Cette thèse se propose d’analyser les processus de représentation de l’identité culturelle britannique en prenant comme objet d’étude une sélection des productions musicales du musicien anglais Damon Albarn. Avec le groupe Blur, Albarn émerge sur la scène britannique dans les années 1990. Le groupe est l’un des fers de lance du mouvement Britpop qui se caractérise par une imagerie et un propos associés à l’identité britannique. Cette dernière est symbolisée par la grande majorité des groupes du mouvement qui sont anglais, blancs, masculins et appartiennent au paradigme pop/rock.Cette thèse s’intéresse à l’évolution des représentations de l’identité dans la musique d’Albarn à partir des années 2000 et jusqu’aux Jeux Olympiques de Londres en 2012, dans un contexte marqué par la remise en cause du modèle multiculturaliste, la poursuite de l’élargissement de l’Union Européenne et le début des discussions sur un référendum portant sur l’éventuelle indépendance de l’Écosse. Cette période se caractérise également par une diversification des genres musicaux abordés dans les projets d’Albarn qui s’éloigne lui-même du discours identitaire exclusif de la Britpop. La thèse propose une analyse critique des productions d’Albarn qui opèrent ce glissement d’une identité Britpop exclusive à une identité inclusive et multiculturelle. Ce faisant, le travail permettra de dégager la spécificité de la musique, conçue comme un espace d’observation et d’élaboration d’une identité culturelle britannique en perpétuelle mutation. / This study analyses representations of British cultural identity in Damon Albarn's music. Albarn became a household name with Blur, an English band that was associated with the Britpop movement in the 1990s. Britpop openly articulated popular music and the question of Britishness which was defined in exclusive terms as most Britpop artists were white, male, guitar-based, English bands.By focusing on Albarn’s various musical projects after the end of Britpop, the aim is to understand how its aesthetics and politics are de-constructed. At the turn of the century, Albarn distanced himself with the exclusive rhetoric of Britpop as he started to express a more inclusive, multicultural understanding of British identity. Through three different case studies, it is contended that Albarn’s understanding of British cultural identity is predicated on specific music genres and their own sets of discourse. The study spans over a period of twelve years marked by a renewed interest in Britishness as the multicultural model in British politics is questioned, new countries join the European Union and more devolution for Scotland is discussed. The last part of the study focuses on Albarn’s involvement in the Cultural Olympiad in 2012 and serves to show how music works as a medium that allows the articulation of contrasted, and at times, contradictory representations of British cultural identity.

Dans le domaine des littératures francophones, on peut dénombrer actuellement une vingtaine d’auteurs chinois francophones : Tcheng Ki-Tong, Sheng Tcheng, Chow Ching Lie, François Cheng, Gao Xingjian, Shen Dali, Ya Ding, Dai Sijie, Ying Chen, Wei Wei, Shan Sa, et Ling Xi… Ces écrivains circulent dans différentes cultures, se servent de deux langues, et, par conséquent, leurs écritures mélangent une couleur chinoise avec une couleur occidentale. À travers leurs expériences, nous remarquons que certains d’entre eux ont développé une double pratique artistique, en accord avec leur identité culturelle désormais duelle. Ils construisent ainsi non seulement un pont entre deux langues et deux cultures, mais aussi un pont entre différents médias ou supports artistiques (romanesque et cinématographique ou pictural). Comment s’est développée la littérature francophone chinoise ? Et comment appréhender l’écriture romanesque et la pratique artistique des auteurs francophones chinois ? Centré sur des auteurs francophones chinois et leurs œuvres, notre travail formule une hypothèse sur l’articulation entre interculturalité et intermédialité au sein de la francophonie chinoise. / In the field of francophone literature, there are currently about twenty French-speaking Chinese authors : Cheng Ki-Tong, Sheng Cheng, Cheng Ching, Francois Cheng, Gao Xingjian, Shen Dali, Ya Ding, Dai Sijie, Ying Chen, Wei Wei, Shan Sa, and Ling Xi... These writers circulate in different cultures, use two languages, and consequently their writing mixes a Chinese color with a Western one. Through their experiences, we note that some of them have developed a double artistic practice, in accordance with their cultural identity, which is now dual. They thus build not only a bridge between two languages and two cultures, but also a bridge between different media or artistic supports (novelistic and film or pictorial). How has Chinese francophone literature developped itself ? And how can we understand the novelistic writing and the artistic practice of the French-speaking Chinese authors ? Focused on French-speaking Chinese authors and their works, our research formulates a hypothesis about the articulation between interculturality and intermediality within the Chinese Francophonie.

Cette thèse propose d’analyser l’émergence de la contre-culture en République Populaire de Chine à travers le prisme de la contestation politique, à partir des productions culturelles et d’enquêtes menées dans plusieurs villes chinoises de 2012 à 2015. Deux communautés contre-culturelles ont été étudiées durant la thèse, celles des punks et des cinéastes indépendants. Ce choix permet de révéler des logiques similaires au sein de ces deux communautés concernant leur rapport au politique et aux espaces qu’ils ont créés, dans un État qui contrôle encore fermement l’expression culturelle. La contre-culture chinoise doit être tout d’abord replacée dans le contexte de la gestion, par le Parti communiste, de toute forme d’expression culturelle, et ce depuis les thèses de Qu Qiubai et du Discours sur la littérature et l’art de Mao Zedong. Punks et cinéastes indépendants se placent ainsi dans l’histoire de la résistance des artistes et des intellectuels à la mainmise des autorités chinoises sur le domaine culturel, et trouvent de nouveaux moyens d’exprimer leurs désaccords à travers l’appropriation mineure de techniques qui sont à leur disposition. La thèse propose ainsi d’étudier ces deux formes de contre-culture à travers les effets qu’elles produisent sur les acteurs eux-mêmes, mais également dans la recherche d’espaces autonomes, qui symbolisent la lutte contre la monopolisation de l’espace public par le Parti communiste chinois. L’analyse abordera également l’expression contre-culturelle comme une forme du discours de vérité (parrêsia), dans une société où, selon Liu Xiaobo, « refuser le mensonge constitue précisément la force la plus efficace pour saper la tyrannie ». / His thesis offers a study of the emergence of counter-culture in the People’s Republic of China through the lens of political contestation, with the help of cultural productions and a fieldwork carried on in several Chinese cities from 2012 to 2015. Two counter-cultural communities have been studied in this thesis, the punks and the independent filmmakers. This choice allows us to reveal similar logics within these two communities about their relationship to politics and to the spaces they have been able to create in order to produce and release their works, in a State which still tightly controls cultural expression. Chinese counter-culture must first be put back into the context of the management, by the Communist Party, of all forms of cultural expression, from Qu Qiubai’s theories to Mao Zedong’s Talks about literature and art. Punks and independent filmmakers thus place themselves into the history of artists and intellectuals’ resistance against the control by Chinese authorities of the cultural field. They find new tools in order to express their disagreements, through the minor appropriation of available techniques. The thesis proposes to study this two forms of counter-culture through the effects they produce on the actors themselves, through the new forms of subjectivity they create, but also through the search of autonomous spaces, which embodies the struggle against the Chinese Communist Party’s monopoly of public space. The analysis will also address the counter-cultural expression as a kind of speech of truth (parrhesia), in a society where, according to Liu Xiaobo, “to refuse lies is precisely the most effective way to undermine tyranny”.

Longtemps utilisé avec réticence, intensément débattu par les théoriciens, le terme « postmoderne » abonde aujourd'hui, depuis les discours spécialisés jusque dans les sphères de la vie quotidienne, témoignant de la nécessité de penser une notion nouvelle, plus adéquate aux transformations qui ont affecté le monde contemporain. Quelles que soient les différentes perspectives adoptées par les théoriciens pour définir la postmodernité et débrouiller les liens qu'elle entretient avec les notions de postmodernisme, modernité et modernisme, toutes observent le même constat que, depuis la fin de la Seconde Guerre Mondiale, les sociétés occidentales sont le théâtre de profondes mutations culturelles et d'une crise généralisée de l'identité qui elle-même s'accompagne d'une véritable crise épistémologique. Dans un contexte de redéfinition de la notion de culture, dont les Cultural Studies ont mis au jour la nécessité d'étudier toutes les manifestations, qu'elles soient issues de la high culture ou de la pop culture, voire de la mass culture, les fictions contemporaines (littéraires, cinématographiques et audiovisuelles) témoignent, en même temps qu'elles les analysent, des problématiques qui agitent nos sociétés occidentales postmodernes et hypermodernes. Dans cette optique, étudier les diverses manifestations culturelles permet de discerner les différents modèles culturels (« cultural patterns ») qui fondent les identités individuelles et collectives. / Long been used with reluctance, intensively discussed by theorists, the term “postmodern” is now pervasive, from specialized discourses to the very spheres of everyday life, testifying that it is necessary to think a new notion, more appropriate to the changes which have affected the contemporary world. Whatever are the different perspectives adopted by theorists to define postmodernity and to clarify its links to postmodernism, modernity and modernism, they all notice that, since the World War Two, western societies are the stage of deep cultural mutations and of a widespread identity crisis, which is itself accompanied by a genuine epistemological crisis. In a context of redefining the concept of culture, which Cultural Studies showed the necessity to study all the expressions, whether they are from high culture, pop culture, or even mass culture, contemporary fictions (literary, cinematographic, audiovisual) express, in the same time analyzing it, the issues of our western, postmodern and hypermodern, societies. According to that point, studying the various cultural manifestations helps discerning the cultural patterns that ground the individual and collective identities.

L’objectif de cette thèse est de montrer que la science-fiction japonaise, encore largement méconnue et très rarement traduite, offre un formidable terrain d’investigation pour une réflexion sur les technosciences, et plus spécifiquement les nanotechnologies. Elle repose sur l’idée que, contrairement aux travaux scientifiques, les textes littéraires, dans leur diversité, permettent de révéler les problèmes socio-culturels et représentationnels liés aux changements conceptuels et aux innovations technologiques. Elle emprunte la méthodologie et le cadre pluridisciplinaire des études culturelles, afin de souligner le fait que l’imaginaire nanotechnologique s’est formé à partir d’un nœud complexe de récits aux frontières extrêmement poreuses, qui s’articulent autour de plusieurs formes de discours (scientifique, littéraire, philosophique, politique, artistique). Structurée chronologiquement autour de trois grandes périodes, ce travail explore des œuvres de science-fiction japonaise dont tout ou partie de l’univers se fonde sur un novum (une innovation science-fictionnelle) associé aux nanotechnologies. La première partie, entre 1959 (le discours fondateur de Feynman) et l’année qui voit la création du terme nanotechnologie par Taniguchi Norio谷口紀男 (1974), s’intéresse cependant aux œuvres qui préfigurent l’imaginaire nanotechnologique, dont elle retrace la formation à partir d’un large faisceau de motifs antérieurs. La seconde partie couvre les deux décennies de 1980 à l’an 2000 lorsqu’apparaissent, sous l’influence décisive de Drexler (Engins de création, 1986), des novums explicitement nanotechnologiques, avec les nanomachines comme motif central. La troisième partie analyse finalement des œuvres du début du XXIe siècle. Les idées de Drexler ont largement pénétré l’imaginaire collectif, et les écrivains japonais de la zero nen-dai ゼロ年代 esquissent des avenirs où les nanotechnologies permettent de remodeler le monde à un tel niveau qu’elles ouvrent l’ère du post-humain. / The present dissertation aims at showing that Japanese science fiction, although it is still largely unknown and not much translated, provides a fertile ground of investigation to reflect on the development of techno-sciences, and more specifically of nanotechnology. Its premise rests upon the idea that, contrary to scientific discourse, literary texts can reveal the socio-cultural and representational issues raised by technological innovations. It borrows the conceptual and methodological framework of cultural studies to underline the fact that the nanotechnological imagination developed out of a complex network of narratives that draw upon a vast array of interpenetrating discourses (from science, literature, philosophy, politics, economics, and the arts). Chronologically structured around three periods, it explores Japanese works of science fiction that are partly, if not entirely, set on a novum (a science-fictional innovation) associated with nanotechnology. However, the first part, running from 1959 (the year Feynman gave its founding speech) to 1974, when Taniguchi Norio谷口紀男 coined the term nanotechnology, focuses on works prefiguring the nanotechnological imagination, tracing back its formation to earlier motifs. The second part deals with the two decades of 1980s and 1990s, when explicitly nanotechnological novums largely inspired by Drexler’s highly influential Engines of Creation (1986) emerge. The third part finally analyses works from the early 21st century. Drexler’s ideas have sunk deep into the collective imagination, and the zero nen-dai ゼロ年代 Japanese writers depict futures where nanotechnology has transformed the world to such an extent that it ushers humanity into the post-human era.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

L’approche pluridisciplinaire de cette thèse a pour objet principal la définition et l’évaluation du concept de « cyberérotisme ». L’évocation de cette notion est d’une prégnance telle au sein de la représentation du « corps virtuel » qu’il semble désormais possible de la considérer comme la figure emblématique des rapports au corps qui émergent dans le champ contemporain. Notre méthode, alliant esthétique, études culturelles et psychanalyse, s’établit en trois temps. Il s’agit tout d’abord d’élaborer une base de données afin de mettre en évidence l’appréhension conceptuelle qui va nous permettre de composer une première grille de lecture ; pour ce faire, nous établissons un corpus des films consacrés qui témoignent d’une approche spontanée du sujet, principalement eXistenZ, Demonlover, The Cell et Le Cobaye. Une seconde base de données est constituée à partir de l’observation des jeux vidéo, notamment les jeux pornographiques et hentai, afin de cerner les conditions de l’expérience dans son accomplissement actuel. Enfin, la rémanence des thèmes de la violence, du sadisme, de l’abandon du corps, de son renouvellement ou sa reconfiguration désignent finalement l’angoisse comme l’aspect central de l’expérience. C’est à partir de cette hypothèse de recherche que s’élabore, in fine, la dernière partie de cette thèse. / The main purpose of this multidisciplinary research is to define and assess the concept of “cybereroticism”. This notion is of such significance in the « virtual body » representation that it now seems possible to consider it an emblematic figure of the way the body is implicated in the contemporary field. Our method, combining aesthetics, cultural studies and psychoanalysis, is set up in three steps. First of all, we will provide a database highlighting the conceptual framework, which will allow us to create the initial terms of reference. In order to achieve this, we will provide a corpus of serious movies reflecting a spontaneous approach of this topic, mainly eXistenZ, Demonlover, The Cell and The Lawmmower Man. A second database will be achieved by observing video games, including pornographic and hentai games, in order to identify the conditions of the experience in its current state. Lastly, we will demonstrate how the persistence of the themes of violence and sadism, as well as the abandon of the body, its renewal or its reconfiguration, refer ultimately to anguish as a key aspect of the experience. This research hypothesis will eventually represent the last part of this thesis.

Les familles et les questions de société qui s’y rapportent occupent une place politiquement et symboliquement importante aux Etats-Unis depuis l’installation des colonies anglaises dans le continent Américain au XVIIe siècle. Elles sont omniprésentes dans les fictions télévisées depuis les débuts de la télévision commerciale américaine, à la fin des années 1940. Aujourd’hui, il est difficile de citer une série qui ne parle pas directement ou indirectement de la famille. Pourtant, elles sont peu nombreuses à en faire leur sujet principal. Dans les années 1950 et 1960, les familles sont déjà le sujet de séries télévisées, que ce soit dans des sitcoms, des soap operas ou des westerns. A partir des années 1970, elles commencent à être l’objet principal de séries dramatiques de prime time : des family dramas. La chercheuse Ella Taylor, dans Prime Time Families, définit le family drama comme « une série dont l’action se passe principalement dans la maison » (« a dramatic series set in the home »). L’observation des évolutions du family drama des années 1970 à nos jours vise à comprendre l’évolution des conceptions de la famille dans l’imaginaire collectif de la société américaine. Cette étude chronologique, divisée en trois époques, analysera la généalogie du genre du family drama. La première période commence en 1972, le début de la diffusion de la série The Waltons (CBS, 1972-1981) et se termine en 1983, soit à la fin de la diffusion de Little House on the Prairie (NBC, 1974-1983). La deuxième période commence en 1978, avec le début de la diffusion de Dallas (CBS, 1978-1991) et se termine en 1993, soit à la fin de la diffusion de Knots Landing (CBS, 1979-1993). La troisième période s’est ouverte en 1994, avec le début de la diffusion de Party of Five (Fox, 1994-2000) et se termine en 2015 avec Parenthood (NBC, 2010-2015). / Families have occupied a politically and symbolically important place in the United States since the settlement of the English colonies in the American continent in the seventeenth century. They have been ubiquitous in TV drama since the early days of American commercial television in the late 1940s. Today, it is hard to find a television series that does not speak directly or indirectly about family. Yet, only few make them their main subject. In the 1950s and 1960s, families were already the subject of television programs, whether in sitcoms, soap operas or westerns. From the 1970s, they began to be the main focus of prime-time drama shows: family drama was born. The researcher Ella Taylor, in Prime Time Families, defines the family drama as "a dramatic series set in the home". The observation of evolutions of the family drama from the 1970s to now aims at understanding the evolution of the perceptions of the family in the collective imagination of American society. This chronological study, divided into three eras, analyzes the genealogy of the family drama as a genre. The first period began in 1972, with the beginning of the broadcast of The Waltons (CBS, 1972-1981) and ended in 1983, at the end of the broadcast of Little House on the Prairie (NBC, 1974-1983). The second period begins in 1978, with the start of the Dallas broadcast (CBS, 1978-1991) and ends in 1993, at the end of the broadcast of Knots Landing (CBS, 1979-1993). The third period began in 1994 with the launch of the release of Party of Five (Fox, 1994-2000) and ends in 2015 with Parenthood (NBC, 2010-2015).

Bien que le terme « film noir » soit généralement réservé au cinéma hollywoodien, cette appellation a en réalité été forgée dans la France des années 1930 pour désigner des films français, et elle renvoie plutôt à une forme transnationale, circulant entre l’Europe et Hollywood. C’est à ce titre que l’on se propose de l’étudier dans le cinéma hexagonal, en montrant que le genre noir s’inscrit en France dans le cadre d’une tradition ancienne, et en analysant l’évolution du « film noir français » après-guerre, selon une approche historique et culturelle. En postulant que le film noir est indissociable d’un discours sur la modernité, cette thèse montre qu’il existe trois actualisations de la forme « noire » dans la France de 1946-1960, qui témoignent chacune des ambivalences d’une nation en transition, devant négocier le basculement entre l’Occupation et l’entrée dans la société de consommation : le « réalisme noir » exprime un fort pessimisme ayant des implications nostalgiques, masculinistes et nationalistes ; la « série noire pour rire » propose au contraire une réappropriation ludique de l’Histoire et de la modernité ; le film de gangsters confronte des personnages vieillissants marqués par la guerre aux mutations contemporaines et à l’American way of life. Par sa diversité même, le film noir français illustre ainsi les contradictions de la France d’après-guerre : désireuse de se plonger dans l’avenir mais obsédée par son passé traumatique, en partie séduite par la « tentation américaine » mais déterminée à conserver sa « francité ». / Although the term « film noir » is generally associated with Hollywood cinema, this generic label was originally coined in France in reference to French films made in the 1930s, and the « noir » genre defines a transnational form which circulated between Europe and Hollywood. We intend to study « noir » films in French cinema through this lens, highlighting that the genre is rooted in an old French tradition. Our analysis of the evolution of French film noir foregrounds historical and cultural aspects, positing that film noir articulates a critical discourse on modernity. This doctoral thesis shows that the « noir » form underwent changes which evidenced the ambivalence of identity in a nation in transition between 1946 and 1960, that had to negotiate the cultural shift from Occupation to the Consumer society : the « noir realism » cycle expressed a strong pessimism that has nostalgic, masculinist and nationalist implications, in opposition to the « série noire pour rire » which illustrated a playful reappropriation of History and modernity ; last but not least, gangster films built on the contrast between older characters, marked by the burdens of war, and contemporary mutations, including the development of the American way of life in France. Through its diversity, French film noir reveals the contradictions of post-war French society : the country was keen to dive into the future but obsessed with its traumatic past ; in part seduced by the « American model », it was however determined to keep its « French identity ».

La violence terroriste se définit principalement par le projet politique qui la motive. Or, depuis plusieurs décennies, Hollywood propose des personnages terroristes sans motivations politique avérées. Notre étude montre que la dépolitisation apparente de ces antagonistes particuliers fait entrer la représentation du terroriste dans une politique identitaire complexe dans laquelle le corps du personnage devient le véhicule principal du discours politique et que ce dernier porte principalement sur la renégociation des identités culturelles américaines, notamment sur les questions de races, de genres et de sexualités. À travers une approche historique qui relie en permanence les représentations analysées aux contextes sociologiques et culturels dans lesquels elles apparaissent, cette thèse montre comment Hollywood crée un archétype dont les caractéristiques principales reposent sur sa capacité à assurer une renégociation permanente des catégories identitaires dominantes afin de renforcer leur légitimité et leur hégémonie. En situant la genèse du personnages dans les films d’espionnage de la Guerre froide, cette étude couvre cinq décennies de production hollywoodienne sur le terrorisme et montre ainsi que les attaques du 11 septembre 2001 n’engendrent pas de rupture majeure dans ce domaine mais forcent plutôt l’industrie à abandonner un archétype que la postmodernité a rendu ingérable. / Even though terrorist violence is defined by a manifest political agenda, for decades Hollywood has created terrorist vilains with no specific political motivations. This study argues that the apparent lack of political content in the fictional representations of terrorism is actually compensated by an other political agenda that has to be read onto the bodies of those fictional terrorists and appears chiefly through gender, race and sexuality. Following a chronological approach, this study systematically connects the historical, sociological, and cultural contexts of production in order to highlight how Hollywood constructed an archetypal character of which unique features consist of communicating different speeches that help the dominant American cultural groups to permanently negotiate and strengthen their hegemonic power. After locating its origins in the spy fiction films of the 1960’s, we have studied the representations of terrorism over five decades. We were then able to demonstrate that the attacks of 9/11 were not a critical shift in Hollywood depiction of terrorism but rather forced the industry to leave behind a fictional construction which became unbearable after its emergence in what we have called « a postmodern reality ».