A quelle(s) logique(s) répondent les dispositifs de création réalisés par Antonin Artaud et David Nebreda ? Quel statut attribuer à leurs « œuvres », si tant est que l’on puisse accoler cette appellation à leurs travaux ? Pour répondre à ces questions, nous mènerons une réflexion d’ordre esthétique et nous nous interrogerons parallèlement sur la spécificité du processus de création dans la psychose. Nous étudierons les productions d’Artaud et de Nebreda sous l’angle de la mise en scène et de la performativité. Nous mettrons également en lumière l’abolition de la représentation, l’effondrement de la scène et les limites du jeu / je. Nous montrerons ainsi la prédominance des registres Réel et Imaginaire conçus par Jacques Lacan. Chez ces « artistes » transgressant les frontières des genres et de l’art, les manifestations incontrôlées du corps et les conflits intrapsychiques donnent lieu à des recréations simultanées du monde et du langage, qui, en même temps qu’elles s’apparentent au déroulement d’une cérémonie de mise à mort, tracent des signes inédits, forment d’étranges parcours et s’orientent vers l’horizon d’une nouvelle naissance. / Which logic is guiding the multimodal creations proposed by Antonin Artaud and David Nebreda ? What kind of status can be applied to their “(art)works” ? In order to answer these questions, we will lead an esthetical research and study concurrently the specificities of the creative process in psychosis. We will examine Artaud’s and Nebreda’s productions through the notions of setting and performativity. We will underline the abolition of representation and the crumbling of the stage as well as the limits of play / subjectivity. We will show the predominance of the Real and Imaginary registers as they have been conceived by JacquesLacan. By Artaud and Nebreda, the uncontrolled corporal manifestations and the intra-psychicconflicts generate simultaneous recreations of the body and language as, in the same time, they achieve a sort of sort killing ceremony, tracing unseen signs, outlining strange trails and pointing toward the horizon of a new birth.

Le mouvement de construction de théâtres en plein air sous le Troisième Reich ou Thingbewegung est un aspect relativement méconnu de la politique culturelle national-socialiste. Ce théâtre de propagande devait réunir plusieurs milliers de spectateurs dans des lieux excentrés, des espaces construits spécialement par le régime afin de célébrer la communauté du peuple dégagée de toute différenciation sociale ou, pour reprendre la terminologie nazie, la Volksgemeinschaft. L’aspect central reste la volonté du régime de faire coïncider, à une échelle considérable, une nouvelle forme d’architecture et de spectacle théâtral de masse. L’objectif, exprimé clairement dès le début du mouvement en 1933, était l’élaboration de 400 scènes sur l’ensemble du territoire. Dès 1934, vingt étaient effectivement en construction et en 1939, au début de la Seconde Guerre mondiale, elles étaient environ au nombre de trente. Ce projet de recherche part de l’hypothèse qu’une meilleure compréhension du phénomène devient possible lorsque ce dernier est restitué dans la tradition historique double du théâtre et de l’architecture. Cette démarche, à la fois synchronique et diachronique, fondée sur une approche pluridisciplinaire, vise à mettre au jour les formes spécifiques de création de ces lieux scéniques tout en soulignant l’appartenance à la politique idéologique totalitaire du national-socialisme. / The open-air theatre construction movement under the Third Reich or Thingbewegung is a relatively unknown aspect of National Socialist cultural policy. This propaganda theatre was to gather several thousand spectators in outlying places, spaces specially built by the regime to celebrate the community of the people free of any social differentiation or, to use Nazi terminology, the Volksgemeinschaft. The central aspect remains the regime’s desire to bring together, on a considerable scale, a new form of architecture and mass theatrical performance. The objective, clearly expressed from the beginning of the movement in 1933, was to develop 400 stages throughout the country. By 1934, twenty were actually under construction and, at the beginning of the Second World War in 1939, there were about thirty of them. This research project is based on the hypothesis that a better understanding of the phenomenon becomes possible when it is replaced within the dual historical tradition of theatre and architecture. This approach, both synchronic and diachronic, based on a multidisciplinary approach, aims to uncover the specific forms of creation of these scenic places while emphasizing the association with the totalitarian ideological policy of National Socialism.

La thèse met en relief la dimension cosmopolite des œuvres dramatiques de Jean Giraudoux, en tenant compte de leurs mises en scène, de l’accueil que leur a réservé la critique et du contexte théâtral de l’époque, la IIIe République durant l’entre-deux-guerres. Responsable de la promotion des échanges culturels au ministère des Affaires étrangères, germaniste et amateur averti de littérature étrangère, Giraudoux considère le théâtre comme un lieu privilégié où différentes « voix » de l’humanité peuvent se faire entendre et composer un chant universel. Cette conception ouverte de l’altérité ne l’empêchera pas de se faire le défenseur des intérêts nationaux à la tête d’un Commissariat général à l'information en 1939-1940, mais aussi de faire écho à des préjugés encore tenaces dans son milieu intellectuel, comme le révèle la lecture de ses écrits politiques. Pour la concrétiser, il se consacrera à la rénovation du langage dramatique en étroite association avec Louis Jouvet à L’Athénée. L’analyse de ses personnages et des thèmes d’actualité sociale que reflètent ses pièces montre que le dramaturge a constamment esquissé des figures de l’Autre et fait référence à des cultures étrangères, au service de sa philosophie du cosmopolitisme. L’exploitation des fonds d’archives concernant les mises en scène produites par Louis Jouvet amène ensuite à penser que le monde dramatique de Giraudoux revêt une apparence à la fois exotique et hétéroclite qui a pu troubler le public parisien. Exporté hors de France lors des tournées de la troupe de Jouvet et adapté dans des langues étrangères par ses amis lettrés, le théâtre de Giraudoux sera néanmoins apprécié et reconnu par divers publics internationaux comme une tentative bien française de représenter la diversité du monde. / The thesis highlights the cosmopolitan dimension of Jean Giraudoux’s dramatic works, taking into account their staging, critical reception and the theatrical context of the Third Republic during the interwar period. Being responsible for promoting cultural exchanges at the Ministry of Foreign Affairs, Giraudoux, who was Germanist and an enthusiast of foreign literature, considers the theatre as a privileged means to show the different ‘voices’ of humanity and compose a universal song. Certainly, as the reading of his political writings reveals, Giraudoux defended national interests as the head of General Information Commission in 1939-1940, and echoed stubborn prejudices in his intellectual milieu. But at the same time, to concretize the conception of the theatre of alterity, he devoted himself to the renovation of the dramatic language in close association with Louis Jouvet at L’Athénée. The analysis of his characters and themes shows that Giraudoux has constantly sketched figures of the Other and referred to foreign cultures to demonstrate his philosophy of cosmopolitanism. Exploiting of Louis Jouvet’s archives in the National Library of France, concerning the stages produced by Jouvet, the thesis will think that Giraudoux’s dramatic world takes on an appearance both exotic and heteroclite that could disturb the Parisian public. While, exported outside of France during the tours of Jouvet’s troupe and adapted in foreign languages by his literary friends, Giraudoux’s theatre would be appreciated and recognized by various international audiences as a French attempt to represent the diversity of the world.

A dissertação investiga a ação do diretor de teatro no âmbito da criação de imagens, e procura definir um conceito de imagem teatral tendo como modelo artístico e teórico, a fotografia. Em que medida a imagem teatral pode ser pensada a partir da imagem fotográfica? Como diferenciar cena e imagem no teatro? Visando responder a tais perguntas, o trabalho realiza um estudo conceitual das relações entre a fotografia e o teatro, recorrendo à literatura teórica das duas áreas, bem como, a textos psicanalíticos, dando especial atenção à estética da imagem construída, e à presença da encenação na produção fotográfica contemporânea. Além disso, examina o processo criativo de O problema do carteiro chinês, com o objetivo de discorrer e ponderar sobre os procedimentos de criação de uma peça totalmente baseada em imagens fotográficas, bem como, das relações entre teatro e fotografia observadas na prática. A partir do trânsito entre teoria e prática, realiza-se uma reflexão sobre o componente visual do espetáculo teatral na contemporaneidade. / This Master´s dissertation investigates the action of theater director within the scope of image creation, and seeks to define a concept of theatrical image based on the theoretical and artistic model of photography. To what extent the theatrical image can be considered from the photographic image? How to differentiate scene and image in the theater? In order to answer these questions, the work makes a conceptual study of the relationship between photography and theater, using the theoretical literature from both areas, as well as the psychoanalytic texts, giving special attention to the aesthetics of constructed image and the presence of the staging in contemporary photographic production. Furthermore, it examines the creative process of O problema do carteiro chinês (The chinese postman´s problem) in order to discuss and ponder the procedures for creating a play based entirely on photographic images, as well as the relationship between theater and photography observed in practice. From the transit between theory and practice, we reflect on the visual component of the contemporary theatrical spectacle.

Notre thèse entend développer des concepts « théâtraux », abondants dans la littérature philosophique, en les confrontant aux stratégies représentatives mises en œuvre dans l’écriture théâtrale. Les devenirs de cette rencontre entre philosophie et théâtre sont intimement liés à un processus scénique de défiguration, comprise comme épreuve plastique des figures et de ce qui les excède. En prenant toujours comme point de départ les questions posées par des textes théâtraux et en nous centrant sur leur résonance avec la philosophie française contemporaine, nous avons élaboré divers outils conceptuels afin de cartographier ce travail commun du théâtre et de la philosophie par la défiguration. <p>Notre premier chapitre prend appui sur les textes Matériau-Médée et Hamlet-Machine de Heiner Müller pour analyser les rapports entre mythes et figures ainsi que les critiques de la représentation qu’implique leur mise en scène. Ces questions nous incitent à aborder les processus de démythologisation à l’œuvre dans la pensée critique de la première Ecole de Francfort, et leur reprise par Philippe Lacoue-Labarthe sous le concept de « défiguration ». Nous montrons que cette défiguration est toujours, chez Philippe Lacoue-Labarthe, affaire de scène et de théâtre. Nous sommes amenée à élaborer le concept de dé-dramatisation pour saisir la portée d’une telle pensée philosophique et de ses implications artistiques, à la croisée entre l’histoire du théâtre et celle des pratiques conceptuelles. <p>Dans un deuxième chapitre, nous nous affrontons directement à la conceptualisation de la notion de « scène » à partir des contradictions du « théâtre de parole » créé par Pasolini. Nous approchons la scène à travers le champ de la liturgie et de l’esthétique chrétiennes, et à travers celui de l’image cinématographique (dans une réévaluation du « vieux problème » de la différence entre théâtre et cinéma). Nous définissons la scène comme dispositif de monstration des conditions de possibilité d’un « partage du sensible », selon le concept créé par Jacques Rancière. Nous examinons, notamment à travers les travaux d’Esa Kirkkopelto, comment une telle scène travaille la philosophie entre schème et concept (de Wittgenstein à Althusser et de Nietzsche à Derrida), inventant ainsi une théâtralité de la pratique conceptuelle.<p>Notre troisième chapitre analyse les phénomènes de dédoublement des rôles chez Pirandello, Genet et Müller pour revisiter les fonctions de la « scène psychique » ainsi que de tout le lexique théâtral qui structure l’approche psychanalytique de l’inconscient. Nous proposons de penser la théâtralité à l’œuvre dans la construction de la personnalité en fonction d’une subjectivité « scéno-cartographique » dont l’impact thérapeutique a été éprouvé, notamment, par la psychiatrie institutionnelle. <p>Enfin, dans un dernier chapitre, nous nous laissons guider par le théâtre de Samuel Beckett pour définir l’agencement qui se tisse entre théâtre et philosophie, grâce à la défiguration comme opérateur conceptuel. A travers le « faire » dramatique et sa crise, nous interrogeons la manière dont la question de l’action a été posée par l’histoire de la philosophie. Nous examinons les usages que font Deleuze et Souriau du terme de « dramatisation » et de son impact dans le développement des dimensions virtuelles de l’expérience. Nous évaluons ce qu’apporte la pratique de l’acteur aux modes d’attention philosophiques, et nous proposons de comprendre les rapports du théâtre et de la philosophie en fonction du concept d’ « incorporation ». Nous concluons en démontrant que la prise en compte de l’expérience de la scène théâtrale dans et par la philosophie est une condition sine qua non au façonnement d’une théorie croisant études visuelles et conceptualisation de la représentation par l’image et par l’action. Nous déjouons ainsi toute tentation iconoclaste, en travaillant les dimensions de mouvement et de temporalité que la scène permet de saisir.<p> / Doctorat en Philosophie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

L’Europe du XXe siècle voit la création de compagnies et centres de recherche qui se consacrent à la redécouverte des modules de la Commedia dell’Arte, véritable forme de théâtre traditionnel en Occident qui a décliné après la ‘réforme’ de Goldoni. Giovanni Poli représente l'exemple le plus significatif de ce processus de réinvention que nous appelons, avec un néologisme, néo-Commedia dell'Arte. Ayant eu accès à ses archives privées et après les avoir retranscrites et proposées en annexe, nous avons pu entrer dans tous les méandres de son activité polymorphe et voir comment elles répondaient à nos questionnements. La présente thèse est structurée en trois parties allant de la pensée à la pratique et vice-versa. La première interroge la formation de la pensée de Poli autour de la Commedia dell'Arte afin de comprendre quelle était la démarche qui l'a conduit à concevoir son spectacle le plus célèbre La Commedia degli Zanni (1958). La deuxième est dédiée à sa pratique artistique, corrélée à la fois à la dramaturgie et aux mises en scène inspirées du phénomène historique, attachant une importance particulière à la technique du montage anthologique, l'une des caractéristiques principales de son écriture ‘postdramatique’. La dernière partie analyse les processus de transmission de cette réinvention, qui advient à travers son activité pédagogique et les ‘voyages’ au sens propre et au sens figuré entrepris avec sa néo-Commedia dell'Arte. Puisant à la fois dans la tradition théâtrale italienne et dans l’avant-garde, il réinvente un système référentiel, se révélant une cheville indispensable à la reconstruction du panorama européen et mondial de la néo-Commedia dell'Arte. / Europe of the XXth century sees the creation of companies and research centers which dedicate themselves to the rediscovery of the modules of Commedia dell'Arte, the real shape of western traditional theater, which declined after the 'reform' of Goldoni. Giovanni Poli represents the most significant example of this process of reinvention that we call, with a neologism, néo-Commedia dell'Arte. Having had access to his private archives and having transcribed and proposed them in appendix, we were able to enter all the meanders of his polymorphic activity and to see how they answered our questionings.This thesis is structured in three parts, moving from the thought to the practice and vice versa. The first one, questions the formation of Poli’s thought around Commedia dell'Arte to understand what was the approach which led him to conceive his most famous play La Commedia degli Zanni (1958). The second part is dedicated to his artistic practice correlated, at the same time, with dramatic art and with directions inspired by the historical phenomenon, setting a particular importance to the technique of anthological editing, one of the main features of his 'postdramatic' writing. The last part analyzes the processes of transmission of this reinvention, which happens through his educational activity and the 'journeys' literally and figuratively undertaken with his néo-Commedia dell'Arte. Drawing at the same time on Italian theatrical tradition and on the avant-garde, he reinvents a reference system, showing itself an essential core to the reconstruction of European and world panorama of néo-Commedia dell'Arte.

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Cette thèse propose une réflexion théorique et esthétique sur la traduction du théâtre, à partir d’un corpus de scènes à deux personnages (duos et duels) tirées du répertoire britannique, de l’époque élisabéthaine à nos jours. Selon la démarche traductologique recommandée par Antoine Berman, un parcours historique des théories fait d’abord ressortir la nécessité croissante, dans la pensée de la traduction, de prendre en compte les exigences spécifiques posées par le genre du texte — par sa forme et par son usage. S’impose alors un travail de définition du langage dramatique comme matière vivante et sonore, qui concentre les effets et prépare l’incarnation. Ceci conduit à l’analyse détaillée de sa traduction, depuis l’expressivité des phonèmes jusqu’aux grandes articulations de toute la scène et aux rapports qui s’établissent entre la voix de personnages venus d’ailleurs et l’écoute du public. La traduction participe ainsi à la recréation de l’œuvre théâtrale, tout en permettant d’explorer sa nature paradoxale, entre le dit et l’écrit. / The aim of this thesis is to provide a theoretical and aesthetic background for the translation of theatre, basing the analysis on a corpus of two-character scenes (love scenes, duels or witty dialogues), from the Elisabethan age to contemporary British authors. Following the method for translation analysis recommended by Antoine Berman, the thesis begins with a historical overview of translation theories which highlights the growing need to take into account the demands of each genre in terms of form as well as use. It is then necessary to define the language of theatre as acting matter—words which are efficient, resonant, and alive. This leads to a detailed analysis of their translation, from the expressivity of phonemes to the mechanics of a whole scene and to the relationship between the voices of foreign characters and the audience’s perception. Thus, translation becomes a way of participating in the recreation of a dramatic work of art, while providing a way to explore its paradoxical nature, halfway between the spoken word and the written word.

L'adolescence constitue une période de construction de soi pendant laquelle tant l'intériorité que le corps physique se transforment. Cette métamorphose change le rapport des jeunes aussi bien au monde, qu'au corps et qu'à la lecture. Leurs pratiques dans ce domaine sont très variées et sont souvent mises en concurrence avec d'autres activités. Certains sont en rupture avec le livre- perçu comme un objet contraignant- alors qu'il est très présent à l'école. Quel rapport l'élève entretient-il avec cet objet ? Quels sont ses pratiques et ses comportements de lecteur ? Inscrite dans une approche bibliologique (Otlet, Estivals) des phénomènes médiateurs et anthropologique des comportements (Lévi-Strauss, Monod) cette recherche à partir de la production de dessins que nous décrivons et analysons grâce aux langages documentaires -d'ordinaire utilisés par les professionnels de l'information-, opère un glissement du portrait du lecteur à la scène de lecture. Porteurs d'indices et de détails signifiants et croisés avec des entretiens, nous interprétons la matière informative recueillie à l'aide d'une grille d'observation et d'interprétation élaborée spécifiquement. Cet outil d'analyse de contenu, construit à partir d'un lexique spécifique lié à la pratique observée, permet de traduire le langage graphique en mots. Le dessin, comme méthode visuelle et sensible, révèle des pratiques, des postures, des attitudes, des comportements, des rituels de lecture et des ressentis. Ainsi, en montrant des sujets agissants et couplé à d'autres méthodes d'investigation, le dessin nous paraît apte à révéler une conscience de soi lecteur et à assurer la médiation entre ce dernier et le livre. / The teen years is a self-construction period : inner character and physical body are transformed. For the teenagers, this metamorphosis modifies their relationship to the world, their body and also their reading choises. In the field of reading, their practices are very different, frequently in competition with others activities. Some teenagers have broken away from the book sensed as a limiting object, despite its presence in the school environment. What kind of relationship exists between the pupils and this object ? What kind of practices and behaviours do they adopt as readers ? In keeping with the biblilogic approach (Otlet, Estivals) of the mediator and that of the anthropological phenomena of behaviours (Lévi-Strauss, Monod), the production of drawings described and analyzed through the indexing language - usually used by the information professionals - is the starting point of this research which undertakes a shift from the portrait of the reader to the reading scene. Whilst bringing significant clues and details alongside interviews, we analysed the collected informative material using an observation and interpretation table that we have specifically developed. This analysis tool constructed from specific lexicon linked with the observed practice is a way to translate the graphic language into words. The drawing, considered as a visual and sensitive method, reveals some practices, postures, attitudes, behaviours, reading rituals and perceptions. Finally, showing active subjects and with our approach supplemented by other investigation methods, drawings seems to be able to reveal a self-consciousness as reader and to act as mediator between the latter and the book.

Avec la révolution du numérique, l’usage de la vidéo a fortement évolué durant les dernières décennies, passant du cinéma à la télévision, puis au web, du récit fictionnel au documentaire et de l’éditorialisation à la création par l’utilisateur. Les médias sont les vecteurs pour échanger des informations, des connaissances, des « reportages » personnels, des émotions... L’enrichissement automatique des documents multimédias est toujours un sujet de recherche depuis l’avènement des médias. Dans ce contexte, nous proposons dans un premier temps une modélisation des différents concepts et acteurs mis en œuvre pour analyser automatiquement des documents multimédias afin de déployer dynamiquement des services interactifs en relation avec le contenu des médias. Nous définissons ainsi les concepts d’analyseur, de service interactif, de description d’un document multimédia et enfin les fonctions nécessaires pour faire interagir ceux-ci. Le modèle d’analyse obtenu se démarque de la littérature en proposant une architecture modulaire, ouverte et évolutive. Nous présentons ensuite l’implantation de ces concepts dans le cadre d’un prototype de démonstration. Ce prototype permet ainsi de mettre en avant les contributions avancées dans la description des modèles. Une implantation ainsi que des recommandations sont détaillées pour chacun des modèles. Afin de montrer les résultats d’implantation des solutions proposées sur la plateforme telles que les standards MPEG-7 pour la description, MPEG-4 BIFS pour les scènes interactives ou encore OSGI pour l’architecture générale, nous présentons différents exemples de services interactifs intégrés dans la plateforme. Ceux-ci permettent de vérifier les capacités d’adaptation aux besoins d’un ou plusieurs services interactifs. / The concept developed in this thesis is to propose an architecture model allowing automatic multimedia analysis and inserting pertinent interactive contents accordingly to multimedia content. Until nowadays, studies are mainly trying to provide tools and frameworks to generate a full description of the multimedia. It can be compared as trying to describe the world since the system must have huge description capabilities. Actually, it is not possible to represent the world through a tree of concepts and relationships due to time and computer limitations. Therefore, according to the amount of multimedia analyzers developed all over the world, this thesis proposes a platform able to host, combine and share existing multimedia analyzers. Furthermore, we only consider user’s requirements to select only required elements from multimedia platform to analyze the multimedia. In order to easily adapt the platform to the service requirements, we propose a modular architecture based on plug-in multimedia analyzers to generate the contextual description of the media. Besides, we provide an interactive scene generator to dynamically create related interactive scenes. We choose the MPEG-7 standard to implement the multimedia’s description and MPEG-4 BIFS standard to implement interactive scenes into multimedia. We also present experimental results on different kind of interactive services using video real time information extraction. The main implemented example of interactive services concerns an interactive mobile TV application related to parliament session. This application aims to provide additional information to users by inserting automatically interactive contents (complementary information, subject of the current session…) into original TV program. In addition, we demonstrate the capacity of the platform to adapt to multiple domain applications through a set of simple interactive services (goodies, games...).