho têm mais duas partes. Um posfácio, no qual faço uma leitura das obras de Duchamp iluminada exclusivamente pelos textos que estão traduzidos na primeira parte e um Apêndice - que é a parte que mais gosto. Este apêndice é uma brincadeira com Duchamp. Proponho um Ready-made para definir um perfil de sua obra recortando dos textos que ele escreveu sobre outros artistas apenas as caracteríscas que estão fortemente presentes no próprio trabalho dele. Como apontaram na minha banca, é quase uma leitura de revelação psicanalítica ao indicar como vemos nos outros aquilo que temos em nós. / This work selects specific texts of Marcel Duchamp: theoretical texts in which Duchamp reflects about the art world. This texts are lectures that Marcel Duchamp gave at universities, letters and catalogs for the exhibitions that he organized and whose texts Duchamp signed. This material is essential to understand how a so radical artist understood art as he struggled to propagate his views. Duchamp played an important role in introducing European art to the United States by working as curator for a long period. It\'s amazing to read his texts presenting Picasso, Calder or Matisse. Or even defending the reasons why every artist should attend the university. These are texts that every art student or art lover should read. This material was selected and translated from the originals published on the books Duchamp du Signe - écrits (Paris, Flammarion, 1975) and The Writings of Marcel Duchamp (New York, Da Capo Preess, 1989), organized by Michel Sanouillet with the collaboration of Elmer Peterson (both contain the same texts, the first one in French, the second one in English). This selection covers 25% to 30% of these books. I left out of my selection all the notes that are part of the own works of Duchamp and have an intense poetic character, often using sophisticated puns. Besides the translation of theoretical texts, my work have two more parts. An afterword, which is a view of Duchamp\'s works illuminated only by the texts which are translated at the first part and an Appendix - which is the part I like best. This appendix is a joke on Duchamp. I propose a Ready-made to define a profile of his work cutting from the texts he wrote about other artists only traces that are strongly present in his own work. It´s almost a psychoanalytic reading that indicates how we see in others what we have in us.

Este trabalho faz um levantamento da produção brasileira de luteria experimental, com ênfase na produção realizada ao longo das últimas duas décadas. Inicialmente é delineado um panorama de referências relacionadas com este tido de produção na literatura europeia e estadunidense, assim como discutida a atuação de alguns artistas e criadores fundamentais para o estabelecimento de práticas de luteria experimental no século XX. No segundo capítulo faço um levantamento de referências sobre este tipo de produção no Brasil, assim como relaciono artistas em atividade no país nos últimos 20 anos, detalhando na maior parte dos casos algumas de suas obras. Partindo deste panorama, realizo um estudo mais aprofundado sobre o instrumento conhecido por gatorra, fabricado por Tony da Gatorra, artesão, técnico em eletrônica e músico gaúcho que criou seu instrumento nos anos 1990 a partir de materiais de sucata, componentes eletrônicos reaproveitados e da combinação de projetos de circuitos eletrônicos geradores de som. Por fim, relaciono a produção estudada com referenciais que lidam com a noção de cultura material, alguns dos quais já realizam uma aproximação com a atividade musical e artística. / This work presents a survey on the Brazilian production of experimental lutherie, with emphasis on the production over the last two decades. A framework of references related to this production in the European and American literature is outlined as an introduction, as well as the works of some key artists and creators whose production influenced experimental instrument building practices in the 20th century. In the second chapter I make a survey of references on this type of production in Brazil, as well a profile of artists active in the country for the last 20 years, detailing in most cases some of his works. Based on this outline, I carry out a more detailed study on the instrument known as gatorra, manufactured by Tony da Gatorra, an artisan, technician and musician who created his instrument in the 1990s from scrap materials, reused electronic components and the combination of electronic circuits sound generators. Finally, I relate the production studied with references that deal with the notion of material culture, some of which already make an approximation with musical and artistic activity

Este trabalho faz um levantamento da produção brasileira de luteria experimental, com ênfase na produção realizada ao longo das últimas duas décadas. Inicialmente é delineado um panorama de referências relacionadas com este tido de produção na literatura europeia e estadunidense, assim como discutida a atuação de alguns artistas e criadores fundamentais para o estabelecimento de práticas de luteria experimental no século XX. No segundo capítulo faço um levantamento de referências sobre este tipo de produção no Brasil, assim como relaciono artistas em atividade no país nos últimos 20 anos, detalhando na maior parte dos casos algumas de suas obras. Partindo deste panorama, realizo um estudo mais aprofundado sobre o instrumento conhecido por gatorra, fabricado por Tony da Gatorra, artesão, técnico em eletrônica e músico gaúcho que criou seu instrumento nos anos 1990 a partir de materiais de sucata, componentes eletrônicos reaproveitados e da combinação de projetos de circuitos eletrônicos geradores de som. Por fim, relaciono a produção estudada com referenciais que lidam com a noção de cultura material, alguns dos quais já realizam uma aproximação com a atividade musical e artística. / This work presents a survey on the Brazilian production of experimental lutherie, with emphasis on the production over the last two decades. A framework of references related to this production in the European and American literature is outlined as an introduction, as well as the works of some key artists and creators whose production influenced experimental instrument building practices in the 20th century. In the second chapter I make a survey of references on this type of production in Brazil, as well a profile of artists active in the country for the last 20 years, detailing in most cases some of his works. Based on this outline, I carry out a more detailed study on the instrument known as gatorra, manufactured by Tony da Gatorra, an artisan, technician and musician who created his instrument in the 1990s from scrap materials, reused electronic components and the combination of electronic circuits sound generators. Finally, I relate the production studied with references that deal with the notion of material culture, some of which already make an approximation with musical and artistic activity

Durante meu mestrado selecionei textos específicos de Marcel Duchamp: textos teóricos nos quais ele reflete sobre o mundo das artes. São palestras que ele deu em universidades, cartas e catálogos para as exposições que ele organizava cujos textos são dele. Este material é fundamental para entender como este artista tão radical entendia a arte e como se esforçava para propagar suas concepções. São temas surpreendentes porque Duchamp teve um importante papel na apresentação da arte européia aos Estados Unidos trabalhando como curador durante um bom período. É impressionante vê-lo apresentando Picasso, Calder ou Matisse. Ou então defendendo os motivos pelos quais todo artista deve cursar uma universidade. São textos que todo estudante de arte deveria ler. Ou melhor, todos que gostam ou trabalham com arte... Este material foi selecionado e traduzido a partir dos originais em inglês e francês que estão nos livros Duchamp du Signe - écrits (Paris, Flammarion, 1975) e The Writings of Marcel Duchamp (New York, Da Capo Preess, 1989) , organizados por Michel Sanouillet com a colaboração de Elmer Peterson (ambos contém os mesmos textos, um em inglês e outro em francês). É uma seleção que cobre de 25 a 30% do total destes livros. Deixei fora do meu recorte todas as notas que fazem parte das próprias obras de Duchamp e têm um caráter poético intenso, recorrendo frequentemente a sofisticados trocadilhos dignos de uma tradução pelos irmãos Campos. Além da tradução dos textos teóricos, meu trabalho têm mais duas partes. Um posfácio, no qual faço uma leitura das obras de Duchamp iluminada exclusivamente pelos textos que estão traduzidos na primeira parte e um Apêndice - que é a parte que mais gosto. Este apêndice é uma brincadeira com Duchamp. Proponho um Ready-made para definir um perfil de sua obra recortando dos textos que ele escreveu sobre outros artistas apenas as caracteríscas que estão fortemente presentes no próprio trabalho dele. Como apontaram na minha banca, é quase uma leitura de revelação psicanalítica ao indicar como vemos nos outros aquilo que temos em nós. / This work selects specific texts of Marcel Duchamp: theoretical texts in which Duchamp reflects about the art world. This texts are lectures that Marcel Duchamp gave at universities, letters and catalogs for the exhibitions that he organized and whose texts Duchamp signed. This material is essential to understand how a so radical artist understood art as he struggled to propagate his views. Duchamp played an important role in introducing European art to the United States by working as curator for a long period. It\'s amazing to read his texts presenting Picasso, Calder or Matisse. Or even defending the reasons why every artist should attend the university. These are texts that every art student or art lover should read. This material was selected and translated from the originals published on the books Duchamp du Signe - écrits (Paris, Flammarion, 1975) and The Writings of Marcel Duchamp (New York, Da Capo Preess, 1989), organized by Michel Sanouillet with the collaboration of Elmer Peterson (both contain the same texts, the first one in French, the second one in English). This selection covers 25% to 30% of these books. I left out of my selection all the notes that are part of the own works of Duchamp and have an intense poetic character, often using sophisticated puns. Besides the translation of theoretical texts, my work have two more parts. An afterword, which is a view of Duchamp\'s works illuminated only by the texts which are translated at the first part and an Appendix - which is the part I like best. This appendix is a joke on Duchamp. I propose a Ready-made to define a profile of his work cutting from the texts he wrote about other artists only traces that are strongly present in his own work. It´s almost a psychoanalytic reading that indicates how we see in others what we have in us.