Cette étude traite du rôle de la télévision satellitaire dans l'éducation culturelle comme espace de l'éducation informelle en Syrie. Notre analyse a porté sur les contenus culturels diffusés pendant une semaine sur quatre chaînes des plus regardées (Al-jazeera, Al-manar, LBC, et la chaîne satellitaire de la Télévision Arabe Syrienne) par le téléspectateur syrien. La méthodologie adoptée est celle de l'analyse de contenu permettant, en prenant en compte le contexte culturel et politico-médiatique syrien, de cerner l'orientation éditoriale et la politique de chaque chaîne en matière de l'éducation culturelle. L'analyse d'un ensemble d'émissions télévisuelles éducatives-culturelles classées en deux catégories : directe et semi-directe, a permis de distinguer et de comparer quatre cultures différentes présentant en majorité des dimensions religieuse, politique, patriotique et sociale. Ce travail consacré à l'analyse des contenus culturels véhiculés par la télévision satellitaire regardée en Syrie, pourrait à ce jour refléter l'éducation culturelle telle qu'elle est relatée dans une sphère médiatique arabe en pleine mutation où plusieurs cultures se concurrencent et tentent de s'imposer.

Les flux de télévision sont structurés : ils sont en effet composés de programmes successifs (journaux, films, magazines, etc.) et entrecoupés par des inter-programmes (publicités, bandes annonces, parrainages, etc.). Dès que les flux sont diffusés sur les ondes, ils perdent malheureusement toute information de structure. La problématique de la délinéarisation automatique est de retrouver la structure des flux TV, avec en particulier le début précis et la fin précise de chaque programme, à partir des signaux audiovisuels reçus et des métadonnées éventuellement fournies par les chaînes TV. Cette thèse présente un système complet de délinéarisation automatique rigoureusement évalué sur quatre semaines de flux TV réels, pour deux chaînes de télévision différentes. Les travaux se basent sur la propriété de répétition des inter-programmes. Cette propriété est exploitée à travers la détection de toutes les répétitions d'un flux grâce à une technique de clustering des images clés du flux. Ces répétitions servent à la création de segments qui sont ensuite classés en segments de programme ou en segments d'inter-programme suivant les caractéristiques des répétitions et les relations entre les segments. Pour cela, le système utilise la programmation logique inductive. Une fois les segments classés, les segments de programme appartenant à un même programme sont étiquetés et réunifiés grâce aux métadonnées éventuelles. En l'absence de métadonnées, les segments de programme d'un même programme peuvent être seulement réunifiés grâce à des similarités visuelles.

À l'heure actuelle, les occasions de « rencontrer » des hommes du passé (ou du moins leurs représentants) se multiplient : l'exposition d'archéologie ne présente plus seulement des objets, mais fait découvrir au visiteur le mode de vie des anciens habitants d'un lieu ; les reconstitutions historiques font « revivre » des hommes du passé et mettent en scène courses de chars, artisanat et autres gestes « ancestraux » devant les yeux du public ; et enfin, les guides de monuments historiques prennent les traits de personnages-types, favorisant l'immersion et l'attachement au lieu. De la même manière, les émissions de télévision sur l'archéologie semblent de plus en plus effacer le scientifique et les vestiges du dispositif ; proposant ainsi une relation plus directe au passé et à l'homme du passé (c'est le cas par exemple de docufictions comme Homo Sapiens de Jacques Malaterre). Cette recherche questionne ainsi la relation au passé, proposée par les émissions de télévision sur l'archéologie. Comment ces films peuvent-ils créer une relation à la fois scientifique et symbolique au passé et à « l'autre » ? Quels sont les effets de cette nouvelle forme de médiation qui feint de s'effacer ? À l'inverse, quels sont les effets de l'affirmation du dispositif de médiation (dans les documentaires et les reportages) ? Pour répondre à ces questions, nous avons adopté une démarche « feuilletée », en « entonnoir ». Un corpus de référence réunit d'abord toutes les émissions sur l'archéologie, diffusées entre 1995 et 2008, sur la télévision hertzienne française. Son analyse statistique permet de dégager des tendances générales quant à la représentation de l'archéologie à la télévision. Ensuite, l'analyse sémiopragmatique d'un corpus test de 13 émissions sur Pompéi, mène à la constitution d'un modèle d'analyse de la médiation du passé et d'un outil permettant la systématisation du recueil de données sur un grand nombre d'émissions. Enfin, un troisième corpus de 51 émissions permet la vérification de ce modèle et aboutit à l'identification de quatre types de construction de la relation au passé. L'apport de l'étude est triple : 1) elle génère des connaissances sur l'objet de recherche lui-même, c'est-à-dire sur les représentations les plus courantes de l'archéologie à la télévision ; 2) elle propose une méthodologie et un modèle d'analyse de la médiation fondés sur des outils issus de la sémiopragmatique ; 3) enfin, d'un point de vue théorique, la recherche permet d'envisager la médiation, non comme un lien sociétal ou un « entre-deux », mais comme une stratégie de modulation de la distance, possible notamment grâce à l'intervention de « figures » de médiation. Ces figures sont des éléments référentiels qui cristallisent des représentations sociales et qui ont des rôles à jouer dans l'énonciation et la narrativité de l'émission

Ce travail s'inscrit dans la tradition qualitative d'analyse critique de médias et d'études des audiences et présente les résultats d'une investigation sur les pratiques et les processus de réception que font des adolescents nicaraguayens (15-17 ans) d'un programme télévisé faisant la promotion de leurs droits de vivre sans violence et sans discrimination et leur droit de prendre part aux décisions qui les concernent, notamment en matière de violence sexuelle. Cette investigation s'inspire des études de réception en Amérique latine et plus particulièrement du modèle des multimédiations, développé par le pédagogue mexicain Guillermo Orozco. S'appuyant sur des propos recueillis en groupes focaux et en entrevues individuelles, cette étude explore comment les identités de rôles génériques et les positionnements identitaires conditionnent les interprétations et les appropriations que font des adolescents -dont la moitié sont membres d'organismes d'éducation populaire -de Sexto Sentido, qui se veut une «contre-offensive idéologique» au «discours dominant» en matière de droits sexuels et reproductifs des jeunes. Les jeunes filles interrogées ont paru s'identifier davantage aux personnages et aux comportements de la série que les garçons. Elles reconnaissent et questionnent dans une plus grande proportion les situations de contrôle interpersonnel entre hommes et femmes et estiment avoir le droit de sortir seules le soir, le droit de ne pas se faire harceler, le droit de s'exprimer publiquement, le droit de décider sur leur corps, leur vie. Quant aux garçons, en s'identifiant à certains comportements masculins pourtant questionnés par les producteurs, plusieurs n'ont pas réussi à percevoir l'intentionnalité de questionner la connexion existant entre ces comportements et les significations symboliques assignées culturellement à ces comportements dans la société nicaraguayenne. Cette étude conclut en soulignant l'importance du rôle joué par d'autres médiations, telles que le fait d'être organisé ou l'impact de certains contextes sociaux (corruption, insécurité citoyenne, discrimination des pairs) dans les processus de réception télévisée. La peur d'être discriminés et la perception négative qu'ils ont d'eux-mêmes, de l'attitude des policiers et des conditions de vie semblent êtres des facteurs de résistance qui empêchent plusieurs jeunes de concevoir la possibilité d'un «changement social» et par conséquent, de se percevoir comme des acteurs sociaux capables d'influer sur leurs environnements. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Télévision, Réception, Médiation, Représentations identitaires, Adolescents, Droits sexuels et reproductifs.

Cette analyse dresse le portrait des différentes représentations de la télévision à travers le cinéma américain de 1970 à 1999. Ce travail porte sur un corpus de quatorze films et s’intéresse à quatre dimensions de la télévision : l’appareil électrique, le téléspectateur, le contenu et l’univers professionnel. Les hypothèses soulevées sont que la télévision est majoritairement présentée de façon négative, que les représentations s’inscrivent dans un contexte culturel précis et qu’il y a un consensus entre les écrits universitaires et les cinéastes au sujet de l’écran cathodique. Bien que certaines critiques soient récurrentes d’une décennie à l’autre, il y a une évolution des représentations. Dans les années 1970, la télévision est un objet de risée. Son contenu est caricaturé et les professionnels qui travaillent pour la télévision sont personnifiés comme des êtres incompétents. Dans les années 1980, le petit écran est montré comme un objet dangereux. Sa très grande popularité en ferait un puissant diffuseur idéologique qui transforme tout en spectacle même la mort. Cette même popularité servira de prétexte aux cinéastes des années 1990 pour utiliser la télévision comme symbole de l’Amérique. Le portrait est peu flatteur : une Amérique corrompue, violente et en manque d’idéaux. Cette analyse montre également qu’au fil des décennies, les mêmes idées circulent entre cinéastes et penseurs américains. Enfin, cette attitude par rapport à la télévision est d’ailleurs symptomatique d’un mépris de l’élite intellectuel envers l’art populaire. / This analysis examines the multiple representations of the television in the American movie from 1970 to 1999. Four angles have been studied: the television set, the TV viewer, his content and the work environment. The hypothesis are theses: all the representations are negative, these representations are placed in a particular social context and there is a consensus between intellectuals and cineastes about the cathodic screen. Even if there are similarities between each decade, there is an evolution of the television representation. In the seventies, the cineastes laugh about the television. They show that the content is ridiculous and the TV workers are incompetent. In the eighties, the television is show like a dangerous object. His great popularity allows the owners to use the television as an ideological device. This popularity is used in the nineties like a pretext for the cineaste to talk about the United States over the television. The America’s portrait is negative: a violent and corrupted country. This analysis also shows that during these years, the same conclusions go through literature and cinema. Finally, this attitude toward television is symptomatic of an intellectual elite forward the popular art.

Cette thèse présente une analyse sociohistorique des identités de genre proposées par les séries animées télévisées françaises. Une analyse de la programmation ainsi que des phénomènes d'adaptation et de reprise permet de mettre en évidence un jeu de tension entre conformisme et innovation, mais aussi d'éventuels effets de retour en arrière. Nous verrons que ces programmes ont souvent relayé une construction différentialiste du genre, caractérisée par la subalternité du féminin et son assignation à des fonctions d'assistance et de soin. Néanmoins, en accompagnant les transformations de notre société, certaines séries animées ont pu remettre en cause les normes de genre et les oppositions classiques.En plus de l'analyse d'un corpus audiovisuel de 56 séries animées françaises (1957-2014), un terrain ethnographique et 11 entretiens approfondis ont été réalisés auprès de l'association Les Femmes s'Animent et de professionnel·le·s de l'animation en 2015-2016. Ce nouveau volet de la recherche interroge la façon dont les différents acteurs (scénaristes, producteurs, animateurs, diffuseurs etc.) qui interviennent dans la chaîne de fabrication d'un dessin animé pour la télévision choisissent ou non de défendre des représentations plus équitables des genres, en relation avec les contraintes organisationnelles et économiques propres à l'animation audiovisuelle française, ainsi que les normativités relatives à l’impératif de protection des jeunes publics. / This thesis proposes a sociohistorical analysis of gender representations in French animated television series. In analysing the programming strategy of television networks and the adaptation and rerun phenomena, the research reveals a structural tension between standardisation and innovation, as well as backlash effects. Indeed, these programs have generally conveyed a binary and essentialist conception of gender, minimizing female characters and confining them to secondary and caretaking roles. Nonetheless, following contemporary social changes, some productions have begun to challenge gender norms. 56 programs broadcast between 1957 and 2014 have been selected for this qualitative analysis. In 2015-2016, 11 comprehensive interviews were conducted with professionals as well as a fieldwork on the association Les Femmes s’Animent (the French counterpart of Women in Animation). This new angle helps to understand how the issue of gender inequalities is perceived by different professionals in the French animation industry (such as writers, producers, animators and television networks). While some of them try to fight against gender stereotypes, organisational and economic constraints as well as social norms related to child protection continue to impact the production of animated series.

Avec l’apparition des chaînes musicales au début des années 1980, l’industrie musicale investit massivement dans la production de clips vidéo. Pour répondre à la forte demande de clips, de nombreux réalisateurs venant aussi bien de la télévision, de la publicité, que du cinéma mirent tous leur talent au service de ce nouveau format télévisuel. C’est dans ce contexte que différents artistes visuels furent également sollicités ou proposèrent leur service pour réaliser différents clips. Au début des années 1980, le clip apparut à certains artistes comme le format idéal pour diffuser leurs images à la télévision. Il leur permettait par sa diffusion à la télévision de toucher un plus large public que celui des musées ou des galeries d’art. Pour d’autres, le clip fut un format d’expérimentation mais aussi un prolongement possible pour leur pratique artistique. Ainsi cette étude se propose d’analyser une partie de la production de certains artistes plasticiens souvent ignorée par les historiens de l’art et les critiques. À travers leurs travaux artistiques, certains artistes construisirent au contraire une critique et interrogèrent le format tout en remettant en question la pop culture diffusée à la télévision. Si la création de MTV fut une date fondatrice dans l’histoire du clip vidéo, vingt-cinq ans plus tard, l’avènement de YouTube et des sites de partage de vidéos dès 2005 marqua un grand changement dans la production mais aussi dans la consommation de clips vidéo. Nous verrons que cela entraina de nouveaux usages pour les utilisateurs pour les artistes qui s’emparèrent des contenus disponibles pour les détourner. / With the advent of music channels in the early 1980s, the music industry invested heavily in the production of music videos. To meet the high demand of music video, many filmmakers from television industry, advertising, cinema put their talents in this new TV format service. It is in this context that different visual artists were also requested and proposed their services to direct different music videos. In the early 1980s, the clip appeared some artists as the ideal format to distribute their images on television. It allowed them by its broadcast on television to reach a wider audience than museums or art galleries. For others, the clip was an experimental format, but also a potential extension to their artistic practice. So this study will analyze some of the production of certain visuals artists often ignored by art historians and critics. Through their artworks, some artists built instead a critique and questioned the format while challenging pop culture broadcast on television. If the creation of MTV was a funding event in the history of the music video, twenty-five years later, the advent of YouTube and in 2005 marked a big change in production but also in consumption of music videos. We will see that it led to new uses for Internet users and for artists who took possession available content to divert it.

En 1919, la France sort d’une guerre au cours de laquelle elle a subi des pertes humaines jusque-là inimaginables. L’État est alors amené à inventer de nouveaux outils pour faire face au deuil et au traumatisme. C’est l’un d’entre eux, le 11 Novembre, que cette thèse a interrogé dans sa dimension parisienne de 1919 à 2012. Les archives administratives, les comptes rendus des débats parlementaire et la presse quotidienne ont d’abord permis de se pencher sur l’invention d’une commémoration qui, si elle prend forme au cours d’un débat politique intense, se caractérise surtout par la mise en scène d’éléments intégrés dans le patrimoine matériel et immatériel de la Nation lors de la sortie de guerre autour desquels les organisateurs déploient un rituel de circonstance : la minute de silence. Filmée de sa création à 2012, la commémoration du 11 Novembre a aussi été étudiée, pour chaque époque, à travers le prisme des images animées. / In 1919, France is emerging from a war in which she suffered a number of casualties previously unimaginable. The State is then brought to invent new tools to deal with the trauma of war and grief that affects society. Among them, the commemoration of the Armistice of November 11, 1918 has crossed the century and persists as a major event despite the disappearance of the last veterans of the Great War. This thesis focuses on the national ceremony on November 11, held annually since 1922 in Paris. It aims first to look at the genesis of a commemoration, which was established after an intense political debate. The commemoration was organized around specific old and new rituals : the flags of the regiments disbanded and the unknown Soldier, or the minute of silence). This elements that became permanent emphasized the mournig dimension of the commemoration. Filmed from 1923 to 2012, the commemoration of November 11 has also been studied through the prism of the images broadcasted in the medias.

Ce travail de recherche s’attache à analyser la visibilité des lesbiennes au cinéma américain et dans les séries télévisées et les web-séries américaines. Bien qu’ayant été globalement invisibles ou mal représentées dans le cinéma classique hollywoodien, elles apparaissent de plus en plus fréquemment sur le petit et le grand écran. Toutefois, cette visibilité est construite à partir d’un certain nombre de normes, privilégiant donc une image particulière des lesbiennes à travers notamment la figure de la lesbienne féminine. En outre, cette visibilité repose sur des stratégies de réappropriations et d’emprunts qui visent à « queeriser » les représentations existantes, et, possiblement, à créer un regard lesbien / The purpose of this work is to investigate lesbian visibility in American cinema, TV series and web series. Although lesbians have remained broadly invisible or misrepresented in classical Hollywood Cinema, they now increasingly appear on both the big screen and the small screen. However, this visibility is shaped according to a precise set of norms, thus favoring a specific image of lesbians, particularly through the figure of the feminine lesbian. Furthermore, this visibility is grounded on strategies of reappropriation and borrowings aiming to queer existing representations, and, possibly, to create a lesbian look

Ken Russell (1927-2011) was a renegade talent and the self-styled enfant terrible of British cinema. His legacy as a film-maker consists of a large number of films on the lives of artists, mainly composers. But Russell’s approach to artist biography was highly unorthodox: rather than reconstruct a factual account he offered a deeply personal interpretation of artists’ lives based on his own understanding of their work. In a programmatic text for his film on Mahler (1974), Russell explained that his films ‘evolve through a stream of consciousness in which the man and the myth, the music and its meaning, time, place, dream and fact all flow and blend into the mainstream of the film itself’ and that ‘my film is simply about some of the things I feel when I think of Mahler’s life and listen to his music’.This book is an attempt to explain what that statement means and to unpack its implications for the practice of life writing. It takes a baroque approach to performance and performativity to show how Russell not simply made highly inventive films on other artists, but also constructed those films as a kind of self-portrait. Russell’s work then becomes a performance of self through art. In four chapters of detailed analysis this book reconstructs Russell’s method, from the very first films he made for the BBC in the early 1960s through his major feature films of the 1970s and 1980s. / Doctorat en Histoire, histoire de l'art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished