O presente trabalho investiga o papel e o lugar ocupados pelo jovem artista dentro do campo da arte hoje. Demonstra que esta figura passou por um processo de dupla mitificação: a de ser jovem e a de ser artista. Revela o processo da sua construção histórica e social, mostrando como este assumiu um papel central na arte do século XXI. A pesquisa foi realizada a partir de entrevistas com seis artistas nascidos na década de 1980 e 1990 – Daniel Escobar, Marcos Fioravante, Marina Camargo, Rafael Pagatini, Raquel Magalhães e Romy Pocztaruk. O olhar dos entrevistados é representativo de uma geração e serve como fonte primária para esta análise. / This work seeks to investigate the role and place occupied by young artists in todays art field. It shows that this group has gone through two different mythification processes: being young and being an artist. Revealing the social-historical process that they went through and showing how they play this central role in the arts of XXI century. A research was made by interviewing six artists born on 1980 and 1990 decades - Daniel Escobar, Marcos Fioravante, Marina Camargo, Rafael Pagatini, Raquel Magalhães e Romy Pocztaruk. The view of the interviewees is representative of this generation and serves as a primary source for this analysis.

Esta dissertação tem como campo empírico uma determinada escola da rede privada de Porto Alegre, RS (Escola Projeto), que contempla a arte contemporânea em seu currículo e que convida artistas a construírem esse trabalho em parceria. Como proposta de investigação, busca olhar para os movimentos que esse modo de pensar a arte provoca em professoras e artistas visuais que se aventuram para, juntos, viverem a escola e a educação, produzindo pensamento e estranhando práticas naturalizadas e acomodadas pelo tempo e pelo uso. Pensar o estranhamento nas práticas docentes, instigadas pelas provocações da arte contemporânea, sugere uma aproximação à noção de discurso, tendo em Michel Foucault o principal referencial teórico. Discurso que emerge a partir de conversas e entrevistas com os sujeitos de pesquisa e que são analisadas dentro do campo discursivo que as envolve, neste caso, arte e educação. Movimentos e discursos interessam a esta pesquisa, pois atuam no sentido de olhar para as práticas tidas como mínimas ou basiquinhas, termo usado por um dos sujeitos de pesquisa, e contribuem para pensar na contramão da acomodação e da generalização, tão presentes no modo como a escola vem se constituindo historicamente. Por tratar da arte e da docência, encontrando pontos de encontro e de conflitos entre os fazeres artísticos e pedagógicos, termos como rigor, criação e participação são analisados desde esses dois pontos de vista. Ao olhar para esses encontros, apostando na possibilidade de exercícios de modificação, criação e compartilhamento, ganha força o conceito de docência artista, apresentado por Luciana Loponte, na relação com uma formação docente artista, termo que nasce nesta pesquisa e que se refere a uma formação contaminada, acompanhada e encharcada pelo contato próximo com a arte contemporânea, capaz de rever as relações mais seguras sobre ensinar e aprender, nas artes e para além delas. Desse modo, mais do que buscar resultados ou apontar soluções, esta dissertação busca realizar apostas: na docência, com suas dúvidas e estranhamentos; na escola, com sua possibilidade de educar sem consolação; na arte contemporânea, com sua abertura para provocar rupturas e para desestabilizar o pensamento. É, portanto, nos encontros entre docência, escola e arte contemporânea que esta escrita desenvolve-se, adquire intensidade e potência. / This thesis has as an empirical study a certain private school in Porto Alegre, RS (School Project), which includes contemporary art into its curriculum as well as invites artists to build this partnership work. The bulk of this thesis is devoted to looking at what the moves that this way of thinking art instigate teachers and visual artists who venture to jointly live school and education, reasoning and wondering practices which are naturalized and accommodated by time and use. Thinking strangeness in teaching practices, instigated by contemporary art provocations, suggests an approach to the notion of discourse, having Michel Foucault as the main theoretical framework. Discourse that emerges from conversations and interviews with research subjects that are analyzed within the discursive field that these conversations involve, namely, art and education. Moves and discourses are subjects of interest to this research as they act in order to look at the practices taken as minimal or rough (basiquinhas), a term used by one of the research subjects, and contribute to think against of the grain of accommodation and generalization, as present in the way school has historically constituted. As this thesis discusses art and teaching, finding junction and conflict points between artistic and pedagogical doings, terms such as strictness, creation and participation are analyzed from these two standpoints. When looking at these junctions, focusing on the possibility of modification, creation and sharing exercises, gains strength the concept of artist teaching profession (docência artista), presented by Luciana Loponte, in relation to an artist teacher training (formação docente artista), a term born in this research which refers to an infected training, soaked and accompanied by close contact with contemporary art, able to review the most secure relationships on teaching and learning in the arts and beyond. Thus, more than seeking results or pointing solutions, this thesis aims at investing: in teaching, with its inquiries and strangeness; in school, with its ability to educate without consolation; in contemporary art, with its opening to cause disruptions and to destabilize the thought. It is, therefore, matches between teaching, school and contemporary art that this thesis develops, acquires intensity and power.

Arte em partilha trata das práticas colaborativas em arte contemporânea em seu processo de consolidação. Ao se utilizar do termo “partilha do sensível”, de Jaques Rancière, a pesquisa reflete sobre estas práticas a partir de três pontos: desmaterialização do objeto da arte, espaço de ocorrência e o outro. No capítulo OUTRA COISA, estas práticas são tratadas como elementos de novas formas de fazer na arte contemporânea e de como o objeto-coisa transforma-se em objeto processo. No capítulo OUTRO LUGAR a questão da espacialidade e endereçamento destas ações é discutidas. Em O OUTRO, é refletido de como a inserção do outro no processo artístico perpassa a questão do espectador. Ao longo do texto, são utilizados projetos dos artistas: Ricardo Basbaum, Ana Laura Lopez de La Torre, Sebastian Romo, Ana Maria Saavedra e Luis Alárcon (Galeria Metropolitana), Antoni Abad, Leticia Bertagna e Janice Martins Sitya Appel. / Art in distribution deals with collaborative and participative practices in contemporary art in its consolidation process. Using the term "distribution of the sensible" by Jaques Rancière, the research reflects on these practices from three perspectives: dematerialization of the art object, spatiality and the other. In chapter OTHER THING, these practices are analyzed as elements of new ways of art making in contemporary art and how the object-thing transforms into an object-process. In chapter OTHER PLACE, the issue of spatiality and addressment of these actions is discussed. THE OTHER reflects how the inclusion of the other in artistic process permeates the question of the spectator. Ricardo Basbaum, Ana Laura Lopez de la Torre, Sebastian Romo, Ana Maria Saavedra and Luis Alarcon (Metropolitan Gallery), Antoni Abad, Leticia Bertagna and Janice Martins Sitya Appel are the artists used as cases for this research.

A presente pesquisa problematiza a noção de paisagem na arte contemporânea a partir da fotografia. Para tanto, analisa trabalhos fotográficos de três artistas: Efêmera Paisagem, do paraense Alberto Bitar, West Solent Coastline Rhythm, do inglês radicado no Brasil Nick Rands, e A Road Divided, do americano Todd Hido. Nas obras em questão, o deslocamento é interpretado como parte fundamental do processo criativo e modo particular de vivenciar a paisagem, contribuindo para a elaboração de uma noção de paisagem como “passagem”, a partir de Nelson Brissac e Walter Benjamin. / The present research problematizes the notion of contemporary landscape in photography. It does so by analyzing three photographic works by three artists: Efêmera Paisagem, by the Brazilian Alberto Bitar, West Solent Coastline Rhythm, by the Englishman Nick Rands, and A Road Divided, by the American Todd Hido. In these works, moving about is treated as a fundamental part of the creative process and as a particular mode of experiencing landscape, contributing to the formulation of a notion of landscape as “passage”, as from Nelson Brissac and Walter Benjamin.

A presente pesquisa analisa o emprego de narrativas verbais como construtos ficcionais utilizados por artistas do campo visual através de seus trabalhos e documentações. Particularmente enfocam-se três aspectos desses escritos: quando se apresentam em forma autobiográfica; quando esta biografia é associada ao mundo histórico; e quando o artista torna-se autor de uma historiografia particular. Nesta investigação elegemos escritos considerados representativos dessas ocorrências enfocadas – entre eles os dos artistas Sophie Calle, Lucas Samaras, Ad Reinhardt, Joseph Beuys, Robert Morris e Jannis Kounellis. Através dessa análise, visa-se explanar algumas particularidades do gênero, tais como o que determina com que um escrito ficcional seja um trabalho do campo dito visual e não do literário; o porquê da escolha por parte dos artistas desse suporte como meio para suas significações; e por quais traços o meio verbal contagia um campo já usual à arte, o ficcional. / This research analyses the use of verbal narratives as fictional constructs by artists from the visual field, through the work of these artists and their documentation, particularly focusing in three aspects of these artist’s writings: as autobiographical, as biographical in relation to the historical world, and when the artist becomes the author of a particular art history. For investigating the subject it was selected a group of artists and artworks that could be considered representatives of these occurrences – as seen in writings from Sophie Calle, Lucas Samaras, Ad Reinhardt, Joseph Beuys, Robert Morris and Jannis Kounellis. The analysis explore questions as what would classifies a work of fiction within from the visual arts field instead of literary; why these artists chose this form of expression as medium for their significations; and how the verbal field influences the fictional in visual art.

A presente pesquisa procura reunir as reflexões pictóricas de Anselm Kiefer no âmbito da tradição intelectual da literatura, do mito, da história e da religião, e que se condensam na categoria da catástrofe de O Drama Barroco Alemão e do Trabalho das Passagens de Walter Benjamin. Procuraremos mostrar o estatuto da metrópole como o lugar do Mal, inscrevendo as produções artísticas de Anselm Kiefer no campo do pensamento trágico da vida, no sentido de viver sem o Bem e sob o amparo do Mal. Kiefer apresenta-se como o pintor cujas produções oscilam entre a Hybris do progresso e o terror da máxima destruição, do silêncio e do automatismo voltados para uma permanente catástrofe. Ao fim, delineia-se uma utopia negativa de uma barbárie positiva em meio ao Mal, que se tornou radical na nossa contemporaneidade. / The present Dissertation attempts to bring together Anselm Kiefers pictorial reflections toward the intellectual tradition sphere that encompasses Literature, Myth, History and Religion, all condensed by the Catastrophe label detached from The Origin of the German Tragic Drama and The Arcades Project both written by Walter Benjamin. The depiction of the Modern Metropolis as an embodiment of Evil is part of Anselm Kiefer artistic poetics. Kiefer depicts himself as the painter whose pictorial masterpieces oscillate between the Progress Hybris and the Terror of the supreme destruction, silence abysses in an ineluctable catastrophe. Towards the end, a negative utopia is outline from a positive barbarism, among the Evil that became radical in our contemporary societies.

CoordenaÃÃo de AperfeiÃoamento de Pessoal de NÃvel Superior / Esta pesquisa à sobre a fotografia entre a arte contemporÃnea e o documental. Usaremos como objeto as fotografias do livro âPaisagem Submersaâ, dos fotÃgrafos JoÃo Castilho, Pedro David e Pedro Motta, que se mostram como um hÃbrido, apresentando caracteristicas tanto da arte, como do documento. O texto tem suas bases teÃricas por meio da aproximaÃÃo de reflexÃes sobre a fotografia documental e a arte contemporÃnea, utilizando os autores Andrà RouillÃ, Jacques RanciÃre, Nicholas Bourriaud e Rosalind Krauss. A metodologia utilizada foi a AnÃlise FotogrÃfica, de FranÃois Soulages, que propÃe que devemos olhar a fotografia como um tipo particular de signo visual produzido em contextos especÃficos e as relaÃÃes sociais nas quais os sentidos sÃo operados e produzidos. Para ele, ao entender o objeto a ser fotografado, devemos pensÃ-lo como um objeto-problema, e devemos examinÃ-lo em funÃÃo do material fotogrÃfico e seu questionamento crÃtico e, ao mesmo tempo, dos imaginÃrios culturais. Acrescentamos a isso as ideias de Jon Prosser, que diz que o processo interpretativo do Estudo de Caso requer o gerenciamento dos dados visuais em uma sequÃncia lÃgica, que inclui organizaÃÃo, indexaÃÃo e categorizaÃÃo. O processo interpretativo comeÃa antes das fotografias serem vistas, nas decisÃes de quais fotografias e como elas foram escolhidas. Para isso, à necessÃrio criar um sentido entre as fotografias, mediante a observaÃÃo da valoraÃÃo contida nas imagens e sua relaÃÃo com o processo. / This research is about the photography between contemporary art and documentary. We will use, as the object, the photographs of the book "Underwater Landscape", of the photographers John Castillo, Pedro David and Pedro Motta, who appear as a hybrid, with characteristics of both, the art and the document. The text has its theoretical basis through reflection on the approach to documentary photography and contemporary art, using the authors Andrà RouillÃ, Jacques RanciÃre, Nicholas Bourriaud and Rosalind Krauss. The methodology used was the Photographic Analysis of FranÃois Soulages proposing that we should look at the photograph as a particular kind of visual sign produced in specific contexts and social relations in which the senses are operated and produced for him to understand the object to be photographed, we think of it as an object-problem, and we should examine it according to the photographic material and its critical questioning, and at the same time, the cultural imaginary. We improved this, with the ideas of Jon Prosser, who says the interpretative process of the Case Study requires the management of visual data in a logical sequence, which includes organizing, indexing and categorization. The interpretive process begins before the pictures are seen, decisions on which photos and how they were chosen, it is necessary to create a sense among the photographs, by observing the valuation contained in the images and their relation to the process.

CoordenaÃÃo de AperfeÃoamento de Pessoal de NÃvel Superior / A urgÃncia desta pesquisa parte de uma investigaÃÃo artÃstica acerca da aÃÃo de permanecer na cidade de Fortaleza. A partir do contexto da extrema desigualdade social e das inÃmeras chacinas que ocorreram entre os anos de 2015 e 2016, perÃodo de realizaÃÃo da pesquisa, desenvolvo exercÃcios de permanÃncia no litoral da cidade, mais especificamente a partir dos espigÃes - muros de contenÃÃo construÃdos entre o mar e a cidade. Ao desenvolver tais exercÃcios, cujas reflexÃes estÃo tambÃm presentes nesse texto, concentro-me em conjugar o verbo/procedimento de permanecer. NÃo se trata de um exercÃcio alheio ao corpo. Ao tratar a permanÃncia como um gesto de resistir no espaÃo, que nÃo se fixa, percebo o delicado equilÃbrio entre ir e ficar. / The urgency of this research is based on an artistic investigation about the action of staying in the city of Fortaleza. In the context of the extreme social inequality and the numerous slaughterings that took place between the years 2015 and 2016, during the period of the research, I develop permanence exercises on the coast of the city, more specifically the retaining walls built between the sea and the city. In developing these exercises, whose reflections are also present in this text, I concentrate on conjugating the verb / procedure of permanence. It is not an out of body exercise. In treating permanence as a gesture of resistance in space, which does not settle, I perceive the delicate balance between going and staying.

Parte, um exercício de reflexão, consiste no processo de produção dos trabalhos \"Corte\", Desenho, Ânima e Falta, este último tendo sido desenvolvido como um objeto materialmente inserido no corpo da tese. Parte surgiu pari passu com os próprios trabalhos, daí resultando, nesta tese, a presença entrelaçada de preocupações práticas e conceituais. / Parte, an experiment in reflection, consists in the process of production of the art works \"Corte\", Desenho, Ânima and Falta, this last one having been developed as an object materially embedded in the corpus of this dissertation. Parte has emerged pari passu with the works themselves, hence the intertwining of practical and conceptual concerns in this dissertation.

FundaÃÃo Cearense de Apoio ao Desenvolvimento Cientifico e TecnolÃgico / O estudo à um exercÃcio de aproximaÃÃes com a obra de Josà Leonilson (1957-1993), em especial, das escritas que pulsam de suas obras. Tais aproximaÃÃes se deram a partir de visitas Ãs exposiÃÃes e ao acervo Projeto Leonilson, de revisÃes bibliogrÃficas (LAGNADO, 1998; BECK, 2004; RICCIOPPO, 2010; PERIM, 2013; CASSUNDÃ, 2013; PEDROSA, 2014) e documentÃrios (HARLEY, 1997; VIVALVI, 2003). Na compreensÃo do fazer em arte como pensamento e criaÃÃo da vida a partir do sensÃvel das sensaÃÃes, uma orientaÃÃo cartogrÃfica se faz presente produzindo relaÃÃes ente arte e vida (DELEUZE e GUATTARI 1992, 1995, 2007; KASTRUP, 2010; ROLNIK, 2014). Nesse sentido, o exercÃcio de uma cartografia de afetos se constitui, na trama das relaÃÃes entre vida, obra e conceito. O exercÃcio cartogrÃfico se faz a partir de bordados, de forma a costurar questÃes que afetam a pesquisadora ao estar em contato com as obras. Ao detectar uma escrita que compÃe a obra em diferentes momentos, compreende-se a coexistÃncia obra-artista e de como esta produz questÃes com a arte contemporÃnea e subjetividade a pensar modos singulares de existir. / The study is an exercise of approaches towards the work of Josà Leonilson (1957-1993), in particular the writings that pulsate from his art pieces. Such approaches were set forth through visits to exhibitions and to the archives of the Leonilson Project, as well as through literature review (LAGNADO, 1998; BECK, 2004; RICCIOPPO, 2010; PERIM, 2013; CASSUNDÃ, 2013; PEDROSA, 2014) and documentary videos (HARLEY, 1997; VIVALVI, 2003). Within the understanding of art making as thought and creation of life based on sensitive sensations, a cartographic orientation is present, producing relations between art and life (DELEUZE and GUATTARI 1992, 1995, 2007; KASTRUP, 2010; ROLNIK, 2014;). In this sense, a cartography of affections is crafted through an exercise of weaving together the relations among life, artwork and concept. The composition of this cartography is based on embroideries, in such a manner to sew the questions that affect this researcher as she gets in touch with the artistâs work. After detecting a peculiar writing that makes up the artworks at different moments, the very co-existence of the artwork-artist is understood, and how it produces questions with contemporary art and subjectivity, thus thinking of unique ways to exist.