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Report of travels, encounters, exchanges and impromptu music creations with musicians from different cultures, countries, musical traditions and backgrounds.

Dans cette thèse, je tente de comprendre l’intrigue politique qui lie musique et politique au prisme des musiques du monde. Il s’agit de comprendre ce que les acteurs font au nom de ces musiques et de quelles manières cet engagement questionne les idées que nous nous faisons de l’usage et des effets de la musique dans nos sociétés. La démonstration parcours quatre cas. Je commence par analyser les Etats Généraux des Musiques du Monde organisés en 2009 à Sciences Po et les échanges qui s’y déroulent. J’y analyse les disputes et controverses en regard des régimes de justification et des références historiques utilisées par les intervenants. Je tente de comprendre ce que font réellement les acteurs dans la situation produite par les Etats Généraux et quelle compétence ces arènes de dispute fabriquent. J’interroge l’évolution de la politique culturelle au prisme de la notion de disponibilité culturelle. De là, je rapproche la focale de mon observation vers l’un des acteurs, le festival africolor et un dispositif, celui de l’accompagnement artistique et professionnel de l’artiste Jean-Didier Hoareau. A travers ces deux chapitres, j’expose en vis-à-vis les intrigues festivalières et politiques et les compétences et savoir-faire qui caractérisent chacune des parties, des accompagnés comme des accompagnants, des programmateurs comme des artistes, des militants comme du public. Je reviens pour la première fois de manière réflexive sur la place que j’ai occupé pour cet accompagnement et la manière dont j’ai construit peu à peu ma réflexion dans le cadre de cette thèse. Pour le dernier cas, je m’attache à prendre en filature la fabrication de « Mulhouse Capitale du Monde », enquête, dispositif, événement, à travers plusieurs arènes d’interprétation : les débats d’un comité, la réception d’une enquête, les interviews de musiciens, l’organisation de concerts. Je problématise cette « filature » au sein d’un corpus de recherches autour de l’idée d’un lien entre gouvernance, mise en valeur d’un territoire et musique. J’essaie de saisir la fabrique d’un art de s’en mêler. / In this thesis, I attempt to understand the political intrigue linking music and politics within the prism of World Music. I aim to unveil what stakeholders do in the name of this music and in what ways their commitment calls into question our conceptions about how music is used and how it affects our society.I examine four cases, beginning with an analysis of the Forum for World Music (Etats Généraux) held in 2009 at Sciences-Po and the discussions that took place there. I examine the conflicts and controversies linked to the regimes of justification and the historical references used by the speakers. I attempt to comprehend what those taking part in the Forum were really doing in this context and what authority these arenas of conflict produced. I question the evolution of cultural policy through the prism of the concept of cultural availability.I go on to focus on one of the stakeholders, the Africolor festival and the artistic and professional support of the artist Jean-Didier Hoareau. In these two chapters, I unveil face to face the festival and political intrigues ; the specific expertise and savoir-faire of the accompanied and those accompanying them, of the programmers and the artists, of the activists and the audience. For the first time, I reflect on my role and the way in which I have formulated my reflection little by little for this thesis.Finally, I follow the creation of the “Mulhouse Capitale du Monde” event – investigation, organization, event, in various contexts: a committee’s debates, the receiving of an investigation, interviews with the musicians, the organization of the concerts. I call into question this “shadowing” with a body of research into the concept of a link between governing, the development of a territory and music. I attempt to grasp how one creates an art of interfering.

La musique et la danse constituent le noyau de la vie rituelle d’une confrérie au statut particulier, par rapport aux autres confréries du soufisme marocain, il s’agit des adeptes gnawa. Présenter comme les descendants d’anciens esclaves, les gnawa réconcilient dans leurs rituels des éléments mythiques qui les situent dans un entre-deux entre le licite et l’illicite, l’ici et l’ailleurs. Loin de s’achever dans des dichotomies de principes, leurs pratiques sont de fait plurielles et suggèrent un espace ou la logique communautaire est mise au service de la représentation de soi. Les transformations accélérées et les changements d’échelles qui affectent les mondes contemporains réorientent les modes d’existence des acteurs à travers des pratiques complexes et délibérées de performance, de représentation et d’action. Les éléments culturels gnawa sont mis en scène sous de nouveaux labels et poursuivent de nouveaux enjeux ou la référence culturelle masque le déni d’égalité entre les individus. Longtemps marginalisés, les gnawa sont aujourd’hui célébrés dans des espaces transnationaux qui poussent l’observateur à s’interroger sur les rapports entre sens social et liberté individuelle dans le monde contemporain. / Music and dance constitute the heart of ritual life provide the center of ritual life for a friary with particular status regard to the other friaries of Moroccan Sufism, the gnawa practitioners. Exploring their connexion to slavery the gnawa performed in the ritual cultural elements that place them in a space between the legal and illegal, the here and elsewhere. However those dichotomy are flawed, their practices are various and suggest a space where the community manage a representation of themselves. The changes of scale that affect the contemporary world renew the ways of existence of social actors. This position put the terms of reconstruction and management of gnawa identity in the perspective of ‘simultaneity time’, where culture is caught in an accelerated movement of time and space. Their practice is hardly of only local interest, circulating on the global market, rebuilt by different actors, this gnawa circulation bring to the light the understanding of tradition, patrimony, identity and otherness.

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The purpose of this study was to examine pedagogical practices of an Indian music professor, or guru, who teaches an Indian music ensemble in a United States institution of higher learning. The role of the world music professor has been refined and redefined over the last decade. The guru-shishya paramparā system of teaching has reached a crossroad; new conditions challenge this approach. The focus of this study was to investigate, through the lens of the guru, tensions that exist between Indian pedagogy and Western pedagogy. The research design was a single-case ethnographic study that utilized participant observation in an Indian music ensemble class. I expanded Schippers’s (2009) Twelve Continuum Transmission Framework by adding aesthetics to the continuum of the framework. I used this framework as a tool to examine Indian music transmission, through a distinct pedagogical viewpoint of a guru leading a non-Western music ensemble. In this study I noted factors that influence world music transmission in Indian music education at the School of Jazz and Contemporary Music at The New School. Information regarding attitudes and the reasons for certain pedagogical practices in Indian music education can provide insight to ensemble instructors and to administrators interested in building Indian music programs. This research has implications outside of Indian music education and for music department directors interested in expanding music programs.

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Creating cross-cultural understanding amongst students and incorporating music from various cultures around the world has become essential in the field of music education, but still has a long way to go to become more mainstream. The incorporation of world music in teacher preparation programs and music classrooms varies greatly. While many researchers have studied these elements separately, very little research exists on the connection between the type of music teacher preparation, performance life outside the classroom, and world music experiences a teacher creates in the curriculum. The purpose of this mixed methods study was to examine the relationship between: type of music teacher preparation, performance life outside of school, and world music experiences an individual teacher incorporates into their curriculum. This study used the sequential explanatory design model using a survey instrument (n=11) and participant interviews (n=9). Specifically, participants included secondary general music teachers working in Quaker schools in the United States with at least a bachelor's degree in music education. Quaker educators were included due to the population’s virtual exclusion from all current literature as well as their progressive outlook on education and inclusivity. Findings suggest that Quaker educators overwhelmingly have a desire to teach music from various cultures and utilize it in their classrooms mostly from professional development opportunities, despite their overall lack of training during their undergraduate coursework. While generalizable findings were difficult to explain due to a low number of participants in the survey, the qualitative interview data sheds a unique outlook on Quaker school teacher background and experience with world music. Implications for the field of music education and further research opportunities are also discussed. / Music Education

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). / Cette thèse aborde les problématiques épistémologiques et méthodologiques relatives à l’étude esthétique des pratiques vocales traditionnelles du Salento (sud de l’Italie). Les deux premières parties développent une réflexion épistémologique concernant d’une part le statut ontologique de l’expérience esthétique, de l’autre la pertinence d’une étude esthétique sur un terrain ethnomusicologique. La troisième et la quatrième parties exposent la recherche de terrain réalisée auprès de deux groupes socioculturels bien distincts de chanteurs du Salento : celui des paysans et celui des revivalistes. Ces deux univers en plus d’être caractérisés par deux classes d’âge différentes, s’ancrent dans deux réalités socioculturelles et économiques distinctes : d’une part le monde agro-pastoral ayant subsisté au Salento jusqu’aux années 1960 ; de l’autre la société contemporaine résultant des processus de tertiarisation, d’urbanisation et de globalisation mis en œuvre à partir de la deuxième moitié des années 1970. Le propos de cette thèse est d’expliquer en détail le fonctionnement de l’expérience esthétique de chacun des deux groupes de chanteurs vis-à-vis de leur pratique vocale. Il s’agit notamment de développer deux ethnographies différentes sur la base de caractéristiques socioculturelles et musicales propres à chaque contexte générationnel, étudiant toutes sortes de manifestations esthétiques et particulièrement les discours de nos chanteurs. Notre conclusion ouvre le champ de la comparaison des résultats obtenus au sein des deux enquêtes distinctes. Au-delà de la variété des critères, des comportements, des réactions et des facteurs qui caractérisent l’expérience esthétique des deux générations de chanteurs, nous cherchons à envisager la présence éventuelle d’une constante paradigmatique des critères esthétiques, valable aussi bien pour les chanteurs paysans anciens que pour les revivalistes. / This dissertation addresses epistemological and methodological problems related to studying the aesthetics of traditional vocal practices in Salento. In the first two sections of the dissertation, I examine from an epistemological perspective the ontological status of aesthetic experience and the relevance of studying aesthetics in ethnomusicological fieldwork. In the third and fourth sections I present the results of my fieldwork research, conducted with two distinct socio-cultural groups of Salentine singers: traditional singers and revival singers. In addition to coming from two different generations, these two groups of singers are also rooted in two distinct socio-cultural and economic milieux: in one case, the agro-pastoral world that subsisted in Salento until the 1960s; in the other case, contemporary society, which since the second half of the 1970s has been marked by urbanization, globalization, and the shift to a service economy. This dissertation explains in detail how each of the two groups of singers experience aesthetics. I develop two different investigations based on the socio-cultural and musical characteristics peculiar to each generational context, studying various kinds of aesthetic expressions and especially the singers’ discourse. In the conclusion I compare the results of the investigations I carried out with the two groups. Besides considering the variety of criteria, behaviors, reactions, and other factors that characterize the aesthetic experience of these two generations of singers, I propose that there exists a single, constant paradigm of aesthetic criteria that is valid for both traditional singers and for revival singers.