Cette thèse vise à comprendre le monde des amateurs de théâtre en Lorraine, en rendant compte des deux aspects de la pratique théâtrale : celle de l’usager (le spectateur) et celle du praticien (comédien, metteur en scène amateur). Elle repose sur une approche ethnographique des amateurs de théâtre en Lorraine. Cette étude permet d’identifier les acteurs de la transmission culturelle et de formuler les enjeux contemporains de celle-ci. La démarche d’observation participante sert à restituer l’engagement corporel des personnes concernées et à rendre compte de l’importance de la sociabilité qu’entraînent les pratiques culturelles. Ce travail essaye de redonner une place à l’analyse du goût et de l’émotion dans la pratique amateur. L’accent est mis sur les médiations humaines et non humaines, ainsi que sur les dispositifs d’attachement. Il tente par ailleurs d’éclairer les modes de professionnalisations possibles pour ces amateurs / This thesis aims to understand the world of theater lovers in the Lorraine region, by reporting on two aspects of theater practice: that of the user (spectator) and the theatergoers (actor, director amateur). It is based on an ethnographic approach of theater lovers in the Lorraine region. This study identifies the actors of the cultural transmission and try to formulate the contemporary issues of it. The approach of participative observation is used to restore the physical engagement of the persons concerned and to realize the importance of sociability associated to cultural practices. This work tries to give a place for the analysis of taste and emotion in amateur practice. The focus is on human and nonhuman interactions, and on the commitment devices. It also attempts to clarify the possible ways to become professionalized for these fans

Le sujet de notre thèse, Le théâtre (néo)-gothique d'Eugène Ionesco propose une nouvelle approche de l'oeuvre ionescienne. Il s'inscrit dans la suite d'une étude de MaryBeth Inverso, The Gothie impulse in Contemporary drama (Michigan, U. M.I. Research Press, 1990) et du livre de Laura Pavel, Ionesco. Anti-lumea unui sceptic 1 l'Anti-monde d'un sceptique (Bucuresti, Para!ela 45, 2002), qui proposen t une filiation entre la dramaturgie de Ionesco, désignée comme étant« (néo)-gothique » et la résurrection des thèmes, de l'atmosphère et des personnages du roman anglais du XVIIIe siècle. Cette optique, totalement novatrice, et n'ayant jamais été dév loppée, renouvelle les études de l'œuvre dramatique ionescienne. La première partie de la thèse, consacrée à la présentation de la littérature gothique, met l'accent sur le contexte historique et culturel de l'apparition du roman anglais du XVIIIe siècle, sa thématique et sa poétique, tout en évoquant la résurrection de ces traits romanesques dans le « théâtre gothique » du X!Xe si èc le. Ensuite, il a été mis en évidence que l'auteur Ionesco a été imprégné du gothique, ce qui se retrouve dans son œuvre théâtrale, comme le défendent des critiques qui la qualifient de « (néo)-gothique ». La seconde partie de la thèse montre comment la dramaturgie d'Ionesco ressuscite le décor gothique et le jeu stylistique entre la lumière et les ténèbres. L'analyse a démontré la présence, chez Ionesco. des personnages tyranniques et de l'atmosphère de terreur, hérités de la création romanesque anglaise du XVIIIe siècle. Quant à ce dernier sujet, une deuxième perspective s'est imposée: l'analyse des enjeux de l'évocation burlesque de la torture et de la monstruosité dans le théâtre ionescien. La troisième partie approfondit la portée du modèle romanesque gothique sur la vision désespérée ionescienne de la nature humaine. Ainsi, on a mis en exergue que l'empreinte « noire », retrouvable dans la dramaturgie ionescienne. pouvait être également identifiée au niveau de l'inconscient de l'homme Eugène Ionesco et de son propre destin, tourm enté par la tyrannie paternelle et par celle de l'histoire oppressive des deux Guerres mondiales. / The subject of our thesis, Eugène Ionesco's the "neo-gothic" theatre, proposes a new vision for Ionesco's literary work. It follows the study written by MaryBeth Inverso, The Gothie impulse in Contemporary drama (Michigan, U. M.I. Research Press, 1990) and the literary work, realised by Laura Pavel, Ionesco. Anti-lumea unui sceptic/ Ionesco. The Anti-world of a skeptical man, which propose a connection between Ionesco's theatre, called "neo-gothic" and the revival of the themes, the atmosphere and the characters of the english novel from the XVIIIth century. This conception, completely innovating, and which has never been tackled, renews the studies dedicated to Ionesco's theatre. The first part of our thesis, devoted to the presentation of the gothie literature, presents the historical and cultural context of the publication of the english novel from the XVIIlth century, but also its themes and its poetic, presenting the revival of this features in the "gothie theatre" from the XIX th century. Then, it was proved than Ionesco, the author, was impregnated with the gothie, which can be identified in his theatre, named by sorne critics as beeing "neo-gothic". The second part of our thesis shows how Ionesco's theatre revives the gothie scenery and the stylistic game between the light and the darkness. Our analysis proved, to Ionesco, the presence of the tyrannical characters and the terror atmosphere, inherited from the english novel of XVIllth century. Relative to this last point, a new perspective appeared: the analysis of the role of the burlesque evocation, dedicated to the torture and the monstrosity in Ionesco's theatre. The fird part increases the rote of the gothie novel in the appearance of the desperated vision which Ionesco has about the hu man nature. We proved th at the "dark" mark was recognaizible in Ionesco's theatre and its his own life, devastated by the tyranny of his father and of the two World Wars.

Dans cette étude, nous examinons la question de l'identité et de la langue en Ontario français. Nous nous intéressons plus particulièrement aux discours identitaires, tels que représentés dans cinq pièces de théâtre contemporaines franco-ontariennes : Par osmose, L'Hypocrite, Zag, French Town et Mathieu Mathématique. Les dramaturges (respectivement le collectif Les Draveurs, Michael Gauthier et Michel Ouellette) exploitent des thèmes comme la place du français en Ontario et l'assimilation aux anglophones, l'histoire franco-ontarienne, mais aussi des thèmes généraux comme l'hypocrisie, l'adolescence et la famille. Les pièces Par osmose, L'Hypocrite et Zag s'adressent à un public adolescent et mettent en scène des personnages adolescents, tandis que French Town s'adresse aux adultes et Mathieu Mathématique aux enfants. En nous basant sur le corpus de l'Ontario français de Raymond Mougeon, nous avons pu mesurer l'écart entre la représentation d'une communauté – son histoire, sa langue et sa culture – et ses caractéristiques linguistiques. Nous montrons que l'écart entre les usages et les représentations dépend en grande partie du thème de la pièce et du public cible.

Dans cette étude, nous examinons la question de l'identité et de la langue en Ontario français. Nous nous intéressons plus particulièrement aux discours identitaires, tels que représentés dans cinq pièces de théâtre contemporaines franco-ontariennes : Par osmose, L'Hypocrite, Zag, French Town et Mathieu Mathématique. Les dramaturges (respectivement le collectif Les Draveurs, Michael Gauthier et Michel Ouellette) exploitent des thèmes comme la place du français en Ontario et l'assimilation aux anglophones, l'histoire franco-ontarienne, mais aussi des thèmes généraux comme l'hypocrisie, l'adolescence et la famille. Les pièces Par osmose, L'Hypocrite et Zag s'adressent à un public adolescent et mettent en scène des personnages adolescents, tandis que French Town s'adresse aux adultes et Mathieu Mathématique aux enfants. En nous basant sur le corpus de l'Ontario français de Raymond Mougeon, nous avons pu mesurer l'écart entre la représentation d'une communauté – son histoire, sa langue et sa culture – et ses caractéristiques linguistiques. Nous montrons que l'écart entre les usages et les représentations dépend en grande partie du thème de la pièce et du public cible.

Coma raconte à la première personne l'histoire de Satô, un jeune Japonais qui, après la tentative de suicide de sa fiancée, a le sentiment d'avoir commis un grave péché sans pouvoir le nommer. Incapable de surmonter son angoisse, il s'enfuit en Chine et s'enferme dans un hôtel de Shanghai. Une année passe avant que la mère de sa fiancée ne vienne le trouver et lui intime de revenir au Japon dans l'espoir qu'il fasse sortir sa fille du coma. Or le retour à sa ville natale, dans un univers de mystère, de secret et de silence, provoque chez Satô des questionnements identitaires profonds qui lui font même douter de l'authenticité de ses souvenirs. S'enclenche alors un long processus au cours duquel les résistances du déni, du mensonge, du désir d'être autre et de la possibilité de l'être élaborent une fiction de plus en plus organisée. C'est en s'y abandonnant que le personnage-narrateur arrive à franchir la limite même de sa résistance et à comprendre son trouble. Le roman se termine au moment où Satô acceptera de se reconstruire comme personne. À l'intérieur du volet réflexif de ce mémoire, Écriture et incarnation, j'explore cette construction exigeante du personnage. Elle demande un amenuisement, une atténuation de ma voix propre, un maximum d'attention à la voix de l'autre: seule possibilité de ressentir de l'intérieur son trouble, sa faille, sa présence, et d'arriver à les décrire. Ma pratique passe donc par la déconstruction de mes repères personnels pour me permettre de créer un espace vide où il me sera possible de réapparaître en cet autre qui est le personnage, en réduisant au minimum l'interférence d'éléments qui pourraient me ramener à moi-même et créer de la résistance. De cette manière je crois pouvoir laisser surgir des idées et des émotions auxquelles je n'aurais pas eu accès autrement. Ainsi, depuis l'intuition première du personnage jusqu'à sa construction finale, il m'importe de ne paraître ni à travers lui ni à travers le texte, qui devra tout naturellement sembler écrit par Satô Kikuchi. En lien avec cette pratique, ma réflexion théorique cherche par ailleurs à comprendre comment mes expériences d'acteur et d'improvisateur peuvent être mises à contribution. Il s'agit plus précisément pour moi de reconnaître en elles et dans les théories du jeu d'acteur les concepts de transformation et de disparition de soi, d'identification au personnage et de dédoublement, que je mets en relation avec la construction et la représentation du personnage dans l'écriture. De cette façon, je cherche à développer une conception de l'écriture entièrement dynamisée par la création du personnage, et par son incarnation en processus d'écriture. Cette approche est ultimement portée par une éthique, c'est-à-dire une quête de vérité tant dans la représentation du personnage que dans l'appréhension du plus petit objet, de toutes choses aperçues un court instant, dans cet «aperçu fulgurant» dont parle Novarina. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Écriture, Amenuisement, Personnage, Incarnation, Improvisation, Méditation, Voyage.

Ayant pour origine la création d'un texte illustré destiné au théâtre intitulé Voir pour croire, le présent mémoire propose une réflexion sur la forme dramatique à laquelle il oppose une résistance. La première partie du mémoire présente le projet de création combinant dessin et écriture. Vient ensuite la deuxième partie consacrée à la réflexion qui en découle. Dans le chapitre I, la notion de résistance à la forme dramatique est définie. S'inspirant de ses usages courants dans les domaines de la science physique, de la biologie, de la politique et de la psychanalyse, le concept de résistance est d'abord explicité. Il est ensuite mis en relation avec celui de forme dramatique, lui-même élaboré à partir des théories d'Aristote. Les notions d'épique et de mimesis, essentielles à la compréhension du genre, y sont aussi développées. Dans le chapitre Il, des manifestations de résistance à la forme dramatique dans l'écriture sont observées. S'inspirant principalement des théories de Szondi et de Sarrazac sur l'évolution et la crise du texte dramatique, ce chapitre se concentre davantage sur l'observation de tendances et de procédés que sur l'étude de cas. Les textes illustrés destinés au théâtre étant rarissimes, le chapitre III traite de pratiques scéniques ayant recours à l'image. Deux créations contemporaines y sont analysées de même que deux ouvrages tirés de représentations théâtrales intégrant des dessins ou des images tirées de photographies. Finalement, le chapitre IV retrace le parcours ayant mené à la création de Voir pour croire, texte illustré destiné au théâtre. Quelques dessins réalisés y sont analysés et leur transposition dans l'écriture y est explicitée. Plusieurs images ayant été intégrées au sein de la version finale, la fonction de l'image y est aussi développée. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Théâtre, Écriture dramatique, Image, Postdramatique, Crise du drame, Résistance.

La scène contemporaine privilégie de plus en plus une approche indisciplinaire en résonance avec une réalité fragmentaire. Elle produit des œuvres hybrides dont ce mémoire cherche à identifier les rouages à travers l'idée d'un nœud rythmique formé par des forces d'attraction et de répulsion. Ce nœud est un élément essentiel à la structure, à la cohérence et à la cohésion du spectacle. Dans un premier temps, un aperçu des modes d'interaction entre les arts, de la séparation à la fusion, permet de déterminer les enjeux de leur coexistence. S'en dégage, par une analogie musicale, la notion de partition capable d'organiser de façon dynamique les diverses composantes de l'œuvre. La réflexion se prête ensuite à une étude du phénomène rythmique. Au terme d'un survol des définitions et des éléments fondamentaux, le rythme s'impose comme modalité de correspondance et de composition. Principe structurant, il organise le temps de l'œuvre en le dotant de sens. Agent de perception, le rythme s'avère aussi inséparable du sujet qui l'articule. Le mémoire est ponctué par des renvois au volet pratique de cette recherche, un essai scénique intitulé Toujours déjà tombé. La dramaturgie de cette « conférence indisciplinée » s'est appuyée sur De l'autre côté du miroir de Lewis Carroll (et son écho critique, Logique du sens de Gilles Deleuze). À la fois maître et victime des mots, coincé dans la ritournelle de sa comptine, Humpty Dumpty est emblématique de l'expérience - il est « toujours déjà tombé ». La polysémie caractéristique du personnage permet de réfléchir au sens du discours, notamment celui de la conférence. Le destin tout tracé du célèbre œuf est l'occasion de revenir à la question du temps, cette fois dans un rapport plus étroit à la scène. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : rythme, interdisciplinaire, théâtre, spectacle, Humpty Dumpty, partition.

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Dans cette étude, nous examinons la question de l'identité et de la langue en Ontario français. Nous nous intéressons plus particulièrement aux discours identitaires, tels que représentés dans cinq pièces de théâtre contemporaines franco-ontariennes : Par osmose, L'Hypocrite, Zag, French Town et Mathieu Mathématique. Les dramaturges (respectivement le collectif Les Draveurs, Michael Gauthier et Michel Ouellette) exploitent des thèmes comme la place du français en Ontario et l'assimilation aux anglophones, l'histoire franco-ontarienne, mais aussi des thèmes généraux comme l'hypocrisie, l'adolescence et la famille. Les pièces Par osmose, L'Hypocrite et Zag s'adressent à un public adolescent et mettent en scène des personnages adolescents, tandis que French Town s'adresse aux adultes et Mathieu Mathématique aux enfants. En nous basant sur le corpus de l'Ontario français de Raymond Mougeon, nous avons pu mesurer l'écart entre la représentation d'une communauté – son histoire, sa langue et sa culture – et ses caractéristiques linguistiques. Nous montrons que l'écart entre les usages et les représentations dépend en grande partie du thème de la pièce et du public cible.

Teodor Mazilu est un dramaturge à succès, poète et romancier roumain, de l’époque communiste. Sa comédie humaine éreinte férocement les parvenus du régime, amoraux et candides. Cette satire plonge ses racines dans les profondeurs du spécifique roumain, à l’instar de Caragiale, Vasile Alecsandri et Urmuz, autant qu’elle s’inscrit dans le courant de l’absurde qui lui est contemporain. Teodor Mazilu est cependant original : il est allé plus loin que Caragiale dans la satire, et refuse d’endosser la philosophie de l’absurde. En revanche, l’absence de toute psychologie des personnages de Teodor Mazilu et le parallélisme de certaines de ses pièces avec celles d’Ionesco permettent d’affirmer que l’histoire du théâtre de l’absurde, ou plus exactement du théâtre d’avant-garde, serait incomplète sans Mazilu. Son théâtre, parfois interdit par la censure, a une lecture politique implicite qui dénonce le mythe de la fausse construction personnelle, qu’elle vienne de soi ou qu’elle soit imposée par les contraintes sociales. La grande originalité de Mazilu, dans la pièce Don Juan meurt comme tous les autres,est de montrer que le Commandeur et Sganarelle peuvent devenir un seul personnage,gardien de prison et de mythe, à la fois. Cette fusion est, naturellement, en rapport avec la société totalitaire, créatrice vigilante de mythes sociaux, où il vivait. La pédagogie de l’auteur est de montrer ainsi le lien de nécessité entre dissidence d’ordre politique et dissidence d’ordre intime. / Résumé en anglais non fourni par l'auteur.