Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-08-05T14:37:54Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Guilherme de Castro Duarte Martins - 2016.pdf: 3312242 bytes, checksum: 3ed829717019a7e47206840d74e63a4b (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-08-05T14:39:20Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Guilherme de Castro Duarte Martins - 2016.pdf: 3312242 bytes, checksum: 3ed829717019a7e47206840d74e63a4b (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-05T14:39:20Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Guilherme de Castro Duarte Martins - 2016.pdf: 3312242 bytes, checksum: 3ed829717019a7e47206840d74e63a4b (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2010-07-11 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The following work aims to investigate the presence of sound on contemporary visual arts, through the study of artworks from artists who make use of the sonic matter to change and make arise new time-spaces in the middle of the daily experience. I investigate mainly the works of the Scotish artist Susan Philipsz (Lowlands, 2010) and the Brazilian artist Raquel Stolf (Grilo, 2006). I start from coining the concept of cartophonies, that would mean sound maps resulting from the cross-over of noises emitted not only from the artworks I study, but originated also from its surroundings, composing puzzles audible and inaudible forces, that circulate around and through these works. As sound maps in constant mutation, the concept of cartophony was produced as a mobile tool for the present research, helping to understand how sound not only represents the space it traverses, but also participates on the creation of the volatile lines of this space, modifying it and being modified by it every second. / Essa dissertação tem por objetivo investigar a presença do som na arte contemporânea, a partir do estudo do trabalho de artistas que se utilizam da matéria sonora para modificar e fazer surgir espaços-tempos em meio à experiência cotidiana. Investigo, principalmente, obras da artista escocesa Susan Philipsz (Lowlands, 2010) e da brasileira Raquel Stolf (Grilo, 2006). Parto do conceito de cartofonias, que seriam mapas sonoros resultantes do cruzamento entre ruídos emitidos não apenas pelas obras estudadas, mas vindos também de seu entorno, compondo jogos de força, audíveis ou não, que rodeiam e atravessam essas obras. Enquanto mapas sônicos em constante mutação, o conceito de cartofonia foi criado como uma ferramenta móvel para a presente pesquisa, auxiliando-me no entendimento de como o som não apenas representa o espaço que percorre, mas também participa na criação e no traçado volátil desse espaço, modificando-o e sendo modificado por ele a todo instante.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacao viviane c drgomirecki.pdf: 678119 bytes, checksum: 433c7c6915e6bc52564ed694f5976d64 (MD5) Previous issue date: 2010-09-27 / This study proposed to deal with themes as inclusion, musical education, and de hole of music in inclusive education. Its is a qualitative study that analyses documental data resulted from the Art Inclusion Project, of the Center for Professional Education at the Arts Basileu França ( CEPABF) , that develops programs of music experiences and aims to promote inclusion as a alternative in education. Its objectives were to verify possible learning of subjects with special needs through the practice of arts, understood that inclusion is innovative; music being used to integrate with other arts, in an environment of extra-class learning period. The investigation methodology used for this work consisted of a detailed analyzes of organized data (corpus), from February to December 2008, provided by the CEPABF. The data was organized based on the (06) criteria from Bauer (2003), to guarantee a good practice for a qualitative research: 1 - the triangulation and reflexibility of perspectives; 2 the transparent documentation of the procedures; 3 the details of the construction of the corpus; 4 a detailed description of the results; 5 the evidence of the personal surprise; and 6 the communicative validation. Participated in the project professional as teachers, psychologists, music therapists; specialist in LIBRAS, specialists in music and circus arts. The data consisted of protocols written by the researchers involved in the program. The final conclusion is that the CEPABF proposal is a reference of music practice to promote inclusion being that it promotes learning. Its condition that guarantee differentiated care to subjects with specific disabilities by a specialized equip, combining different areas, promotes a motivated participation of subjects and creates concrete conditions for the empowering of children and youth. Brazil needs experiences as this one analyzed in this research work. The music schools, in accordance with the research centers as CEPABF can prepare new professionals to deal with the following challenge: - to motivate children with special needs through music; to motivate them so they can feel they are alive, integrated, participative and citizens. / Este estudo teve como proposta abordar alguns temas como a inclusão, a educação musical e o papel da música na educação inclusiva. É um estudo qualitativo que analisa dados documentais resultantes do Projeto Arte Inclusão, do Centro de Educação Profissional em Artes Basileu França (CEPABF), no qual prevê programas de vivência musical e se propõe promover a inclusão como alternativa em educação. O objetivo geral desse estudo foi verificar as possíveis aprendizagens de sujeitos com necessidades especiais, através da prática de Arte, proporcionadas pelo entendimento da inclusão, como inovação; utilizada a integração da música com outras artes, num ambiente de ensino contraturno. A metodologia utilizada para a realização deste trabalho constou da análise de dados que consistiram de um estudo detalhado do Corpus de documentos já coletados do Projeto de Pesquisa Arte e Inclusão do CEPABF, no período de fevereiro a dezembro de 2008, disponibilizados pela entidade. Os dados tiveram como base os (06) seis critérios que, segundo Bauer (2003), garantem a boa prática para a pesquisa qualitativa: 1 a triangulação e a reflexividade de perspectivas; 2 a documentação transparente de procedimentos; 3 os detalhes da construção do Corpus; 4 a descrição detalhada dos resultados; 5 a evidência da surpresa pessoal; e 6 a validação comunicativa. Este projeto contou com a participação de profissionais como pedagogos, psicólogo e musicoterapeuta, intérprete de LIBRAS e com especialistas em Música e Arte Circense. Os dados resultaram de protocolos redigidos pelos pesquisadores envolvidos na equipe da escola. Chegou-se à conclusão final de que a proposta do CEPABF pode servir de referência para a prática da música para promover a inclusão, pois promove a aprendizagem. As condições de atendimento diferenciado aos sujeitos com dificuldades específicas, por equipe especializada, combinando diferentes áreas, garantem a participação motivada dos sujeitos e cria condições concretas para o exercício da cidadania para crianças e jovens. O Brasil precisa de experiências como esta analisada neste trabalho. As escolas de música, em sintonia com centros de pesquisa, podem preparar novos profissionais para enfrentarem este desafio: - o de motivar, através da música, os sujeitos com deficiência; o de motiválos para que se sintam vivos, integrados, participantes e cidadãos.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Cristiano A da Costa.pdf: 323478 bytes, checksum: 97e3d66563f318a24d3f05ce60eb5f23 (MD5) Previous issue date: 2010-11-19 / This research, of qualitative paradigm, is characterized as a bibliographical and documentary research. It was searched for historical, political and methodological information regarding the "Draft Orpheonic Singing" in Brazil looking, in the goals set for this style of musical teaching, for possible influences and/or ideological indoctrination of government prevailing in this period in Brazil. The data were analyzed based on Paulo Freire's Liberating Pedagogy. The overall objective is to demonstrate that musical activity of the "Project Orpheonic Singing" by Villa-Lobos, was used primarily as a means to instill ideology and not as an activity able to develop creativity and critical-reflexive consciousness of the student, real function of the music in the individual s formation. Thus, a critical analysis of the main objectives and also the music and text of three songs from the textbooks of that project was made considering Paulo Freire's Liberating Pedagogy. / Esta pesquisa, de paradigma qualitativo, caracteriza-se como uma pesquisa bibliográfica e documental. Nela foram buscadas informações históricas, políticas e metodológicas a respeito do Projeto Canto Orfeônico no Brasil procurando, nos objetivos traçados para essa modalidade de ensino musical, possíveis influências e/ou inculcação ideológica do governo vigente neste período no Brasil. Os dados foram analisados à luz da Pedagogia Libertadora de Paulo Freire. O objetivo geral é demonstrar que a atividade musical do Projeto Canto Orfeônico , de Villa-Lobos, foi prioritariamente utilizada como meio para incutir ideologias e não como uma atividade capaz de desenvolver a criatividade e a consciência crítico-reflexiva do educando, real função da música na formação integral do indivíduo. Para tal foi feito, à luz da Pedagogia Libertadora de Paulo Freire, uma análise crítica dos objetivos principais e, também, da música e texto de três canções do material didático do referido projeto.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Carolina Gabriel Gomes.pdf: 692756 bytes, checksum: 444f65ba8bebba1b14c02c3bb07e730c (MD5) Previous issue date: 2011-06-11 / This research masters, developed in the graduate program in music of EMAC-UFG, in the line of research on music education and music therapy. Sought to verify the possibility of entering the professional music therapist in Multiprofessional Team from the Secretariat of education of the State of Goiás, to expand the actions developed through speeches musicoterapêuticas, enjoying the support and guidance schools met. It is believed that through music and its elements, used a musicoterapêutica approach, it is possible to develop positive relationships between students and teachers, family, favouring, qualitatively, the school environment. The theoretical reference is based on interdisciplinary studies in education, music therapy, Systemic Theory and studies about groups and teams. Qualitative character search based on case study using the participant observation, interventions music therapeutic and semi-structured interviews and data collection instruments, a sustained listening multidirectional performance music therapeutic mediating observations, actions and understandings about school context as a whole. Unable to experience the routine work of Multiprofessional Team, and identify difficulties as the disarticulation and contraposition of speeches that permearam the educational environment as well, to identify actions which the music therapist can develop to be inserted in it. Expanded the field of professional music therapist, allowing his performance in different spaces with diverse clienteles. Breaking paradigms was possible through the Systemic Theory and complex thought that aggregates the disciplines and sees school as a living organism in constant transformation. / Trata-se de uma pesquisa de mestrado, desenvolvida no Programa de Pós-Graduação em Música da EMAC-UFG, na linha de pesquisa Educação Musical e Musicoterapia. Buscou-se verificar a possibilidade de inserção do profissional musicoterapeuta na Equipe Multiprofissional da Secretaria da Educação do Estado de Goiás, visando ampliar as ações desenvolvidas através de intervenções musicoterapêuticas, beneficiando o serviço de apoio e orientação as escolas atendidas. Acredita-se que por meio da música e seus elementos, utilizados numa abordagem musicoterapêutica, é possível desenvolver positivamente as relações entre professores, familiares e alunos, favorecendo, qualitativamente, o ambiente escolar. O referencial teórico assenta-se nos estudos interdisciplinares na área da Educação, Musicoterapia, Teoria Sistêmica e estudos sobre grupos e equipes. A pesquisa de caráter qualitativo baseou-se no estudo de caso, utilizando-se da observação participante, das intervenções musicoterapêuticas e das entrevistas semi-estruturadas como instrumentos de coleta de dados, numa atuação multidirecional sustentada na escuta musicoterapêutica mediando observações, ações e entendimentos acerca do contexto escolar como um todo. Foi possível vivenciar a rotina de trabalho da Equipe Multiprofissional, e identificar dificuldades como a desarticulação de ações e contraposição de discursos que permearam o ambiente educacional, bem como, identificar ações que o musicoterapeuta pode desenvolver ao ser inserido na mesma. Ampliou-se assim o campo de trabalho do profissional musicoterapeuta, possibilitando sua atuação em diferentes espaços com diversas clientelas. A quebra de paradigmas foi possível através da Teoria Sistêmica e do Pensamento Complexo que agrega as disciplinas e considera a escola como um organismo vivo em constante transformação.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 silmara.pdf: 101194 bytes, checksum: d5f81a62d62bc6b4572adfeb96105296 (MD5) Previous issue date: 2008-09-18 / The perspective adopted in this research, tells about the most general interartistics relations, and specially, the relations between music and image, sound and visual through movie productions. First, the fictionalized historical biography, permits the following of cliché of correlations between sound and image. Second, the cinematography offers other potentialities, as the film as creation of world, in a strong rupture with the traditional audiovisual articulation. In this biography, investigates the art conception that is in Wagner s Work, and especially we ll see a bibliographic theme of a full art [Gesamtkunstwerk]. In this domain, has an approach comprehension of romantic roots as well a reintegration of thinking around classics the heritage ideas of Greece in XIX. We search, demonstrate an importance and representativeness of Richard Wagner in German Romancism and the present interartistic relation between sound and image in Wagner s Work. / A perspectiva adotada nesta pesquisa diz respeito ao campo mais geral das relações interartísticas e, mais especialmente, das relações entre música e imagem (na formação do audiovisual), sonoridade e visualidade, audível e visível através de produções fílmicas. No primeiro deles, a biografia histórica ficcionalizada (a biografia em filme) permite o acompanhamento de certos clichês de correlações entre som e imagem. No segundo, a cinematografia oferece outras potencialidades, no pensamento do filme como criação de um mundo, numa ruptura decisiva com a articulação tradicional música-imagem, traçados agora como alvo de uma conjugação-intervalo denominável de audiovisual. A partir desta biografia, investiga-se a concepção de arte que circula na obra de Wagner e, mais especialmente, trataremos de uma revisão bibliográfica do tema da obra de arte total [Gesamtkunstwerk]. Neste domínio cabe, portanto, uma aproximação-compreensão das raízes românticas bem como da reintegração do pensamento acerca do clássico a idéia de heranças da Grécia no XIX. Busca-se assim demonstrar a importância e representatividade de Richard Wagner no Romantismo Alemão e a presente relação interartística entre o som e a imagem na obra wagneriana.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Everton L L de Matos - pre textual.pdf: 210761 bytes, checksum: 94c893042cffcd3ee385dcb371a7c7c1 (MD5) Previous issue date: 2012-04-27 / The choro, he cultivates an instrumental genre improvisational style, has been transformed in the course of its history, both in melody and harmony. The first cries compounds possessed simple harmonies, making the soloists of the time to interpret differently from today. The different treatments harmonics, which have arisen over time, seem to have been one of the leaders of these different interpretations, which have been shown in an intense and characteristic improvisation. Apparently, there was an increase in these transformations of choro with the rapid development of technology and media from the mid-twentieth century. This circumstance, perhaps, brought a more intense and immediate contact of this musical genre with global genres such as jazz, for example, as a new and intense focus on improvisation, which has drawn attention to formal structures and performing hybrid performances. The intensification of cultivation of Jazz in the country and later the emergence of Bossa Nova in the mid-twentieth century, it seems, interfered markedly in the improvisation of gender, providing new composers to invest in new procedures related to this harmonic American genre. Given this circumstance, this study aimed to investigate the technical and cultural implications resulting from the interference of different harmonics in procedures related to the processes of improvisation and musical genre choro in this context not only seek melodic and harmonic innovations, but also processes of identity implicated in processes of cultural hybridization. / O choro, um gênero instrumental que cultiva o estilo improvisatório, sofreu transformações no decorrer da sua história, tanto na melodia, quanto na harmonia. Os primeiros choros compostos possuíam harmonias simples, fazendo que os solistas da época interpretassem de maneira diferente dos atuais. Os diferentes tratamentos harmônicos, que foram surgindo ao longo do tempo, parecem ter sido um dos principais responsáveis por essas interpretações distintas, que têm se evidenciado de forma intensa e característica na improvisação. Ao que tudo indica, houve um incremento nessas transformações do choro com o grande desenvolvimento da tecnologia e da mídia a partir de meados do século XX. Essa circunstância, possivelmente, trouxe um contato mais intenso e imediato desse gênero musical com gêneros globais, como o Jazz, por exemplo, assim como um novo e intenso foco na improvisação, o que tem apontado para estruturas formais e atuações performáticas híbridas. A intensificação do cultivo do Jazz no país e, posteriormente, o surgimento da Bossa Nova em meados do século XX, ao que tudo indica, interferiram de forma marcante na improvisação do gênero, propiciando aos novos compositores investirem em novos procedimentos harmônicos relacionados a esse gênero americano. Tendo em vista esta circunstância, esse trabalho teve como objetivo investigar as implicações técnicas e culturais resultantes da interferência de diferentes procedimentos harmônicos nos processos de improvisação relacionados ao gênero musical choro e, nesse contexto, buscar não apenas inovações melódicas e harmônicas, mas também processos identitários implicados com processos de hibridação cultural.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Artigo final Julio Lemos.pdf: 2467910 bytes, checksum: a32b9ae239f1f6484f2721cfedc1f981 (MD5) Previous issue date: 2012-03-30 / This paper regards Contemporary Brazilian Popular Music and it aims to present the compositional style of Marco Pereira based on a case study of its work Samba Urbano , composed for solo guitar, in 1980. Marco Pereira presents elements of jazz, classical music, and Brazilian popular music, as well as idiomatic features of guitar, as his main references. The use of Parallelism , influenced by Villa-Lobos and Leo Brouwer, is found in Samba Urbano . As far as the rhythmic and harmonic aspects, it is possible to find the influence of Garoto, Radamés, Gnattali and Baden Powell. It can be seen in Samba Urbano aspects of jazz, such as the improvisation character, the use of modal harmonies and the changing of scales. Lastly, the influence of French impressionist music, by Debussy and Ravel, such as the use of harmonies over whole tones scales and chords of fourth. / Tendo em vista um panorama da música popular brasileira contemporânea este trabalho tem o objetivo de apresentar o estilo composicional de Marco Pereira a partir de um estudo de caso da obra Samba Urbano , composta para violão solo em 1980. Marco Pereira apresenta como suas principais referências elementos da música erudita, do jazz, e da música popular brasileira. bem como o uso de recursos idiomáticos do violão, encontra-se em Samba Urbano o uso do paralelismo , sob a influência de Villa-Lobos e Leo Brouwer. Quanto aos aspectos rítmicos e harmônicos é possível assinalar a influência de Garoto, Radamés Gnattali e Baden Powell. Pode-se constatar em Samba Urbano aspectos do jazz, tais como o caráter de improvisação, o uso de harmonias modais e de escalas alteradas. Por fim, a influência da música francesa impressionista, de Debussy e Ravel tais como o uso de harmonias sobre escalas de tons inteiros e acordes por quartas.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pixinguinha e Dino Sete Cordas.pdf: 3871634 bytes, checksum: 1caef38069e274f5826f77609043ea75 (MD5) Previous issue date: 2009-04-27 / Choro consists of a musical movement expressing the popular culture of Rio de Janeiro city, originated around 1870, connected with a gradual process of brazilianization that is, an interpretation style of playing European genres with large use of syncope, played for dance. Choro turned into a musical genre on the first decades of the 20th century, until the Radio Era (here understood as the 1930-45 period), based on an instrumental formation called conjunto regional . Among many groups, there was the Regional de Benedito Lacerda (Lacerda´s Group), which had as its integrants, Pixinguinha and Dino Sete Cordas, the focus of this work. Through the transcription and analysis of the recordings played by Lacerda´s Group in the album entitled Benedicto Lacerda e Pixinguinha (released in 1966 with recordings made between 1946-1951) it was possible to verify the melodic lines and performance style of Pixinguinha´s saxophone and his influence on the seven-string-guitar player Dino Sete Cordas in the album entitled Choros Imortais (1964), recorded by Altamiro Carrilho with Regional do Canhoto (Canhoto´s Group). Pixinguinha s performance on the recordings was based on pre-established improvisations possibly due to recording limitations. Dino Sete Cordas was very close to Pixinguinha and also had him as a model. Because of this contact, among other factors, Dino Sete Cordas came up with a characteristic interpretation style, and individual performance concept and a performance school which influenced countless musicians and contributed for a systematization of seven-strings-guitar´s study / O choro consiste em um movimento de expressão musical da cultura popular carioca nascido ao final do século XIX, constituindo-se a partir de um processo gradativo de abrasileiramento de gêneros europeus executados de uma forma sincopada, destinados à prática da dança. Consolida-se enquanto gênero musical a partir das primeiras décadas do século XX, tendo ampla veiculação durante a chamada Era do Rádio (1930-1945) através de uma formação instrumental que ficou conhecida como conjunto regional. Dentre os principais conjuntos da época destaca-se o Regional de Benedito Lacerada, através da atuação de dois de seus integrantes, Pixinguinha e Dino Sete Cordas, que constituem o foco deste trabalho. Através da transcrição e análise das gravações executadas pelo Regional de Benedito Lacerda contidas no álbum Benedicto Lacerda e Pixinguinha (lançado em 1966 contendo gravações realizadas no período de 1946-1951), busca-se contextualizar a improvisação de Pixinguinha enquanto saxofonista. A influência de seu estilo interpretativo na performance violonística de Dino Sete Cordas pode ser constatada através das gravações junto ao Regional do Canhoto, contidas no álbum intitulado Choros Imortais (1964), tendo como solista o flautista Altamiro Carrilho, acompanhado pelo Regional do Canhoto. Constata-se em Pixinguinha um processo de improvisação fundamentado em uma prática pré-concebida, possivelmente em função das condições dos recursos tecnológicos dos estúdios da época. Devido entre outros fatores ao contato com Pixinguinha, Dino Sete Cordas consolidou ao longo de sua carreira um estilo interpretativo próprio, criando uma escola empírica baseada inicialmente na audição e imitação deste material fonográfico, que foi determinante tanto para a formação de novos instrumentistas como para o processo de sistematização do estudo do violão de sete cordas

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacao_PART1.PDF: 154745 bytes, checksum: 62d12a4d5be968472b05662819b204d7 (MD5) Previous issue date: 2007-04-30 / The proposal of this research is to investigate the process of creation of the Brazilian composer Pedro Cameron, mainly through the survey and analysis of his work, pointing out specific stylistic characteristics, his perception of the classical guitar idiomatism, and its influence on compositional solutions. In the beginning of the twentieth century, there was a significant growth in the number of works written for the classical guitar by composers of diverse musical backgrounds. These works consolidated a more reorganization both in the writing and the idiomatic absorption of the instrument. The musical works for classical guitar by Pedro Cameron is part of this context, creating an important investigative link for the Brazilian contemporary repertoire. The first part of this master thesis contextualizes this moment, presenting information about the classical guitar in Brazil and the world, and a brief biography of the composer. The second part presents an analytical inquiry of some Cameron's pieces, encompassing the period between the decade of 1970 and the present days. The theoretical framework is based on authors such as Spencer & Temko (1988), Hanslick (1992), Dudeque (1996), Schoenberg (1996), Oliveira (1998), Menezes (2002) e Zuben (2004). The last part evaluates the procedures of the composer through what was observed in the analyses, presenting compositional solutions and techniques he creatively used to incorporate significant elements of the classical guitar idiomatism, influencing the process of writing and his compositional style / A proposta desta pesquisa é investigar o processo de criação do compositor paulista Pedro Cameron, principalmente através do levantamento e análise de sua obra, apontando características estilísticas em relação ao idiomatismo do violão e da influência do instrumento nas soluções composicionais. No princípio do século XX, observamos um significativo crescimento no número de obras escritas para o violão por compositores de diversas vertentes musicais, obras que consolidaram a absorção idiomática do instrumento. A obra musical para violão de Pedro Cameron se insere neste contexto, criando um elo investigativo importante sobre o repertório contemporâneo brasileiro atual. A primeira parte do trabalho contextualiza tal momento, apresentando tópicos sobre o violão no Brasil e no Mundo, além de uma breve biografia do compositor. A segunda parte apresenta uma investigação a partir das análises de algumas obras do compositor que compreendem o período entre a década de 1970 aos dias atuais, tendo como referencial teórico autores como Spencer & Temko (1988), Hanslick (1992), Dudeque (1996), Schoenberg (1996), Oliveira (1998), Menezes (2002) e Zuben (2004). A última parte visualiza os procedimentos do compositor através do que foi constatado nas análises, apresentando soluções composicionais e técnicas através das quais ele criativamente incorporou elementos do idiomatismo do violão à sua escrita

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 martha.pdf: 2005565 bytes, checksum: 23e2b18cc66b291512e9396a074eab55 (MD5) Previous issue date: 2009-03-30 / This study is the result of observation of the television Fruit of the Earth, regional character, which is being produced in Goiania, twenty-five consecutive years. Achieving the overall goal of making a critical analysis and reflective linking the program and its regional proposal in the context of globalized society Goias, and the implications assigned to this context, they acquired this registration form, in which they are exposed to exploitation and Goias indigenous culture, especially music. Therefore, considerations are made on the regional cultural events that the program airs, including traditional and particularly the music, in the process of globalization, including the issue of cultural hybridity and cultural specificities of identifications in the news. The study is systematic in three chapters, s endo that makes each chapter a specific approach, based on the thought of Edgar Morin, the complexity. A reflection on the program Fruit of the Earth gives up way of thinking fragmented portnato, do not take the object apart from its context. It was observed, and the program Fruit of the Earth for a period of eighteen months, was considered the responses obtained in the interviews, we sought in the theoretical studies by social theorists - Hall, Bauman and Canclini - and researchers in the field music - Ulhôa, Nepomuceno and Pimentel. These agents have cultural enlightening replies to the questions that arise during the research. The procedures are found in each chapter of the research. In the first chapter, the discourse is presented by globalization and its issues. The second is devoted exclusively to country music roots, its origin, the transformation in that song now, considering the result of hybridity and cultural reflection of the identifications of Goias. The third chapter presented in detail, the program. It presents the history of the program, a detailed description of some recordings of that program and a summary of the opinions of the individuals: artists, viewers and program staff. In this chapter the reader is shown the importance of the fruits of the earth for society Goiana, since it proposes the recovery, preservation and indigenous culture of Goiás / Este estudo é fruto da observação do programa de televisão Frutos da Terra, de caráter regional, que vem sendo produzido em Goiânia, por vinte e cinco anos ininterruptos. Atingindo o objetivo geral de realizar uma análise critica e reflexiva relacionando o programa e sua proposta regionalista no contexto globalizado da sociedade goiana, bem como as implicações conferidas a esse contexto , adquiriu-se o presente registro impresso, no qual se encontram expostos a valorização e o resgate da cultura goiana, em especial a musical. Portanto, são apresentadas considerações sobre as manifestações culturais regionais que o programa leva ao ar, entre elas as tradicionais e, particularmente, as musicais, dentro do processo da globalização, abrangendo a questão do hibridismo cultural e as especificidades das identificações culturais na atualidade. O estudo está sistematizado em três capítulos,s endo que cada capítulo perfaz uma abordagem específica, tendo como base o pensamento de Edgar Morin, a complexidade. A reflexão em torno do programa Frutos da Terra renuncia a forma de se pensar fragmentada, portnato, não se tomou o objeto separado de seu contexto. Observous-e o programa Frutos da Terra por um período de dezoito meses, considerou-se as respostas obtidas na realização das entrevistas, buscou-se o embasamento teórico em estudos realizados por teóricos sociais - Hall, Bauman e Canclini - e por pesquisadores no campo da música - Ulhôa, Nepomuceno e Pimentel. Esses agentes socioculturais deram respostas esclarecedoras para os questionamentos surgidos no decorrer da pesquisa. Os procedimentos realizados são reconhecidos em cada capítulo da pesquisa. No primeiro capítulo, o discurso apresentado é o da globalização e suas questões. O segundo dedica-se exclusivamente à música sertaneja raiz, sua origem, as transformações pelas quais essa música passou, considerando-a consequência do hibridismo e reflexo das identificações culturais do goiano. O terceiro capítulo apresentada detalhadamente, o programa. Nele é apresentada a trajetória do programa, a descrição pormenorizada de algumas gravações desse programa e uma síntese das opiniões dos sujeitos entrevistados: artistas, telespectadores e funcionários do programa. Neste capítulo é mostrado ao leitor a importância do programa Frutos da Terra para a sociedade Goiana, uma vez que ele propõe a valorização, a preservação e o resgate da cultura de Goiás