Esta pesquisa situa-se no campo das criações artísticas interdisciplinares, envolvendo as relações entre teatro e cinema. Seu objetivo é explorar as possibilidades de contribuição entre essas duas artes a fim de destacar possíveis intercâmbios de procedimentos criativos entre as diferenças de suas especificidades de linguagem. De um lado, há a colaboração da improvisação teatral como um dispositivo de composição de um roteiro de cinema. Do outro, há as metodologias do set de filmagem como um gatilho de criação cênica. Assim, intenciona-se a construção de uma escritura cênica a partir de improvisações. Esta propõe-se a não ser exclusivamente teatral e a ter um potencial cinematográfico. O corpus de análise desta investigação é a elaboração de um experimento cênico e de um curta-metragem híbridos, ambos gerados em um processo colaborativo. A metodologia de pesquisa dá-se em três etapas. Primeiramente o desenvolvimento será calcado no estudo das especificidades de ambas linguagens, nutrido por ideias de teóricos do campo das artes cênicas como Walter Benjamin, Patrice Pavis e Roland Barthes, assim como por teóricos do campo do cinema, tais como André Bazin, Cristian Metz e Susan Sontag. A segunda etapa, de caráter empírico, dará origem ao corpus de análise da pesquisa e será realizada no período de seis meses. Chamada de Experimento Interdisciplinar, a prática contou com o elenco de cinco atores e uma equipe de diretores convidados e contemplou a produção de um experimento cênico e de um curta-metragem. A terceira etapa apoia-se na análise do experimento interdisciplinar e de seus resultados. / This research is situated on the field of interdisciplinary artistical creations involving the relationship between theater and cinema. Its goal is to explore the possibilities of contribution between these two arts in order to highlight possible interchanges of creative procedures between the differences in their language specificities. On one side, there is the collaboration of theatrical improvisation as a composition device for a movie script. On the other side, there are the filming set methodologies as a scenic creation trigger. Therefore, a scenic scripture is intended to be built from improvisations. This is proposed not to be exclusively theatrical and to have a cinematographic potential. The body of analysis of this investigation is the elaboration of a hybrid scenic experiment and a short movie, both generated in a collaborative process. The research methodology is given in three stages. First the development will be centered in the study of both languages’ specificities, nurtured by ideas from theorists of the scenic arts field, such as Walter Benjamin, Patrice Pavis and Roland Barthes, as well as by theorists from the cinema field, such as André Bazin, Cristian Metz and Susan Sontag. The second stage, of empirical character, will give birth to the body of analysis of the research and will be performed in the period of six months. Named “Interdisciplinary Experiment”, the practice is supported by a casting of five actors and a team of guest directors and has contemplated the production of a scenic experiment and a short movie. The third stage leans on the analysis of the interdisciplinary experiment and its results.

A presente pesquisa propõe investigar a noção teatro ritual a partir do trabalho do ator sobre si mesmo, principalmente por meio das proposições de Antonin Artaud e Jerzy Grotowski. O teatro ritual é compreendido nesta proposta de pesquisa como um processo de fusão entre a vida e a arte, de desvendamento e entrega total pelo ator em busca de conhecimento de suas potencialidades afetivas e artísticas. O foco está no próprio processo em si como condição de constante investigação e conhecimento de si, como humano e ator. O teatro ritual nesta pesquisa está entrelaçado com os elementos do trabalho do ator sobre si mesmo a partir da memória afetiva, da experiência e do treinamento físico, de modo que o ator participante do processo explore as potencialidades e subjetividades de si em relação a investigação. Objetivando o processo criativo como espaço para refletir sobre o teatro ritual e os elementos que perpassam o trabalho sobre de si mesmo. A pesquisa está cruzada por dois processos criativos, na qual o primeiro foi com um grupo de atores e atrizes, e o segundo realizado com um único ator. Nos dois processos de criação foram utilizados como disparadores exercícios inspirados nas práticas de Jerzy Grotowski, Constantin Stanislavski, Eugenio Barba e Rudolf Laban; e material autobiográfico, memórias pessoais, processos que estão ligados ao acontecimento enquanto experiência que afeta, marca e atravessa o indivíduo. Para tanto a pesquisa possui como principais referenciais artísticos e teóricos Antonin Artaud, Jerzy Grotowski, Eugenio Barba, Constantin Stanislavski, Arnold Van Gennep, Victor Turner, Richard Schechner, Jorge Larrosa, Cassiano Sydow Quilici e Mara Lúcia Leal. Desta forma, procuro refletir alicerçado no trabalho do ator sobre si mesmo, como o ator, diante da sua realidade atual, de uma sociedade marcada por acúmulo de informações, relações imediatistas e a fugacidade dos acontecimentos que permeiam nosso cotidiano, vivencia seus processos pessoais na noção do teatro ritual. Assim, explorar como suas próprias experiências afetam seu processo de conhecimento de si nesta fusão entre a vida e a arte. / The present research intends to investigate the notion of ritual theater based on the work of the actor on himself, mainly through the propositions of Antonin Artaud and Jerzy Grotowski. The ritual theater is understood in this research as a process of fusion between life and art, of unveiling and total surrender of the actor in search of knowledge of his sensitive and artistic potentialities. The focus is in the process itself as a condition of constant investigation and self-knowledge, as a human and an actor. In this research, the ritual theater is intertwined with the elements of the actor's work on himself from the affective memory, the experience, and the physical training, so that the actor, participant of the process, explores the potentialities and subjectivities of himself in relation to the investigation. Aiming the creative process as a space to reflect on the ritual theater and the elements that permeate the work about oneself. The research is crossed by two creative processes, on which the first one was with a group of actors and actresses, and the second realized with only one actor. Where in both creative processes was used exercises inspired by the practices of Jerzy Grotowski, Constantin Stanislavski, Eugenio Barba and Rudolf Laban; and autobiographical material, personal memories, processes that are linked to the event as an experience that affects and touches the individual. For this, the research has as main artistic and theoretical references Antonin Artaud, Jerzy Grotowski, Eugenio Barba, Constantin Stanislavski, Arnold Van Gennep, Victor Turner, Richard Schechner, Jorge Larrosa, Cassiano Sydow Quilici and Mara Lucia Leal. Hence, I try to reflect based on the actor's work on himself, how the actor in face of his current reality, a society marked by the accumulation of information, immediate relations and the fugacity of the events that permeate our daily life, experiences his personal processes in the notion of ritual theater. So, the actor can explore how his own experiences affect his process of self-knowledge in this fusion of life and art.

Orientador(a): Wagner Francisco Araujo Cintra / Banca: Agnaldo Valente Germano da Silva / Banca: Dalmir Rogério Pereira / Banca: Mario Ferreira Piragibe / Banca: Vinicius Torres Machado / Resumo: A presente pesquisa se estrutura por dois eixos principais. O primeiro se orienta pela análise dos processos de transformações das dramaturgias da Companhia Philippe Genty, especialmente a partir da década de 1980. Esse momento foi marcado por mudanças nos processos criativos do grupo, desencadeadas com a inserção do humano na cena como parceiro de jogo do inanimado; com a investigação do corpo, do movimento e de suportes expressivos como o papel e o plástico; com a ressignificação artística de ideias psicanalíticas, possibilitando à Genty desenvolver dramaturgias fincadas na memória, no sonho e nas suas experiências de vida; além do desenvolvimento de novas técnicas cênicas e de novas relações de Philippe Genty e Mary Underwood com as suas criações. O segundo eixo se norteia pelas mudanças acarretadas, a partir de então, na poética da Companhia, que passou a se orientar, cada vez mais, pelos jogos de ilusões capazes de tornar visivelmente possíveis situações insólitas, e pelas dicotomias que nascem do encontro entre o humano e o inumano. O teatro gentyniano desenvolveu-se na direção de um teatro de constantes metamorfoses visuais, que desafia as convenções espaciais, gravitacionais e volumétricas e que amiudadamente coloca o espectador diante de encadeamentos de imagens incomuns e impossíveis / Resume: La présente recherche est structurée en deux axes principaux. Le premier s'oriente sur l'analyse des processus de transformations des dramaturgies de la Compagnie Philippe Genty, particulièrement à partir de la décennie de 1980. Ce moment a été marqué par des changements dans les processus créatifs du groupe, déclenchés par l'insertion de l'humain dans la scène en tant que partenaire de jeu de l'inanimé; avec l'étude du corps, du mouvement et des supports expressifs tels que le papier et le plastique; avec la re-signification artistique des idées psychanalytiques, permettant à Genty de développer des dramaturgies ancrées sur la mémoire, sur le rêve et dans leurs expériences de vie; ainsi que le développement de nouvelles techniques scéniques et de nouvelles relations entre Philippe Genty et Mary Underwood et leurs créations. Le deuxième axe est guidé par les changements apportés, de partir de là, à la poétique de la Compagnie, qui s'est de plus en plus orientée vers les jeux d'illusions capables de rendre visible ment possibles des situations inhabituelles, et par les dichotomies qui naissent de la rencontre entre l'humain et l'inhumain. Le théâtre gentynien a muté vers un théâtre de métamorphoses visuelles constantes, qui défie les conventions spatiales, gravitati onnelles et volumétriques et qui place largement le spectateur devant des fils d'images inhabituelles et impossibles / Doutor

Orientadora: Lucia Regina Vieira Romano / Banca: Elizabeth Lopes / Banca: Vinicius Torres Machado / Resumo: Partindo da minha formação enquanto atriz junto ao Odin Teatret, e de todos os estudos que as(os) integrantes desse grupo têm realizado acerca do vocabulário da atriz e do ator, busquei conectar teoria e prática, retomando o treinamento que é desenvolvido nessa tradição. Logo no início da pesquisa, o princípio da oposição, por sua recorrente presença nos exercícios e também nos escritos, mostrou-se relevante dentro do processo formativo desse grupo, especialmente no que diz respeito ao desenvolvimento da presença e criação cênicas. Debrucei-me sobre o conceito deste princípio e suas formas de manifestação, levando-me a subdividi-lo em outros quatro: a contraposição, a resistência, a pré-ação e a introversão e extroversão, e ainda, a relacioná-lo com outros estudos, tais como: a mímica moderna de Decroux, a biomecânica de Meyerhold e a expressividade corpórea de Delsarte. Também levei a oposição para dentro da minha cultura, através da Capoeira Angola e do samba brasileiro. Enquanto que, para seu trato em contexto de formação da atriz e do ator, trouxe sua explanação através dos exercícios conduzidos pelas atrizes Julia Varley, Iben Nagel Rasmussen, Roberta Carreri e pelo ator Jan Ferslev, do Odin Teatret, sem deixar, contudo, de abordar o contexto desse trabalho, permeado pela vivência com o grupo em sua sede, na Dinamarca. Tendo esta pesquisa, prioritariamente, um caráter prático e artístico, houve a sua materialização através da criação da demonstração de trabalho O oposto... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: Starting from my training as an actress with Odin Teatret, and all the studies that the members of this group have done on the actress and the actor's vocabulary, I sought to connect theory and practice, returning to the training that is developed in this tradition. At the beginning of the research, due to its recurrent presence in the exercises and in the writings, the principle of opposition presented itself as relevant within this formative process, especially with regard to the development of scenic presence and creation. I focused on this principle concept and its manifestation forms, leading me to subdivide it into four others: counterposition, resistance, pre-action and introversion and extraversion, and also to relate it to other studies, such as: the Decroux's Modern Mime, Meyerhold's biomechanics and Delsarte's corporeal expressiveness. I also brought the opposition into my culture, through Capoeira Angola and Brazilian samba. While, for its use inside the actress and the actor' training, I exposed the exercises conducted by the actresses Julia Varley, Iben Nagel Rasmussen, Roberta Carreri and the actor Jan Ferslev, from Odin Teatret. However, it did not fail to address the context of this work, which was filled up by living with the group at its headquarters in Denmark. Having this research, as a matter of priority, a practical and artistic approach, its materialization came with the creation of the word demonstration The opposite, making possible to relive the practical experience with a pedagogical bias. In addition to the exercises and the historical influences, through the characters and scenes of the performance Stars and The Butterfly Nightmare, and the work demonstration The opposite, all directed by Varley, I presented the incorporation of the opposition in the creation, which proved to be a useful tool in the actress and actor's formation. / Mestre

Submitted by Maria Eugênia Viveiros Milet (eugeniavmilet@gmail.com) on 2018-04-13T14:54:30Z No. of bitstreams: 1 Maria Eugenia Milet-Tese.pdf: 6505720 bytes, checksum: 4d19bbbc6e746746992d4d5ed4eeaac7 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-04-17T11:40:00Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Maria Eugenia Milet-Tese.pdf: 6505720 bytes, checksum: 4d19bbbc6e746746992d4d5ed4eeaac7 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-17T11:40:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria Eugenia Milet-Tese.pdf: 6505720 bytes, checksum: 4d19bbbc6e746746992d4d5ed4eeaac7 (MD5) / PROEXT/UFBA / Trata-se de pesquisa cênica, de cunho prático-teórico, em metodologia inspirada na abordagem artístico-compreensiva proposta pela professora Sonia Rangel pela qual a Cena-Experimento em trajeto, objetivo e meta deste estudo, permitiu reconhecer, no percurso da sua prática cênica como pesquisa, os Princípios Dominantes do Encontro, do Brincar e das Narrativas Mitopoéticas, com suas Imagens Operantes. A encenação, objeto e resultado desta pesquisa, situa-se na confluência de estudos teatrais, literários e filosóficos, em diálogos concomitantes com o processo de sua criação, quando e onde se afirma a força transformadora do Devaneio. Destaca-se, nesta pedagogia poética emergente, seu trajeto improvisacional, multicultural e colaborativo de teatro, com base comunitária, realizado com artistas-educadores, jovens atores e atrizes, crianças de um bairro popular da Região Metropolitana de Salvador e com mestras populares da cultura, vindas do sertão da Bahia, com suas bagagens africanas e indígenas, revigoradas e rememoradas no processo da encenação. Através da articulação com outras experiências do teatro na contemporaneidade e no encontro de epistemologias contra-hegemônicas que zelam pela solidariedade e diversidade humanas e pelo encantamento do mundo, revelam-se as instâncias mitopoéticas presentes na Cena-Experimento. Seus autores de referência principais são: Gaston Bachelard, pela Fenomenologia da Imaginação; Lídia Hortélio, pela Cultura da Infância; Armindo Bião, pela Etnocenologia; Guimarães Rosa e Homero, em diálogo com o pensamento da professora Mangabeira Unger; destacando-se, entre outros artistas, o pensamento de encenadores, tais como Peter Brook, Viola Spolin e Sotigui Kouyaté, bem como as narrativas da cultura de tradição nagô e ameríndia, em estreita ligação com o pensamento filosófico e com a literatura, através das obras A Odisseia e o Grande Sertão: Veredas. Ao mesmo tempo, configuram-se trajeto e método de uma encenadora-brincante da Cena-Experimento As Primeiras Águas –Travessia pelo Sertão, revelando-se sua criação cênica pela via da dramaturgia contingente e também seu resultado como forma literária dramática integrada à tese. / The dissertation is about scenic research with theoretical-practical profile. Its methodology is inspired in the Artistic-Comprehensive approach proposed by Sonia Rangel, through which the Experimental Scene in route, aim and goal of this study, allowed to recognize, in the pathway of its scene´s practice as inquiry, the Dominant Principles of the Encounter, of Playing and of the Mythical-Poetic Narratives, with its Operative Images. The staging, object and result of this research, is located at the confluence of the studies on theater, literature, and philosophy, in concomitant dialogue with the process of its creation, when and where the transforming power of the Reverie affirms itself. Of this emergently poetic pedagogy, stands out its improvisational, multicultural and collaborative paths of the theater, based on community, made with educator-artists, young performers and children of a popular district of the metropolitan region of Salvador city, and with traditional culture´s mistresses from the backcountry of Bahia´s State, with theirs African and indigenous heritages, revitalized and reminisced at the performance. The mythical-poetic instances presented in the Experimental-Scene reveals through the articulation with others experiences of the contemporary theater, and at the meeting with the counter hegemonic epistemologies that looked out for human´s solidarity and diversity, and for the world´s enchantment. Their main reference´s authors are: Gaston Bachelard, by the Phenomenology of the Imagination; Lídia Hortélio, by the Childhood´s culture; Armindo Bião, by the Ethnoscenology; Guimarães Rosa and Homero in dialogue with the thought of Mangabeira Unger and, standing out among others artists, the ideas of directors such as Peter Brook, Viola Spolin and Sotigui Kouyaté, as well as narratives of the Nago and Amerindian traditional cultures, in a close relation with philosophical thoughts and with the literature, through The Odyssey and Grande Sertão: Veredas. At the same time, the work composes the course and the method of the player-director (encenadora-brincante) of the Experimental-Scene As Primeiras Águas –Travessia pelo Sertão (The first waters – crossing through the backcountry), revealing her scenic creation through the contingent playwriting´s manner and its result as a dramatic, literary form integrated also to the dissertation.

Submitted by Pedro Henriques (phteatro@hotmail.com) on 2014-02-02T21:12:18Z No. of bitstreams: 1 Tese PH.pdf: 1468140 bytes, checksum: 37706d485c14481cf9bc57a824f5eace (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2014-02-03T11:47:34Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese PH.pdf: 1468140 bytes, checksum: 37706d485c14481cf9bc57a824f5eace (MD5) / Made available in DSpace on 2014-02-03T11:47:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese PH.pdf: 1468140 bytes, checksum: 37706d485c14481cf9bc57a824f5eace (MD5) / CAPES/MEC / Esta tese se justifica no âmbito do aprendizado do teatro, mais propriamente no ensino da interpretação teatral. O corpus desta pesquisa é o Sistema Stanislavski, principal método de formação de atores desenvolvido no século XX. A hipótese é a de que em contato direto com os ensinamentos éticos presentes nesse sistema de motivações psicofísicas, o sujeito desenvolve, como condição primaz de sua formação, a capacidade de avaliar, julgar e decidir. A tese parte de conceituações e noções fundamentais da Ética para suscitar uma reflexão sobre comportamentos e ações correntes na prática teatral. Em seguida, ressalta-se a representatividade de Constantin Stanislavski (1863-1938) no cenário teatral do século XX, bem como são expostos seus ensinamentos que preconizam, privilegiam e valorizam um trabalho coletivo eticamente experienciado. A tese levanta e analisa, então, sete princípios éticos defendidos pelo mestre russo, e comenta-lhes a pertinência e vigência no contexto de minhas práticas artísticas e docentes na universidade brasileira. A investigação se inscreve, portanto, em perspectivas práticas e teóricas que foram trabalhadas simultaneamente no decorrer da pesquisa. / ABSTRACT This dissertation addresses aspects of theatrical training, more specifically those related to acting. The corpus of this research is the Stanislavsky System, the main method of actor training developed in the twentieth century. The hypothesis is that, in direct contact with the ethical teachings of this system of psycho-physical motivations, the subject develops, as an essential condition of his/her formation, the ability to evaluate, judge and decide. The thesis draws upon fundamental concepts and notions of Ethics in order to reflect on theatrical practice. Moreover, it emphasizes both the importance of Constantin Stanislavsky (1863-1938) for the theater in the twentieth century and his teachings that advocate, prioritize and value a collective work ethically experienced. The dissertation identifies and then analyzes seven ethical principles defended by the Russian master and calls attention to their pertinence and validity in the context of my artistic and teaching practices within the Brazilian higher education. The investigation is thus inscribed into practical and theoretical perspectives that were interwoven in the research. Key-Words: Theatrical Practice. Stanislavsky. Training in acting. Moral and ethical aspects.

Orientador : Sonia Regina Albano de Lima / Banca : Maria Lucia Senna Machado Pascoal / Banca : Felisberto Sabino da Costa / Resumo: A presente dissertação é o resultado de uma pesquisa-ação realizada no IA-UNESP, pelo aluno Alexandre Cintra Leite Ruger intutulada "A percursão corporal como proposta de sensibilização musical para atores e estudantes de teatro", com a orientação da Profa. Dra. Sonia Regina Albano de Lim. Teve como objetivo refletir e avaliar a prática de ensino do mestrando sob o ponto de vista pedagógico, artístico musical e científico no curso de extensão oferecido para os alunos de primeiro ano do curso de licenciatura em artes cênicas coordenado pela Profa. Dra. Carminda Mesdes André e na preparação musical do grupo teatral Atrás do Grito, com direção de Osvaldo Anzolin, ambos do IA-UNESP. Foi importante para a pesquisa observar se a prática docente desenvolvida pelo mestrando nos cursos realizados seria um meio eficaz para sensibilizar alunos de artes cênica. O trabalho científico justificava-se na ausência quase que completa de um ensino musical sensibilizatório parfa os estudantes da área de cênicas. Os resultados pretendidos com essa prática docente concentrava-se na hipótese de que o trabalho de sensibilização musical propiciaria aos alunos de artes cênicas, um aguçar da percepção musical e rítmica, trazendo-lhes maior desenvoltura corporal e expressividade em cena. A fundamentação teórica da pesquisa estabeleceu-se a partir de uma revisão bibliográfica que se concentrou em três pontos básicos: o corpo e o ensino musical, a compreensão do binômio corpo-mente e o ensino musical nas artes cênicas como meio de desenvolvimento da expressividade e da conscientização corporal. O mestrando flundamentou sua práticac de docência e a pesquisa em alguns ensinamentos de Emmile Jacques-Dalcroz, Carl Orff, Edgard Willens Murray Schafer e no trabalho de percussão corporal desenvolvido pelo grupo Barbatuques. ...(Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This thesis is the result of a research-action carried through in IA-UNESP, by the researcher Alexandre Cintra Leite Ruger called "The Body Percussion proposed as musical sensitization for the actors and theater students", with the orientation of Profa. Dra. Sonia Regina Albano de Lima. The objective is to reflect and to evaluate the way of teaching of the researcher under the pedagogical, artistic-musical and scientific points of views in the extension course offered for the pupils of the firs year of the licentiate cours in scenic arts, coordinated by Profa. Dra. Carminda Mesdes André and in the musical preparation of the theatrical group Atrás do Grito, with Osvaldo Anzolin direction, both of the IA-UNESP. It was important for the research to observe if the teaching developed by the resarcher in the courses would be an efficient way to sensetize pupils of scenic arts. The scientific work was justified by the almost complete absence of a sensitizing musical education for the students of scenic arts. The intended results with this teaching were concentrated in the hypothesis that the work of musical sensitization would propiatiate the pupils of scenic arts, to sharpen the musical and rhytimic perception , briging bigger body nimbleness and expressiveness in scene. The research theoretical grounding was established from a bibliographical revision that concentred in three basic points: the body and musical education, the understanding of the binominal body-mind and musical education in the scenic arts as a mean of development of the expressiveness and the body awareness. The resarcher based his way lof teaching of the resarch on some techiniques of Emmile Jacques-Dalcroze, Carl Orff, Edgard Willens Murray Schafer and tin the work of body developed bye the Gorup Barbatuques. ...(Complet abstract, access undermentioned eletronic adress) / Mestre

Orientador: José Manuel Lázaro de Ortecho Ramirez / Banca: Alexandre Luiz Mate / Banca: Sandra Meyer Nunes / Resumo: Nesta pesquisa investigamos aspectos ligados à arte da direção teatral, enfatizando a experiência artística de Anne Bogart na SITI Company - companhia teatral fundada nos Estados Unidos no ano de 1992. Uma das características do trabalho que Bogart desenvolve na SITI Company tem a ver com o treinamento: prática presente em diferentes manifestações artísticas ao longo da história e que se refere, no caso da arte do teatro, a um contínuo aprimoramento sobre as técnicas de ator/atriz. A abordagem aqui realizada diz respeito ao treinamento enquanto um conceito estabelecido ao longo dos séculos XX e XXI segundo prerrogativas determinadas por diretores/diretoras. Na SITI Company, o treinamento resulta da combinação entre o Método Suzuki e o Viewpoints, duas distintas técnicas teatrais que imbricam referências culturais do Oriente e Ocidente. Desenvolvemos reflexões sobre os procedimentos adotados por Bogart na SITI Company, buscando explicitar um entendimento particular das relações estabelecidas entre o conceito de treinamento e a arte da direção teatral. E de que modo isso edifica, para Bogart, uma proposição relacionada às competências de um diretor/de uma diretora. / Abstract: In the current research we investigate aspects related to the art of directing, emphasizing the artistic experience of Anne Bogart in the SITI Company - theater company founded in the United States in 1992. One of the characteristics of Bogart's work developed in SITI Company is about training: a current practice in many different artistic approaches in the theatre history concerning to continuous improvement of the actor's (and the actress's) techniques. Here the training is regarded as a concept which was established throughout the twentieth and twenty-first centuries under prerogatives conceived by theatre directors. In the SITI Company, the training is a combination of the Suzuki Method and the Viewpoints, two different theatrical techniques that overlap cultural references of East and West. We went under reflections on the procedures adopted by Bogart in the SITI Company, in order to specify a particular understanding of the links between the concept of training and the art of directing. And how it becames a proposition for Bogart relative to a director's role. / Mestre

A partir de los conceptos de actor, director y elementos escénicos planteados por Peter Brook y de la idea de distanciamiento brechtiano creado por Bertolt Brecht, la presente investigación profundiza en la relación entre el director y el actor que se desarrolla a lo largo del proceso de montaje teatral. Para dicho análisis, ha sido elegido el proceso de montaje de la obra Casi Transilvania, escrita por la autora Bárbara Colio, realizado por el director Alberto Isola, puesto en escena en el Instituto Cultural Peruano Norte Americano (ICPNA) de Miraflores en el mes de mayo del año 2015. Es así que el presente trabajo desarrolla las etapas del proceso de montaje: las primeras reuniones del equipo, el trabajo de mesa dentro del cual el director explica y desarrolla su y los ensayos de las escenas, y la temporada de funciones. Como conclusión principal se determina que el director teatral guía a cada actor a lo largo de las etapas del proceso mencionado, dándole las herramientas necesarias para que éste construya tanto la imagen interna como externa de su personaje, determine sus acciones y comprenda la estética que el director ha planteado para una particular puesta en escena. De esta manera, se obtiene como resultado una puesta coherente que emita un mensaje claro que permita al espectador observar y reflexionar sobre los temas que trata la obra. / Trabajo de suficiencia profesional

Con el objetivo de comprender de qué manera la técnica de la improvisación teatral puede influir en el proceso formativo del actor, la presente investigación analiza un tipo específico de creador, aquel que atraviesa el proceso del Taller de Formación Actoral de Roberto Ángeles. De esta manera, la investigadora elaboró y condujo un Taller/Laboratorio de improvisación teatral dirigido a un grupo de estudiantes egresados del Nivel I del XXV Taller de Formación Actoral de Roberto Ángeles. A través de la observación, análisis y comparación de ambos procesos, la investigación demuestra cómo la técnica de la improvisación teatral planteada por la tesista, entrena, desarrolla y profundiza conceptos de vital importancia para la formación de un actor. Consideramos que la técnica de actuación desarrollada por Roberto Ángeles, requiere para su completo entendimiento, el entrenamiento previo de ciertas competencias que la improvisación teatral desarrolla desde su esencia. Por un lado, la aceptación del error como parte del proceso artístico -a través de juegos y ejercicios- que preparará al alumno para afrontar los distintos retos que se le presenten en clase, sin que el miedo a fallar produzca en éste exceso de tensión y bloqueo. Por otro lado, el desarrollo y práctica de la capacidad de imaginar y por tanto proponer todo aquello que irá más allá del texto de la obra que se trabaje y que permitirá dar vida a la misma. Por último, a través de dicha técnica, que supone la creación espontánea de historias, se preparará al actor para ser capaz de vivir la escena momento a momento dejando que esta se transforme en el proceso. / Tesis