La conception sonore au théâtre est une pratique artistique à part entière présentant des enjeux multidisciplinaires. Celle-ci joue un rôle particulier dans le cadre du théâtre d’objets, un genre théâtral où les objets de la vie quotidienne, comme une théière ou un chapeau, ne sont plus de simples accessoires de théâtre, mais servent d’effigies, évoquent des personnages ou encore créent de nouveaux espaces scéniques. L’objectif principal de ce mémoire est de mieux cerner les rôles dramaturgiques que le son peut endosser dans un théâtre marginal tel que le théâtre d’objets. Pour ce faire, nous nous intéressons au cas particulier du Théâtre de La Pire Espèce, une compagnie montréalaise créée en 1999 dont les créations ont été maintes fois primées tant au Québec qu’à l’international. La Pire Espèce constitue un riche terrain de recherche et ses conceptions sonores participent à construire son esthétique dramatique très claire et travaillée. La compagnie documente d’ailleurs sa pratique à l’aide de billets de blogs et d’extraits vidéo accessibles gratuitement en ligne. En outre, ses membres fondateurs, Olivier Ducas et Francis Monty, s’appliquent à nommer et à définir les processus qu’ils mettent au point et sont aussi formateurs en théâtre d’objets. La méthodologie adoptée par la présente recherche repose sur des analyses d’extraits de pièces (mettant l’accent sur la conception sonore), des observations du processus de création de la compagnie, ainsi que des entrevues avec des artistes collaborateur·rice·s ou membres de la compagnie. Croisant les perspectives musicologiques et théâtrologiques, ce travail vise ainsi à déterminer les caractéristiques de l’esthétique sonore de La Pire Espèce et à mettre en lumière la dynamique collaborative et interdisciplinaire qui a permis de la développer. / Theater sound design is an artistic practice presenting multidisciplinary issues. It plays an essential role in objects theater, a theatrical genre in which objects of everyday life, such as a teapot or a hat, are no longer basic theater accessories. They become meaningful, evoking characters. The aim of this master’s thesis is to better understand the numerous functions of sound in a marginal theater such as objects theater. For this purpose, this research will explore the case of the theater of La Pire Espèce, a company from Montreal created in 1999. Their creations, especially their sound design, has received several awards in Canada and Europe, and represent an interesting research area. On one hand, sound design is an important element which actively participates in forming their dramatic aesthetic. On the other hand, the company maintain records of a rich documentation of their practice with blogs and video extracts available online. The artistic directors of La Pire Espèce, Olivier Ducas and Francis Monty, theorize their theatrical process and propose objects theater classes. The methodology used throught this research consists in interviews with collaborators or members of the company, in observations of the creative process and in audiovisual captations analysis extracts. At the cross of musicology and theatrology, this research aims to understand the factors contributing to the sound aesthetic of La Pire Espèce and to highlight the role of collaboration and interdisciplinarity in building it.

Ce mémoire de maîtrise vise à cerner les fondements de la mise en scène d'un spectacle chansonnier et à instaurer, en utilisant l'exercice de la mise en scène au théâtre comme base comparative, un premier pan de littérature sur le sujet. L'essai suivant fait donc état des principaux enjeux qui caractérisent ce type de conception artistique et qui résultent d'un amalgame de mes réflexions personnelles, des témoignages de quatre metteurs en scène de chanson chevronnés (Bertrand Alain, Paule- Andrée Cassidy, François Léveillée et Denis Bouchard), ainsi que de lectures sur le sujet. Les annexes, quant à elles, se veulent un document témoin de l'expérimentation scénique Mise en scène de l'Autre, qui consistait à endosser personnellement la mise en scène du spectacle d'un auteur-compositeur-interprète (François Duchesne), expérimentation ayant permis l'élaboration du questionnaire utilisé lors des entrevues avec les quatre artistes du domaine à l'étude rencontrés.

Le présent essai se veut un retour sur une création théâtrale intitulée Le Bordel, filles de joies et de peines, présentée à l’Université Laval les 7,8 et 9 avril 2005. L’essai relate les quatre étapes qui ont jalonné mon processus de création. Tout d’abord, je présenterai les ressources sélectionnées à partir des recherches historiques pertinentes à de nombreux témoignages artistiques. Ensuite, j’exposerai mes choix dramaturgiques en faisant part de l’évolution de l’écriture de la pièce. Puis, j’énoncerai mes choix et mes techniques d’approches relatifs à la construction de la mise en scène. Enfin, j’effectuerai un retour sur le déroulement des représentations et de leur réception par le public. Je conclurai le tout par les modifications que je souhaite apporter à ce spectacle dans l’optique d’une présentation future. Ainsi, figureront les détails d’un parcours studieux basé sur la recherche d’un équilibre entre la fiction divertissante et la réalité historique, entre le corps et la parole, entre l’apparent et le suggéré. Je tente, par ce souvenir imprimé, d’ordonner les enseignements retirés lors de mon processus de création, enseignements d’une grande richesse pour mes productions futures.

Cette thèse propose une étude du langage des arts martiaux Shaolin (Shàolín 少林) en spectacles vivants dans trois œuvres des arts de la scène. Deux spectacles sont d'origine chinoise, et se situent sous un paradigme ouvert, dit de spectacles populaires ou grand public, à savoir Chun Yi: The Legend of Kung Fu et Shaolin Warriors: The Legend Continues. Le second paradigme est plus fermé, puisque Sutra est un spectacle de danse contemporaine dont la valeur artistique est reconnue. Sutra a été créé par une équipe sinoeuropéenne, dans la chorégraphie de Sidi Larbi Cherkaoui avec des moines du temple Shaolin (Shàolín Sì 少林寺). Nous avons utilisé la théorie de l'anthroposémiotique (Jacques Fontanille et Nicolas Couégnas, 2018) et des méthodes hybrides d'investigation relevant de l'Observation-Analyse du mouvement (OAM de Nicole Harbonnier, 2014), de la sémiotique de la martialité (Mahamadou Lamine Ouédraogo, 2018), des sciences de la culture (Joseph Melançon, 2002) et du Soft Power (Joseph Nye, 1990). Les deux grilles d'analyse que nous avons construites en fonction des différents apports théoriques et méthodologiques, nous ont permis de mettre au jour la structure d'un récit canonique et les moyens de la mise en scène des arts martiaux Shaolin, les usages politiques de ces spectacles et, finalement, les fonctions de la puissance culturelle douce chinoise (PCDC) telle que manifestée dans les trois spectacles du corpus. Les codes culturels de la Chine et de l'Occident se retrouvent en situation de dialogisme interculturel, soit dans la structure même des spectacles ou dans les usages qui en sont faits. Cette fonction dialogique du Kung Fu Shaolin (Shàolín gōngfu 少林功夫 ) dans les arts de la scène s'est manifestée à plusieurs niveaux de lecture et d'analyse des spectacles. Entre autres, nous avons établi que la puissance culturelle douce chinoise participe d'une stratégie de mise en valeur de la culture traditionnelle chinoise via la représentation des valeurs de la culture socialiste avancée, par la culture d'harmonie, par le « rêve chinois », par le « consensus de Pékin » et, finalement, par le socialisme avec des caractéristiques chinoises. La Chine ne valorise pas uniquement les outils traditionnels de la culture Shaolin (Shàolín 少林), elle favorise aussi les innovations culturelles par les coopérations internationales, notamment avec l'Europe. Le spectacle Sutra du corpus en fait foi. Les codes culturels Shaolin (Shàolín 少林) y sont modifiés, restructurés, éclatés dans une explosion (Juri Lotman) de nouveauté et d'ouverture vers l'Autre. Cette conscience dialogique de l'ipséité et de l'altérité dans un produit culturel transgénique fait preuve d'une ouverture commune vers l'Autre et d'une collaboration constructive dans un échange égalitaire. La valeur de prestige mise en place dans les produits culturels chinois rend compte de phénomènes reliés au continu de la tradition ou bien au discontinu de l'explosion d'une nouveauté. Notre regard de spectateur et d'analyste nous a permis de saisir l'ampleur du phénomène de la puissance culturelle douce chinoise dans un discours politique officiel émanant du président Xi, Jinping ou de la politique culturelle chinoise mise en place par Xi, Chinese Culture Going Global, visant à combler le déficit de la soft power chinoise. Ces discours prônent la culture socialiste aux caractéristiques chinoises tant à l'intérieur de la sémiosphère de la Chine qu'à l'extérieur du pays sur la scène internationale, soulignant ainsi son désir d'affirmation de son statut de superpuissance à l'échelle planétaire. L'initiative de la Ceinture et de la Route de la soie et des projets associés contribuent à l'affirmation nationale et au discours de propagande dissimulé dans la structure et les usages des divers produits culturels chinois ou en co-productions avec des artisans de l'Occident. / This thesis proposes a study of the language of Shaolin (Shàolín 少林) martial arts in live performances in three works of the performing arts. Two shows are of Chinese origin and fall under an open paradigm known as popular or mainstream shows, namely Chun Yi: The Legend of Kung Fu and Shaolin Warriors: The Legend Continues. The second paradigm is more closed, since Sutra is a contemporary dance show whose artistic value is recognized. Sutra was created by a Sino-European team, in the choreography of Sidi Larbi Cherkaoui with monks from the Shaolin temple (Shàolín Sì 少林寺). We used the anthroposemiotic theory (Jacques Fontanille and Nicolas Couégnas, 2018) and hybrid methods of investigation relating to the Observation-Analysis of movement (OAM by Nicole Harbonnier, 2014), the semiotics of martiality (Mahamadou Lamine Ouédraogo, 2018), cultural sciences (Joseph Melançon, 2002) and Soft Power (Joseph Nye, 1990). The two analysis grids that we have built according to the different theoretical and methodological contributions, have enabled us to bring to light the structure of a canonical narrative and the means of staging Shaolin (Shàolín 少林) martial arts, aesthetic uses, performance policies and, ultimately, the functions of Chinese Soft Cultural Power (CSCP) as manifested in the three shows in the corpus. The cultural codes of China and the West are therefore found in intercultural dialogism, either in the very structure of performances or in the uses made of them. This dialogical function of Shaolin Kung Fu (Shàolín gōngfu 少林功夫) in the performing arts has been shown to be at several levels of performance reading and analysis. Among other things, we have established that the Chinese soft cultural power participates in a strategy of enhancing traditional Chinese culture through the representation of the values of advanced socialist culture, through the culture of harmony, through the "Chinese dream", by the "Beijing consensus" and, finally, by socialism with Chinese characteristics. China not only values the traditional tools of Shaolin (Shàolín 少林) culture, it also promotes cultural innovations through international cooperation, especially with Europe. The show Sutra of the corpus proves this. Shaolin (Shàolín 少林) cultural codes are modified, restructured, shattered in an explosion (Juri Lotman) of novelty and openness to the Other. This dialogical awareness of ipseity and otherness in a transgenic cultural product demonstrates a common openness to the Other and a constructive collaboration in an egalitarian exchange. The prestige value put in place in Chinese cultural products accounts for phenomena linked to the continuation of tradition or to the discontinuity of the explosion of a novelty. Our gaze as spectator and analyst has allowed us to grasp the extent of the phenomenon of Chinese soft cultural power in an official political discourse emanating from the president Xi, Jinping or from Chinese cultural policy implemented under Xi, as Chinese Culture Going Global, aiming to fill the deficit of Chinese soft power. Those discourses advocate socialist culture with Chinese characteristics both inside the Chinese semiosphere and outside the country on the international stage, thus affirming its desire to assert its status as a superpower. The Belt and Road Initiative and associated projects contribute to national affirmation and the propaganda discourse hidden in the structure and uses of various Chinese cultural products or in co-productions with artisans from the West.

Ce mémoire se veut un retour sur l'expérimentation théâtrale « Le temps nous est gare ». Il prend appui sur un processus de création appelé « Cycles Repère » et rend également compte de la méthode de travail de Jacques Lecoq, qui a notamment servi à l'élaboration de la recherche. Cette dernière s'inscrit dans un théâtre du mouvement basé sur une observation de la vie qui provoque l'imagination et la créativité. De plus, cet essai vise à mieux comprendre les mécanismes de la méthode Lecoq et à en évaluer la complémentarité avec l'outil de travail proposé par les Cycles Repère. Il explique le parcours qui a mené à l'élaboration de la partition scénique, inspirée de la « Gare du Palais de Québec », ressource de départ de cette exploration théâtrale présentée à l'université Laval les 18 et 19 décembre 2004. Un DVD des présentations accompagne et complète ce travail.

Cette recherche-création s'inscrit dans un courant de pensée voulant que l'acteur puisse, grâce à une utilisation particulière de son corps, développer en lui un « contexte énergétique » pouvant favoriser sa créativité. Elle s'appuie sur certaines théories de formation d'acteurs, dont l'Acteur dilaté d'Eugenio Barba, le théâtre pauvre de Jerzy Grotowski et la Dynamique interne de Michael Chekhov. Ce mémoire témoigne d'une expérimentation à travers laquelle nous avons réalisé une oeuvre dramatique en utilisant le Qi Gong comme principal outil créateur afin de voir comment l'énergie qu'il suscite pouvait stimuler l'acteur dans sa créativité. Nous avons pu observer au fil de ces rencontres qu'à travers les mouvements et l'énergie qui se dégageaient de sa pratique, il aura bel et bien stimulé notre imagination et notre créativité. La pièce BAI HE a été présentée dans le cadre des portes ouvertes du LANTISS à l'été 2010.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / Cet essai témoigne de mon expérience dans l'animation et l'adaptation d'un processus de création collective suivant les Cycles Repère, et impliquant des participants handicapés visuels non spécialistes du théâtre. En introduction, il présente les méthodologies empruntées pour la création du spectacle Dodo tititit manman, d'une part, et, d'autre part, pour l'étude de mes interventions en tant que facilitatrice dans le contexte de ce projet. Il relate ensuite les grandes lignes de notre parcours créateur avant de définir les différents rôles que j'y ai endossés. En passant par la description des fonctions assumées à titre de facilitatrice et de l'approche privilégiée, illustrées d'exemples concrets tirés de mon expérimentation, je tente de faire ressortir les principaux enjeux reliés à l'utilisation des Cycles Repère auprès d'un groupe de personnes peu expérimentées en théâtre et vivant avec une déficience visuelle.

Ce mémoire de maîtrise fait état d’une recherche création portant sur le jeu bouffonesque. La partie création est constituée de mon travail de metteure en scène et la partie réflexive porte sur l’importance de s’approprier le jeu des bouffons avant de monter la pièce de théâtre Christoeuf (Colomb) (sotie pour bouffons) de Marc Doré. C’est lors des rencontres avec Doré, un de mes professeurs du Conservatoire d’art dramatique de Québec, que le goût de travailler le jeu bouffonesque s’est imposé parce que je voulais en savoir davantage sur cette façon de jouer. De la pédagogie, inspirée par la zone proximale de développement de Lev Vygotski, à la mise en scène, je conduirai de jeunes comédiens à incarner leur bouffon, grâce à différents exercices, et à réaliser cinq représentations de la pièce au Québec et en Europe.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / Théorie de la pratique - pratique de la théorie, cette thèse oscille entre ces deux pôles en dégageant différentes avenues d'utilisation de l'image animée (vidéo) au théâtre, d'où le terme vidéoscénique. Le théâtre des dernières années s'est beaucoup tourné vers les nouvelles technologies, particulièrement vers ces médias de l'image et du son, afin de renouveler à la fois le langage dramatique et scénique. Peu d'ouvrages ont été consacrés aux diverses relations entre cet art de présence qu'est le théâtre et cet art de la reproduction visuelle qu'est la vidéo. Pour arriver à bien circonscrire cette rencontre intermédiatique, beaucoup d'approches sont possibles et cette thèse prend le parti pris d'une approche médiologique afin de globaliser l'impact d'un média autonome sur un autre. Selon Régis Debray, ± Une médiologie n'a pas pour finalité la délivrance d'un message. Elle se contente d'étudier les procédés par lesquels un message s'expédie, circule et trouve preneur ¿.1 Il est donc question d'observer comment la vidéoscénique se manifeste techniquement puis comment elle s'inscrit dans l'espace et dans le temps. En prenant appui sur un modèle de communication développé par Maletzke, il s'agit ensuite d'examiner et de saisir les objectifs des créateurs qui ont recours à un pareil média et finalement prendre en considération les incidences systémiques inhérentes à la réception de cette médiation. Dans un premier temps, une mise en contexte des usages vidéoscéniques s'impose et le champ d'études, même s'il s'agit d'une théorie générale de la pratique, examine essentiellement la production théâtrale québécoise répartie sur trente-cinq années (1967-2002).

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