A pesquisa de dissertação intitulada Entre Texto e Palco: Um Estudo sobre a Preparação do Espetáculo e dos Atores pelas Companhias Profissionais Elisabetanas se propõe a analisar alguns elementos relevantes no tocante à organização do espetáculo teatral pelas companhias profissionais elisabetanas. Os objetivos da pesquisa foram estudar a preparação das peças pelas companhias, quais os manuscritos estruturados para preparar o espetáculo e aqueles que seriam entregues aos atores, as partes; compreender a preparação do espetáculo pelos atores e o sistema de repertório, bem como a distribuição de seus papéis e a tradição do sistema de transmissão de papéis entre os atores, tentando verificar se existia algum procedimento de trabalho, instrução, estudo, ensaio, leituras; e por fim, do modo de interpretação, se havia uma noção determinada sobre a representação cênica, que descobrimos era reconhecida no período como passionating, conceito sobre a arte de interpretar do ator. A pesquisa foi bibliográfica, investigativa e de análise de fragmentos de duas peças de Shakespeare, A Tragédia de Hamlet, Príncipe da Dinamarca e Sonho de uma Noite de Verão. Passagens foram pinçadas dessas duas peças de modo que realizamos um estudo comparativo e de análise nos servindo de pontuais perspectivas de críticos que contribuíram imensamente na fundamentação de nossa articulação a respeito dos elementos acima citados e que moveram a pesquisa. Na delimitação do problema quatro foram os autores que fundamentaram nossa dissertação. São críticos que tiveram acesso direto aos manuscritos do período, são eles: David Bradley, Andrew Gurr, Tiffany Stern e John Astington por abordarem em muitos dos seus estudos a temática sobre a questão organizacional do espetáculo como um todo. Desses autores, apropriamo-nos da discussão a respeito do Book e do Plot, documentos que faziam referência à preparação do espetáculo. Investigamos a relevância desses documentos que, pela análise dos autores, indicam como o espetáculo era preparado pelos atores das companhias profissionais elisabetanas. / The dissertation research titled Between Text and Stage: a Study on the Preparation of the Spectacle and the Actors of the Elizabethan Professional Companies, intends to analyze some relevant elements regarding the organization of the Elizabethan theatrical spectacle by the actors of the Elizabethan professional companies. The research objectives were to study the preparation of plays by the companies, which manuscripts were structured to prepare the spectacle and those that would be delivered to the actors, the parts; to comprehend the preparation of the spectacle by the actors and the repertory system, as well as the distribution of its roles, the tradition of the transmission system between the actors, analyzing whether there were some work procedure, instruction, study, gathering, readings; and finally, the mode of interpretation, if there was a certain notion about the art of representation, which we discovered it were recognized in the period as passionating: concept on the art of interpretation. The research was bibliographic, investigative and analitic of fragments from two Shakespeare‟s plays - Midsummer Night’s Dream and Hamlet, Prince of Denmark. Passages were plucked from these two plays so we conducted an analitic study on them approaching specific perspectives of critics who have contributed immensely in the grounds of our articulation on the elements mentioned above. These critics had direct access to the manuscripts of the period, they are: David Bradley, Andrew Gurr, Tiffany Stern e John Astington. They addressed many of their studies on the subject organizational issue of the spectacles as a whole. From these authors, we assumed the discussion of Book and Plot, documents that referred to the preparation of the spectacles. We investigate the relevance of these documents, the authors' analysis, indicate how the show was prepared by the actors of the Elizabethan professional companies.

Este texto apresenta uma investigação que procura compreender as singularidades da prática docente de um grupo de dez professores de teatro, os quais parecem conduzir seu fazer pedagógico como uma performance. Problematiza-se a performance docente como um modo de ser professor em que o corpo é um elemento constitutivo da prática pedagógica.Dessa forma, problematiza-se o tema de pesquisa: a performance como possibilidade de ação pedagógica. O objetivo principal do trabalho foi, portanto, identificar os elementos corporais da performance artística na performance docente.Desenvolve-se o conceito de performance docente a partir de alguns princípios, tais como:a sala de aula como ritual performático;o papel do corpo na performance;a performance da oralidade docente; a docência como presença; e finalmente, a condição criativa da performance.Os resultados da pesquisa apontaram para o importante papel desses princípios para a constituição da prática teatral, bem como para a docência. Eles constituem a pedagogia do teatro e estão presentes em todas as instâncias do trabalho, seja ele docente ou artístico. Trata-se de elementos fundamentais, os quais funcionam como um guia corporificado que se revela nas performances dos professores e alunos. Alguns dos princípios teatrais trazidos na pesquisa são: a relação, a constituição do “estado de presença”, a possibilidade de transformação do sujeito instaurada a partir da prática teatral e, finalmente, o desenvolvimento do processo criativo suscitado no ritual das aulas. / This paper presents a study that seeks to understand the uniqueness of teaching practice. In order to develop this research, it was taken a group of ten theater teachers. Apparently, that group is able to drive their pedagogical work as a true performance. The study problematizes the teaching performance as a way of being a teacher. In this task, the body has an important status, once is a constitutive element of the theater teaching practice. Thus, the research central problem may be summarized as the following: how the artistic performance becomes a teaching performance? The main objective of this study was therefore to identify the elements of the body art performance in teaching performance. It develops the concept of teaching performance from certain principles, such as: the classroom as performative ritual; the role of the body in performance; the performance of oral teaching; teaching as presence; and finally, the condition of creative performance. The survey results pointed to the important role of these principles for the constitution of theatrical practice as well as for teaching. They constitute the pedagogy of theater and are present in all instances of work, be it academic or artistic. These are key elements, which act as a guide that reveals itself embodied in the performances of teachers and students. Some of theatrical principles brought in the research are: the relationship, the constitution of the "presence status", the possibility of transformation of the subject brought from theater practice and, finally, the development of the creative process raised the ritual of classes.

O tema central desta Dissertação é o espaço para o ensino de Teatro na Educação Básica e os aspectos que concorrem para a sua ocupação, sob o ponto de vista de professores de Teatro inseridos no sistema escolar, e a partir das noções de estratégia e tática (CERTEAU, 1990). O problema do trabalho origina-se de observações da autora, obtidas de forma assistemática, que permitem afirmar que o espaço do Teatro na educação brasileira ainda é muito restrito, pois, embora figure como componente curricular específico e obrigatório na legislação vigente (desde a promulgação da Lei de Diretrizes e Bases, em 1996, e dos Parâmetros Curriculares Nacionais em Artes, em 1997), não se constitui como disciplina do conhecimento na maioria das nossas escolas, e mesmo as poucas que possuem licenciados em Teatro em seus quadros docentes, não oferecem condições estruturais para sediar o trabalho pedagógico. Por outro lado, levanta a hipótese da existência de profissionais licenciados em Teatro cujas ações docentes são pautadas pela ocupação efetiva do espaço do Teatro no meio escolar, significando oportunidades de construção de conhecimento nessa área em diferentes realidades educacionais. A partir da seleção de quatro professores licenciados em Teatro, vinculados a instituições pertencentes às Redes Federal, Estadual, Municipal e Privada de Ensino de Porto Alegre, nas quais a disciplina de Teatro é oferecida regularmente, realiza-se um estudo de caso que investiga as concepções desses profissionais sobre os fatores que concorrem para o desenvolvimento dessas ações, consideradas táticas, de ocupação do Teatro no meio escolar. A coleta dos dados da pesquisa realiza-se mediante entrevistas semiestruturadas com os sujeitos selecionados; e as análises têm por base o estudo de teóricos do campo da Pedagogia do Teatro, da Educação e da Filosofia, dentre os quais se destacam: Desgranges, Koudela, Pupo, Ryngaert, Santos, Becker, Duarte Júnior e Certeau. Os resultados obtidos levam a considerar que a ocupação do espaço do Teatro na Educação Básica como disciplina do conhecimento em Arte, ocorre na medida em que se desenvolvem ações táticas com vistas ao estreitamento das relações entre o professor e a escola, ao estabelecimento de relações de parceria entre o professor e o aluno e ao aprofundamento do diálogo entre a Arte e a docência. / The main theme of this thesis is the space for the teaching of Theater at the Basic Education Level and the aspects that contribute to their occupation, under the point of view of Theater teachers within the school system, and from the concepts of strategy and tactics (CERTEAU, 1990).The problem focused in this work comes from the author’s observations, obtained through unsystematic manner, which allow us to say that’s pace for the Theater in Brazilian education is still very limited. Al though listed as a specific and mandatory curricular component in the existing legislation (since the Law that established the Diretrizes e Bases, in 1996, and the Parâmetros Curriculares Nacionais em Artes, in 1997), is not known as a discipline in most of our schools, and even the few schools which have Theater graduates in their teaching staff, do not offer structural conditions to host this pedagogical work. On the other hand, this raises the hypothesis of the existence of Theater professionals who, as teachers, guide their actions by an effective occupation of the area of Theater within their schools. This means opportunities for the construction of knowledge in this area in different educational realities. From the selection of four teachers graduated in Theater and who are linked to institutions belonging to the Federal, State, Municipal and Private Schools in Porto Alegre, where the Theater discipline is regularly offered, a case study was drawn to investigate the concepts among these professionals as to the factors which are considered to contribute to the development of actions, considered as tactics, for the occupation of Theater within schools. Data collection from the survey is carried out through semi-structured interviews with the selected subjects; the analysis is based on studies of theoretic authors in the field of Theater Pedagogy, Education and Philosophy, among which stand out: Desgranges, Koudela, Pupo, Ryngaert, Santos, Becker, Duarte Junior and Certeau. The results obtained lead us to consider that the occupation of a Theater space at our Basic Education level, as a discipline of knowledge in Arts, occur to the extent that tactical actions were developed towards a strengthening view of the relations between the teacher and the school, the establishment of a partners relationship between teacher and student and also of deepening the dialogue between Art and teaching.

Le travail a pour objectif principal de réfléchir sur le processus de formation des spectateurs, afin d'élargir les discussions sur la médiation théâtrale - comprise comme la formation de l'activité pédagogique. La proposition vise à mettre en évidence trois projets différents dédiés à la médiation des activités dans le théâtre, dirigé la formation de spectateurs dans l'éducation publique de base, provenant des initiatives culturelles. La base théorique de l'analyse sont des études sur la formation des spectateurs de théâtre, développées par des auteurs tels que Desgranges, Oliveira, Alcantara et Deldime, entre autres; théories de la connaissance détenue par Vygotski et Feuerstein, qui considèrent l'éducation une perspective de médiation; principes de Barbosa, Coutinho et le matériel d'apprentissage de la 8e Biennale Mercosul, traitant la médiation dans le domaine des arts visuels; et des études sur l'enseignement des arts et le théâtre dans les écoles, appuyés par la loi brésilienne national et régional. En établissant le dialogue entre ces domaines, l'étude vise à décrire les méthodes de la médiation dans le théâtre, la réception théâtrale pour la formation de spectateurs et de souligner les approches importantes pour le travail de médiation en vue de promouvoir la (trans) formation des médiateurs et des spectateurs. / O trabalho tem por objetivo central refletir sobre o processo de formação de espectadores, com vistas à ampliação das discussões a respeito da mediação teatral – compreendida como atividade pedagógica de formação. A proposta pretende evidenciar três diferentes projetos, dedicados a atividades de mediação em teatro, direcionados à formação de espectadores na Educação Básica pública, oriundos de iniciativas culturais. As bases teóricas das reflexões são estudos sobre a formação de espectadores de teatro, desenvolvidos por autores como Desgranges, Oliveira, Alcântara e Deldime, dentre outros; teorias do conhecimento defendidas por Vigotsky e Feuerstein, que consideram a educação numa perspectiva de mediação; aportes de Barbosa, Coutinho e do material pedagógico da 8ª Bienal do Mercosul, que tratam a mediação na área das artes visuais; e estudos sobre o ensino das artes e do teatro no âmbito escolar, amparados pela legislação brasileira nacional e regional. Ao estabelecer diálogo entre essas áreas, o estudo pretende qualificar metodologias de mediação em teatro, dinamizar a recepção teatral para a formação de espectadores e apontar abordagens significativas referentes ao trabalho de mediação, a fim de promover a (trans)formação de mediadores e espectadores.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-22T17:40:58Z No. of bitstreams: 1 O Filho do Bardo.pdf: 4468444 bytes, checksum: b2f93310f4645e0065518cd783813e3e (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-08-23T12:01:41Z (GMT) No. of bitstreams: 1 O Filho do Bardo.pdf: 4468444 bytes, checksum: b2f93310f4645e0065518cd783813e3e (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-23T12:01:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 O Filho do Bardo.pdf: 4468444 bytes, checksum: b2f93310f4645e0065518cd783813e3e (MD5) / RESUMO Este trabalho é um estudo de caso do Shakespeare’s Globe Theatre e tem como objetivo investigar a gestão do teatro com enfoque nas estratégias utilizadas para captar e manter seu público, responsável por gerar a maior parte da receita arrecadada pela organização artística. Também é apresentado o processo de reconstrução do edifício, sob a liderança do estadunidense Sam Wanamaker, e os desafios encontrados pelos gestores para construir o prédio que viria a ser a réplica mais próxima ao teatro original, erguido no século XVI por William Shakespeare e seus colegas. Para tanto, o trabalho foi realizado através de pesquisa de campo e apoiado nos referenciais teóricos de autores como Phillip Kotler, Joanne Scheff, Bonita Kolb, dentre outros. Embora as ações desenvolvidas pelo teatro sejam aplicadas em um contexto político, social e econômico específico, podem ser adaptadas e aproveitadas em outras localidades e por outros gestores interessados em repensar a forma com a qual lidam com seus públicos e comercializam seus produtos artísticos. A abordagem desta pesquisa concentra-se na gestão para o teatro e pode colaborar com os estudos voltados para este campo, ainda pouco explorado por pesquisadores interessados nas artes. / ABSTRACT This paper is a case study of Shakespeare's Globe Theatre, and it aims to investigate the theatre management model focused on the strategies used to build and keep their audience, which are responsible for generating the most part of the revenue collected by that arts organisation. The paper also presents the theatre’s building process, under the leadership of the american Sam Wanamaker, and the challenges faced by the theatre managers to build the space that would be the most colser replica to the original theatre built in the sixteenth century by William Shakespeare and his colleagues . For that, the study was conducted through a field research and it was supported by the theoretical references of authors such as Philip Kotler , Joanne Scheff , Bonita Kolb and others. Although the actions developed by the theater have being applied in a specific political, social and economic context , they can be adapted and used in other locations and by other managers interested in rethinking the way they deal with their public and market their artistic products. The research approach focuses on theatre management and can collaborate with studies for this field, which is yet little explored by researchers interested in the arts.

Submitted by Roberth Novaes (roberth.novaes@live.com) on 2018-09-04T14:43:24Z No. of bitstreams: 1 Dissertação Lucila Vieira.pdf: 2347759 bytes, checksum: 682af6e5bbddd99ec6dba18c0aad8eec (MD5) / Approved for entry into archive by Setor de Periódicos (per_macedocosta@ufba.br) on 2018-09-04T19:03:22Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação Lucila Vieira.pdf: 2347759 bytes, checksum: 682af6e5bbddd99ec6dba18c0aad8eec (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-04T19:03:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação Lucila Vieira.pdf: 2347759 bytes, checksum: 682af6e5bbddd99ec6dba18c0aad8eec (MD5) / O Portugal quinhentista foi o espaço de representação de mais de uma centena de peças teatrais, das quais é possível depreender uma rica fonte de produção teatral, não só pelas influências e correspondências criativas existentes entre os autores quinhentistas, mas também pelo profícuo diálogo que a prática teatral daquele tempo estabelece com tendências artísticas mais recentes. Antônio José Saraiva, mais de vinte anos depois de ter declarado que o teatro medieval teria findado com Gil Vicente (1942), repensa seu duro veredito quando vê encenado um texto de Brecht e reconhece uma série de semelhanças estruturais entre a dramaturgia vicentina e a brechtiana (1965). A partir de reflexões críticas e de exercícios comparativos pontuais entre textos dramatúrgicos, este trabalho pretende destacar algumas características coincidentes entre o acervo teatral daquele tempo e outras tradições que marcaram a cronologia das artes cênicas. Além disso, com o intento de promover uma aproximação mais efetiva do teatro português de 1500 aos tempos atuais, estabelecemos o conceito de encenabilidade. Isto é, a partir da verificação dos vestígios cênicos presentes nos versos escritos no português clássico, quando expostos à criação e à audiência dos indivíduos do século XXI, este trabalho relata e analisa criticamente a experiência de encenação do Auto dos Escrivães do Pelourinho, texto quinhentista português anônimo. / The sixteenth-century Portugal was the space of representation for more than a hundred plays, of which it is possible to infer a plentiful source of theatrical production, not only by the existing creative influences and correspondences between the sixteenth century authors, but also by the rich dialogue that the theatrical practice of that time establishes with latest artistic trends. Antonio José Saraiva, twenty years after having declared that the medieval theater died with Gil Vicente (1942), rethinks his hard verdict when sees staged a text written by Brecht, and recognizes a lot of structural similarities between Vincentian and Brechtian (1965) dramaturgy. From critical reflections and comparative exercises between specific dramaturgical texts, this paper aims to highlight some matching characteristics between the dramaturgical collection of that time and other traditions that marked the chronology of the performing arts. Moreover, with the intent of promote a more effective approach of Portuguese theater from 1500 to present; we established the concept of “playability”. That is, from the analysis of scenic traces present in verses written in classic Portuguese when exposed to creation and the audience of person from twenty-first century, this paper describes and critically analyzes the staging experience of “Auto dos Escrivães do Pelourinho”, play of anonymous authorship, written in the sixteenth century.

Submitted by Amanda Duarte (amandasaduarte@gmail.com) on 2018-09-04T15:03:43Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO PRONTA PARA A ENTREGA.pdf: 2016785 bytes, checksum: 711faaa4e6641ee21a0db1c8fdae94e1 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-09-11T13:16:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO PRONTA PARA A ENTREGA.pdf: 2016785 bytes, checksum: 711faaa4e6641ee21a0db1c8fdae94e1 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-11T13:16:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO PRONTA PARA A ENTREGA.pdf: 2016785 bytes, checksum: 711faaa4e6641ee21a0db1c8fdae94e1 (MD5) / CAPES / Fruto do mestrado acadêmico realizado no Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia, a dissertação apresenta uma pesquisa-ação que se empenha em aproximar duas instâncias diferentes da prática teatral: o Process drama - método de ensino de origem inglesa, especializada no trabalho com crianças e adolescentes - e os processos de criação compartilhada - modelos organizacionais utilizados, prioritariamente, nas companhias profissionais. Para começarmos a discussão, nos dedicamos a entender a evolução histórica de cada procedimento, a analisar as ferramentas de que fazem uso para tornar possível suas visões e a explicar para o leitor qual, dentre todas as abordagens possíveis em cada método, é aquela que melhor se adequa à prática que propomos. Por isso, dialogamos com alguns dos principais autores que refletiram sobre as estratégias antes de nós: Beatriz Cabral (2006), Gavin Bolton (2007), David Hornbrook (1991), Flávio Desgranges (2006), Heloise Vidor (2010), Antônio Araújo (2009), Evill Rebouças (2009), Vicente Concílio (2010), Stela Fischer (2003), Rafael Ary (2015), Hamilton Vaz Pereira (2009), Valéria Maria de Oliveira (2005). Ao colocá-los lado a lado, abrimos a oportunidade de olhar para as características que os aproximam e as características que os afastam, podendo vislumbrar uma associação entre ambos que nos permita projetar uma abordagem do ensino de teatro, dentro da educação básica e pública, que se aproxime da prática cênica realizada no meio profissional. Considerando que essa imersão não estaria completa se estivesse limitada apenas a uma aproximação teórica, realizamos uma oficina de oito meses, no contra turno das aulas regulares, com estudantes de 11 e 12 anos, na Escola Municipal São Braz, localizada na cidade de Salvador. Durante 22 encontros, realizamos um mergulho no fazer coletivo ao criarmos, com o máximo de horizontalidade possível nesse contexto, uma apresentação pública, com produção de dramaturgia e de encenação próprias, baseada no romance Mar Morto, do escritor baiano Jorge Amado. Nesse percurso, pudemos abrir questionamentos acerca das potencialidades e das dificuldades de se realizar um processo criativo em compartilhamento, por meio dos dispositivos que selecionamos, no interior de uma estrutura escolar ainda hierarquizada. / As a result of the academic master's degree in the Postgraduate Program in Performing Arts of the Federal University of Bahia, this dissertation presents an action research that strives to approach two different instances of theatrical practice: Process drama - specialized in working with children and adolescents - and the processes of shared creation - organizational models used, as a priority, in professional companies. To begin the discussion, we set out to understand the historical evolution of each procedure, to analyze the tools they use to make their views possible, and to explain to the reader which of all possible approaches in each method is the one that is best appropriate to the practice that we propose. For this reason, we have dialogues with some of the main authors that reflected on the strategies before us: Beatriz Cabral (2006), Gavin Bolton (2007), David Hornbrook (1991), Flávio Desgranges (2006), Heloise Vidor (2005), Stella Fischer (2003), Rafael Ary (2015), Hamilton Vaz Pereira (2009), Valéria Maria de Oliveira (2005) and Evill Rebouças (2009). By putting them side by side, we have the opportunity to look at the characteristics that approach them and the characteristics that keep them apart and can see an association between both that allows us to design an approach to theater teaching, within basic and public education, that approach the scenic practice performed in the professional environment. Considering that this immersion would not be complete if it were only limited to a theoretical approach, we carried out an eight-month workshop in the evening of regular classes with students aged 11 and 12 at the São Braz Municipal School, located in the city of Salvador. During the 22 meetings, we took a dip in collective making by creating, with the maximum of horizontality possible in this context, a public presentation, with the production of own dramaturgy and staging, based on the novel Mar Morto, by the Bahian writer Jorge Amado. In this course, we were able to open questions about the potentialities and difficulties of performing a creative process in sharing, through the devices that we have selected, within a hierarchical school structure.

Made available in DSpace on 2015-12-10T14:24:09Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-08-11. Added 1 bitstream(s) on 2015-12-10T14:28:10Z : No. of bitstreams: 1 000853790.pdf: 5163279 bytes, checksum: 048adc6984112132e8e0830e8c4bb92e (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / Esta tese consiste em uma pesquisa sobre os instrumentos e as dimensões que norteiam a criação e a realização da ação relacional, sob a perspectiva do agente implicado pelo sensível. Do ponto de vista conceitual a ação relacional é ampla e diversificadamente discutida. No entanto, na prática do fazer artístico o entrelaçamento entre os conceitos e as experiências apresenta questões específicas que requerem, no sentido da prática, o aprofundamento da investigação em ação. No cruzamento entre os campos da arte e da educação esta tese apresenta um olhar sobre a ação relacional, sob a perspectiva do agente, no sentido dos instrumentos do fazer artístico / This thesis consists of a research on the tools and dimensions that guide the creation and realization of relational action under the agent's perspective implied by the sensitive. From a conceptual point of view relational action is wide and variously discussed. However, in the practice of art making the links between the concepts and experiences presents specific issues that require towards practice, further research into action. At the crossroads between the fields of art and education this thesis presents a look at the relational action under the agent's perspective, in the sense of the instruments of art making

Made available in DSpace on 2016-04-01T17:54:50Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-06-15. Added 1 bitstream(s) on 2016-04-01T18:00:32Z : No. of bitstreams: 1 000859974.pdf: 3278683 bytes, checksum: da53e3ca15a6e9cb72b2f7ee123af82d (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / Nesta pesquisa investigamos aspectos ligados à arte da direção teatral, enfatizando a experiência artística de Anne Bogart na SITI Company - companhia teatral fundada nos Estados Unidos no ano de 1992. Uma das características do trabalho que Bogart desenvolve na SITI Company tem a ver com o treinamento: prática presente em diferentes manifestações artísticas ao longo da história e que se refere, no caso da arte do teatro, a um contínuo aprimoramento sobre as técnicas de ator/atriz. A abordagem aqui realizada diz respeito ao treinamento enquanto um conceito estabelecido ao longo dos séculos XX e XXI segundo prerrogativas determinadas por diretores/diretoras. Na SITI Company, o treinamento resulta da combinação entre o Método Suzuki e o Viewpoints, duas distintas técnicas teatrais que imbricam referências culturais do Oriente e Ocidente. Desenvolvemos reflexões sobre os procedimentos adotados por Bogart na SITI Company, buscando explicitar um entendimento particular das relações estabelecidas entre o conceito de treinamento e a arte da direção teatral. E de que modo isso edifica, para Bogart, uma proposição relacionada às competências de um diretor/de uma diretora. / In the current research we investigate aspects related to the art of directing, emphasizing the artistic experience of Anne Bogart in the SITI Company - theater company founded in the United States in 1992. One of the characteristics of Bogart's work developed in SITI Company is about training: a current practice in many different artistic approaches in the theatre history concerning to continuous improvement of the actor's (and the actress's) techniques. Here the training is regarded as a concept which was established throughout the twentieth and twenty-first centuries under prerogatives conceived by theatre directors. In the SITI Company, the training is a combination of the Suzuki Method and the Viewpoints, two different theatrical techniques that overlap cultural references of East and West. We went under reflections on the procedures adopted by Bogart in the SITI Company, in order to specify a particular understanding of the links between the concept of training and the art of directing. And how it becames a proposition for Bogart relative to a director's role.

Made available in DSpace on 2015-07-13T12:10:19Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-02-02. Added 1 bitstream(s) on 2015-07-13T12:25:24Z : No. of bitstreams: 1 000833924.pdf: 617068 bytes, checksum: 2d8865aeaa942995714175973c706550 (MD5) / Busca-se neste trabalho analisar a configuração do ponto de vista em narrativas curtas do escritor contemporâneo brasileiro Marcelino Freire, com destaque para alguns contos nos quais se verifica a ausência do narrador e a utilização de mecanismos e recursos expressivos pertencentes à dramaturgia. Para isso, apresentaremos reflexões conceituais acerca das relações existentes entre a literatura e o teatro, ilustrando-as com um breve levantamento de como se apresenta o posicionamento do narrador em alguns contos brasileiros contemporâneos, para que possamos situar e compreender de que modo o autor em estudo consegue explorar nos seus textos a ausência e/ou presença do narrador. O corpus é constituído por cinco contos cuja forma assenta-se nos diálogos e outros cinco que se configuram como monólogos / This study pretends to analyze the configuration of the short narratives by the contemporary brazilian writer Marcelino Freire, especially some tales in which is seem the absence of the narrator and the use of some mechanisms and expressive resources that belong to dramaturgy. For this, will be shown some conceptual reflections about the relations between literature and theater, illustrating them with a summary study about the presence of the narrator in some brazilian contemporary tales, in order to situate and understand the way the author in this study is able to explore in his texts the absence and/or the narrator's presence. The corpus is composed by five tales whose form settle in the dialogs and other five that configure as monologs