La présente recherche porte sur les applications possibles de la théorie mimétique de René Girard à des oeuvres cinématographiques américaines et européennes de trois périodes : l'entre-deux-guerres,les années 1970 et les années 2000.Cette étude se situe dans le champ d'une sociologie de l'imaginaire dont l'anthropologie du religieux constitue l'axe épistémologique principal.A partir des notions-clés de mimesis, de sacré, de sacrifice et de violence comme termes permettant de penser la sociogenèse, nous tentons de renouveler la lecture d'oeuvres classiques et récentes du cinéma d'auteur américain et européen. Le lien originel de la violence et du sacré constituerait,selon nous, un axe interprétatif essentiel pour la compréhension du lien du social à une violence fondatrice. Dans notre étude, nous analysons les oeuvres cinématographiques comme autant de mythes et de rituels affaiblis, héritiers du sacré et susceptibles à ce titre de transfigurer la violence.Quel sens donner à cette transfiguration esthétique aujourd’hui ? C’est en nous focalisant sur le passage historique du tiers au double, dont les films que nous analysons sont autant de jalons, que nous avons voulu reconstituer ce « parcours de la méconnaissance » qui semble se confondre avec la violence et le même. / The present study is concerned with the possible applications of René Girard’s mimetic theory toAmerican and European films from three different periods : the interwar period, the 1970s and the2000s.This work belongs to the field of the ‘sociology of the imaginary’, of which religious anthropologyconstitutes the main epistemological axis.Based on key notions such as mimesis, the sacred, sacrifice and violence, which facilitate thereflection on sociogenesis, this study represents an attempt to renew the interpretation of classic, aswell as recent, american or european art-house cinema. The original link between violence and thesacred may offer an essential interpretative axis for a proper understanding of the relationshipbetween social matters and a founding violence. In this work, we approach cinematic works asweakened forms of myth and ritual, heirs of the sacred which are, for this very reason, liable totransfigure violence. Which meaning can be given to this aesthetic transfiguration nowadays ? Byfocusing on the historical transition from the third to the double, of which the movies analyzed hereare milestones, I have attempted to reconstruct

While there are key differences between Jephthah's daughter's story and that of Jesus, not least the difference in gender of the sacrificial victims, this thesis posits that both the similarities and differences between these two accounts can enrich readings of Jesus' death in the gospel of Matthew. A careful comparison of the narrative of Jephthah's daughter with Jesus' Passion narrative in the gospel of Matthew leads to the conclusion that Jesus' death should be interpreted as a human sacrifice. Reading Jesus' death as a human sacrifice and locating it in that socio-religious context makes his death indicative of a transactional, covenantal relationship between him and the Father. These two accounts also share archetypes that come from the Hebrew Bible. Foregrounding Jesus' narrative with Jepthah's daughter's narrative intricately reveals Jesus' connections with the Hebrew Bible, shedding light on the interpretation of his Passion.

This thesis is an examination of Lancelot Andrewes' (1555-1626) Eucharistic theology which is explored in order to see how far he might act as a catalyst for ecumenism with Rome on the topic of Eucharistic sacrifice. The purpose of the thesis is to develop a fuller exposition of Andrewes' Eucharistic theology as a unique theologian who maintained a view of sacrifice that was denied by Protestants on the continent of Europe and by most within the English Church of his day. In the first four chapters Andrewes' own views are not always juxtaposed to more contemporary views. This is intentional in order to develop his own thought before looking at him as an ecumenical partner on sacrifice. The first chapter explores Andrewes as a theologian within his own context of ecclesiology, placing Andrewes within a more Catholic framework as opposed to Puritanism that was becoming politically influential during the reign of King James I. The second chapter then looks at Andrewes' view of Eucharistic instrumentality where I characterise him as an ‘effectual instrumentalist' over against some contemporary scholars who place him alongside John Calvin who is sometimes described as a ‘symbolic instrumentalist'. I find Andrewes closer to a Catholic framework of instrumentalism. The third chapter further explores Andrewes' view of presence where I conclude that he should be characterised as one holding to an objective view of presence and give him the Cappodocian label as a Transelementationist. This is to emphasise that Andrewes did encourage the faithful to look for Christ in the elements themselves, which goes beyond Christ's presence within the faith of the believer alone. The fourth chapter is the lengthiest chapter as it develops Andrewes' views of sacrifice. I see him as someone immersed in the sacrificial nature of the Eucharist defined within the writings of the Fathers of the first five centuries. It was here that Andrewes is able to be set fully within the framework of a Catholic view of the mystery as the Christian sacrifice offered to God in return for the gift of the Christ-event to the world. Andrewes' description of the offering as containing a propitiatory effect in the application of the forgiveness of sins through ‘instrumental touching' was a unique understanding of someone in the Church of England during the sixteenth and early seventeenth centuries. In the final chapter, I juxtapose Andrewes with Catholic teaching as it is explored in contemporary Catholic theology as well as, perhaps more importantly, within papal documents and authoritative Catholic statements on the sacrifice of the Mass. This is to show how similar Andrewes is in his description of the sacrifice of the Eucharist to Rome and how he goes further in that direction than any of his contemporaries or even modern ecumenical statements in Anglican and Roman Catholic dialogue.

La ville préhispanique de Cantona, située dans la vallée d’Oriental dans l’état de Puebla au Mexique, atteignit sa première apogée culturelle entre 150 av. J.C. et 600/650 A.D. Durant cette période, des complexes cérémoniaux comprenant des groupes de pyramides-temples et des terrains de jeu de balle furent construits. Ces installations servirent au déroulement de nombreux rites au cours desquels les victimes de sacrifices étaient décapitées, démembrées, décharnées, écorchées, bouillies, brûlées et, dans certains cas, consommées. D’autres traitements du corps humain comportent l’inhumation d’individus en position assise et repliés sur eux-mêmes. Pour mieux comprendre le traitement mortuaire rituel des corps humains à Cantona, les découvertes faites sur place sont comparées aux données datant de la même époque obtenues dans trois régions voisines : la vallée de Mexico, Puebla-Tlaxcala et le golfe du Mexique. A partir de ces renseignements, on peut en déduire que la majorité des découvertes faites à Cantona sont les restes des dépouilles et offrandes provenant de rites destinés à la communication avec les dieux et à l’obtention de la fertilité, tandis que les dépouilles des individus en position assise appartiennent à des prêtres ou à des personnages religieux. / The prehispanic city of Cantona, located in the Valley of Oriental in the state of Puebla, Mexico, reached its first cultural apogee between 150 B.C. - 600/650 A.D. During this time, ceremonial complexes such as Temple Pyramid Groups and ballcourts were constructed. These served as the location for a number of rituals involving the beheading, dismemberment, defleshing, flaying, boiling, burning, and in some cases, the consumption of sacrifice victims. Other human body treatment included the burial of individuals in flexed seated positions. To better understand the ritual mortuary treatment of human bodies at Cantona, the finds are compared with data from three neighboring areas: the Valley of Mexico, Puebla-Tlaxcala, and the Gulf of Mexico. From this information, it can be deduced that most of discoveries at Cantona are the remains of rites dedicated to deity communication and fertility while those of individuals in flexed, seated positions belong to religious actors. / La ciudad prehispánica de Cantona, ubicada en el valle de Oriental dentro del estado de Puebla, Mexico, tuvo su primer apogeo cultural entre 150 a.ne. y 600/650 d.n.e. Durante ese periodo, se edificaron gran número de complejos ceremoniales tal como Grupos de Templo Pirámide y canchas de juego de pelota. Estas construcciones sirvieron como sitios rituales en donde se llevaron a cabo gran número de ritos, los cuales, en parte, consistían en decapitar, desmembrar, descarnar, desollar, hervir, quemar, y, en algunos casos, comer a las víctimas humanas de los sacrificios. En otros casos, los cuerpos humanos fueron encontrados en posición flexionada y sentada. Para entender mejor el tratamiento ritual de cuerpos humanos en Cantona, estos descubrimientos fueron comparados con información obtenida de tres regiones cercanas: el Valle de México, Puebla-Tlaxcala y la Costa del Golfo. Esto permitió deducir que la mayoría de los hallazgos en Cantona representan los restos de ritos dedicados a la comunicación con divinidades y a la fertilidad, mientras que los individuos encontrados en posición flexionada y sentada corresponden a sacerdotes o actores rituales difuntos.

Résumé Ce mémoire consiste en une étude de la transgression en ce qui a trait au lieu, au personnage et aux sacrifices dans La Comtesse sanglante (1962) de Valentine Penrose, une auteure et artiste qui a fait partie du mouvement surréaliste dès 1926. À partir de l’idée directrice du sacrifice et du sacré, nous exposons, dans un premier temps, l’état transgressif de la criminelle historique Erzsébet Báthory, présentée dans le récit comme une beauté fixe masquant une âme monstrueuse. Dans un deuxième temps, nous examinons la cruauté et la théâtralité des sacrifices pulsionnels qui servent la propre déification de la protagoniste. Partant de la théorie de la transgression de Foucault de laquelle nous dégageons l’idée du seuil, le premier chapitre présente la marginalité de l’univers de la meurtrière présenté comme une extension de son corps, du château en tant que structure froide et vide à l’intérieur. Dans le deuxième chapitre, nous mettons en corrélation la violence et le sacré en rapport, d’une part, aux mises en scène sacrificielles et au rôle de chaque femme participant aux sacrifices, et d’autre part, à la progression de la cruauté dans le récit. Dans le troisième chapitre sont explorés le phénomène de la rumeur et la filiation mythique du personnage par la réécriture de deux figures monstrueuses : la Méduse et Lilith. Par ces analyses, ce mémoire a pour but de faire connaître davantage l’auteure et de dégager la singularité de la comtesse Báthory dépeinte par Penrose comme l’archétype de la transgression au féminin. / Abstract The present thesis is an analysis of transgression in relation to the location, character and sacrifices in La Comtesse sanglante (1962) by Valentine Penrose, an artist and author who became part of the surrealist movement from 1926 onwards. In the first place, beginning with the salient aspects of the sacrifice and the sacred, the thesis will present the transgressive side of the historically notorious Erzsébet Báthory, who is portrayed in the story as a beauty that conceals a monstrous soul. In second place, then, the thesis will discuss the cruelty and theatricality of the compulsive sacrifices that serve to deify the protagonist. Starting from Foucault’s theory of transgression, from which we derive the idea of threshold, the first chapter will present the marginality of the murderess’s universe, which is described as if it were extension of her body, and the castle, as a cold and empty structure within. In the second chapter, the thesis will correlate the violence and the sacred in relation to, firstly, the staging of the sacrifice scenes and the role of each woman who took part in them, and secondly, to the escalation of cruelty in the story. In the third chapter, the thesis will explore the phenomenon of rumor and the main character mythical parentage by the rewriting of two monstrous figures: the medusa and Lilith. Through these analyses, the main goal of this thesis is to promote awareness of this author and to identify the uniqueness of the Countess Báthory, portrayed as the archetype of female transgression.

Ce mémoire de maîtrise traite de quatre pièces de l’auteur français Bernard-Marie Koltès. Résolument axé sur l’étude du texte écrit, il vise dans un premier temps l’analyse d’un ensemble de désajustements et d’une culture de l’équivoque dans le traitement du lieu, du temps et de l’identité. Le premier but de ces analyses est l’approfondissement de certaines avenues déjà investies par la critique (marginalité des lieux et des personnages, présence constante de la violence et de la mort, etc.), dans la recherche d’une signification globale à un ensemble de pratiques textuelles liées à la notion de limite ou de frontière. Opérant un changement de perspective, la seconde partie de l’étude s’attarde à la violence ainsi qu’aux modalités et implications de sa mise en texte dans une étude croisée de l’acte créateur et de la pratique de lecture. À partir de la théorie du sacrifice élaborée par René Girard dans La violence et le sacré, et faisant dialoguer certains textes importants d’auteurs divers (Aristote, Nietzsche, Artaud, Foucault, Derrida et Adorno), l’analyse vise à inscrire la littérarité du texte koltésien dans une entreprise plus vaste ayant à voir avec la violence, sa régulation et sa diffusion. Au carrefour des études théâtrales, de la littérature et de la philosophie, cette réflexion cherche à concevoir le théâtre de Koltès (particulièrement Roberto Zucco) comme un sacrifice rituel, afin de mieux en comprendre le rapport au réel et certaines de ses particularités du point de vue du mécanisme cathartique. / This M.A. thesis analyzes four plays by the French author Bernard-Marie Koltès. Resolutely focused on the study of written text, it begins by analyzing several disarrangements and a culture of ambiguity in the treatment of place, time and identity. The first goal of this interrogation is the deepening of some avenues already detected by the critique (marginality of places and characters, the constant presence of violence and death, etc.) in the search for a global meaning to a set of textual practices related to the notion of limit or boundary. Operating a change of perspective, the second part of the thesis focuses on violence and on the terms and consequences of its textualisation, in a simultaneous study of the creative act and of the practice of reading. Based on the theory of the sacrifice as developed by René Girard in La violence et le sacré, and nourished by the crossing of some important texts by various thinkers (Aristotle, Nietzsche, Artaud, Foucault, Derrida, Adorno, etc.), the analysis seeks the inscription of Koltesian text’s literariness in a broader enterprise having to do with violence, its regulation and its dissemination. At the intersection of theater studies, literature and philosophy, this study is an attempt to understand Koltès’ drama (especially Roberto Zucco) as a ritual sacrifice in order to obtain a better comprehension of its relationship to reality and some of its characteristics as for the cathartic mechanism.

Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de documents visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée à la Division de la gestion des documents et des archives. / L'histoire d'Iphigénie et de son sacrifice fut au 18e siècle un sujet important et une source de créativité pour la peinture et le théâtre. Alors qu'Iphigénie (1674) de Jean Racine est encore abondamment jouée à la Comédie-Française, et que Christoph Willibald Gluck présente son opéra Iphigénie en Aulide (1774), plusieurs peintres représentent également l'histoire dans leurs oeuvres. Ce mémoire a donc pour sujet la médiation spectaculaire du sacrifice d'Iphigénie dans le domaine de la peinture au 18e siècle. L'étude se penche dans un premier temps sur les origines antiques du sacrifice d'Iphigénie, pour ensuite analyser les textes dramaturgiques de Racine et Gluck et relever les images du sacrifice présentes dans le texte. Dans un deuxième temps, un survol de la situation du théâtre au 18e siècle permet d'examiner plusieurs aspects qui entrent en jeu dans la médiation spectaculaire: les décors, les costumes, le public, les effets spéciaux, et le jeu d'acteur. En dernier lieu, une étude de cas est effectuée afin de relever le caractère interartial et les rapports complexes entre peinture, texte dramaturgique et mise en scène théâtrale et de démontrer que leur influence mutuelle forme une boucle, et non une voie d'influence théâtre-peinture à sens unique, ainsi que le perçoit Michael Fried dans Absorption and Theatricality. Painting & beholder in the age of Diderot (1980). L'interartialité, telle que définie par Walter Moser dans « L'interartialité: pour une archéologie de l'intermédialité » (2007), entre ces deux domaines de l'art est étudiée à partir de dessins et maquettes théâtraux, tirés en grande majorité des archives de la Comédie-Française, ainsi que de quatre Sacrifice d'Iphigénie de cette époque, soit: François Le Moyne (1728), Carle Van Loo (1757), Jean-Bernard Restout (1760), Jean-Baptiste François Désoria (1798). / During the 18th century, the story of Iphigenia and her sacrifice was an important subject and a source of creativity for both painting and theater. While Iphigénie (1674) by Jean Racine was still regularly played at the Comédie-Française, and Christoph Willibald Gluck was presenting his opera Iphigénie en Aulide (1774), many painters were also representing this story in their works. This master's thesis studies this spectacular mediation of the theme of the sacrifice of Iphigenia in the medium of painting during the 18th century. This study first looks into the antique origins of Iphigenia's myth, and then analyses the dramaturgical texts of Racine and Gluck and notes the images of the sacrifice found in the text. Secondly, a survey of the situation of theater in the 18th century makes possible to look into many aspects that come into play in the spectacular mediation of the theme: the costumes, the decor, the public, the special effects and the acting. Lastly, a case study is done to pick up the interartial character and the complex connections between painting, dramaturgical text and theatrical stage setting, and to demonstrate that their mutual influence forms a loop and not a one-sided theater-painting way of influence, as perceived by Michael Fried in Absorption and Theatricality. Painting & beholder in the age of Diderot (1980). The interartiality, as defined by Walter Moser in his article « L'interartialité: pour une archéologie de l'intermédialité » (2007), of those two domains of art is investigated with drawings and theatrical models, taken in great part from the archives of the Comédie-Française, and also with four Sacrifice d'Iphigénie, from artists of this time : François Le Moyne (1728), Carle Van Loo (1757), Jean-Bernard Restout (1760) and Jean-Baptiste François Désoria (1798).

Mon sujet de thèse a porté sur les nombreuses figures du couple dans l’œuvre romanesque et théâtrale de Jean Giraudoux. La lecture des œuvres de cet auteur m’a conduit naturellement vers cette problématique. Nous retrouvons dans les pièces de théâtre et dans les romans, différentes représentations du couple qui questionnent la relation conjugale. Les personnages mis en scène par Giraudoux cherchent à déconstruire la représentation traditionnelle et à imposer de nouveaux rapports. Ma thèse reprend tous ces enjeux et se présente en trois parties. La première offre une vue assez large sur la notion de couple. J’y traite notamment de la question des origines et je reviens sur les influences qui ont pu marquer notre auteur. Cette partie définitionnelle a été capitale pour circonscrire notre problématique mais aussi pour évoquer la culture de l’écrivain. Dans cette partie, j’interroge aussi le langage du couple, j’y analyse le discours ainsi que les mots qui ont tendance parfois à se transformer en véritable maux. Enfin, dans cette partie, j’évoque la relation de l’altérité en montrant ses points d’application au sein du couple. Dans la deuxième partie, la réflexion se précise, j’analyse essentiellement la rupture du couple, les facteurs déclencheurs. Par ailleurs, pour comprendre la déroute que vit le couple, il était nécessaire de revenir au contexte de l’époque. En effet, la relation classique entre l’homme et la femme a subi un changement dû à un mouvement d’émancipation féminine accentuée par la fin de la seconde guerre mondiale. L’adultère se lit alors dans tous les comportements. Après avoir été conçu mentalement, il est revendiqué par les femmes qui entendent mettre fin à toutes les supercheries. Je m’interroge aussi dans cette partie sur la position même de l’auteur qui est quelquefois ambigüe. En effet si Jean Giraudoux est un fervent féministe, c’est aussi un écrivain conservateur qui pense que la guerre des sexes ne peut aboutir. La position de Giraudoux est donc beaucoup plus nuancée que celle d’un Margueritte, par exemple. Dans la troisième partie, j’élargis ma problématique à la question du bonheur qui est aussi une thématique intrinsèque à celle du couple. Je montre qu’il y a tout d’abord dans l’œuvre un conflit entre le plaisir et le bonheur. Ce dernier est une pure façade qui accule les personnes à vivre ensemble. Les hommes sont d’ailleurs particulièrement attachés à leur bonheur, ils se l’arrachent comme du gibier. La femme quant à elle, fière et digne, se moque et se détourne de ce bonheur fait de prosaïsme et célèbre un art de vivre qui se fonde sur la jouissance totale. Elle abroge le système de valeurs revendiqué par les hommes qui veulent notamment en faire une figure sacrificielle. L’œuvre est à ce titre iconoclaste à plusieurs niveaux, elle bouscule les repères traditionnels et rend compte de nouveaux comportements qui sont un écho des mutations que connaît la France à cette époque. / My thesis focused on the figures referring to the couple in the romantic and theatrical work of Jean Giraudoux. Reading the works of this author has naturally led me to conduct this study. We find in the plays and novels, different representations of the couple who question the relationship. The characters portrayed by Giraudoux seek to deconstruct the traditional representation of the couple, and to impose new reporting figures. My thesis takes all these issues, and it is presented in three parts: The first part provides a broad view of the concept of torque. It deals with the question of origins and come back on the influences that have marked our author. This definitional part was crucial to define our problem but also to evoke the culture of the writer. In this section, I also questioned the language of the couple, I analyze the speech and words that sometimes tend to turn into a real pain. Finally, in this section, I mentioned the relationship of otherness showing his application points within the couple. In the second part, thinking becomes clearer, I analyze essentially marital breakdown and the triggers. Moreover, to understand the rout that saw the couple, it was necessary to return to the context of the time. Indeed, the classical relationship between man and woman has undergone a change due to a female emancipation movement accentuated by the end of the Second World War. Adultery, then reads in all behaviors. After being mentally conceived, it is claimed by women who intend to end all frauds. I also wonder in this part of the same position of the author is sometimes ambiguous. Indeed, if Jean Giraudoux is a staunch feminist, is also a conservative writer who thinks the war between the sexes cannot succeed. Giraudoux's position is much more nuanced than that of Marguerite, for instance. In the third part, I expanded my problem to the question of happiness, as it is also intrinsic to the couple's theme. I show that it is first implemented in a conflict between pleasure and happiness. The latter is a pure facade which Corners people to live together. Men are also particularly attached to their happiness, they tear off like a game. The woman on the other hand, proud and dignified, mocks and turns that happiness is prosaic and celebrates a lifestyle that is based on the total enjoyment. It repeals the system of values claimed by men who want to make such a sacrificial figure. The work is as such iconoclastic several levels, it upsets the traditional benchmarks and realize new behaviors that are an echo of the changes experienced by France at that time.

Engager une anthropologie de l’ivresse rituelle et collective dans un contexte festif – notamment funéraire - andin s’avère un champ de recherche fécond et fascinant tant la chicha, cette boisson épaisse de maïs fermenté, contient tout un monde de significations et l’ivresse, dont elle découle, favorise diverses formes de mise en relation avec le monde animé environnant et avec les morts. En ce sens, elle est performative puisqu’elle permet à ces entités d’exister et de devenir de sérieux interlocuteurs pour les humains. À partir d’une ethnographie dans la région andine de Cochabamba (Bolivie), dans la communauté paysanne quechua de Qhoari et dans le village également quechua d’Arani, l’ébriété et le boire collectif sont analysés comme une action qui consolide le lien social, renforce l’identité de groupe et rapproche du sacré. L’ivresse est alors recherchée, désirée et valorisée. En somme, elle est un moyen de communication qui permet d’établir des relations réciproques aussi bien entre les humains eux-mêmes qu’entre ces derniers et la Pachamama, tous les êtres qui peuplent la nature animée. C’est à travers la boisson alcoolisée que les hommes font entendre leurs requêtes auprès de ces entités surnaturelles car ce n’est qu’en état d’ébriété avancée que l’on peut dialoguer avec elles, qu’elles nous apparaissent en alter ego. En effet, l’humide est symbole de vie, le sec renvoie à la mort. Les offrandes de libations et les sacrifices sanglants favorisent la réhydratation et l’alimentation des entités diaboliques et des morts. Prolongeant cette réflexion, c’est à travers des mécanismes somme toute très proches de ceux à l’œuvre lors des offrandes que le corps du buveur, saccagé par l’alcool, presque moribond, prend tout son sens sacrificiel. / An Andean anthropological focus on ritual and collective intoxication within a festive setting – in particular in funeral contexts - leads to a prolific and fascinating field of research since chicha, the thick fermented corn beverage, contains a world of meaning. The drunkenness it engenders promotes diverse ways of creating links with not only the surrounding animated world but also with the dead. In that sense, it is performative because it makes exist these entities who become serious interlocutors for the humans. This ethnography conducted in the Andean region of Cochabamba (Bolivia), in the Quechua peasant communities of Qhoari and in the nearby village of Arani, analyzes inebriation as a collective action that consolidates social ties, strengthens group identity and even brings the sacred closer. Intoxication is therefore sought, desired and valued. In short, it is a means of communication that allows the establishment of reciprocal relations among humans and between them and the Pachamama (all beings that inhabit animated nature). It is through liquor that human requests can be heard by supernatural entities who can dialogue with them only when they are inebriated, appearing through an alter ego. In fact, wetness is the symbol of life; dryness refers to death. Offerings of libations and blood sacrifices promote the rehydration and nurturing of evil entities and the dead. It is through mechanisms very similar to those at work in such offerings that the body of the drinker, wrecked by alcohol, almost agonizing, acquires its sacrificial meaning.

La ville préhispanique de Cantona, située dans la vallée d’Oriental dans l’état de Puebla au Mexique, atteignit sa première apogée culturelle entre 150 av. J.C. et 600/650 A.D. Durant cette période, des complexes cérémoniaux comprenant des groupes de pyramides-temples et des terrains de jeu de balle furent construits. Ces installations servirent au déroulement de nombreux rites au cours desquels les victimes de sacrifices étaient décapitées, démembrées, décharnées, écorchées, bouillies, brûlées et, dans certains cas, consommées. D’autres traitements du corps humain comportent l’inhumation d’individus en position assise et repliés sur eux-mêmes. Pour mieux comprendre le traitement mortuaire rituel des corps humains à Cantona, les découvertes faites sur place sont comparées aux données datant de la même époque obtenues dans trois régions voisines : la vallée de Mexico, Puebla-Tlaxcala et le golfe du Mexique. A partir de ces renseignements, on peut en déduire que la majorité des découvertes faites à Cantona sont les restes des dépouilles et offrandes provenant de rites destinés à la communication avec les dieux et à l’obtention de la fertilité, tandis que les dépouilles des individus en position assise appartiennent à des prêtres ou à des personnages religieux. / The prehispanic city of Cantona, located in the Valley of Oriental in the state of Puebla, Mexico, reached its first cultural apogee between 150 B.C. - 600/650 A.D. During this time, ceremonial complexes such as Temple Pyramid Groups and ballcourts were constructed. These served as the location for a number of rituals involving the beheading, dismemberment, defleshing, flaying, boiling, burning, and in some cases, the consumption of sacrifice victims. Other human body treatment included the burial of individuals in flexed seated positions. To better understand the ritual mortuary treatment of human bodies at Cantona, the finds are compared with data from three neighboring areas: the Valley of Mexico, Puebla-Tlaxcala, and the Gulf of Mexico. From this information, it can be deduced that most of discoveries at Cantona are the remains of rites dedicated to deity communication and fertility while those of individuals in flexed, seated positions belong to religious actors. / La ciudad prehispánica de Cantona, ubicada en el valle de Oriental dentro del estado de Puebla, Mexico, tuvo su primer apogeo cultural entre 150 a.ne. y 600/650 d.n.e. Durante ese periodo, se edificaron gran número de complejos ceremoniales tal como Grupos de Templo Pirámide y canchas de juego de pelota. Estas construcciones sirvieron como sitios rituales en donde se llevaron a cabo gran número de ritos, los cuales, en parte, consistían en decapitar, desmembrar, descarnar, desollar, hervir, quemar, y, en algunos casos, comer a las víctimas humanas de los sacrificios. En otros casos, los cuerpos humanos fueron encontrados en posición flexionada y sentada. Para entender mejor el tratamiento ritual de cuerpos humanos en Cantona, estos descubrimientos fueron comparados con información obtenida de tres regiones cercanas: el Valle de México, Puebla-Tlaxcala y la Costa del Golfo. Esto permitió deducir que la mayoría de los hallazgos en Cantona representan los restos de ritos dedicados a la comunicación con divinidades y a la fertilidad, mientras que los individuos encontrados en posición flexionada y sentada corresponden a sacerdotes o actores rituales difuntos.