Esta pesquisa objetiva apresentar uma análise sobre a utilização da vitrine como espaço integrante da obra de arte. Problematiza a necessidade do uso do espaço isolado e intocável da vitrine como área imprescindível para determinadas propostas artísticas contemporâneas. Averigua também as relações entre a área envidraçada da vitrine e o observador. Verifica como a vitrine é tematizada não só no espaço arquitetônico, mas também na pintura e na fotografia. Examina dessa maneira a atitude dos artistas em colecionar, selecionar, organizar, classificar, deslocar e exibir uma série de objetos reunidos no interior de tal dispositivo. Interroga se a presença de artistas que trabalham com a vitrine ou com o espaço, apenas delimitado, não estaria ligada à crise do conceito tradicional de autor. / This research aims to present an analysis of the use of the museums display as an integrating space of the work of art. It gives emphasis on the use of an isolated and untouchable space in the museums display as an essential area to establish contemporary aesthetic proposals. So, it also checks how the display case is given thematically not only in the architectural space, but also in the painting and photograph. It analyses the artists approach of collecting, selecting, arranging, assorting, displacing and displaying a series of united objects in the interior of such device. It is questioned if the presence of the artists who work with the museum display or with demarked space would not be tied to the crisis of the authors traditional concept.

A presente pesquisa foi elaborada a partir da minha produção prática em desenho realizada no período de 2009 a 2011. Trata-se de uma reflexão, que busca abarcar a formação dos trabalhos, transcorridos por referências, tais como os documentos de trabalho que englobam as coleções de desenhos e os registros diários. O objeto de pesquisa refere-se à elaboração de reservatórios gráficos formados por múltiplos desenhos que condensam vestígios/experiências e materiais. A pesquisa reuniu considerações sobre as diversas instaurações que envolvem as escolhas materiais, as camadas do fazer e a montagem. / This research was drawn from my practice production in drawing performed in the period from 2009 to 2011. This is a reflection that seeks to encompass the formation of the works, which pass by references such as the working papers including the collections of drawings and the daily entries. The research object concerns the development of graphical shells that are formed from multiple drawings that condense trace/experiences and materials. The survey gathered considerations on the various instaurations which involve the material choices, the making layers and the installation.

Essa tese resulta de pesquisa artística ancorada na vivência de atelier de litografia. Desenvolvida de "##$ a "#%#, a investigação articula prática e reflexão teórica, com recorte específico no procedimento de gravura que tem como matriz a pedra calcária, e seus possíveis deslocamentos. A pesquisa tem como objetivo principal investigar factíveis desvios técnicos, transladando o conceito de gravura, subjugado à edição a um trabalho técnico-estético, com foco na arte contemporânea. Toma-se como pressuposto a possibilidade de um fazer que inclua o olhar fenomenológico, cruzando procedimentos técnicos e processos criativos, amalgamando látex às litografias, para criar o que denominamos ‘Policorpos’. Os conceitos abordados dizem respeito aos estados de alteração das imagens, provocados pelas reações químicofísicas das matérias e pela atitude experimental !ente à técnica. Impressão é o conceito operacional que baliza a investigação. Pedra-matriz, água, gorduras, óxidos, papel, látex, instauram um deslizamento contínuo entre a prática e fenômenos percebidos e intuídos na impermanência relativa dos corpos. Os trabalhos obtidos evidenciam uma fisicalidade fluídica fazendo alusões ao informe. A transitoriedade (in) formal inerente aos procedimentos da aguada litográfica e do manuseio do látex, problematizam a função autor. / This thesis is the result of an artistic research based on lithography atelier experience. Developed !om "##$ to "#%#, the investigation combines practice and theorical reflexion, with specific jag on the engraving procedure which has as matrix the limestone and its possible displacements. The research has as main goal to explore possible technical deviations translating the engraving concept subjugated to edition to a technical-esthetical work with focus on contemporary art. It is presupposed that the possibility of a making that includes a phenomenological look, crossing technical procedures and creative processes, amalgamating latex to the litographies, in order to create what is called ‘Polybodies’. The concepts discussed concern the alteration estates of the images, caused by the chemical-physical reactions of the materials, and by the experimental attitude towards the technical attitude. Impression is the operational concept that drives the investigation. Litograph matrix, water, greases, oxides, paper, latex introduce a continuous sliding between the practice and the perceived and established phenomena in the relative non permanence of the bodies. The obtained works evidence a fluidic physicality making allusion to the formless. The (in)formal transitoriety inerent to the lithographic watery and the latex manipulation problematize the author function.

A presente pesquisa analisa o emprego de narrativas verbais como construtos ficcionais utilizados por artistas do campo visual através de seus trabalhos e documentações. Particularmente enfocam-se três aspectos desses escritos: quando se apresentam em forma autobiográfica; quando esta biografia é associada ao mundo histórico; e quando o artista torna-se autor de uma historiografia particular. Nesta investigação elegemos escritos considerados representativos dessas ocorrências enfocadas – entre eles os dos artistas Sophie Calle, Lucas Samaras, Ad Reinhardt, Joseph Beuys, Robert Morris e Jannis Kounellis. Através dessa análise, visa-se explanar algumas particularidades do gênero, tais como o que determina com que um escrito ficcional seja um trabalho do campo dito visual e não do literário; o porquê da escolha por parte dos artistas desse suporte como meio para suas significações; e por quais traços o meio verbal contagia um campo já usual à arte, o ficcional. / This research analyses the use of verbal narratives as fictional constructs by artists from the visual field, through the work of these artists and their documentation, particularly focusing in three aspects of these artist’s writings: as autobiographical, as biographical in relation to the historical world, and when the artist becomes the author of a particular art history. For investigating the subject it was selected a group of artists and artworks that could be considered representatives of these occurrences – as seen in writings from Sophie Calle, Lucas Samaras, Ad Reinhardt, Joseph Beuys, Robert Morris and Jannis Kounellis. The analysis explore questions as what would classifies a work of fiction within from the visual arts field instead of literary; why these artists chose this form of expression as medium for their significations; and how the verbal field influences the fictional in visual art.

O objetivo deste trabalho consiste em identificar e compreender a problemática artística constituída pela instalação procurando enfatizar as contribuições deste segmento da produção para o debate crítico contemporâneo. A pesquisa foi desenvolvida através da análise crítica de um conjunto de obras recentes produzidas por artistas brasileiros e estrangeiros – entre os quais citamos Artur Barrio, Cildo Meireles, Christian Boltanski, Jenny Holzer, Jochen Gerz, Regina Silveira, Tunga, Vera Chaves Barcellos – e vinculadas às noções de “instalação”, “site specific”, “in situ” e “intervenção”, procurando perceber diferenças e similaridades quanto ao modo como operam com o espaço do recinto de exposição, como se espacializam e no que concerne às condutas que preconizam ao espectador. Como fundamento teórico – mas também como objeto de discussão – considerou-se o debate em torno da definição da arte, com especial atenção aos aportes oriundo da sociologia da arte (Pierre Bourdieu; Nathalie Heinich), da filosofia (Artur Danto, Jean-Marie Schaeffer) e da bibliografia recente e especializada no tema da instalação (Archer et. al. , Krauss, Kwon, Reiss, Rosenthal). A partir deste trabalho analítico e conceitual evidenciou-se o caráter contextual, relacional e situado no tempo e no espaço das obras que se configuram como instalação em confronto às noções convencionais de unicidade da obra de arte e de autonomia em relação à localização da obra e às condutas do espectador. / The goal of this thesis is to identify the artistic problematic raised by installation art and to understand the contribution of this segment of artistic production to the contemporary critical debate. The work was developed through the critical analysis of a body of recent work by both foreign and Brazilian artists, among which are Artur Barrio, Cildo Meireles, Christian Boltanski, Jenny Holzer, Jochen Gerz, Regina Silveira, Tunga, Vera Chaves Barcellos. All of these artists are associated to the notions of 'installation', 'site specific', 'in situ' and 'intervention'. We analyse the differencesand similarities with respect to the way they use the exhibition space and how they deal with the expectations of the spectator's behaviour. As a theoretical foundation and also as a topic of discussion we consider the debate concerning the definition of art with special attention to the contributions of sociology of art (Pierre Bourdieu; Nathalie Heinich), philosophy (Artur Danto, Jean-Marie Schaeffer) and the recent specialized literature on the theme of installation art (Archer et. al., Krauss, Kwon, Reiss, Rosenthal). Departing from this analytical and conceptual work we discuss the contextual and relational character of works configured as installations situated in time and space, in opposition to the conventional notions of the art work as a unique object, as autonomous with respect to the its exhibition site and as independent of the spectator's behaviour.

A presente pesquisa problematiza a noção de paisagem na arte contemporânea a partir da fotografia. Para tanto, analisa trabalhos fotográficos de três artistas: Efêmera Paisagem, do paraense Alberto Bitar, West Solent Coastline Rhythm, do inglês radicado no Brasil Nick Rands, e A Road Divided, do americano Todd Hido. Nas obras em questão, o deslocamento é interpretado como parte fundamental do processo criativo e modo particular de vivenciar a paisagem, contribuindo para a elaboração de uma noção de paisagem como “passagem”, a partir de Nelson Brissac e Walter Benjamin. / The present research problematizes the notion of contemporary landscape in photography. It does so by analyzing three photographic works by three artists: Efêmera Paisagem, by the Brazilian Alberto Bitar, West Solent Coastline Rhythm, by the Englishman Nick Rands, and A Road Divided, by the American Todd Hido. In these works, moving about is treated as a fundamental part of the creative process and as a particular mode of experiencing landscape, contributing to the formulation of a notion of landscape as “passage”, as from Nelson Brissac and Walter Benjamin.

Esta pesquisa inscreve-se no cenário da formação inicial com alunas de Curso Normal com idade de 14 a 18 anos, de uma escola de internato situada no município de Estrela, interior do estado do Rio Grande do Sul. O principal objetivo da pesquisa foi propor um experimento com essas alunas, fazendo uso da escrita de cartas e da arte contemporânea, a partir de experiências minhas, na vida escolar e profissional. Para tanto, ofereci oficinas sobre escrita como uma maneira de convidar as alunas a pensar sobre os processos de formação, na escola e na vida. Utilizei-me das discussões a respeito do cuidado de si estudado por Foucault, as relacionando em alguns momentos com as teorizações trazidas por Nietzsche. Foram realizados 11 encontros entre 2010 e 2011, organizados a partir de exercícios de escrita, como também da recepção de obras de artistas contemporâneos que trabalham com a escrita, tais como León Ferrari, Mira Schendel, Elida Tessler e Jorge Macchi. Estes encontros tornaram-se um espaço de conversa e pensamento sobre si mesmo e de intensificação das relações sociais no âmbito da formação inicial docente. O corpo empírico do trabalho compõe-se das cartas produzidas pelas alunas (cartas-vontade a partir da história “A bolsa amarela”, cartas a partir de obras dos artistas contemporâneos analisados e cartas-avaliações produzidas no último encontro), como de anotações em um diário de campo e as escritas de um diário coletivo, realizadas a cada encontro por uma aluna diferente. A análise dos materiais aconteceu a partir de relações tecidas a partir das potencialidades das escritas produzidas, a saber: (Re)pensar alguns modos de ser e olhar pelas misturas em arte e escrita (artescrita), possibilidade de deslocamentos e recomposições de si. Neste trabalho, situa-se a prática de escrita na proximidade do cuidado de si e as oficinas como espaço de experimentação que pretende problematizar algumas verdades sobre os modos de ser professor, aluno e adolescente buscando transformar estas verdades, em princípio racional, criando um estilo próprio de vida. Convida-se a pensar, na arte contemporânea como uma técnica do cuidado de si, aprender com os artistas a (de)compor a composição da escrita utilizada normalmente na escola, deslocar algumas naturalidades nos modos de pensar, e pensar outras maneiras para se compor reinventar-se, ainda que sem garantias, favorecendo o pensar sobre si, sobre os outros numa tentativa incansável de desfocar o olhar, a fim de empreender um projeto ético de estar atento as próprias ações. Uma maneira de constituir-se sujeito e professor, com a possibilidade de inúmeras composições. / This research is part of the stage of initial training in the Teaching Profession Course students aged 14-18 years in a boarding school located in the city of Estrela, the state of Rio Grande do Sul . The main objective of this research was to propose an experiment with these students, making use of letter writing and contemporary art, from my experiences in school and professional life. To this It was offered workshops on writing as a way to invite the students to think about the processes of formation, in school and in life. I drew the discussions about the care of oneself, studied by Foucault, relating them in some moments with the theories brought by Nietzsche. Eleven meetings were held between 2010 and 2011, arranged from writing exercises, as well as the reception of works by contemporary artists who work with writing, such as León Ferrari, Mira Schendel, Elida Tessler and Jorge Macchi, in an area of talking and thought about yourself and intensification of social relations in the context of initial teacher training. The empirical body of work consists of the letters produced by the students (letters-will from the story "The yellow bag," Letters from the works of contemporary artists analyzed and letters-assessments produced at the last meeting), as notes in a diary and writings of a collective diary, held every other meeting by a different student. The analysis of the materials came from relationships made regarding the potential of the records produced, namely: (Re) thinking in some ways of being and look for mixes art and writing (written art), possibility of dislocation and shifts yourself. In this paper, stands out the practice of writing in the proximity of self-care and workshops as a space of experimentation that intend to discuss some truths about the ways of being a teacher, student, youth, seeking to turn these truths in rational principle, creating an own life style. You are invited to think, in contemporary art as a technique of self-care, learning from the artists (de) compose a written composition normally used in school, to dislocate some naturalities in ways of thinking, and thinking about other ways to compose reinvent itself, even without guarantees, favoring the think about yourself, about others in a restless attempt to blur the gaze in order to undertake an ethical project to be aware to the own actions. One way to constitute subject and teacher, with the possibility of numerous compositions.

Este trabalho se constitui em uma investigação sobre a presença da suspeita na fotografia contemporânea como estratégia de enfrentamento dos conceitos estabelecidos sobre o meio no período moderno e de criação de novas possibilidades de linguagem. Com a análise de obras de artistas brasileiros que se utilizam da fotografia, pretende-se evidenciar como o instante de captura da imagem deixa de ser o elemento central da expressividade. Através da manipulação, nos momentos anteriores e posteriores ao ato fotográfico, os artistas incluídos nesta pesquisa exploram as ambigüidades da imagem e questionam suas dimensões como objeto de práticas sociais e como mediação da cultura. A idéia da suspeita em relação à fotografia é abordada tanto como motivação das práticas artísticas quanto como meio de utilização da imagem como dispositivo de interlocução do artista com o público, que é convidado a decifrar a obra nas múltiplas possibilidades de sentido que se criam entre as etapas de sua construção. / This work constitutes an investigation about the presence of suspicion in the contemporary photography as a strategy to challenge the established concepts about this media in the modern age, and to allow the creation of a new language. By analyzing Brazilian artists that make use of photography, the author intends to make evident how the instant the image is captured is no longer the central element of expression. Through the manipulation of the image in the moments preceding and following the photographic instant, the artists included in this study explore the ambiguities of the image end question its dimensions as an object of social practices and as a mediator for culture. The idea of suspicion, as it relates to photography, is approached as a motivating factor in the artistic practice as well as a means of using the image as a device to promote the dialogue between the artist and the public, who is invited to decipher the work in its multiple possibilities of meaning created during its developmental phases.

A presente dissertação tem como objetivo analisar uma prática artística que, na contemporaneidade, vem ganhando ampla dimensão e recorrência: o ato de andar. As implicações do percurso e sua dimensão plástica são motes cruciais a esta análise, que busca, à luz de um recorte histórico, traçar as especificidades desse ato com base na análise de produções artísticas posteriores à década de 1960. Para entendimento dos distintos aspectos que o caminhante apresenta na arte contemporânea, são traçadas três aproximações que, paralela e independentemente, dão subsídios à análise proposta. A primeira delas, aborda a caminhada no contexto de um breve panorama histórico das produções artísticas, buscando qualificar dois momentoschaves para a diferenciação dos trabalhos que a tomam como mote: a caminhada como representação e a caminhada como ato. A segunda aproximação faz o levantamento do léxico que tem paulatinamente buscado qualificar a caminhada nas suas mais diferentes acepções. É desse léxico que emergem as principais considerações teóricas sobre as especificidades da caminhada como ato com implicações estéticas, tendo como base a deriva situacionista, a estética radicante de Nicolas Bourriaud e a abordagem fenomenológica de Thierry Davila sobre deslocamento. Por fim, a terceira aproximação apresenta um estudo de caso que consiste na análise da produção do artista de origem belga, radicado no México, Francis Alÿs. / This dissertation aims at analyzing an artistic practice that, in contemporaneity, has gained a vast extension and recurrence: the act of walking. The implications of the pathway and its aesthetic dimension are crucial mottos in the analysis that tries to outline this act\'s specificities, focusing on the artistic productions after the 1960\'s. To understand the distinct qualities that the walker pursues in contemporary art, three approaches are outlined; in parallel and independently, they subsidize the proposed analysis. The first deals with the insertion of the act of walking in a brief historical panorama of the artistic works, specifying two key-moments: walking as representation and walking as an act. The second approach presents an inventory of the lexicon that gradually qualifies the act of walking in its most various meanings. It is from this glossary that the main theoretical considerations about the specificities of walking as an act with aesthetical implications emerge from, based on the situationist dérive, on Nicolas Bourriaud\'s radicant aesthetics and on Thierry Davila\'s phenomenological approach on displacement. Lastly, the third approach presents a case study that has the analysis and interpretation of Belgian artist Francis Alÿs\' as its key element, an example of the artist as a contemporary drifter/wanderer and his insertion in and relation with the city.

Esta dissertação tem como campo empírico uma determinada escola da rede privada de Porto Alegre, RS (Escola Projeto), que contempla a arte contemporânea em seu currículo e que convida artistas a construírem esse trabalho em parceria. Como proposta de investigação, busca olhar para os movimentos que esse modo de pensar a arte provoca em professoras e artistas visuais que se aventuram para, juntos, viverem a escola e a educação, produzindo pensamento e estranhando práticas naturalizadas e acomodadas pelo tempo e pelo uso. Pensar o estranhamento nas práticas docentes, instigadas pelas provocações da arte contemporânea, sugere uma aproximação à noção de discurso, tendo em Michel Foucault o principal referencial teórico. Discurso que emerge a partir de conversas e entrevistas com os sujeitos de pesquisa e que são analisadas dentro do campo discursivo que as envolve, neste caso, arte e educação. Movimentos e discursos interessam a esta pesquisa, pois atuam no sentido de olhar para as práticas tidas como mínimas ou basiquinhas, termo usado por um dos sujeitos de pesquisa, e contribuem para pensar na contramão da acomodação e da generalização, tão presentes no modo como a escola vem se constituindo historicamente. Por tratar da arte e da docência, encontrando pontos de encontro e de conflitos entre os fazeres artísticos e pedagógicos, termos como rigor, criação e participação são analisados desde esses dois pontos de vista. Ao olhar para esses encontros, apostando na possibilidade de exercícios de modificação, criação e compartilhamento, ganha força o conceito de docência artista, apresentado por Luciana Loponte, na relação com uma formação docente artista, termo que nasce nesta pesquisa e que se refere a uma formação contaminada, acompanhada e encharcada pelo contato próximo com a arte contemporânea, capaz de rever as relações mais seguras sobre ensinar e aprender, nas artes e para além delas. Desse modo, mais do que buscar resultados ou apontar soluções, esta dissertação busca realizar apostas: na docência, com suas dúvidas e estranhamentos; na escola, com sua possibilidade de educar sem consolação; na arte contemporânea, com sua abertura para provocar rupturas e para desestabilizar o pensamento. É, portanto, nos encontros entre docência, escola e arte contemporânea que esta escrita desenvolve-se, adquire intensidade e potência. / This thesis has as an empirical study a certain private school in Porto Alegre, RS (School Project), which includes contemporary art into its curriculum as well as invites artists to build this partnership work. The bulk of this thesis is devoted to looking at what the moves that this way of thinking art instigate teachers and visual artists who venture to jointly live school and education, reasoning and wondering practices which are naturalized and accommodated by time and use. Thinking strangeness in teaching practices, instigated by contemporary art provocations, suggests an approach to the notion of discourse, having Michel Foucault as the main theoretical framework. Discourse that emerges from conversations and interviews with research subjects that are analyzed within the discursive field that these conversations involve, namely, art and education. Moves and discourses are subjects of interest to this research as they act in order to look at the practices taken as minimal or rough (basiquinhas), a term used by one of the research subjects, and contribute to think against of the grain of accommodation and generalization, as present in the way school has historically constituted. As this thesis discusses art and teaching, finding junction and conflict points between artistic and pedagogical doings, terms such as strictness, creation and participation are analyzed from these two standpoints. When looking at these junctions, focusing on the possibility of modification, creation and sharing exercises, gains strength the concept of artist teaching profession (docência artista), presented by Luciana Loponte, in relation to an artist teacher training (formação docente artista), a term born in this research which refers to an infected training, soaked and accompanied by close contact with contemporary art, able to review the most secure relationships on teaching and learning in the arts and beyond. Thus, more than seeking results or pointing solutions, this thesis aims at investing: in teaching, with its inquiries and strangeness; in school, with its ability to educate without consolation; in contemporary art, with its opening to cause disruptions and to destabilize the thought. It is, therefore, matches between teaching, school and contemporary art that this thesis develops, acquires intensity and power.