This task s purpose was to discuss the experiences of four female teachers, being teacher 1 a pedagogue of child education, teachers 2 and 3 pedagogues of initial years and teacher 4 a bachelor in art education. Monthly meetings were used to promote a dialog with their experiences and with contemporary art. It was a qualitative study, through the Education Cultural Studies theoretical-methodological approach. This research results from the need to think a formative process which may address contemporary questions about art and education. A conclusion is that despite their lack of profound experiences with contemporary art, there are inquietudes which lead to glimpses of such experience, allowing, then, discussions about it. / A proposta deste trabalho foi problematizar as experiências de quatro professoras, sendo a professora 1, pedagoga de educação infantil, a professora 2, pedagoga dos anos iniciais, a professora 3, pedagoga também dos anos iniciais e a professora 4, licenciada em educação artística. A partir de encontros mensais buscou-se um diálogo entre a experiência dessas professoras e a arte contemporânea. O estudo foi de cunho qualitativo, a partir da abordagem teórico-metodológica dos Estudos Culturais em Educação. Este estudo decorre da necessidade de se pensar um processo formativo que contemple as questões da contemporaneidade no que se refere à arte e à educação. Conclui-se que apesar de não existir uma experiência aprofundada com a arte contemporânea, há inquietações que vislumbram tal experiência, permitindo, assim, problematizá-las.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This search presents reflections on the female body as an object in the contemporary art and some enquiries within history that led to this denomination. Through this, it was noted the importance of the role of women in society that led the images of your body dressed result in social transformations and in Visual Arts. With these questionings, I put in question the symptoms that are present in contemporary art related to the female body and I exemplify with works of women artists that discuss their own body stripped within contemporary society. To address issues on the body alive in art, the artists make questions about body art, the trivialization of women's image, sharp and seductive objects, performance and technology, placing the female body in debate. / Esta pesquisa busca apresentar reflexões sobre o corpo feminino como objeto na arte contemporânea e alguns questionamentos dentro da história que levaram a esta denominação. Por meio disto, procurei ressaltar a importância do papel da mulher na sociedade, na qual teve as imagens de seu corpo vestido acarretar em transformações sociais e nas artes visuais. Com estes questionamentos, coloco em questão sintomas que estão presentes na arte contemporânea relacionados com o corpo feminino e exemplifico com obras de artistas mulheres que problematizam assim seu próprio corpo despido dentro da sociedade contemporânea. Ao tratar de questões sobre o corpo vivo na arte, as artistas tecem questões sobre a body art, a banalização da imagem da mulher, objetos cortantes e sedutores, performances e tecnologia, colocando assim o corpo feminino em debate.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DEBORAH.pdf: 2054685 bytes, checksum: 86c1cfff0a2428d9de6939603fea9109 (MD5) Previous issue date: 2008-07-18 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The reappearing of the debate about allegory in the contemporary art may be faced as the return of a reiterated question, although already announced by Walter Benjamin, since then little advanced. In this sense, the artistic production of Caetano de Almeida, in dialogue with other artists` works and theoretical texts, allows that a problematic pertinent to Art History, Theory and Critics, modernizing it, especially in what refers to the nature of image in its relation to temporality. In the more conventional way, a definition of allegory comes such from the philosophy of Plato as from literature, being considered as a figure of speech where is possible to say one thing through another. In art, this is about a notion, attribute or possibility of the work to say another thing to beyond itself, it means, the allegory appears as a resource destined to surpass what presents as the most visible or immediate. To problematize this concept to beyond a simple definition is constituted in a way of proaching the artistic image, not only as what is looked, but also as something that looks and makes to think beyond its evident visibility. This about less proposing axioms and more discussing its reverberations and rebuts, especially onsidering three aspects: the anachrony, the duplication and the visuality. The first one discusses the assembly as procedure present in the works of the series Mundo Plano, considering the actions of fragmentation and juxtaposition, as well as allowing the resignification and constitution of an anachronical cartography of the modern painting history. The second aspect proposes the duplication as an operation that reveals the difference present in the series As Madames and Exposição de Quadros, in which both have as starting point the appropriation of images of the art history, which affirming the reduplication bounce the appraised principles of originality opposed to the ones of repetition as difference. In the last aspect, it is discussed the meat of the painting, it means, the very own constitution of the artistic visuality as an allegory. There are then the vestiges of the artist s search unveiled under the pictorial surface, present question in the exposition Borda, as well as in Adriana Varejão, Nuno Ramos and Dudi Maia Rosa s works. These three aspects allow considering that the work speaks in its own terms, being therefore, creation of a world that points always in two directions, where the allegory allows the speech, such as to an inside from an outside, as from an interior launched to beyond its limits / O reaparecimento do debate sobre a alegoria na arte contemporânea pode ser encarado como retorno de uma questão recalcada, que embora já anunciada por Walter Benjamin, desde então pouco avançou. Neste sentido, a produção artística de Caetano de Almeida, colocada em diálogo com trabalhos de outros artistas e textos teóricos, permite que se retome uma problemática pertinente à História, Teoria e Crítica de arte, atualizando-a, especialmente no que se refere à natureza da imagem e sua relação com a temporalidade. No sentido mais convencional, uma definição de alegoria advém tanto da filosofia de Platão como da literatura, sendo considerada como uma figura de linguagem onde é possível dizer uma coisa através da outra. Na arte, trata-se de uma noção, atributo ou possibilidade da obra dizer outra coisa para além dela mesma, ou seja, a alegoria comparece como recurso destinado a ultrapassar o que apresenta como mais visível ou imediato. Problematizar este conceito para além de uma mera definição, constitui-se num modo de abordar a imagem artística não somente como aquilo que é olhado, mas também como algo que olha e faz pensar para além de sua visibilidade evidente. Trata-se menos de propor axiomas e mais de discutir suas reverberações e rebatimentos, especialmente considerando três aspectos: a anacronia, a duplicação e a visualidade. O primeiro discute a montagem como procedimento presente nos trabalhos da série Mundo Plano, considerando as ações de fragmentação e justaposição, bem como possibilitando a ressignificação e constituição de uma cartografia anacrônica da história da pintura moderna. O segundo aspecto propõe a duplicação como uma operação que revela a diferença presente nas séries As Madames e Exposição de Quadros, sendo que ambas têm como ponto de partida a apropriação de imagens da história da arte, as quais afirmando a reduplicação colocam em xeque os princípios valorativos da originalidade contrapostos aos da repetição como diferença. No último aspecto, discute-se a carne da pintura, ou seja, a própria constituição da visualidade artística como uma alegoria. Têm-se então os vestígios da busca do artista desvelada sob a superfície pictórica, questão presente na exposição Borda, assim como nos trabalhos de Adriana Varejão, Nuno Ramos e Dudi Maia Rosa. Estes três aspectos permitem considerar que a obra fala nos seus próprios termos, sendo portanto, criação de um mundo que aponta sempre em duas direções, onde a alegoria possibilita a fala, tanto para um dentro a partir de um fora, como de um interior lançado para além de seus limites

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 luciane.pdf: 4851524 bytes, checksum: d9de10c33240b35f0db5d7c32fc32716 (MD5) Previous issue date: 2009-08-19 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research intended an analysis from the French plastic artist Hubert Duprat s work, his Cases. Aiming to study questions that could help to understand contemporary art and its peculiarities, and wishing understanding a little more about the use of gold as plastic material in art through time, this contemporary artist was chosen and this work of his, which are little cases made in gold and precious stones. The artist started this work with cocoons in 1983 and is developing it until today, raising questions that are anachronical in Art History, as the concepts of sacred, copy without original, strangeness, preciosity. However this artist also resignifies the work s making in contemporary art, once his artistic process is based in the object, the result, the finishing, more than just the concept or generating idea. Starting from these premises, other series of this artist s works followed, which are related to the gold cases through material or concept; and with the help of authors as Georges Didi-Huberman and Aby Warburg it was possible to look to these works from an assembling procedure, and with Gilles Deleuze it was allowed to develop a study based in his concept of repetition with difference. This theoretical luggage legitimated other relations of the Duprat s selected works to other artists and periods in art history, bringing to the research the matter that symptoms return in art, come back with differences, resignifying and withdrawing some works of oversight, but go as a reiteration that presents itself, and it is through art that it can be traced / Esta pesquisa pretendeu fazer uma análise partindo de uma obra do artista plástico francês Hubert Duprat, seus Casulos. Com o objetivo de estudar questões que ajudassem a compreender a arte contemporânea e suas peculiaridades, e com o desejo de entender um pouco mais sobre o uso do ouro como matéria plástica na arte ao longo dos tempos, foi escolhido este artista contemporâneo e este seu trabalho, que são pequenos casulos confeccionados em ouro e pedras preciosas. O artista iniciou este trabalho de casulos em 1983 e vem desenvolvendo até hoje, levantando questões que são anacrônicas na História da Arte, como os conceitos de sagrado, cópia sem original, estranhamento, preciosismo. Entretanto este artista também ressignifica a fatura da obra na arte contemporânea, posto que seu processo artístico é fundamentado no objeto, no resultado, no acabamento, mais do que simplesmente no conceito ou a idéia geradora da obra. Partindo destas premissas, seguiram-se outras séries deste artista, que matérica ou conceitualmente se relacionam aos casulos de ouro; e com a ajuda de teóricos como Georges Didi-Huberman e Aby Warburg foi possível olhar estes trabalhos partindo de um procedimento de montagem, e com Gilles Deleuze permitiu-se desenvolver um estudo baseado em seu conceito de repetição com diferença. Este arcabouço teórico legitimou que se fizessem relações das obras selecionadas de Duprat com outros artistas e outros períodos da história da arte, trazendo para a pesquisa a questão de que sintomas retornam na arte, voltam com diferenças, ressignificando e retirando certas obras do esquecimento, mas seguem como um recalque que se apresenta, e é através da arte que isto pode ser mapeado

This paper investigates the factors that influence hammer price in fine art auctions. Unlike previous studies, this thesis focuses solely on Mark Rothko’s abstract painting auction results, which eliminates pricing variation from multiple artists or painting genres. Using a freshly constructed database that covers all Rothko auction records from 1985 to 2017, this thesis affirms the presence of declining price anomaly. Auction house experts’ pre-sale estimates are shown to be largely unbiased with a marginal downward pricing tendency. Furthermore, size is a statistically significant variable that affects hammer price and Rothko’s vertical compositions are favored in the auction market.

À partir d'une libéralisation de l'économie instaurée en 1986 par le Doi Moi, ce qui signifie «changer pour faire du neuf », les artistes vietnamiens ont entrepris de rénover, sous l'angle de la contemporanéité, l'expression artistique traditionnelle selon des techniques nouvelles, empruntées à l'art occidental. Profondément attachés à la culture vietnamienne et à l'artisanat traditionnel, ils ont cependant créé des œuvres témoignant à la fois de leurs héritages et de leur ouverture à l’art contemporain international, pour les présenter au Vietnam et en divers lieux du monde. Ils ont alors instauré une relation dialectique entre l’histoire et le présent, pour aborder, en affirmant leur singularité, des thématiques concernant la société, la tradition et la politique. Ainsi, à travers leur questionnement «ouvert », dans le sens qu'Umberto Eco a donné à ce terme, les artistes vietnamiens s’inscrivent aujourd’hui pleinement dans l’art actuel, ses multiples pratiques (y compris la vidéo et les installations) et ses diverses théorisations. / From a large opening of economy introduced in 1986 by the Doi Moi, which mans « change to the new », Vietnamese artists made a reform of the traditional artistic expression in term contemporary, with new technicals borrowed from Western Art. Deeply attached to the Vietnamese culture and to traditional crafts, they created works recalling their heritage and the opening to international contemporary art, to show in Vietnam and in various places of the world. They introduced a dialectical relationship between history and the present, to discuss, stating their singular nature, themes on society, tradition and politics.Through their question “open” in the meaning that Umberto Eco has given to this term, Vietnamese artists are now fully part of contemporary art, with the multiple practices (including video and installations) and the various theories.

Cette recherche vise à déterminer comment la télévision française représente les mondes de l’art contemporain de 1960 à nos jours. Grâce à une analyse sémiologique et pragmatique d’un corpus d’émissions sur l’art contemporain, nous avons constaté, d’une part, que l’évolution des programmes télévisés dits « culturels » montre une diminution de la part de ces derniers ainsi que leur relégation dans des heures creuses de la programmation depuis les années 1980. Alors que les programmes des années 1960 à 1980 visent à transmettre l’expérience esthétique des œuvres d’art depuis le terrain, les années 1980 à 2000 voient des programmes plus dialogiques où experts et artistes discutent sur le plateau. Ces échanges présentant peu de critique négative relèvent principalement de la promotion culturelle. D’autre part, depuis les années 2000, les émissions sur l’art contemporain s’inspirent des formes divertissantes de la télé-réalité. Des contradictions idéologiques surgissent entre la mission de médiation culturelle portée par l’ORTF puis les chaînes publiques et ces nouveaux récits de compétition. L’art contemporain se trouve alors au cœur des conflits de définition de la culture. D’un côté, sa médiatisation montre un monde de l’art hégémonique où les inégalités socioculturelles sont légitimées. De l’autre, la médiation opérée par les programmes continue de promettre un idéal de démocratisation de l’art contemporain à travers des récits d’accès au savoir, source d’égalité. La médiation des œuvres d’art, de l’exposition filmée à une télévision « curatoriale », promet plus d’immédiateté tout en multipliant les dispositifs de médiation. C’est dans cette indécidabilité que les programmes sur l’art contemporain ne peuvent tenir leurs promesses. / This research aims to determine how French television has been representing the worlds of contemporary art from the 1960’s to nowdays. Through a semiological and pragmatic analysis of a corpus of television programs about contemporary art, we have observed, on the one hand, a decrease of their share and their relegation to less favorable hours of programing since the 1980’s. Whereas the programs from 1960 to 1980 aimed to transmit the aesthetic experience of the artworks as seen from the field, the programs between 1980 and 2000 were more dialogical and hosted discussions between experts and artists in the television studio. Showing few negative critiques, they fell under the discourse of cultural promotion. And on the other hand, since the 2000’s, television shows about contemporary art have been taking on the entertaining forms of reality shows. Ideological contradictions arise, between the cultural mediation mission carried on by the ORTF and later public channels and those new narratives of competition. Contemporary art finds itself at the heart of conflicts regarding the definition of culture. On one side, its media coverage shows a hegemonic world of art where sociocultural inequalities are legitimated. And on the other side, those programs continue to promise an ideal of democratization of contemporary art through narratives of accessing knowledge, source of emancipation and equality. Moreover, the mediation of the artworks, from the filmed exhibition to a “curatorial” television, promise more immediacy while multiplying the dispositifs of mediation. It is within this impossibility to decide what their purpose is that television programs about contemporary art can’t hold their promises.

Essa dissertação levanta um conjunto de questões relacionadas à reflexão do processo artístico. Focando em conceitos como poeira, melancolia, flânerie e memória, foi desenvolvido um diálogo entre Walter Benjamin, W.G. Sebald, Georges Perec, Susan Sontag, Georges Bataille e Giorgio Agamben e, também, foram pesquisados os trabalhos de Marcel Duchamp, Joseph Cornell e Robert Smithson. O texto é dividido em três momentos nos quais as principais questões são expandidas em fragmentos que consistem em proposições inseridas na arte contemporânea. Junto com o texto é apresentada uma série de imagens que pertencem ao conjunto de fotos que serão expostas durante a defesa / This dissertation raises a set of questions related to the reflection of the artistic process. Focusing on concepts like dust, melancholy, flânerie and memory, it was developed a dialogue among Walter Benjamin, W.G. Sebald, Georges Perec, Susan Sontag, Georges Bataille and Giorgio Agamben and also, the works from Marcel Duchamp, Joseph Cornell and Robert Smithson were researched. The text is divided in three moments, which the principal questions are expanded in fragments that consist in propositions inserted in the contemporary art. Along with the text is showed a series of images that belong to a set of photos that will be exposed during the presentation

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Constituir uma paisagem da arte contemporânea, a partir da qual seja possível tratar encenações fora do âmbito da disciplina cênica atribuindo-lhe, portanto, uma desejada extradisciplinaridade é a que este projeto se dispõe. O ato artístico, em suas deslimitadas configurações; as derivas em que se aventura; os intensos fluxos com que se faz atravessar pela vida, e, reciprocamente, com que a ela atravessa; a constituição de vontades de arte que ultrapassam um programa estritamente artístico: estes são alguns dos elementos na geografia dessa vasta e complexa paisagem sobre a qual o presente projeto, interessado, se detém. Considerações acerca das encenações extradisciplinares são, então, tecidas, levando-se em conta as poéticas suscitadas num deixar-se ir por esta paisagem recortada. Prática que se quer como multiplicidade, se alastrando sem rumos previamente definidos, as encenações extradisciplinares sonham algum lugar para dizer do mundo, como o mundo, para o mundo e de dentro dele; e compartilham, assim, de uma vontade para a arte tomar o mundo como matéria plástica para, daí, revelar as plasticidades do mundo / The goal of this project is to ground a landscape for contemporary art, from which it is possible to approach to enactements from an extradisciplinary perspective. The artistic act, on its dislimited features; the flux of intensities and crossings with life; the drifts it faces; the will to art that goes beyond a strictly artistic program: these are some of the elements in the geography of this vast and complex landscape on which the present project dwells. Considerations on extradisciplinary enactements are made, taking into account their poetics, as we picture this landscape. Practice that cruises with no previous route, extradisciplinray enactements render places to tell about the world, to the world, like the world, and from within it; thus, they share a wish for art, for taking the world as plastic matter, hence, for bringing up the plasticities of the world

Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro / Esta dissertação focaliza o diálogo entre dança contemporânea e artes visuais a partir dos anos 1990 e as novas configurações e discussões presentes nos trabalhos de criadores que transitam entre esses dois campos. Procura pensar a dança como arte contemporânea, indagando a si mesma sobre sua condição: o que a constrói e define nesses termos. As relações entre dança contemporânea e o conceitualismo são traçadas observando obras que, abandonando o formalismo e o puro exercício da estética, propõem-se a acrescentar algo em termos de concepção da arte e questionar sua própria natureza. Repensar as convenções da própria dança, o modelo de espetáculo, os espaços e formas de visibilidade são as principais questões investigadas. Especificamente, são abordados os trabalhos de Tino Sehgal (Londres, 1976- ), Wagner Schwartz (Volta Redonda, 1972- ) e a própria produção artística da autora para pensar essas relações, reivindicando uma condição conceitual da dança contemporânea nas obras próprias e nas dos artistas estudados. As desestabiliza-ções e fissuras que essa condição provoca são as ferramentas para potencializar e ampliar a visão da dança como arte contemporânea / This study focusses on the dialogue between contemporary dance and visual arts from the 1990s on, discussing the new configurations and debates proposed in works by artists who move through these two fields. Dance is thought over as contemporary art, asking itself on its condition, on what constructs and defines it. Relationships between contemporary dance and conceptualism are sketched by observing works that, having cast aside formalism and the sheer exercise of aesthetics, propose to add something in terms of art conception and inquire on their own nature. Main issues addressed here include rethinking dances very conventions, models of show or presentations, spaces, and forms of visibility; they are discussed against the background of works by Tino Sehgal (born in Britain, 1976), Wagner Schwartz (born in Brazil, 1972) and the authors own production, pleading for a conceptual condition of their works in contemporary dance. The destabilization and fissures generated by such condition are taken as tools to strengthen and amplify the vision of dance as contemporary art