[EN] The present study aims to go in depth into the field where Architecture and Music converge, both of them understood as artistic disciplines, that is, from their creative capacity to express ideas or emotions with an aesthetic purpose. It is true that each of them develops in different ways. The static aspect of Architecture is more evident when we compare it with Music: according to Schopenhauer, Architecture is like frozen music. But these conspicuous differences do not prevent us from tracking into their multiple affinities. Along history, philosophers, poets, musicians and architects have said something about it. But approaching these "Music-Architecture" analogies from a generic point of view, without more precisions, becomes absolutely unattainable. Besides, there is a risk of starting digressing easily or even reaching conclusions based on mere opinions. This has been the reason to delimit enough the object of this study, so that it can be treated properly. On the one hand, it has been delimited to a historical period covering the first decades of the 20th century, an extraordinarily exciting moment for the arts, whose standard were the avant-garde pictorial movements. On the other hand, it has been located within a geographical area covering two Germanic metropolis that were important centres of cultural and artistic exchange at that time: Berlin and Vienna. In the same way, a representative of each discipline has been chosen as a referent for the comparative analysis of concrete works: the German architect Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) and the Viennese composer Anton Webern (1883-1945). It is important to clarify that the objective of this thesis is not a comprehensive study of the output of the aforementioned artists, which has already been widely treated by experts in a number of other publications since the mid-fifties and attending to the universal prestige of their production. What will be treated here is the way in which both repertoires offer parallelisms. The idea of abstraction, the intentional limitation of resources, chromatism, the equidistant evolution of their artistic careers, etc¿which are far from being simple coincidences. In short, the most interesting aspect is the transversality rather than the depth, the oblique line rather than the straight. What this study aims to demonstrate is how the philosophical and aesthetic currents of the moment, the scientific and technological advances, the cultural and artistic environment and the spirit of the time in the Germanic world constituted the breeding ground that promoted the convergence of compositional approaches, even from artistic disciplines that a priori seem so different. To reach these conclusions, there has been a rigorous analysis of the artists' output in order to unravel the concepts they share and have in common such as rhythm and harmony, ideas such as concentration and essentiality, methodologies such as dodecaphonism or the industrial order, postures such as liberty and perfectionism and scopes such as form and function¿ As a last resort, the purpose of this study is to enquire into the vision of Music from the architect's perspective and vice versa, that is, how Architecture is perceived in the eyes of a musician or a composer. / [ES] El estudio pretende ahondar en el terreno en que la Arquitectura y la Música confluyen entendidas como disciplinas artísticas, esto es, desde su capacidad creativa para expresar ideas o emociones con una finalidad estética. Es cierto que una y otra se desenvuelve en medios diferentes. El carácter estático de la Arquitectura resulta más evidente cuando se la compara con la Música: la arquitectura es una música congelada, decía Schopenhauer. Pero estas obvias diferencias no impiden rastrear entre las múltiples afinidades. A lo largo de la historia, filósofos, poetas, músicos y arquitectos se han pronunciado al respecto. Pero abordar las analogías músico-arquitectónicas de forma genérica, sin más precisiones, resulta absolutamente inalcanzable. Además, se corre el riesgo de caer con demasiada facilidad en divagaciones o incluso de llegar a conclusiones sustentadas en meras opiniones. Es por ello que se ha querido acotar el objeto de estudio lo suficiente como para poder tratarlo con la intensidad que se requiere. Por una parte, ciñéndolo a un período histórico que comprende las primeras décadas del siglo XX, momento extraordinariamente efervescente para las artes, abanderadas por las corrientes pictóricas de vanguardia. Por otra, localizándolo en un espectro geográfico en torno a dos metrópolis germánicas, importantes centros de intercambio artístico y cultural de la época: Berlín y Viena. Asimismo, se ha elegido un representante de cada disciplina como referente para el análisis comparativo de obras concretas: el arquitecto alemán Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) y el compositor vienés Anton Webern (1883-1945). Conviene aclarar que no es objetivo de esta tesis el estudio exhaustivo de la producción de los actores citados, ya de por sí ampliamente tratada por los expertos en innumerables publicaciones desde mediados de los cincuenta respondiendo al prestigio universal de su obra, sino en la medida en que ambos repertorios ofrecen paralelismos. La idea de abstracción, la voluntaria limitación de recursos, el cromatismo, la equidistante evolución de sus trayectorias creativas, etc... están lejos de ser simples coincidencias. En definitiva, interesa no tanto la profundidad sino la transversalidad, no la línea recta sino la oblicua. Lo que se pretende demostrar es cómo el sustrato filosófico y estético del momento, los avances científicos y tecnológicos, el ambiente cultural y artístico, en fin, el espíritu de la época en el mundo germánico, constituyen el caldo del cultivo que propicia la confluencia de planteamientos compositivos, aun desde disciplinas artísticas a priori tan diferentes. Para llegar a dichas conclusiones se han desentrañado a partir del riguroso análisis de sus obras aquellos conceptos compartidos, como el ritmo y la armonía, ideas como la concentración y la esencialidad, metodologías como el dodecafonismo o el orden industrial, posturas como la libertad y el perfeccionismo, enfoques como la forma y la función... En última instancia el estudio no se propone sino indagar acerca de la visión de la Música desde la perspectiva del arquitecto, y viceversa, cómo se percibe la Arquitectura a los ojos de un músico o de un compositor. / [CA] L'estudi pretén aprofundir en el terreny en què l'Arquitectura i la Música confluïxen enteses com a disciplines artístiques, és a dir, des de la seua capacitat creativa per a expressar idees o emocions amb una finalitat estètica. És cert que l'una i l'altra es desenvolupen en mitjans diferents. El caràcter estàtic de l'Arquitectura resulta més evident quan se la compara amb la Música: l'arquitectura és una música congelada, deia Schopenhauer. Però estes òbvies diferències no impedixen rastrejar entre les múltiples afinitats. Al llarg de la història, filòsofs, poetes, músics i arquitectes s'han pronunciat respecte d'això. Però abordar les analogies musico-arquitectòniques de forma genèrica, sense més precisions, resulta absolutament inabastable. A més, es corre el risc de caure amb massa facilitat en divagacions o inclús d'arribar a conclusions sustentades en meres opinions. És per això que s'ha volgut fitar l'objecte d'estudi prou com per a poder tractar-ho amb la intensitat que es requerix. D'una banda, cenyint-ho a un període històric que comprén les primeres dècades del segle XX, moment extraordinàriament efervescent per a les arts, liderades pels corrents pictòrics d'avantguarda. D'una altra, localitzant-ho en un espectre geogràfic entorn de dos metròpolis germàniques, importants centres d'intercanvi artístic i cultural de l'època: Berlín i Viena. Així mateix, s'ha triat un representant de cada disciplina com referent per a l'anàlisi comparativa d'obres concretes: l'arquitecte alemany Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) i el compositor vienés Anton Webern. Convé aclarir que no és objectiu d'aquesta tesi l'estudi exhaustiu de la producció dels actors esmentats, ja de per si àmpliament tractada pels experts en nombroses publicacions des de mitjans dels cinquanta responent al prestigi universal de la seua obra, sinó en la mesura que ambdós repertoris oferixen paral·lelismes. La idea d'abstracció, la voluntària limitació de recursos, el cromatisme, l'equidistant evolució de les seues trajectòries creatives, etc... estan lluny de ser simples coincidències. En definitiva, interessa no tant la profunditat sinó la transversalitat, no la línia recta sinó l'obliqua. El que es pretén demostrar és com el substrat filosòfic i estètic del moment, els avanços científics i tecnològics, l'ambient cultural i artístic, en fi, l'esperit de l'època en el món germànic, constituïxen el caldo del cultiu que propícia la confluència de plantejaments compositius, inclús des de disciplines artístiques a priori tan diferents. Per a arribar a estes conclusions s'han desentranyat a partir de la rigorosa anàlisi de les seues obres aquells conceptes compartits, com el ritme i l'harmonia, idees com la concentració i l'essencialitat, metodologies com el dodecafonisme o l'orde industrial, postures com la llibertat i el perfeccionisme, enfocaments com la forma i la función... En última instància l'estudi no pretén sinó indagar sobre la visió de la Música des de la perspectiva de l'arquitecte, i viceversa, com es percep l'Arquitectura als ulls d'un músic o d'un compositor. / Baró Zarzo, JL. (2015). Espacio, tiempo y silencio. Arquitectura y Música en la obra de Mies y Webern [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/59391

Les réflexions proposées dans cette thèse proviennent d’un dialogue entre les études théâtrales, l’histoire culturelle et des études relatives à l’imaginaire. La question principale qui se trouve abordée est la relation entre le théâtre et la période de la transition politique chilienne. Durant le premier gouvernement de la post-dictature (1990-1994), le théâtre chilien a connu un renouveau créatif sans précédent. Bon nombre de pièces de théâtre étaient représentées partout, et non pas seulement dans les salles de spectacles. Le théâtre avait une grande importance sociale et bénéficiait d’un large public ainsi que d’une importante couverture de presse. Il était un élément clé dans l’articulation de la société chilienne. Toutefois, les thèmes abordés étaient bien éloignés de la transition politique que connaissait alors le Chili. Il y avait un grand décalage entre ce dont parlait le théâtre et l’importance du processus politico-social vécu à l’époque, processus qui semblait être pourtant articulé dramatiquement. Le président Alywin et Pinochet étaient les protagonistes d’un drame qui engageait la société chilienne tout entière. Chaque action menée par le Président Alywin entraînait des actions de la part de Pinochet qui menaçaient le processus de transition. Si, par nature, un conflit dramatique cherche à se résoudre, dans le Chili des années 90 tous les personnages secondaires - les ministres, les députés, les assesseurs - devaient cependant éviter que le conflit dramatique n’explose. Sans résolution, le récit de la transition n’arrivait pas à se formuler. L’analyse approfondie de quatre spectacles emblématiques réalisés durant cette période - la recherche des sources dramaturgiques, la reconstruction du processus de création et une description détaillée du spectacle, analogue à ce que Geertz appelle une « description dense », permet de comprendre comment le théâtre chilien s’est installé dans le présent, dans un processus de construction de présence scénique, qui était aussi l’affirmation du droit d’être. Le théâtre chilien de la transition a inventé des formes collaboratives de création, il a construit des récits spectaculaires et, de manière inespérée, a réinventé la mise en scène. Le renouveau du théâtre chilien des années 90 s’explique ainsi dans sa relation avec la transition politique. / The ideas proposed in this thesis emerge from a dialogue threading theater studies, cultural history and research on the imagination. The main question addressed is the relationship between theater and the period of the political transition from dictatorship to democracy in Chile.During the first elected government post-dictatorship (1990-1994) Chilean theater experienced an unprecedented creative renewal. Numerous plays were presented in all kinds of locations, not just in theaters. It gained great social importance and enjoyed broad public support as well as mass press coverage, becoming a key element in the articulation of Chilean society.However, the themes explored had nothing to do with the political transition. There was a wide gap between what the theater was talking about and the importance of the political and social processes in development at the time. In fact it was the political process itself that seemed articulated dramatically. President Alywin and Pinochet were the protagonists of a drama that put Chilean society as a whole in danger. Every action taken by President Alywin entailed a reaction by Pinochet that threatened the process of transition.By nature a dramatic conflict needs to be resolved, however, during the '90s in Chile all the secondary characters - Ministers, Members of Parliament and Advisors – centered their mission on ensuring that the it did not explode. Due to the lack of a resolution, the narrative of the transition could not be formulated.An in-depth analysis of four iconic performances during this period through dramaturgical research sources, the reconstruction of the creative process and a detailed description of the shows similar to what Geertz called "thick description, elucidates how Chilean theater embedded itself in the present during the process of constructing a scenic presence, which also served as an affirmation of its right to be.The Chilean theater of the transition period invented collaborative forms of creation, built spectacular stories and, unexpectedly, reinvented the art of staging. The revival of Chilean theater in the 90s is thus explained by its relationship with the political transition.

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Erika Cintra Ribeiro.pdf: 280914 bytes, checksum: 08dcd2c2f5d331e87ddf12bdf84df5c7 (MD5) Previous issue date: 2010-05-26 / Secretaria da Educação do Estado de São Paulo / Our research is centered in A Hora da Estrela(1977), and investigates the language of silence in its relation with character Macabea, who is inscribed in the discourse of a narrator Rodrigo who is also the one responsible for the creation of the character and of the book, and who assumes author s duplicity with Clarice Lispector. In spite of the existing studies about this novel which follow this line of research, such as the ones by Homem (2001) and Lisbôa (2008), here we reflect about the silence from the point of view of what is said, not said, and implicit that is established in Macabea s discourse in her dialogical relation with characters Olímpico and Rodrigo (the narrator and author of the narrative). It is in this context that we come up with the manifestations of silence appearing in the expressions, reproving, punctuations, and paratexts, where the author s silence becomes visible. The theoretical fundaments of this research concentrate on silence built in the discourse level, either in the sense of inaugural language (Orlandi, 1995), or through the discourse clashes among author, narrator, and characters faced with the limits of expression (Bakhtin1998;1999;2000), or through the empty spaces in the interaction between the text and the reader (Iser). The analysis of the confrontations between the diverging points of view of the authors (Clarice Lispector and Rodrigo) and of their creatures (Macabea, Olímpico, Rodrigo) can spread light on the supposed autobiographical identity between the self who lives and the self who writes, due to the silence that operates in this subtle interval of mediation. The metafictional marks in this double-voiced writing Rodrigo/Clarice Lispector also indicate the frontiers between the book and the absence of the book, which is undone along the spaces of what can or cannot be said, projecting a unique reality made of textual silence. Not a mute silence, but one that is open to the possibilities of meaning something. This is a silence in a latent state, preceding word and, at the same time, in need of it to exist / Nosso estudo centrou-se sobre A Hora da Estrela (1977), tendo por objeto de investigação a linguagem do silêncio na sua relação com a personagem Macabéa, inscrita no discurso de um narrador Rodrigo - que é também responsável pela criação da personagem e do livro, assumindo a duplicidade autoral com Clarice Lispector. Não obstante haver na fortuna crítica dessa obra alguns estudos que caminham nessa direção, como os de Homem (2001) e Lisbôa (2008), aqui tratamos do silêncio a partir do dito, do calado e do subentendido que se estabelece no discurso de Macabéa na sua relação dialógica com a personagem Olímpico e com Rodrigo, narrador e autor do relato. É nesse âmbito que trouxemos à tona as manifestações do silêncio a partir das expressões, da censura, das pontuações e dos paratextos, nos quais fica visível o silêncio autoral. Os fundamentos teóricos da pesquisa se centraram no silêncio construído na instância discursiva, seja em termos do seu sentido de linguagem inaugural (Orlandi, 1995), seja por meio dos embates discursivos entre autor-narrador-personagens confrontados com os limites do dizer (Bakhtin, 1998; 1999; 2000), seja por meio dos lugares vazios na interação textoleitor (Iser, 1979). A análise dos confrontos entre pontos de vista divergentes dos criadores (Clarice Lispector e Rodrigo) e de suas criaturas (Macabéa, Olímpico, Rodrigo) pode evidenciar a pretensa identidade autobiográfica entre o eu que vive e o que escreve, graças ao silêncio que opera nesse intervalo de mediação sutil. Os lances metaficcionais dessa escritura, a dupla voz Rodrigo/Clarice Lispector - apontam também para a fronteira entre o livro e a ausência do livro, que se desmancha por entre os espaços do dizível e do indizível de modo a projetar uma realidade única feita do silêncio textual. Não um silêncio mudo, mas aberto às possibilidades do significar. Silêncio que se encontra latente, que antecede a palavra e, ao mesmo tempo, dela necessita para existir

Made available in DSpace on 2016-04-25T19:20:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Irani Alves Cordeiro Wullstein.pdf: 5475565 bytes, checksum: 5781323cb0e0159db9894bd51badb643 (MD5) Previous issue date: 2009-05-21 / This thesis focuses the Yoga since its coming from India to the West, with emphasis on the traditional vision that was incorporated by the great masters. It analyses how Yoga has been received in the postmodern society showing matters of wide circulation newspapers and magazines in Brazil. The introductory chapters prepare the scenery for the main focus of the thesis, which aims to recover a remarkable Yogi and Master, Bohdan Wijtenko. During many years, Master Bohdan has been teaching at many universities abroad and in Brazil and has formed a large number of disciples in our society. Although he did not leave books nor articles in scientific newspapers and magazines, many manuscripts and recorded conferences remain unpublished and the thesis tries to recover them, at least partially, in order to show his work as a great scholar of Hinduism and Yoga, and his constant care in teaching meditation and silence as the essence of this millenary practice. In a special way, it shows his pioneer work to deepen the scientific aspects of Yoga, by going trough the meander of the neurosciences / A tese focaliza o Yoga a partir da sua vinda da Índia para o Ocidente, com ênfase na visão tradicional incorporada por grandes mestres. Analisa a recepção do Yoga na sociedade pós-moderna, mediante matérias de jornais e revistas de grande circulação no Brasil. Com estes capítulos introdutórios, prepara o cenário para o foco principal do trabalho, que é recuperar uma notável figura de Yogue e Mestre, Bohdan Wijtenko. Durante vários anos, Mestre Bohdan ensinou em cátedras no exterior e no Brasil e formou um grande número de discípulos em nossa sociedade. Embora não tenha deixado livros nem artigos em jornais e revistas científicas, ficaram inéditos inúmeros manuscritos e conferências gravadas, que a tese busca recuperar, pelo menos em parte, para apresentar o seu trabalho de grande especialista em Hinduismo e Yoga e sua constante preocupação em ensinar a meditação e o silêncio como a essência dessa prática milenar. Em especial, a tese mostra o seu pioneirismo em aprofundar os aspectos científicos do Yoga, enveredando pelos meandros da neurociência

El presente trabajo de investigación tiene como objetivo describir el diseño de sonido minimalista y analizar en qué medida intensifica la narración en las películas Caché (2005), Das weiße Band (2009) y Amour (2012) al crear atmósferas de misterio y suspenso. La investigación es cualitativa interpretativa ya que se centra principalmente en la observación, descripción y análisis de productos ya realizados, y de los cuales se busca explicar cómo es que funciona el diseño de sonido minimalista de Michael Haneke en sus tres películas. La unidad de análisis es el diseño de sonido minimalista de Michael Haneke en sus tres películas, en especial en Caché (2005), Das weiße Band (2009) y Amour (2012). El instrumento para la recolección de datos en esta investigación es el análisis de contenido ya que permite una mejor exploración, descripción, análisis y entendimiento. Con esta investigación se busca mostrar una de las opciones en la que el diseño de sonido aporta a la narración audiovisual, en este caso al ser minimalista. / Tesis

La tesis se centra en el análisis de la figura de Chopin en la novela Silencio de Blanca de José Carlos Somoza. La novela tiene dos relatos: uno principal y el otro secundario; además, en la novela se encuentran numerosas anotaciones sobre los Nocturnos de Chopin. En el primer relato la narración se centra en la relación que entabla Héctor con Blanca, y, luego, las relaciones que surgen entre el protagonista y otras dos mujeres: Verónica y Elisa. El segundo relato, en cambio, narra la estadía de Chopin y George Sand en Mallorca. La pregunta que motiva la tesis es cuál es la función de este segundo relato que en una primera lectura podría parecer una digresión. A partir del análisis se propone que este segundo relato, aparentemente secundario, es fundamental en la novela porque en este se explica tanto la estructura de la novela como las motivaciones del protagonista (forma y fondo). Además, este relato no está aislado sino que, a través de los Nocturnos de Chopin, se manifiesta en el primero. Por ello, se propone como objetivo analizar la figura de Chopin en ambos relatos y conectar ambos a partir de las diversas anotaciones sobre los Nocturnos que se encuentran presentes en el primer relato. Para llevar a cabo el análisis se ha aplicado, principalmente, las concepciones sobre lo sagrado y lo profano de Mircea Eliade, el triángulo mimético de René Girard, concepciones sobre estética musical realizadas por Enrico Fubini, concepciones acerca del Romanticismo de Albert Béguin y las ideas acerca de la interpretación propuestas por Proust en su ensayo Contra Sainte-Beuve y Borges en su cuento Pierre Menard. El análisis de la novela se divide, entonces, en dos partes: por un lado, el análisis del primer relato; por otro lado, el análisis del segundo relato. La primera parte del análisis se centra en la estructura de la novela. Se propone que la estructura es circular debido a cómo se ordenan los capítulos como si estos fueran una serie de rituales. Por ello, el final no es propiamente un final, sino la repetición de las acciones narradas en la novela. Si bien esto hace referencia a la estructura general de la novela, la visión ritual se extiende al comportamiento del protagonista, quien estructura su existencia a partir de una división entre lo ritual y lo profano. Esta división se produce debido a su división entre código lingüístico y música. El lenguaje no es confiable, no permite la comunicación; en cambio, la música, si bien no tiene como objetivo comunicar (de acuerdo con Héctor), tiene un objetivo más importante: permite alcanzar el placer, trascender esta realidad para sumirse en otra. El héroe de Héctor es Chopin y es él quien a través de sus Nocturnos le muestra la existencia de esta otra realidad. Héctor imita, entonces, a Chopin, pero no solo a través de la ejecución de los Nocturnos, sino que el estudio de estos le permite encontrar una nueva sensibilidad, un modo similar de acceso a esta otra realidad: el erotismo. Pero el erotismo, si bien rito de la sexualidad, recibe un tratamiento diferente en esta novela. La amada de Héctor es la amada ideal: no habla y obedece. Además, los rituales eróticos que ellos mantienen están regidos por dos leyes: el silencio y la no consumación erótica. Héctor postula que la forma ideal de alcanzar el placer no reside en la consumación, momento en el que solo se trata de sexualidad, sino que el arte reside en aislar lo que verdaderamente vale la pena de la relación: el instante erótico, aquel separado de la sexualidad y del amor. Pero esta relación perfecta entra en crisis cuando Héctor se percata de su separación con lo cotidiano, aquello que considera profano y alejado de lo artístico; por ello, intenta entablar vínculos con este espacio. Esto lo intenta a partir de la relación con dos mujeres: Elisa y Verónica. Sin embargo, su visión ritual le impide concretar algún vínculo con ellas: por un lado, corrompe a Elisa, iniciándola en los rituales; por otro lado, intenta mantener una relación con Verónica, pero las leyes rituales impiden el vínculo entre ambos. Tanto Verónica como Elisa son mujeres reales: ambas hablan y ambas exigen la consumación erótica. Al final de la novela se produce una crisis cuando Héctor intente conciliar ambos espacios: lleva a Verónica a contemplar uno de los rituales con Blanca. El ritual se desestabiliza y revela el secreto de este: Blanca no existe, es un disfraz que cubre el cuerpo de Lázaro, el hermanastro menor de Héctor. Por otro lado, el análisis del segundo relato de la novela parte de la premisa de que, si bien es un aparente relato biográfico sobre Chopin, en realidad es un relato que busca responder los misterios detrás de la creación musical del compositor; además, el relato se divide en dos partes. La primera parte está narrada por Héctor, quien empleando la segunda persona justifica la división ritual y profana, y privilegia la primera como espacio de lo artístico por excelencia. La segunda parte está narrada en primera persona: Héctor asume la identidad de Chopin y aprovecha esta máscara para confesarse. Así, el aparente relato sincero sobre la perfección de la vida ritual (el primer relato) adquiere otros matices en los que se revela el miedo del protagonista frente a la vida que ha optado por elegir y, sobre todo, la pertinencia del arte en la sociedad. Héctor concluye que la música puede ser compartida por otros, pero que sus misterios permanecerán ocultos para el público. Sin embargo, pese a esta sentencia, invita a Verónica al ritual a presenciar los misterios de su vida, que se ha convertido en arte, pero Verónica rechaza lo que ve, ya que no se trata de arte, sino de la corrupción del otro. Las conclusiones a las que se ha llegado luego del análisis son básicamente las siguientes: la estructura formal de la novela depende de la relación que entabla Héctor con Chopin, ya que a partir de la figura del compositor se trazan los límites entre vida ritual y vida profana. Esta división de espacio depende también de las diferencias que Héctor establece entre música y lenguaje, si bien señala que la música es el medio adecuado para la trascendencia, él no compone música, sino que escribe para comunicar sus experiencias rituales. Así, poco a poco va utilizando el código lingüístico para manifestar sus temores respecto a la vida ritual; sin embargo, al final se retoma el silencio y la predominancia de la música sobre el lenguaje. Esta división entre música y lenguaje es la misma que se establece entre Blanca y Verónica y Elisa. La primera se constituye en la representante por excelencia de lo sagrado, mientras que las dos primeras son las representantes de lo profano. Si bien Héctor intenta encontrar un punto medio que reconcilie ambos espacios, tiene que optar por alguno de ellos cuando se produce la crisis ritual. Su decisión final involucra también la visión de arte por la que opta: los misterios del arte deben permanecer ocultos al público. Si bien esto es aplicable para el arte en general, se debe recordar que el arte que crea Héctor se basa en la corrupción del otro. / Tesis

En el artículo, la autora analiza lo ocurrido en estos diez años con respecto a temas como los principios del procedimiento administrativo, la simplificación administrativa, los procedimientos sancionadores, el contro ldifuso en sede administrativa y el silencio administrativo.

[pt] A presente dissertação intitulada: O silêncio em Jesus de Nazaré: redescobrindo o Deus silencioso para o discipulado hoje foi desenvolvida com o objetivo de descobrir o significado do silêncio na vida de Jesus, para então redescobrir uma nova imagem de Deus, a partir do silêncio, à ser aplicada na dinâmica do discipulado hoje. A luz do referencial bibliográfico levantado percebeu-se que as igrejas precisam retornar a prática do silêncio nas suas mais variadas formas de vivê-lo para redescobrir o Deus silencioso de Jesus, porque Jesus pediu silêncio, respondeu com silêncio e ouviu a resposta silenciosa de Deus em sua vida, ensinando que assim deve ser na vida do seu discípulo. / [en] This dissertation, titled: The Silence in Jesus of Nazareth: rediscovering the silent God for discipleship today was developed aiming to understand the meaning of silence in Jesus life, so one can discover a new image of God, based on silence, one that can be applied in the dynamics of discipleship today. Reviewing the bibliographic references one can realize that Christian Churches need to return to the practice of silence in all different forms of living it therefore rediscovering the silent God of Jesus, and why Jesus asked for silence, answered with silence and listened to the muted response of God in his life, demonstrating that this must be the way in his disciple s life.

1 Abstract The main aim of this thesis is to analyse and compare in various aspects two literary works Tiempo de silencio by Luis Martín-Santos and El árbol de la ciencia by Pío Baroja. The work focuses on the social decadence of the society, mainly in the field of science and its insufficiency. In spite of the fifty year, the works of art are linked with similar problems in the area of science. These works of art have many similarities, such as the autobiographical style, the lack of science in the time period and the tragic destiny of the main characters. Baroja, with The Generation 98, considered the topic of science to be very important and due to the underdeveloped state of science in Spain in comparison to the rest of Europe, Spain had to face to the strong criticism. Martín-Santos also shared these views on science and even though he criticised Baroja for his political views, there was still a considerably influence in his first book. Key words: Tiempo de silencio, El árbol de la ciencia, Generation of, 98, science, social decadence

[pt] O presente trabalho analisa o silêncio, como um importante componente do discurso, em situações comunicativas do português brasileiro, bem como o modo como os brasileiros em geral lidam com o silêncio como resposta em interações dialógicas. Na cultura brasileira, classificada como multiativa (Lewis, 2006), ou seja, extremamente coletivista e prolixa, tende-se a evitar ficar em silêncio, o que poderia ser constrangedor para o falante e para o interlocutor. Por outro lado, para algumas outras culturas, como as asiáticas em geral, a quietude é valorizada socialmente, entendida como sinal de respeito e polidez e, portanto, é sentida como confortável. Diante desse fato, portanto, em uma interação intercultural, a probabilidade de haver choques e desentendimentos é grande: enquanto um permanece silente pensando estar sendo polido, o outro pode entender essa atitude como desinteressada e impolida. Tendo por base o Interculturalismo e a Pragmática, com estudos interculturalistas de Lewis (2006), as categorias de valor do silêncio deTannen (1985) e o conceito de face de Goffman (1967), analisam-se, então, situações de silêncio em interações. Para tanto, foram utilizados como corpus diálogos dos longa-metragens brasileiros Que horas ela volta? (2015) e Como nossos pais (2017), em que há silêncio como resposta. A partir dos dados, foram classificadas situações em que o silêncio poderia ter valor positivo, negativo ou ambíguo. Sendo assim, essa pesquisa oferece subsídios para professores de Português como Segunda Língua para Estrangeiros (PL2E) entenderem melhor o valor do silêncio em interações no português do Brasil, a fim de minimizar mal-entendidos quando os aprendizes dessa língua entram em contato com falantes nativos. / [en] The present work analyzes silence as an important component of the discourse, in communicative situations of Brazilian Portuguese, as well as the way that Brazilians in general deal with silence as a response in dialogical interactions. In Brazilian culture, classified as multi-active (Lewis, 2006), that is, extremely verbose and collectivist, people tend to avoid being silent, as this could be embarrassing, for the speaker and for the other. In contrast, for some other cultures, such as Asian, quietness is more comfortable, and even socially valued, as a sign of respect and politeness. Given this fact, therefore, in an intercultural interaction, it is possible to occur cultural shocks and misunderstandings: while one remains silent thinking he is being polite, the other can understand this attitude as impolite and disinterested. Therefore, it is intended, with the research, to offer subsidies for teachers of Portuguese as a Second Language for Foreigners (PL2E) regarding silence in interactions, in order to minimize misunderstandings when language learners come into contact with native speakers . The study is based on Interculturalism and Pragmatics, with intercultural studies by Lewis (2006), Tannen s (1985) categories of silence value and Goffman s (1967) concept of face. For this purpose, dialogues from The second mother (2015) and Just like our parents (2017) – both brazilian movies – were used as corpus. From the data, the situations were classified in which silence could have a positive, negative or ambiguous value.