Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:18Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2005-09-02Bitstream added on 2014-06-13T20:28:31Z : No. of bitstreams: 1 goncalves_nkr_me_rcla.pdf: 1369749 bytes, checksum: 0919d5563a932339d8a6c73485408c69 (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / Essa pesquisa tem como objetivo analisar as idéias e proposições das peças didáticas de Bertolt Brecht, buscando possíveis relações entre essas peças, vistas em seus princípios didáticos, e as concepções que fundamentam o processo de alfabetização. Procedeu-se, inicialmente, a um estudo documental das peças, fazendo um levantamento dos princípios didáticos que elas contém; em seguida, foi composto um panorama das concepções em alfabetização no Brasil, recorrendo-se a trabalhos científicos e órgãos censitários (IBGE); culminando na participação de três professoras que alfabetizam. A construção da relação entre os princípios didáticos e as concepções em alfabetização foi se estabelecendo na e por meio da interação com essas professoras. Nessa relação de interlocução, desenvolvida por entrevistas, professoras e pesquisadora iam construindo, juntas, possibilidades de reflexão da práxis pedagógica no processo de alfabetização, por meio das peças didáticas. / This research has the objective to analyse the ideas and preposition of Bertolt Brechtþs didactic plays, seeking possible relation between these plays, looking at his didacticsþ principle and the conceptions that bases the alphabetizationþs process. It conducts, inictially, to a documental study of the plays, doing a raising of didacticsþprinciple that they have, following, it was composed by a view of conceptions in alphabetization in Brazil, resort to cientific works and censitary organs (IBGE) resulting in participation of three teachers that alphabetize. The construction of relation between the didacticsþ principle and the conceptions in alphabetization were establishing in and by interaction with these teachers. In this relation of dialogues developed by interview, teachers and researchers who were building, together, possibilities of reflection pedagogic practice in the alphabetizationþs process, by the didactic plays.

En 1935, el artista César Moro organizó una exposición que tuvo un carácter innovador y vanguardista que no ha sido debidamente valorado por la Historia del Arte peruano. Tal es la tarea que este proyecto de tesis se ha propuesto. En esta investigación, se describe y explica el contexto artístico de la época en el que la pintura indigenista se había constituido como arte hegemónico frente al cual Moro irrumpe con su nueva propuesta Surrealista a partir de la exposición mencionada. Esta aproximación implicará reconocer su base intelectual y artística, es decir, el interés manifiesto por el psicoanálisis que pudo cultivar por su cercanía al Hospital psiquiátrico “Víctor Larco Herrera” y a través de su experiencia con el grupo surrealista en su estadía en Francia. Para ello, su proceso creativo se analiza e interpreta de forma minuciosa en este trabajo aplicando el método retórico con lo cual se demuestra la interpretación que tenía Moro de la realidad artística, además de su intención de insertar nuevos procedimientos a las artes plásticas en el Perú. / In 1935 the artist César Moro arranged an exhibition that had an innovative and avant-garde character, which has not been enough valued by the History of the Peruvian Art. Through this research, the artistic context of that time is described and explained, where the pictorial indigenism had become a hegemonic art. It is also seen how Moro’s new surrealist proposal emerges from that exposure taking as intellectual and artistic basis his own interest in the psychoanalysis, his research in the psychiatric hospital “Victor Larco Herrera”, as well as his experience with the surrealistic european group. His creative process is analyzed and interpreted in detail along this work through the rhetorical method, which shows the conception that Moro had of the artistic reality not forgetting his intention to insert new procedures to the plastic arts. / Tesis

Facultad de Filosofía y Humanidades / Informe de Seminario para optar al grado de Licenciada en Lengua y Literatura Hispánica / El siguiente trabajo de investigación está centrado en el análisis comparado entre Rabia, la novela de Sergio Bizzio, y Rabia, la película dirigida por Sebastián Cordero. La comparación tiene como sustento las voluntades estéticas y de sentidos contempladas en ambas obras a partir de las diferencias, ya sean grandes o sutiles. El primer capítulo, aborda el tema del espacio, muy importante en ambas obras y coincidente en muchos aspectos. Se tratará el espacio desde sus características en general, entre otras cosas en su diferencia con el lugar, también los distintos tipos de espacios presentes en la historia (calle, supermercado, motel, mansión, etc.) y el significado implicado en cada caso y, por último, la casa, como el lugar más significativo de Rabia, en sus diversos aspectos. Junto con el espacio, la condición de inmigrante de los protagonistas forma parte de los elementos más relevantes de las obras. El segundo capítulo abordará el fenómeno de la migración en general, qué lo motiva, cómo se construye desde el pensamiento hasta el hecho, etc., así como se analizará la condición del inmigrante dentro de la sociedad ajena en la que se inserta, viviendo dentro, pero a la vez al margen, y la relevancia de esta situación de sujeto en Rabia, como propulsor de hechos. Por último, el tercer capítulo, tomará parte de los dos capítulos anteriores para dar forma a los sentidos que otorgan Bizzio y Cordero sobre la estadía del protagonista en la mansión. Veremos que el énfasis es puesto en distintos puntos y que la construcción del sujeto es diferente. Para una misma historia tendremos dos realizaciones y, por lo tanto, dos significancias.

El proposito principal de esta tesis es el de exponer los elernentos existencialistas que vernos en la trilogia La lucha por la vida, del escritor de la generaci6n de 1898, Pio Baroja. Esta la cornponen: La busca, Mala hierba, y Aurora roja. Partes de esta trilogia fueron escritas en 1904. Los existencialistas, nos hablan del incurable asilarniento del individuo, los absurdos rnecanisrnos de la sociedad que lo destruyen, el coraje del individuo al encarar la rnuerte pero a su vez aferrandose a la vida, la soledad, la agonia, la angustia, la incornunicabilidad de las almas, el peso y lo absurdo de la existencia. Baroja nunca se manifesto abiertamente corno un existencialista pero algunos estudiosos de la obra barojiana sefialan esta caracteristica del escritor vasco, entre ellos se destaca Gonzalez Lopez: "Su individualismo existencialista le hizo mirar con recelo las instituciones politicas existentes, comenzando por el estado, corno los partidos deseosos de reforrnarlas. 11 1 Entre muchos de los rasgos de Baroja destaca su actitud frente a la vida. Se ha dicho que Baroja ve la sociedad y la vida como una farsa, impidiendo que el hombre se exprese a su libre albedrio: "Su concepci6n de la vida es inseparable de su temperarnento. De sus paginas se desprenden incesantemente undas ideas sobre el hombre y el mundo que se inscriben a la perfecci6n en la linea del pesimismo existencial. 112 Baroja protesta abiertarnente contra lo que no permite que el hombre alcance SU maxima potencial. Baroja protesta contra todo: La iglesia, las universidades, y el gobierno. Y es aqui donde podemos ver esto rasgos existenciales.

Ce mémoire constitue une étude exploratoire visant à comprendre les liens qui unissent la production visuelle de Rober Racine et la littérature. Il pose un regard sur trois projets de grande envergure qu'il a réalisés dans les quinze premières années de sa carrière de créateur (1979-1994) en fonction de la citation et des pratiques de la traduction qui y sont perceptibles. L'étude porte précisément sur les installations-performances Vexations pour piano d'Érik Satie, Gustave Flaubert 1880-1980. Escalier Salammbô et un cycle d'interventions autour du dictionnaire Le Petit Robert. Ce choix découle de l'importance que prennent ces oeuvres dans l'ensemble de la création de Racine en raison de la durée de leur réalisation et de leurs nombreux lieux communs. En effet, elles font état d'une démarche soutenue où l'écriture et la lecture sont omniprésentes tant sur le plan de leur conception que sur celui de leur réception. L'observation attentive de ces interventions à travers les documents écrits et photographiques a révélé l'intérêt de leur mise en relation avec la citation et la traduction. Pour comprendre en quoi ces oeuvres visuelles pourraient représenter des citations ou des traductions, nous avons d'abord révisé quelques spécificités de ces pratiques du texte avant de tenter de les définir à travers les postulats de leur occurrence et les effets qu'elles rendent visibles. Pour cela, nous nous sommes surtout concentrée sur les textes de Jacques Derrida, Maurice Blanchot, Walter Benjamin, René Payant et Jocelyne Lupien. Ensuite, nous avons décrit le contexte dans lequel Racine a réalisé ces oeuvres, de même que chacune des étapes de leur création. Nous n'avons identifié aucun ouvrage qui collige ces informations à leurs sujets, mais de nombreux articles de revues et de textes écrits par Racine sur son propre travail nous ont permis d'arriver à faire un compte-rendu complet des trois projets. De l'exploration de ces deux champs d'intérêt résultent des études de cas où la présence de la citation et de la traduction au sein des oeuvres choisies est démontrée. Pour ce faire, nous avons détaillé les actions de Racine qui mènent à leur réalisation en les nommant précisément. Puis, nous avons démontré que la citation crée une mise en signe dont la figure principale est un autoportrait indirect. Par ailleurs, notre étude a révélé que la traduction se décline en de nombreuses pratiques dans le cadre des interventions qui nous intéressent. Les réécritures subjectives de Racine, par le recours à la transcription, à la translittération, à l'adaptation et au transcodage, nous ont menée à concevoir la traduction comme une catégorie englobant diverses pratiques du texte où il y a reprise et souvent transformation. Nous avons reconnu que celles-ci chargent les oeuvres de Racine des principales spécificités attribuées à la traduction, soit la notion du devenir et le caractère performatif. L'attestation de la présence de citations et de pratiques de la traduction au sein de la production artistique de Rober Racine nous a finalement permis de constater que la réécriture subjective est la signature de l'artiste. Le travail visuel étudié pointe une conception précise de l'art qui doit se comprendre en tant que langage et, ce faisant, les caractéristiques de la démarche artistique de Racine, de même que son usage des pratiques du texte à travers les médiums visuels que sont l'installation et la performance, semblent converger vers un effet commun: l'autoreprésentation. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Rober Racine, Installation, Performance, Réécriture, Subjectivité.

Le milieu de la bande dessinée au Québec s'est enrichi depuis quelques années de nouvelles structures éditoriales qui ont favorisé l'éclosion de nombreux talents, particulièrement à l'intérieur du champ autobiographique. Le but de ce mémoire est de mettre en lumière certaines de ces voix singulières : Jimmy Beaulieu, Michel Rabagliati, Luc Giard, Line Gamache, Geneviève Castrée et Julie Doucet. Le propre de l'autobiographie en bande dessinée étant de représenter graphiquement le personnage, je m'attarderai ici à la manière dont le «je» est figuré. Cet avatar, amalgame de l'auteur et de son style, peut adopter différentes postures, l'une, par exemple, exposant l'introspection ou une autre, au contraire, provoquant l'identification du lecteur. La focalisation les influence fortement. De plus, les différentes catégories du champ autobiographique se déclinent par un contrat de lecture, proposant une stratégie d'ambiguïté ou un pacte référentiel, et par la structure narrative ou spéculative de l'œuvre. Elles ont une forme plus moderne selon leur capacité à se remettre en question. Mon hypothèse est celle de l'existence d'un lien entre le type de discours (autobiographie, récit autobiographique, roman autobiographique et auto-essai) et les perspectives employées. Pour la vérifier, j'ai formé, au préalable, trois couples en réunissant les œuvres qui présentent l'auteur avec certaines affinités. Cela a permis la comparaison et l'exploration des différents modes d'expression de mon objet d'étude. Le point de vue le plus usuel est sans conteste la perspective externe qui institue le «je» en personnage. Ses effets varient cependant selon la catégorie utilisée. Le point de vue interne est plutôt minoritaire et renforce un «je» déjà au plus près de l'auteur. La focalisation zéro sert, dans les exemples étudiés, à transmettre les perceptions et à donner accès directement aux pensées. Enfin, le point de vue expressif exhibe le bouleversement du créateur jusque dans son trait. Ainsi, ceux qui exposent leur intériorité sont aussi ceux qui utilisent des narrations qui se remettent en question: Jimmy Beaulieu, Luc Giard et Geneviève Castrée. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : bande dessinée, points de vue, autobiographie

Ce mémoire s'intéresse à la question du stéréotype autochtone dans l'espace public canadien diffusé à travers les monuments historiques. Divisé en quatre chapitres, ce travail de recherche tente d'abord de comprendre les impacts de ce stéréotype dans la construction identitaire des peuples des Premières Nations. Compte tenu des caractéristiques propres au monument historique, on proposera aussi que la diffusion d’une image biaisée de l'Amérindien dans ces monuments comporte son lot de conséquences et au-delà, sert une idéologie nationale particulière. De plus, selon ce qui est avancé dans ce mémoire, l’exposition du stéréotype dans l'espace public peut restreindre l'accès à celui-ci pour les communautés visées par ces représentations. Ce qui a pourtant motivé la rédaction de ce travail de réalisation de la maîtrise est la conviction que non seulement les stéréotypes peuvent être remis en question, mais aussi, que les frontières symboliques créées dans la sphère publique par ces représentations imaginaires peuvent être franchies dans le but d'en arriver à une meilleure compréhension des différentes identités autochtones du Canada actuel. L'étude de deux artistes autochtones canadiens, Jeff Thomas et Bill Reid, permettra d’aborder deux stratégies de remise en question du stéréotype amérindien présenté dans la sculpture monumentale. À l'aide de quatre notions théoriques (rapatriement visuel, art et espace public, notion d'auteur, lieu de mémoire), il sera possible de voir les apports, mais aussi les limites de ces deux démarches dans cette lutte identitaire à travers l'espace public. En articulant leurs œuvres autour des monuments destinés à créer des points de repère historiques, Reid montre sa volonté de partager la mémoire d'un univers artistique propre à la communauté dont il est issu, tandis que Thomas tente de faire ressortir la complexité au cœur d’une identité autochtone urbaine et actuelle. Leur implication dans la sphère publique est non seulement une façon de démontrer la nécessité de remettre en question certaines représentations amérindiennes pouvant être jugées offensantes, mais c’est aussi un excellent moyen de diffuser une image plus appropriée des différentes identités autochtones qui composent le pays. Deux œuvres seront particulièrement abordées pour défendre ces idées, soit une série de Thomas intitulée What's the Point? qui comprend sept photographies, ainsi qu'une sculpture monumentale de Bill Reid qui a pour titre l'Esprit d'Haida Gwaii, le Canoë de jade que l'on retrouve à l'aéroport international de la ville de Vancouver. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : stéréotype, monument historique, Autochtone, art public, identité, mémoire

De quelle façon peut-on actualiser et mettre en scène une pièce de Brecht en considérant la relation aux spectateurs comme étant le point central de la démarche esthétique? Telle est notre question préalable. Cela implique de considérer le spectateur, du moins d'en intégrer une certaine conscience, dans le processus créatif qui mène à la représentation. La clarification des stratégies d'échange entre la scène et la salle a orienté nos recherches. D'abord, d'un point de vue sociologique, en prenant le parti que les spectateurs sont plus largement définis par tout ce qui est avant et après la représentation que par la centaine de minutes où ils sont assis dans la salle. Ensuite, par la voix des artisans du spectacle qui portent un regard de l'intérieur sur la relation scène-salle. Et finalement, dans une optique plus large qui englobe les deux précédents aspects et qui tient compte des modes communicationnels de notre époque et ce, en relation avec l'œuvre brechtienne. Nous soutenons ce travail de création en appuyant notre réflexion critique sur les écrits de Pierre Bourdieu et d'Emmanuel Éthis en sociologie, sur ceux de Régis Debray, Jacques Rancière et Guy Debord pour leur réflexion sur l'art, de Hans-Thies Lehmann et Jean-Pierre Sarrazac pour leurs travaux directement reliés à la pratique théâtrale et à l'art d'être spectateur et plus particulièrement à la proposition d'Yves Thoret qui, à travers la notion de spectature, définit la participation du spectateur à la représentation. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : spectateur, communication, spectature, distanciation, actualisation

Cette thèse de doctorat pose les linéaments d'une histoire de la littérature française contemporaine. Prenant pour objet d'étude une sphère très précise du champ poétique en étudiant les oeuvres d'Olivier Cadiot et de Nathalie Quintane, cette réflexion a pour point de départ le constat de la fin de la domination du modèle avant-gardiste dans le champ culturel à la charnière des années 1970 et 1980. Il s'agit de questionner la possibilité puis les modalités d'un renouvellement des formes après l'avant-garde. Cette problématique s'accompagne de deux autres interrogations sur la résistance au pouvoir et la traduction de l'expérience. S'articule ainsi une réflexion sur le devenir du travail de l'écrivain dans un contexte où les forces d'ordonnancement des corps, de la mémoire et du langage imposent des consensus qui réduisent la probabilité d'un surgissement de nouveauté, entendue ici comme puissance subversive capable de malmener nos représentations du monde. Cette réflexion débute en revisitant, dans une première partie intitulée « Des positions fugitives », plusieurs notions théoriques avec pour objectif avoué de voir en quoi elles peuvent être opératoires dans le contexte contemporain. En analysant les acceptions d'avant-garde (Poggioli, Bürger), de poésie (Gleize, Pinson), de champ (Bourdieu, Lahire) et de politique (Rancière), il s'agit de constituer le cadre intellectuel duquel émerge le corpus étudié. Cette première partie ne fait pas que l'état de la question critique et théorique, elle propose aussi l'étude de quelques textes d'Olivier Cadiot, de Nathalie Quintane et de Christophe Tarkos pour appuyer les démonstrations. « Jouer Gambit », deuxième partie, se consacre exclusivement à l'oeuvre d'Olivier Cadiot. Structurées autour de trois thématiques (la poésie, le pouvoir et la gravité), ces analyses montrent la complexité du travail de l'écrivain, notamment en expliquant, dans « Romaniser la poésie », que la migration que Cadiot opère vers le roman, loin d'être un acte de « haine de la poésie », est une manière pour lui de lui donner une nouvelle intensité. La mise en contexte de la création de L'art poétic' est suivie d'une présentation de la Revue de littérature générale. L'examen des « mises en abyme » de la poésie dans les romans de Cadiot dans Futur, ancien, fugitif; Retour définitif et durable de l'être aimé et Fairy queen explique les tenants et les aboutissants de ce déplacement générique. Dans « Singer le pouvoir », ce sont les nombreuses figures de la domination qui font l'objet d'un développement. L'usage de la métaphore militaire est aussi étudié, Cadiot parvenant par ce biais à déployer la question du politique en littérature. « L'archipel du goujat » se penche sur la question de l'expérience de la gravité, et explique que les différents Robinson de Cadiot opposent deux régimes d'atteinte: l'idiotie et la folie, deux rapports à la désorganisation qui sont aussi deux rapports aux formes et, plus largement, au politique. La deuxième partie se clôt sur une analyse de l'entreprise intertextuelle de Cadiot, qui compare son Robinson à ceux de Daniel Defoe et de Michel Tournier. La troisième partie, « Damer le pion », se consacre à l'oeuvre de Nathalie Quintane. Deux thématiques structurent nos analyses: le rapport à la poésie et le rapport à l'histoire. Le huitième chapitre, « Le mauvais genre », s'attaque à la question générique. Dans l'analyse de Remarques et de Chaussure, l'imperceptibilité de l'oeuvre, identifiée aussi bien, à ses débuts, à la sacralité du quotidien qu'à la littéralité, est mise de l'avant. La posture de l'écrivaine au sujet de la poésie est explicitée: elle résiste à l'idée de la densité comme étalon de valeur de la poéticité en lui opposant la surface, perçue notamment dans la distanciation des remarques qui mettent tout de même de l'avant un « je » qui expérimente avec le corps et la pensée, dans le but avoué d'en finir avec la grandiloquence. Quintane témoigne d'un nouveau parti pris des choses qui confirme l'énorme distance qui la sépare de toutes les pratiques « du soi » tout comme des lieux communs entourant la littérature de « femmes ». La posture faussement ingénue de Quintane se loge dans une pensée esthétique concernée par un travail sur le douteux, l'évènementiel, la surprise. Travaillant avec ce qui importune, ce qui est incongru, l'écrivaine réfléchit aux questions du sérieux, de l'idiotie, de l'absurde, de la fantaisie. « Repasser l'Histoire », neuvième chapitre, montre comment Quintane déplace la matière historique, la repasse, c'est-à-dire opère une mise à plat tout en la revisitant pour la faire voir autrement. L'écrivaine rencontre d'abord Jeanne d'Arc puis la station balnéaire de Saint-Tropez. Dans Cavale et Grand ensemble, elle affronte des sujets délicats -la Commune, la collaboration ou la guerre d'Algérie -à travers la reconstitution de « souvenirs live » qui érige un travail de rétrospection qui engage Quintane du côté de la confusion, perçue comme le moindre mal d'une époque où l'ordre déforme la mémoire. L'écrivaine invite à damer le pion des discours de légitimation tout en dressant une continuité entre un passé douteux et un présent qui de jour en jour nous prouve l'être tout autant. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Avant-Garde, Littérature contemporaine, Expérimentation, Poésie, Société, Politique, Sociocritique, Olivier Cadiot, Nathalie Quintane.

This essay is called Imaginary non-community, How Swedish press portrayed the fight for freedom in Tunisia and Hungary 1955 and 1956 and it describes how two similar struggles for freedom are portrayed through the eyes of the most popular Swedish news papers Dagens Nyheter, Aftonbladet and Expressen. In 1955-56 Sweden is a country where the focus lies within the nation itself with economic growth and the building of folkhemmet. The Swedish social program for a more improved living condition. Outside of Sweden the cold war is reigning and the Swedish international politics is careful and passive. The fear of communism makes Sweden side with the western powers and therefore they (Swedish politicians and news papers) do not object to the French military effort to strike down the rebellions by force in North Africa. Tunisia and Hungary are countries within the European hemisphere, Hungary as a former empire now as a satellite country for the Sovjetunion and Tunisia as a colony of France. Tunisia and Hungary may share similar assets, they both struggle to gain freedom from their dominant opponents and they are both part of the European hemisphere but is their similarities enough to make them portrayed the same in the Swedish news papers? European universalism and an imaginary community are definitions I have been trying to exemplify with my investigation of the Swedish news papers portrayment of Tunisia and Hungary 1955-56. And though it is easy to find literature about nationalism, post-colonialism and European universalism it has come to my conclusion that news papers and their impact in creating imaginary community and exclusion rarely has been investigated in Sweden. Tunisia and Hungary do have some similarities with each other but they are definitely not portrayed the same in the Swedish news papers. It was clear to me that the Swedish press sympathized with Hungary to a greater extent than with Tunisia in their struggle for freedom.