Cette thèse a pour but d’identifier, dans la mise en scène européenne des années 1990-2000, les pratiques de la frontalité et d’en déterminer les enjeux en termes de mise en scène, de jeu et de présence de l’acteur et de réception du spectateur. L’analyse distingue trois modalités d’intervention de la frontalité, chaque fois remises dans leur perspective historique. La première est celle de l’interpellation, dans l’héritage du théâtre de foire ou d’intervention. La frontalité y est le support d’un acte de communication. Deuxièmement, la frontalité prend une dimension cérémonielle et devient le fondement de l’acte théâtral pour élaborer, cette fois, une relation indirecte avec les spectateurs. Dans sa troisième modalité, la frontalité dépasse le face-à-face entre acteurs et spectateurs, soit par le recours à l’image vidéo, créant un face-à-face médiatisé, soit par l’extension de la frontalité à l’ensemble de la scène. Finalement, l’usage de la frontalité témoigne d’une nouvelle économie de la représentation fondée sur un principe de réciprocité entre le geste du metteur en scène, l’engagement de l’acteur, la production scénique et l’individu spectateur. Au-delà du souci de conduire le spectateur à une activité critique ou à une participation fusionnelle, la frontalité invite à interroger sa position de retrait et sa passivité extérieure. / This thesis aims at identifying the practices of frontal acting in the European performances between the 1990’s and the 2000’s in order to define its challenges with regards to the staging, the acting, the actor’s presence on stage as well as in terms of spectator’s perception. Our analysis distinguishes three modes of frontal acting, by replacing each of them in its historical context. The first one is “interpellation” inherited from the Theatre performances at fairs and the Agit-Prop Theatre. In this case, frontal acting is considered as a medium for communication. The second mode, frontal acting takes a ceremonial dimension and becomes the basis of the theatrical moment in order to create, this time, an indirect relationship between actors and spectators. In its third mode, frontal acting exceeds the face-to-face between actors and spectators either thanks to the use of the video – creating media attention around the face-to-face – or thanks to the extension of frontal acting to the full stage. Finally, the use of frontal acting indicates the emergence of a new performance mode based on a reciprocity principle between the gesture of the director, the commitment of the actor, the performance and the spectator as an individual. Beyond the willingness to lead the spectator to a critical thought processor to a fusional participation, frontal acting invites to question his distant position and his external passivity.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Doctorat réalisé en cotutelle avec l'Université Paris Sorbonne. La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / La question centrale de cette recherche s’inscrit dans la foulée des problématiques autour de la patrimonialisation, de la performance et de la mise en scène des pratiques musicales. Elle vise plus précisément à comprendre comment et pourquoi les Judéo-espagnols de France, installés depuis le début du XXe siècle, utilisent les pratiques singulières des musiciens et chanteurs professionnels majoritairement externes à la communauté pour revendiquer leur patrimoine musical collectif et affirmer leur identité. La chercheuse replonge dans le passé afin de saisir comment le répertoire musical s’est construit et est devenu un objet quasiment exclusif au monde de l’art, alors qu’il reste associé aux répertoires dits « traditionnels ». En vue d’interroger la judéo-hispanité musicale et déterminer ce qui la caractérise au présent, une ethnographie multi-site auprès des artistes et de la communauté est proposée. Enfin, pour comprendre le sens des pratiques, différents espaces de performance sont examinés à partir de l’analyse des interactions entre les pôles de production et de réception, en cohérence avec le contexte général de la pratique et de l’ensemble des paramètres performanciels. La conclusion révèle notamment que la relation entre les artistes et la communauté génère un nouvel espace familial et intimiste et que chacun des espaces forme un système interrelationnel dont l’interaction permet de produire un équilibre qui consiste à faire vivre et à investir le patrimoine musical au présent. Par ce biais, c’est notamment la problématique des catégories musicales (musiques populaires, musiques traditionnelles, musiques de scène) reliées aux espaces de pratique qui est interrogée. / The central question of this research follows the problematic of patrimonialization (heritization), performance and mise en scene of musical practices. It aims, more precisely, to understand how and why Judeo-Spanish people settled in France since the early twentieth century, use individual practices of professional musicians and singers who are predominantly external to the community to reclaim their collective musical patrimony and affirm their identity. The researcher returns to the past in order to understand how this musical repertoire was constructed, and how it came to be almost exclusive to the art world, even though it is still associated to with the traditional music repertoire. Moreover, in order to question the Judeo-Spanish nature of the music and determine what presently characterizes it, a multi-site ethnography of the artists and the community is proposed. Finally, with a view to understanding the meaning of these practices today different spaces of performance are examined, especially the interaction between the poles of production and reception, in a general context, and through an examination of the parameters of its performance practice. One of the conclusions reveals that the constant relationship between the artist and the community generates a new kind of space for family and that each space constitutes an inter-relational system, thus constructing an interactive equilibrium, which keeps the musical patrimony alive. In this way, it is the problematic of musical categories (e.g. popular music, traditional music, staged music), related to spaces of practice, which is interrogated.

Ce mémoire de maîtrise s’intéresse à la scène musicale islandaise à travers le documentaire. La notion de scène désigne généralement un contexte spatial au sein duquel différents acteurs (musiciens, producteurs, promoteurs, amateurs de musique, etc.) partagent des intérêts à l’égard de la musique. Dans ce mémoire, elle est conceptualisée en combinant d’une part l’approche de Straw (1991) qui met l’accent sur l’aspect interactionnel et réticulaire de la scène et souligne le potentiel d’adaptation au changement de cet espace de sociabilité ; et d’autre part, celle de Bennett et Peterson (2004) qui insistent sur les différences d’échelles auxquelles se déploient les réseaux d’interactions que constituent les scènes locales, trans-locales et virtuelles. L’auteure y intègre aussi une réflexion géographique destinée à problématiser le caractère insulaire de l’Islande en tant qu’élément productif de la scène musicale qui s’y déploie. Pour ce faire, elle a recours aux propositions théoriques de Massey (2005) concernant l’espace comme construit à travers un ensemble hétérogène de trajectoires, des « stories-so-far » dont la co-présence et la simultanéité conférerait au lieu que serait, en l’occurrence, la scène islandaise, sa spécificité. Ce questionnement fait l’objet d’une exploration empirique à travers une série de documentaires s’intéressant, selon des modes différents (Nichols, 2001 ; 2010), à différents visages de la musique locale en Islande. Les représentations visuelles et auditives de l’Islande et de la musique islandaise que produisent ces documentaires constituent le discours qui fait l’objet de l’analyse. Inspirée de la perspective de Hall (1994 ; 1997), le discours est abordé en tant qu’unité significative socio-historiquement ancrée et composée d’énoncés. La démarche méthodologique adoptée consiste à examiner un corpus de documentaires pour en dégager les énoncés et, sur cette base, reconstituer les différentes trajectoires constitutives de la scène musicale islandaise ainsi mise en discours. L’analyse met en évidence cinq trajectoires (Monde ; Affinités ; Filiation ; Stéréotypie et authenticité ; Territorialité) ainsi que les différentes modalités de leur co-occurrence, points de rencontre ou de distanciation, à différentes échelles. Ce sont ces points de (non) rencontre qui constituent le lieu de la scène islandaise. / This Masters thesis examines the icelandic music scene as portrayed through documentaries. The notion of scene usually refers to a spatial entity in which different actors (musicians, producers, promoters, fans, etc) share their common interests in music. In this thesis, its conceptualization combines elements drawn from an approach developed by Straw (1991) wich focuses on ideas of interaction and network, and insists on how this space of sociability is formed through adaptation and change ; and from Bennett and Peterson’s (2004) approach which emphasize the difference in scales through which the networks of interactions characteristic of local, trans-local and virtual scenes are deployed. The author also addresses geographical questions as a means to further problematize the insular character of Island construed as one of the elements through which the music scene is produced. She does so by mobilizing Massey’s (2005) theory of space as a coming together of heterogeneous trajectories and "stories-so-far", and argues that it is the copresence and simultaneity of these trajectories that give the icelandic music scene its specificity. This line of investigation is pursued through the empirical exploration of a series of documentaries which address through different modes (Nichols, 2001 ; 2010) various facets of what they construe as local music in Iceland. The visual and aural representations that these documentaries put forth form the discourse that is the object of the analysis. Inspired by Hall (1994 ; 1997) discourse is considered as a meaningful and sociohistorically contingent unit composed of statements. The methodological process that guides the analysis consists in the critical examination of a corpus of documentaries with a view to identifying the statements that they articulate, and, on this basis, to reconstituting the different trajectories that constitute the icelandic music scene discursively produced therein. The analysis brings forth five trajectories (World ; Affinities ; Filiation ; Stereotyping et authenticity ; Territoriality) and discusses their various co-occurrences at different scales. It is these (non-) meeting points which are conceptualized as constituting the place of the icelandic music scene.

Les problématiques de sécurité, ainsi que le coût de moins en moins élevé des caméras numériques, amènent aujourd'hui à un développement rapide des systèmes de vidéosurveillance. Devant le nombre croissant de caméras et l'impossibilité de placer un opérateur humain devant chacune d'elles, il est nécessaire de mettre en oeuvre des outils d'analyse capables d'identifier des évènements spécifiques. Le travail présenté dans cette thèse s'inscrit dans le cadre d'une collaboration entre le Laboratoire Bordelais de Recherche en Informatique (LaBRI) et la société Adacis. L'objectif consiste à concevoir un système complet de vidéo-surveillance destiné à l'analyse automatique de scènes autoroutières et la détection d'incidents. Le système doit être autonome, le moins supervisé possible et doit fournir une détection en temps réel d'un évènement.Pour parvenir à cet objectif, l'approche utilisée se décompose en plusieurs étapes. Une étape d'analyse de bas-niveau, telle que l'estimation et la détection des régions en mouvement, une identification des caractéristiques d'un niveau sémantique plus élevé, telles que l'extraction des objets et la trajectoire des objets, et l'identification d'évènements ou de comportements particuliers, tel que le non respect des règles de sécurité. Les techniques employées s'appuient sur des modèles statistiques permettant de prendre en compte les incertitudes sur les mesures et observations (bruits d'acquisition, données manquantes, ...).Ainsi, la détection des régions en mouvement s'effectue au travers la modélisation de la couleur de l'arrière-plan. Le modèle statistique utilisé est un modèle de mélange de lois, permettant de caractériser la multi-modalité des valeurs prises par les pixels. L'estimation du flot optique, de la différence de gradient et la détection d'ombres et de reflets sont employées pour confirmer ou infirmer le résultat de la segmentation.L'étape de suivi repose sur un filtrage prédictif basé sur un modèle de mouvement à vitesse constante. Le cas particulier du filtrage de Kalman (filtrage tout gaussien) est employé, permettant de fournir une estimation a priori de la position des objets en se basant sur le modèle de mouvement prédéfini.L'étape d'analyse de comportement est constituée de deux approches : la première consiste à exploiter les informations obtenues dans les étapes précédentes de l'analyse. Autrement dit, il s'agit d'extraire et d'analyser chaque objet afin d'en étudier son comportement. La seconde étape consiste à détecter les évènements à travers une coupe du volume 2d+t de la vidéo. Les cartes spatio-temporelles obtenues sont utilisées pour estimer les statistiques du trafic, ainsi que pour détecter des évènements telles que l'arrêt des véhicules.Pour aider à la segmentation et au suivi des objets, un modèle de la structure de la scène et de ses caractéristiques est proposé. Ce modèle est construit à l'aide d'une étape d'apprentissage durant laquelle aucune intervention de l'utilisateur n'est requise. La construction du modèle s'effectue à travers l'analyse d'une séquence d'entraînement durant laquelle les contours de l'arrière-plan et les trajectoires typiques des véhicules sont estimés. Ces informations sont ensuite combinées pour fournit une estimation du point de fuite, les délimitations des voies de circulation et une approximation des lignes de profondeur dans l'image. En parallèle, un modèle statistique du sens de direction du trafic est proposé. La modélisation de données orientées nécessite l'utilisation de lois de distributions particulières, due à la nature périodique de la donnée. Un mélange de lois de type von-Mises est utilisée pour caractériser le sens de direction du trafic. / Automatic traffic monitoring plays an important role in traffic surveillance. Video cameras are relatively inexpensive surveillance tools, but necessitate robust, efficient and automated video analysis algorithms. The loss of information caused by the formation of images under perspective projection made the automatic task of detection and tracking vehicles a very challenging problem, but essential to extract a semantic interpretation of vehicles behaviors. The work proposed in this thesis comes from a collaboration between the LaBRI (Laboratoire Bordelais de Recherche en Informatique) and the company Adacis. The aim is to elaborate a complete video-surveillance system designed for automatic incident detection.To reach this objective, traffic scene analysis proceeds from low-level processing to high-level descriptions of the traffic, which can be in a wide variety of type: vehicles entering or exiting the scene, vehicles collisions, vehicles' speed that are too fast or too low, stopped vehicles or objects obstructing part of the road... A large number of road traffic monitoring systems are based on background subtraction techniques to segment the regions of interest of the image. Resulted regions are then tracked and trajectories are used to extract a semantic interpretation of the vehicles behaviors.The motion detection is based on a statistical model of background color. The model used is a mixture model of probabilistic laws, which allows to characterize multimodal distributions for each pixel. Estimation of optical flow, a gradient difference estimation and shadow and highlight detection are used to confirm or invalidate the segmentation results.The tracking process is based on a predictive filter using a motion model with constant velocity. A simple Kalman filter is employed, which allow to predict state of objets based on a \textit{a priori} information from the motion model.The behavior analysis step contains two approaches : the first one consists in exploiting information from low-level and mid-level analysis. Objects and their trajectories are analysed and used to extract abnormal behavior. The second approach consists in analysing a spatio-temporal slice in the 3D video volume. The extracted maps are used to estimate statistics about traffic and are used to detect abnormal behavior such as stopped vehicules or wrong way drivers.In order to help the segmentaion and the tracking processes, a structure model of the scene is proposed. This model is constructed using an unsupervised learning step. During this learning step, gradient information from the background image and typical trajectories of vehicles are estimated. The results are combined to estimate the vanishing point of the scene, the lanes boundaries and a rough depth estimation is performed. In parallel, a statistical model of the trafic flow direction is proposed. To deal with periodic data, a von-Mises mixture model is used to characterize the traffic flow direction.

Depuis les années mille neuf cent soixante-dix, l'autobiographie littéraire ne cesse de susciter un intérêt croissant et les travaux critiques à son sujet sont actuellement nombreux. Cependant, aucune étude théorique exhaustive sur l'autobiographie uniquement théâtrale n'existe à ce jour. Face à cet écart flagrant entre la pratique existante et la théorie manquante, il semble nécessaire d'apporter une contribution à la théorisation et à la classification de cette catégorie problématique. La présente thèse, dont le titre se réfère à l'ouvrage charnière de Philippe Lejeune Pour l'autobiographie, s'interroge dans un premier temps sur la crise des genres (autobiographique et théâtral) afin d'analyser l'histoire et la genèse de l'autobiographie dramatico-théâtrale à partir du Drame de la vie de Restif de la Bretonne. Cette recherche se doit cependant non seulement de défendre un genre déprisé, mais également de plaider pour son existence.Étant donné l'essor du théâtre autobiographique après la Seconde Guerre mondiale (dont l'Histoire générale ne cesse de contaminer l'histoire intime des autobiographes en question), ce travail porte sur l'insertion de l'autobiographie dans les drames et les spectacles européens de la seconde moitié du XXe siècle. Les exemples choisis mettent en lumière les créateurs investis entièrement dans la mise en espace de leur propre histoire : de l'écriture, en passant par la scénographie et la mise en scène, jusqu'au jeu et / ou présence scénique. Les critères de sélection des œuvres du corpus (six cas d'études principaux : Anouilh, Duras, Grumberg, Ionesco, Kantor, Różewicz) portent sur le rapport direct des écrivains dramatiques à la conception du spectacle vivant, et soulèvent par là la question de la création totale, de la transformation des genres, de l'(ir)représentabilité de l'autobiographie sur scène et de la (re)construction de soi et de son passé par le biais d'un spectacle théâtral. Le dialogue constant entre l'histoire personnelle de l'auteur (autobiographie mise en forme) et l'Histoire générale (mémoires subjectivisés) constituera donc le motif privilégié de cette étude.Cette étude a ainsi pour vocation d'apporter non seulement une contribution à la définition et à l'évolution du théâtre autobiographique, en démontrant les spécificités et les caractéristiques communes des œuvres théâtrales de soi, mais aussi – ou avant tout – d'identifier ce que le théâtre apporte au genre autobiographique et par quel(s) moyen(s) il permet de le renouveler. Le cheminement proposé permet d'observer la genèse et l'évolution du théâtre autobiographique dans lequel la matérialité de la scène occupe une place grandissante : l'histoire du genre dans la première partie, la réécriture d'une autobiographie en prose en une pièce dramatique (par Duras et Ionesco) mise en scène par un artiste associé et accompagné dans la seconde partie, la participation active de l'autobiographe à la mise en scène collective de sa pièce intime (Anouilh, Grumberg) dans la troisième partie, la déconstruction du texte dramatique préexistant cédant le premier rôle au plateau (Różewicz, Kantor, Podehl) dans la quatrième partie. C'est ainsi que le mélange de l'onirisme et de la plasticité (Mądzik, Znorko) constitue en quelque sorte l'aboutissement de cette forme d'expression de soi et permet de saisir au mieux l'essence-même du théâtre autobiographique qui ne doit plus raconter la vie de l'autobiographe, mais la recréer dans l'espace. / Since the Seventies of the twentieth century literary autobiography has been arousing deep interest among the researchers and a plethora of critical works have been written on the issue. Yet to this day there is no comprehensive resarch work on the subject. In consideration of a surprising discrepancy between the existing theatre practice and the missing theory, theorisation and classification of this problematic category seems indispensable. This doctoral thesis, the title of which refers to the work of Philippe Lejeune entitled « Pro the autobiography », sees the crisis of forms (the dramatic and theatre forms) and literary genres (the autobiographical genre) a reason for the genesis of dramatic-theatrical autobiography, the story of which will be followed starting with Restif de La Bretonne's « The life's play ».Taking into consideration the development of the autobiographical theatre after the Second World War (the general history of which influenced formation of the intimate history of the autobiographical authors subjected to analysis), the present thesis takes on the task of analysis of the relationship between autobiography and the European theatre of the second half of twentieth century. The selected works present the profiles of dramatic authors fully dedicated to staging the story of their lives : starting with the process of writing a play, through stage design and stage direction to acting or/and stage presence. The selection criteria regarding the analysed works (the six principal playwrights being Anouilh, Duras, Grumberg, Ionesco, Kantor, Różewicz) are based on the direct relationship between the dramatic writers and a theatre performance and take up the issues of total creation, form-genre metamorphosis of works situated on the border between (auto)biography, historical memoirs and diary as well as the possibility of staging the autobiography and reconstruction of one's self and one's past through the medium of a performance.The aim of this treatise is not only presentation of theorisation and periodisation of the autobiographical theatre through distinction of the specifics of each of the analysed works and pointing out the common features but also presenting the elements the theatre introduces to the autobiographical genre and the way it enables its renewal. The suggested way of subject presentation allows to follow the development of the autobiographical theatre where the stage materiality plays increasingly significant role : the first part is dedicated to the analysis of the genre history, while the second one – to the issue of transcribing and transforming the autobiographical prose into a stage play (based on the example of Duras and Ionesco) directed by a thrid party in presence of the author, the third one – to the issue of active participation of the author in the process of collective staging of his autobiographical work (based on the example of Anouilh and Grumberg), the fourth one – to the issue of deconstruction of a dramatic text giving way to the theatre stage (the theatre of Różewicz, Kantor, Podehl). Thus the symbiosis of onirism and graphicality (the visual theatre of Mądzik or Znorko) becomes in a way the crowning of this form of personal statement and allows to capture the essence of autobiographical theatre the aim of which is not telling life but its reconstruction in the space. / Since the Seventies of the twentieth century literary autobiography has been arousing deep interest among the researchers and a plethora of critical works have been written on the issue. Yet to this day there is no comprehensive resarch work on the subject. In consideration of a surprising discrepancy between the existing theatre practice and the missing theory, theorisation and classification of this problematic category seems indispensable. This doctoral thesis, the title of which refers to the work of Philippe Lejeune entitled « Pro the autobiography », sees the crisis of forms (the dramatic and theatre forms) and literary genres (the autobiographical genre) a reason for the genesis of dramatic-theatrical autobiography, the story of which will be followed starting with Restif de La Bretonne’s « The life’s play ».Taking into consideration the development of the autobiographical theatre after the Second World War (the general history of which influenced formation of the intimate history of the autobiographical authors subjected to analysis), the present thesis takes on the task of analysis of the relationship between autobiography and the European theatre of the second half of twentieth century. The selected works present the profiles of dramatic authors fully dedicated to staging the story of their lives : starting with the process of writing a play, through stage design and stage direction to acting or/and stage presence. The selection criteria regarding the analysed works (the six principal playwrights being Anouilh, Duras, Grumberg, Ionesco, Kantor, Różewicz) are based on the direct relationship between the dramatic writers and a theatre performance and take up the issues of total creation, form-genre metamorphosis of works situated on the border between (auto)biography, historical memoirs and diary as well as the possibility of staging the autobiography and reconstruction of one’s self and one’s past through the medium of a performance.The aim of this treatise is not only presentation of theorisation and periodisation of the autobiographical theatre through distinction of the specifics of each of the analysed works and pointing out the common features but also presenting the elements the theatre introduces to the autobiographical genre and the way it enables its renewal. The suggested way of subject presentation allows to follow the development of the autobiographical theatre where the stage materiality plays increasingly significant role : the first part is dedicated to the analysis of the genre history, while the second one – to the issue of transcribing and transforming the autobiographical prose into a stage play (based on the example of Duras and Ionesco) directed by a thrid party in presence of the author, the third one – to the issue of active participation of the author in the process of collective staging of his autobiographical work (based on the example of Anouilh and Grumberg), the fourth one – to the issue of deconstruction of a dramatic text giving way to the theatre stage (the theatre of Różewicz, Kantor, Podehl). Thus the symbiosis of onirism and graphicality (the visual theatre of Mądzik or Znorko) becomes in a way the crowning of this form of personal statement and allows to capture the essence of autobiographical theatre the aim of which is not telling life but its reconstruction in the space.

La question centrale de cette recherche s’inscrit dans la foulée des problématiques autour de la patrimonialisation, de la performance et de la mise en scène des pratiques musicales. Elle vise plus précisément à comprendre comment et pourquoi les Judéo-espagnols de France, installés depuis le début du XXe siècle, utilisent les pratiques singulières des musiciens et chanteurs professionnels majoritairement externes à la communauté pour revendiquer leur patrimoine musical collectif et affirmer leur identité. La chercheuse replonge dans le passé afin de saisir comment le répertoire musical s’est construit et est devenu un objet quasiment exclusif au monde de l’art, alors qu’il reste associé aux répertoires dits « traditionnels ».En vue d’interroger la judéo-hispanité musicale et déterminer ce qui la caractérise au présent, une ethnographie multi-site auprès des artistes et de la communauté est proposée. Enfin, pour comprendre le sens des pratiques, différents espaces de performance sont examinés à partir de l’analyse des interactions entre les pôles de production et de réception, en cohérence avec le contexte général de la pratique et de l’ensemble des paramètres performanciels. La conclusion révèle notamment que la relation entre les artistes et la communauté génère un nouvel espace familial intimiste et que chacun des espaces forme un système interrelationnel dont l’interaction permet de produire un équilibre qui consiste à faire vivre et à investir le patrimoine musical au présent. Par ce biais, c’est notamment la problématique des catégories musicales(musiques populaires, musiques traditionnelles, musiques de scène) reliées aux espaces de pratique qui est interrogée. / The central question of this research follows the problematic of patrimonialization (heritization),performance and mise en scene of musical practices. It aims, more precisely, to understand how and whyJudeo-Spanish people settled in France since the early twentieth century, use individual practices ofprofessional musicians and singers who are predominantly external to the community to reclaim theircollective musical patrimony and affirm their identity. The researcher returns to the past in order tounderstand how this musical repertoire was constructed, and how it came to be almost exclusive to the artworld, even though it is still associated to with the traditional music repertoire. Moreover, in order toquestion the Judeo-Spanish nature of the music and determine what presently characterizes it, a multi-siteethnography of the artists and the community is proposed. Finally, with a view to understanding themeaning of these practices today different spaces of performance are examined, especially the interactionbetween the poles of production and reception, in a general context, and through an examination of theparameters of its performance practice. One of the conclusions reveals that the constant relationshipbetween the artist and the community generates a new kind of space for family and that each spaceconstitutes an inter-relational system, thus constructing an interactive equilibrium, which keeps the musicalpatrimony alive. In this way, it is the problematic of musical categories (e.g. popular music, traditionalmusic, staged music), related to spaces of practice, which is interrogated.

Le rayonnement solaire est la variable la plus importante pour le calcul du bilan thermique du bâtiment. Son calcul requiert des relations géométriques pour la composante directe et un modèle de ciel pour distribuer le rayonnement diffus sur la voûte céleste. Des modèles développés pour des collecteurs solaires sont utilisés pour calculer le rayonnement solaire atteignant l'enveloppe du bâtiment. Des outils calculent le rayonnement en adaptant des modèles de ciel développés pour l'éclairage naturel. Bien que ces modèles de ciel, avec des genèses différents, servent à calculer le rayonnement solaire, il convient de préciser quel est le plus adapté pour travailler en milieu urbain.En nous appuyant sur une étude des données météorologiques, des modèles de ciel et des techniques numériques, on a mis en place un code susceptible de calculer le rayonnement direct (soleil) et diffus (ciel) et leur interaction avec la géométrie urbaine. La nouveauté réside dans l'évaluation du rayonnement solaire en utilisant un modèle de ciel isotrope et deux anisotropes. L’interaction entre ces modèles et la géométrie urbaine est mise en évidence avec une série d’exemples géométriques progressivement plus complexes. Des méthodes pour tuiler la voûte céleste sont présentées. Les différences entre le rayonnement calculé avec les modèles anisotropes (le modèle de source ponctuelle et le modèle tout temps de Perez) qui sont peu importantes dans une scène dégagée, deviennent significatives dans une scène urbaine. Des contributions ont également été apportées à la mise en place d’une station météorologique ainsi que des procédures pour l’analyse statistique des données et leur contrôle de qualité. / Solar irradiation is the most important parameter for building thermal simulation. Its calculation requires geometrical relationships for the direct radiation from the Sun and a sky model to distribute the radiance over the sky vault. Sky models developed for solar collectors are used to calculate the building’s solar irradiation availability. Some software calculates building’s irradiation by adapting sky models for lighting simulations. These models allow to compute solar irradiation, but the selection of the most suitable model for urban applications has not been defined clearly enough. We developed a code, based on the study of numerical methods, sky models and the necessary meteorological data. It calculates the solar irradiation availability in the urban context. The novelty lies in its capacity to evaluate the solar irradiation from the Sun and the sky by using three sky models: one isotropic and two anisotropic. The interaction between each sky model and the urban context is made clear in a series of progressively more complex geometric examples. Procedures to partition the sky vault are presented.Differences between the predicted irradiance by the anisotropic models (Perez punctual source and Perez All-Weather) are classified as small and large in unobstructed and obstructed scenes respectively. Contributions have also been made to set up a meteorological station. Statistical analyses as well as quality control procedures of meteorological data were also implemented.

L'un des plus grands défis posés par la communication est que l'information codée par l'émetteur est toujours modifiée avant d'atteindre le récepteur, et que celui-ci doit traiter cette information altérée afin de recouvrer le message. Ceci est particulièrement vrai pour la communication acoustique, où la transmission du son dans l'environnement est une source majeure de dégradation du signal, ce qui diminue l'intensité du signal relatif au bruit. La question de savoir comment les animaux transmettent l'information malgré ces conditions contraignantes a été l'objet de nombreuses études, portant soit sur l'émetteur soit sur le récepteur. Cependant, une recherche plus intégrée sur l'analyse de scènes auditives est nécessaire pour aborder cette tâche dans toute sa complexité. Le but de ma recherche était d'utiliser une approche transversale afin d'étudier comment les oiseaux s'adaptent aux contraintes de la communication à longue distance, en examinant le codage de l'information au niveau de l'émetteur, les dégradations du signal acoustiques dues à la propagation, et la discrimination de cette information dégradée par le récepteur, au niveau comportemental comme au niveau neuronal. J'ai basé mon travail sur l'idée de prendre en compte les problèmes réellement rencontrés par les animaux dans leur environnement naturel, et d'utiliser des stimuli reflétant la pertinence biologique des problèmes posés à ces animaux. J'ai choisi de me focaliser sur l'information d'identité individuelle contenue dans le cri de distance des diamants mandarins (Taeniopygia guttata) et d'examiner comment la signature vocale individuelle est codée, dégradée, puis discriminée et décodée, depuis l'émetteur jusqu'au récepteur. Cette étude montre que la signature individuelle des diamants mandarins est très résistante à la propagation, et que les paramètres acoustiques les plus individualisés varient selon la distance considérée. En testant des femelles dans les expériences de conditionnement opérant, j'ai pu montrer que celles-ci sont expertes pour discriminer entre les signature vocales dégradées de deux mâles, et qu'elles peuvent s'améliorer en s'entraînant. Enfin, j'ai montré que cette capacité de discrimination impressionnante existe aussi au niveau neuronal : nous avons montré l'existence d'une population de neurones pouvant discriminer des voix individuelles à différent degrés de dégradation, sans entrainement préalable. Ce niveau de traitement évolué, dans le cortex auditif primaire, ouvre la voie à de nouvelles recherches, à l'interface entre le traitement neuronal de l'information et le comportement / In communication systems, one of the biggest challenges is that the information encoded by the emitter is always modified before reaching the receiver, who has to process this altered information in order to recover the intended message. In acoustic communication particularly, the transmission of sound through the environment is a major source of signal degradation, caused by attenuation, absorption and reflections, all of which lead to decreases in the signal relative to the background noise. How animals deal with the need for exchanging information in spite of constraining conditions has been the subject of many studies either at the emitter or at the receiver's levels. However, a more integrated research about auditory scene analysis has seldom been used, and is needed to address the complexity of this process. The goal of my research was to use a transversal approach to study how birds adapt to the constraints of long distance communication by investigating the information coding at the emitter's level, the propagation-induced degradation of the acoustic signal, and the discrimination of this degraded information by the receiver at both the behavioral and neural levels. Taking into account the everyday issues faced by animals in their natural environment, and using stimuli and paradigms that reflected the behavioral relevance of these challenges, has been the cornerstone of my approach. Focusing on the information about individual identity in the distance calls of zebra finches Taeniopygia guttata, I investigated how the individual vocal signature is encoded, degraded, and finally discriminated, from the emitter to the receiver. This study shows that the individual signature of zebra finches is very resistant to propagation-induced degradation, and that the most individualized acoustic parameters vary depending on distance. Testing female birds in operant conditioning experiments, I showed that they are experts at discriminating between the degraded vocal signatures of two males, and that they can improve their ability substantially when they can train over increasing distances. Finally, I showed that this impressive discrimination ability also occurs at the neural level: we found a population of neurons in the avian auditory forebrain that discriminate individual voices with various degrees of propagation-induced degradation without prior familiarization or training. The finding of such a high-level auditory processing, in the primary auditory cortex, opens a new range of investigations, at the interface of neural processing and behavior

Cette thèse traite du cheminement d’une décentralisation théâtrale en Champagne-Ardenne et de ses répercussions hors région, par l’enquête micro-historique d’un modèle, celui de Reims : de la genèse par l’arrivée d’une troupe permanente nationale (1962), de la création de son Centre dramatique national (1979) et de son évolution jusqu’en 2002. Ce travail historique et esthétique balise un terrain peu exploré. Deux axes sont simultanément abordés : la chronologie de l’essor du centre dramatique et l’analyse de pièces significatives éclairant les approches esthétiques des metteurs en scène ayant joué un rôle essentiel sur la scène champardennaise. La première partie privilégie la troupe permanente, celle de la compagnie André Mairal qui fonde le Théâtre de Champagne-Comédie de Reims (1962-1970). Dans la deuxième partie, la réflexion se poursuit par l’étude de continuités et de ruptures depuis 1971, avec la nomination de Robert Hossein qui crée le Théâtre Populaire de Reims dans une des pionnières Maison de la culture (en 1969), puis de celle de Jean-Pierre Miquel qui institue le Centre dramatique national de Reims-Théâtre de la Comédie en 1979, dans une ancienne salle du collège des Jésuites. En troisième partie, nous explorons le développement du CDN et la transmission théâtrale, par les directions successives du CDN, d’abord par Jean-Claude Drouot (1984-1986), puis par Denis Guénoun (1986-1990) qui le renomme Le Grand Nuage de Magellan, enfin par Christian Schiaretti (1991-2002) qui inaugure la Comédie de Reims (1991) affirmant ainsi son ancrage dans l’objectif de la décentralisation. / This PhD deals with the process of theatrical decentralization in Champagne-Ardenne (now part of the Grand-Est region) and its national repercussions. Theatrical decentralization was a national program of the French ministère de la Culture aiming to provide various metropolitan cities – and their surroundings – with theatrical equipments, outstanding directors and actors of national, and international renown. The period covers the prefiguration of the Reims National Drama Centre (1960-1962) until 2002 and beyond. Hence, from the compagnie André Mairal leaving Paris for Reims and founding the Théâtre de Champagne-Comédie de Reims, and the subsequent evolutions under the leadership of the various following directors, Robert Hossein, renaming the institution Théâtre Populaire de Reims in 1971, located in one of the first maisons de la Culture (1969), then Jean-Pierre Miquel with the Théâtre de la Comédie (1979), and Jean-Claude Drouot (1984-1986), then Denis Guénoun (1986-1990), who named it Le Grand Nuage de Magellan and finally Christian Schiaretti (1991-2002) who gave its new and remaining name : La Comédie de Reims (1991). Although in many aspects specific, the Champagne-Ardenne experiment is still significative of the global endeavour of cultural decentralization which implied the implication of regional and local authorities in the process.