Essa dissertação se insere no campo das artes cênicas, constituindo uma reflexão teórica acerca da direção teatral e de procedimentos empregados na produção de três espetáculos da Santa Estação Companhia de Teatro (Porto Alegre/RS). A pesquisa refere-se a minha experiência como diretora da companhia e portanto, não se faz de forma distanciada, imparcial e restrita de pessoalidades. Visando resgatar os principais procedimentos e operações que integraram o modus operandi do referido coletivo, o estudo toma por referência a memória dos corpos dos atores, os cadernos de processo, os registros em vídeo, matérias da imprensa e o depoimento de atores e espectadores. A reflexão transita por movimentos da encenação a fim de evidenciar e revelar as conexões e agenciamentos do corpo, espaço, texto, jogo e imagem operados durante os momentos de criação e montagem dos materiais. Sustentam os fundamentos teóricos da pesquisa fontes conceituais heterogêneas, que permitiram ampliar a discussão e o diálogo em relação ao objeto de estudo. Este trabalho estabeleceu conversações com os pensadores Gilles Deleuze, Feliz Guatarri, José Gil e com o professor e ator Renato Ferracini, no que se refere ao conceito de pensamento-criação, corpo e rizoma. Construiu diálogos com Hans-Thyes Lehmann, Lúcia Romano, Renato Cohen e Sílvia Fernandes sobre as questões que cercam o teatro físico, o teatro pós-dramático e contemporâneo. Buscou, também, os dizeres de encenadores como Ariane Mnouschkine, Peter Brook, Jersy Grotowski, Robert Wilson, Eugenio Barba e Pina Bausch, pois suas vozes agenciaram-se e encharcaram o corpo-pensamento da pesquisa. / This work is in the field of the scenic arts and it is a theoretical reflection on the theatrical direction and on procedures used in the production of three theatrical-spectacles of Santa Estação Companhia de Teatro (Porto Alegre/RS). The research refers to my experience as director of this company, so it was not constructed of distant form or impartial and restricted of personhood. Aiming to bring back the main procedures and operations that had integrated the modus operandi of the related collective, the study takes as reference the memory of the actor's bodies, the copybooks of the process, the video registers, the material of press and the actors and spectators report. The reflection circulates by movements of theatrical staging in order to make evident and to reveal the connections of the body, space, text, play and image operated during the creation and materials construction. The research theoretical basis is supported by heterogeneous conceptual sources, which have allowed extending the discussion and the dialogue about the study object. This work has established conversations with Gilles Deleuze, Feliz Guatarri, José Gil and with the teacher and actor Renato Ferracini, on the concepts of thought-creation, body and rhizome. It also have constructed dialogues with Lúcia Romano, Renato Cohen and Sílvia Fernandes on the questions about the physical, postdramatic and contemporary theatre. It was considered the sayings of Ariane Mnouschkine, Peter Brook, Jersy Grotowski, Robert Wilson, Eugenio Barba and Pina Bausch, because their voices have connected and soaked in the body-thouhght of the research.

Orientador: Neyde Veneziano / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Intituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-07-21T02:36:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rocha_VeronicaFabriniM.deAlmeida_M.pdf: 7359547 bytes, checksum: 546d80d744e0ef8e06dbaf1755609c46 (MD5) Previous issue date: 1996 / Resumo: Esta dissertação tem como objetivo tecer uma reflexão sobre a encenação teatral, a partir de uma perspectiva nascida e apoiada no trabalho prático. Neste sentido, procuramos, num primeiro momento, debater questões de grande interesse para o estudo da encenação, tais como: a polissemia do signo teatral, a especificidade da construção dramatúrgica e a aparente oposição entre texto e cena. A partir do diálogo entre três poéticas, a de Antonin Artaud, a de Bertolt Brecht e a de Peter Brook, buscamos detectar as possibilidades espetaculares no texto OTELO, de William Shakespeare. Visando fomentar o fluxo vital entre teoria e prática, realizamos a encenação de OTEW, documentada em nossa dissertação sob a forma de texto espetacular / Abstract: Not informed. / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Marcio Aurelio Pires de Almeida / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-13T21:09:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Haderchpek_RobsonCarlos_D.pdf: 5885076 bytes, checksum: 7f24f20f444b9955dd526b9896a56476 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Esta pesquisa de doutorado se deu a partir de uma investigação sobre a arte da direção teatral. Nosso objetivo principal foi averiguar a possibilidade de se estabelecer um modelo referencial que pudesse ser utilizado como base na condução de um processo criativo. A partir de uma metodologia empírica, que se utilizou da análise de experiências práticas - espetáculos teatrais e atividades docentes -, e de rigorosa pesquisa bibliográfica, pudemos investigar a figura do diretor-pedagogo e propor o que chamamos de poética da direção teatral.Palavras-chave: Teatro; Poética da Direção Teatral; Pedagogia Teatral; Diretor-Pedagogo / Abstract: This PhD research happen since then an inquiry on the art of the theater direction. Our main objective was to inquire the possibility of establishing a reference model that could be used as base in the conduction of a creative process. From an empirical methodology, that it was used of the analysis of practical experiences - theaters spectacles and teaching activities -, and of rigorous bibliographical research, we could investigate the figure of the directorteacher and consider what we call poetical one of the theater direction.Key Words: Theater; Poetical of Theater Direction's; Education of Theater; Director-Teacher / Doutorado / Doutor em Artes

Este projeto de pesquisa tem por objetivo estudar o desenvolvimento da linguagem da iluminação cênica em sua relação com os caminhos da encenação. O eixo central é a transformação da função da iluminação cênica de instrumento da visibilidade a elemento estrutural e estruturante da escrita cênica, constituindo-se como linguagem. Na primeira parte, através da pesquisa da luz no teatro expressionista alemão, pretende-se pontuar os trabalhos exemplares, de forma a descrever esse processo de transformação e suas variáveis, instituindo conceitos para uma análise específica da iluminação cênica. Na segunda parte, usamos desses conceitos para analisar outras poéticas da luz: o trabalho do encenador Erwin Piscator e o teatro da Bauhaus. / This research aims to investigate the development of Lighting Design language in its relation to the course of theatrical production. The central axis is the function of scenic transformation from instrument of visibility to structural and structuring element of the scenic narrative, constituting itself as language. In the first part, through the research of lighting in German Expressionist theatre, it is intended to point out the representative works and to describe this transformation process and its variants establishing concepts for a specific analyses of theatrical lightning. In the second part, these concepts are used to analyze other lightning poetics: Erwin Piscator´s theatrical work and the Bauhaus´s theatre.

Orientador: Verônica Fabrini Machado de Almeida / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-21T22:11:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Otani_Daves_D.pdf: 3263077 bytes, checksum: b6e31bdd9d62b39a46f9ea95f66b1486 (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: A presente pesquisa trabalha com a hipótese de que existe uma geratriz improvisacional espetacular (GIE) que, por meio de matrizes criativas definidas anteriormente e/ou encontradas durante o período inicial da montagem de um espetáculo teatral, proporciona que a improvisação, conduzida e provocada pelo tema do espetáculo, gere, ao mesmo tempo, precisão e abertura, rigor e risco. O período inicial marca o espetáculo de forma a dar-lhe uma pré-configuração, a estrutura enquanto um corpo a ser constantemente modelado, no entanto, sedimentado em uma matéria já pré-definida. Para investigar a hipótese, analiso o processo criativo e as apresentações públicas do espetáculo teatral "Primus" (adaptação do conto Comunicado a uma academia, de Franz Kafka) e, via a comparação, investigo ainda o processo criativo de "Mister K. e os artistas da fome" (adaptação do conto Um artista da fome, de F. Kafka) em busca de aprofundar a investigação e comprovar o fenômeno da GIE. Ambos os espetáculos são dirigidos por Verônica Fabrini e montados pelo grupo de pesquisa cênica "Boa Companhia", do qual participo como ator, desde sua formação, em 1992. É uma investigação participativa, do ator em diálogo com a encenação, do atuante que participa e, a partir de sua singularidade, compõe coletivamente. A reflexão toma como mote de partida os princípios conceituais do encenador e teórico russo C. Stanislavski, retrabalhados por E. Kusnet: improvisação como análise ativa, circunstancia propostas, objetivo da encenação, memória, ação interior e exterior, entre outros. Referencia ainda o trabalho aspectos do pensamento do filósofo G. Bachelard: imaginação material, potência do instante e intuição. O estudo conclui que a geratriz improvisacional espetacular de fato se caracteriza no trabalho da "Boa Companhia" / Abstract: The following research deals with the hypothesis that it does exist a spectacular improvisational generatrix (SIG) that, through a creative matrix previously defined and /or discovered during the theatrical initial stage, provides that the improvisation, conducted and provoked by the show's theme, generates at the same time precision and openness, rigor and risk. The initial period defines the show and gives it a pre-configuration to be worked - the structure as a body to be constantly shaped, however, settled in a pre-defined subject. To investigate that hypothesis, I do analyze the creative processes and public theatrical performances of the show "Primus" ( Franz Kafka tale's adaptation of "A report to an academy") and, by comparation, I do analyzed too the play "Mister K. e os artistas da fome" (Kafka tale's adaptation of "A hunger artist") both directed by Veronica Fabrini and performed by the scenic research group "Boa Companhia", in which I belong as an actor since it's foundation in 1992. It's a participatory investigation, a dialogue between actor and staging, of the actor that participates and forms the collective from its singularity. The reflexion begins with the russian theoretical Constantin Stanislavski's principles and theorical concepts, reworked by Eugenio Kusnet: improvisation as active analysis, event, given circumstances, staging objective, memory, inner and outer action. This work makes reference also to the philosopher Gaston Bachelard: material imagination, instant and intuition's power. The study concludes that the spectacular improvisational generatrix (SIG) in fact exists in Boa Companhia's performances and theatrical productions / Doutorado / Artes Cenicas / Doutor em Artes

Orientador: Ivan Santo Barbosa / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-04T00:57:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ferracini_Renato_D.pdf: 12555507 bytes, checksum: 2dd299e2ecf54eb6450013b6df53c0d5 (MD5) Previous issue date: 2004 / Resumo: O objetivo desse projeto foi dissertar, analisar, discutir e refletir um processo de trabalho de recriação de ações físicas e vocais por meio através da observação do cotidiano que denominamos, internamente no LUME, de mimese corpórea e também os procedimentos de montagem do espetáculo Café com Queijo que utiliza esse processo como base de sua criação. Mas como pensar a mimese corpórea e uma montagemde espetáculo gerado nesse processo sem falar antes sobre o LUME e sua conduta de trabalho? Como analisar Café com Queijo - um trabalho baseado na "presença"e organicidade do corpo do atuante - sem antes discutir sobre o trabalho de ator? E como discutir sobre um suposto possível corpo-em-arte-de-ator - que gera, em si mesmo, pensamentos independentes, pois é um pensamento de cunho poético - buscando recriar um discurso conceitual com esse pensamento e não sobre esse pensamento? E, dentro desses axiomas, como discutir codificação e retomada de ações, treinamento, pré-expressividade, energia, organicidade e presença no trabalho de ator? Essas foram as perguntasnorteadoras desse trabalho. E elas somente foram discutidas sobre um recorte muito preciso: dentro de uma dimensão coletiva - LUME e, ainda mais pontualmente, dentro de uma dimensão singular cotidana primeira - um eu-ator inserido dentro desse grupo. E foi na tentativa de abrir espaços e Jissuras para essas questões, dentro desses vários níveis dimensionais, que busquei um possível corpo-em-arte-de-ator enquanto expansão e bordq.de seu próprio corpo com comportamento cotidiano, ou seja, um corpo em estado cênico gerado por entre linhas de fuga e como potência intensiva dele mesmo, nele mesmo e para ele mesmo. E sobre essa borda procurei destrinçar seus elementos constituintes: a busca de sua construção através de treinamentos pré-expressivos,as recriaçõesde matrizes e ações físicas e vocais codificadas, as inter-relações instáveis dessas recriações em relação ao outro ator e ao público e uma breve discussão sobre elementos mais pontuais como "presença" e "organicidade".Assim, finalmente, depois de debater essas questões é que passei a descrever o processo de montagem do espetáculo Café com Queijo, buscando mostrar e refletiras dificuldades, obstáculos e questões práticas de sua criação. Esse texto buscou realizar uma reflexão tendo como premissa um trabalho específico, dentro de um contexto também específico e, apesar de norteado por tantas perguntas e questões, não procurou em nenhum momento responder de maneira pontual e única nenhuma delas mas, talvez, tenha acabado, ao final, abrindo espaços para mais e mais perguntas sobre esse universo múltiplo, belo e extremamente complexo que é o trabalho de ator / Abstract: Not informed. / Doutorado / Doutor em Multimeios

Este trabalho propõe-se a demonstrar a análise do movimento do feminino através das suas personagens no texto teatral à luz dos seus respectivos períodos históricos: Medeia, de Eurípides (Antigüidade), Hamlet de Shakespeare (Renascimento), Uma Casa de Bonecas de Ibsen, (Modernidade) e personagens femininas em Nelson Rodrigues (Pós-Modernidade) em 6 (seis) esferas: política, religiosa, sócio-cultural, jurídica, familiar e econômica, que encerram nas suas diferenças graus de interdição do feminino ao longo da História. / The intention of this text is to demonstrate and study the female movement using the classic historical theater personages considering their time: Medea-Euripides (Ancient), Hamlet-Shakespeare\'s (Renaissance) ;Doll\'s House-Ibsen (modern art). Also this text will study the female characters in Nelson Rodrigues theater (pos modern) taken account 6 (six) areas; politic, religion, culture,, juridical, ,familiary ,and economic, showing different levels of female discrimination through history.

El objetivo de esta investigación ha sido determinar cómo el trabajo con la máscara neutra que desarrolló Jacques Lecoq permite integrar el trabajo de análisis de texto (profundizado por Stanislavski) con el trabajo físico, entendiendo este último como la partitura escénica en la interpretación del actor. Para cumplir con el objetivo propuesto se describe en que consiste el uso de la máscara neutra y se detallan los pasos que se deben realizar para integrar los trabajos mencionados, lo cual se lleva a cabo mediante la aplicación de una metodología de investigación en las artes escénicas basada en la práctica artística. Acorde con lo anterior se propuso y desarrolló un laboratorio teatral con alumnos de la Especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas (FARES) de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP), el cual se dividió en dos módulos: en el primero se realizó un acercamiento al uso de la máscara neutra, mientras que en el segundo se empleó el texto teatral La más fuerte de August Strindberg para integrar el análisis de texto y el trabajo físico. Se escogió esta metodología debido a que el uso de la máscara neutra permite desarrollar la disponibilidad del cuerpo del actor al trabajar la apertura, el equilibrio y la escucha; al conseguirlo, en el proceso de integración este cuerpo disponible se convierte en una plataforma para aplicar el trabajo de análisis de texto que se realiza previamente en busca del trabajo físico, lo cual genera un proceso de retroalimentación constante entre ambos trabajos y permite analizar y registrar el material escénico que se encuentra. Además, se evidencia que la existencia de resistencias físicas en el actor no permite que este integre el trabajo de texto con su cuerpo, por lo que se considera que esta investigación revela la importancia de la consciencia y el manejo corporal del actor, quien, al tener control sobre su cuerpo, logra una mayor libertad para crear y ampliar su registro interpretativo. Así pues, con el desarrollo de este trabajo se busca generar un aporte investigativo sobre la interpretación actoral, y la posibilidad de establecer puntos de encuentro entre diversas teorías y/o técnicas teatrales.

Nuestro estudio parte de la necesidad por indagar en la esencia del teatro, el actor y todas las posibilidades que su creación ofrece, en un marco contemporáneo donde la cultura de consumo y la concepción de la producción teatral están marcadas aparentemente por ideologías capitalistas. Entendemos que esto afecta al actor, privándole de su libertad como creador y reduciéndolo a un intérprete del texto: lo cual se forma y afianza desde la educación y luego se fortalece al introducir al artista en una maquinaria de producción teatral bajo una lógica de consumo. A partir de allí, nuestra investigación plantea la búsqueda de la libertad frente a un entorno de creación que reconocemos como tradicional, el cual no ofrece oportunidades para el desarrollo de nuevas propuestas. Y todo ello se debe a factores que son ajenos incluso al teatro. Otro punto de partida para el estudio son los campos desconocidos usualmente por los actores, que involucran áreas científicas, filosóficas y también, cómo no, creativos. Hoy en día, estas ya no pueden ser ajenas a ellos. Además, este trabajo presenta en su última parte, un estudio-ensayo sobre nuestra propia experiencia en las artes escénicas, que busca explorar, sin ánimo de ser un caso ejemplar, en la labor de creación. Nuestra intención con esto es plantear la importancia de documentar las experiencias teatrales para promover una historiografía del teatro y así el desarrollo de la profesión como disciplina y fenómeno cultural de nuestros tiempos.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Beatriz de Araujo Britto.pdf: 515141 bytes, checksum: 41630fb51e967b104dfaca949b5894cb (MD5) Previous issue date: 2007-03-28 / Analyze the relation between media´s discourse and the action of the theatral group Ói Nóis Aqui Traveiz, from Porto Alegre. The media which tries to territorialize the Ói Nóis´s practice throught the use of clichés and words of order, orders and commands which enforce an order; and the actions´s group as a minor mode, movement of deterritorialization where the sense becomes production, to go beyond representation´s idea. The anaysis was based on philosophy of difference, more precisely the Deleuze and Guattari´s work, A Thousand Plateaus, with concepts such as becoming, ritornelo, body without organs, rhizoma. The work trying also to detect some procedures of Ói Nóis´s theatrical language as means to produce new subjectivisations´s forms. The creation´s act and the art as a becoming space, which breaks the fixed significations and the values established by the majority / O foco desta tese é o estudo da relação dos discursos da mídia com a ação do grupo teatral Ói nóis Aqui Traveiz, de Porto Alegre. Em nossa abordagem a mídia será considerada aqui por suas estratégias de biopoder poder sobre a vida , em contraposição à ação de alteridade, de desterritorialização em que o sentido torna-se produção para além da idéia de representação a biopotência. É do contrachoque entre estes dois territórios, o fixo e o móvel, que brechas podem surgir, potencializando os pontos de resistência do grupo presentes também nas redes de poder. Mais especificamente, a tese analisa a relação do grupo com a mídia jornalística; como se processa a reação da imprensa em relação à linguagem do grupo e à intervenção em diversas manifestações culturais e políticas da cidade, aspectos sócio-culturais e políticos que influem na recepção da mídia em relação à atuação do grupo dentro da comunidade . Para pensar este contraponto a tese se vale da filosofia da diferença, mais precisamente da obra de Gilles Deleuze e Félix Guattari quando estes expõem a fórmula do devir e sua concatenação, sobretudo, com a idéia de ritornelo e corpo sem órgãos, tal qual apresentada em Mil Platôs. Para dar concretude à dinâmica dos conceitos implicados, a tese traz a análise da natureza dos diferentes discursos na relação cenamídia. Busca também detectar alguns dos principais procedimentos da prática cênica do grupo e seu histórico, investigando também até que ponto tais procedimentos podem potencializar uma estratégia de biopotência através da linha de fuga dos processos de subjetivação. Partimos do princípio de que a ação do grupo pode se tornar uma possibilidade de fuga das potências de controle (Estado, Comunicação, TV), uma estratégia de resistência a essas potências, à homogeneização do pensamento, na medida em que busque liberar os automatismos da percepção e os hábitos perceptivos já cristalizados. O ato de criação e a arte serão vistos como espaço do devir, que rompe com os significados pré-fixados, os códigos e valores estabelecidos pela razão do aparelho de Estado, devir-minoritário como desvio padrão dominante, processo pelo qual o grupo se subtrai à maioria. Outras referências importantes para a tese são a obra de Michel Foucault, no que tange à relação entre discurso, dispositivos de normalização e estruturas de poder, bem como a subversão destas mesmas estruturas como prática de resistência às estratégias de biopoder. A noção de metafísica da linguagem como signos de forças, da obra de Artaud. Por fim, também serão referências as obras de Peter Pál Pelbart referentes ao contraponto biopoder-biopotência