Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1163877 bytes, checksum: 402b519c50e600011ffb6177db7aeea5 (MD5) Previous issue date: 2012-04-18 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The academic field of music education has been consolidating significantly in the last 30 years. This period, in turn, has been marked by profound social changes: economic crises that appears in increasingly smaller intervals; the deepening of social inequality; the remarkable fragmentation that ravages individuals and the reflux of the organization of the explored classes; the mass diffusion of individualistic and conservative political ideologies, the process of intensive implementation of the Capital and its determinants through the deepening of economic globalization. Given this complex scenario, emerges a problem that has been poorly treated by our field: how does music education fit into this context? How the social determinants of our time affects music-education? Thus, the goal of this dissertation is to analyze the relationship between music education, the struggle between Labor and Capital and the construction of social being nowadays. I proposed the following specific objectives: to characterize the conflict between Labor and Capital; to point out how the political ideologies of capitalism, from those that advocate its reproduction to those that argue for its overcome them, influences human praxis, in particular education; to think about the characteristics of music education today, its possibilities and challenges before our historical time; and identify how the critique of capital has been developed by researchers of the field. I employed as the main critical-analytical references the historical and dialectical materialism and the Marxian- Lukacsian ontology. I conclude by arguing that the analysis of the field of music education, taking into account the limits of this practice, enables a significant deepening of understanding of the current configuration of our society. However, critical analyzes performed to date and circulated by the academic journal Revista da ABEM, published by the Associação Brasileira de Educação Musical, offer only partial critiques to the relationship between music education and the determinants of capitalist society, which demonstrates the need to resume the critique of social totality, an essential characteristic of the Marxist critical ontology. / A área acadêmica da educação musical vem se consolidando de maneira significativa nos últimos 30 anos. Este período, por sua vez, tem sido marcado por profundas transformações sociais: crises econômicas que se sucedem em intervalos cada vez menores; o aprofundamento da desigualdade social; a marcante fragmentação que assola indivíduos e o refluxo da organização das classes sociais exploradas; a difusão em massa de ideologias políticas individualistas e conservadoras; o processo de implantação intensiva do Capital e seus determinantes através do aprofundamento da globalização econômica. Diante desse complexo cenário, destaca-se uma problemática que vem sendo insuficientemente tratada pela área: como a educação musical insere-se nesse contexto? Como os determinantes sociais de nosso tempo histórico condicionam a atividade músico-educacional? Dessa forma, analisei como objetivo geral da presente dissertação a relação entre a educação musical, o embate entre Trabalho e Capital e a formação do ser social na atualidade. Em relação aos objetivos específicos, caracterizei o conflito entre Trabalho e Capital; refleti sobre como as ideologias políticas circunscritas ao capitalismo, das que advogam sua reprodução às que defendem sua superação, influenciam a práxis humana, em particular a educativa; descrevi a configuração da educação musical na atualidade, suas possibilidades e desafios frente ao nosso tempo histórico; e identifiquei como a crítica ao capital tem sido elaborado pelos pesquisadores da área. Utilizei como principais referenciais crítico-analíticos o materialismo histórico e dialético e a ontologia marxiano-lukacsiana. Concluo afirmando que a investigação do campo da educação musical, levando-se em consideração os limites desta práxis, possibilita um aprofundamento significativo da compreensão sobre a atual configuração de nossa sociedade. Entretanto, as pesquisas efetuadas até o presente momento e difundidas pelo periódico Revista da ABEM, publicado pela Associação Brasileira de Educação Musical, oferecem críticas apenas parciais às relações entre o ensino de música e os determinantes da sociedade capitalista, o que demonstra a necessidade de se retomar a crítica à totalidade social, que é característica essencial da ontologia crítica marxista.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Artquivototal_Parte1.pdf: 7920538 bytes, checksum: 552ff2db13912bc654c8d57525f9ae8f (MD5) Previous issue date: 2011-01-26 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This work deals with the principles and compositional techniques employed in Cantoria, for ten-string Viola Sertaneja and String Orchestra, composed of three movements, with approximate duration of 14 minutes. The work uses a compositional language developed from stylistic, melodic and rhythmic elements from Cantoria de Viola Nordestina. In the musical discourse of the first two movements, the viola sertaneja and the string orchestra are treated as distinct dramatis personae that interact with each other in several ways simulating certain acoustic effects through orchestration. In the third movement, they interplay according to the principle contained in the Desafio (kind of Cantoria de Viola). / Este trabalho se refere aos princípios e técnicas composicionais empregados na peça Cantoria, para Viola Sertaneja de 10 cordas e Orquestra de Cordas, composta de três movimentos, com duração total aproximada de 14min. A obra utiliza uma linguagem composicional desenvolvida a partir de elementos estilísticos, melódicos e rítmicos da Cantoria de Viola Nordestina. No discurso musical dos dois primeiros movimentos, a viola sertaneja e a orquestra de cordas são tratadas como dramatis personae distintas que interagem mutuamente de diversas formas simulando determinados efeitos acústicos através de recursos de orquestração. No terceiro movimento, elas se contrapõem baseadas no princípio da disputa contida no Desafio (modalidade da Cantoria de Viola).

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Arquivototal.pdf: 3367733 bytes, checksum: 6bf04a4853c4b58bb74f3893826aba70 (MD5) Previous issue date: 2011-08-08 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Playing an instrument is turning on muscular, affective and mental mechanisms that are closely related. Therefore, in a performance preparation, it is expected from the instrumentalist not just the understanding of the musical speech, but the assimilation and perfection of the motor patterns that will be part of the needed corporal action for the technical accomplishment of this speech as well. In this process, one of the goals of the instrumentalist is to become aware of tension points in their body that can potentially prevent a more free technical execution, looking for ways to minimize or eliminate them. According to the Bioenergetics Analysis, a psychotherapy approach created by Alexander Lowe in 1956, the muscle tensions are the result of emotional blocks, being created most of the times since childhood and developed throughout life. These tensions work as armours , which protect the individuals from experiences that could be painful and threatening, turning into an obstacle to the human being capacity to relate to their sensations and emotions and, consequently, of feeling free, whole and in contact with the world around them. Going beyond the investigation about human psyche that, before the middle of last century, focused mainly on mind exploration, the Bioenergetics takes the patients, through exercises, to reunite with their body, acquiring a sense of well-being and inner peace. Based on this knowledge and understanding that the violin student starts his instrument learning having already some muscle tensions due to emotional matters and that these tensions could hinder their musical expressivity on the same way they can interrupt his spontaneity in life, this work presents, analyses and discusses the contributions of Bioenergetics exercises to the development of the technical-expressive capacity of violin students, based on the application of exercises of this field to violinists during their formation process and performance. In order to do so, initially, questionnaires were applied and interviews with the participants of this research were conducted, collecting information about their physical condition and, more specifically, about their muscle tensions. Having this information, Biogenetics exercises, both in their original format or specifically adapted to violin learners, were applied to these participants throughout several meetings. The results of these exercises have been verified through participant observation and constant reports from the participants containing their own perceptions and sensations throughout this work. An interview was conducted two months after the research, according to which it was possible to conclude that most of the participants became more aware of their own body, emotions and sensations, both on their daily life and in the act of performance. Having also been effective in raising awareness and reducing several of the muscle tensions in the participants, the Bioenergetics exercises gave these individuals a looser body that is connected to the instrument, besides a deeper body-mind integration in the act of performance. And that has naturally facilitated their technical and expressive capacity. / Tocar um instrumento é acionar mecanismos musculares, afetivos e mentais, estando eles intimamente relacionados. Na preparação de uma performance, portanto, espera-se do instrumentista não apenas o entendimento do significado do discurso musical, mas também a assimilação e aperfeiçoamento de padrões motores que irão se constituir na ação corporal necessária para a realização técnica deste discurso. Nesse processo, uma das metas do instrumentista é se conscientizar dos pontos de tensão em seu corpo que potencialmente lhe impedem uma execução técnica mais livre, buscando então meios para minimizá-los ou mesmo eliminá-los. Segundo a Análise Bioenergética, abordagem psicoterápica criada por Alexander Lowen em 1956, as tensões musculares são decorrentes de bloqueios emocionais, sendo criadas na maioria das vezes desde a própria infância e desenvolvidas ao longo da vida. Essas tensões funcionam como couraças , que servem para proteger o indivíduo de experiências que possam vir a ser dolorosas e ameaçadoras, tornando-se um obstáculo à capacidade do ser humano de se entregar às sensações e emoções e conseqüentemente de se sentir livre, inteiro e em contato com o mundo à sua volta. Ultrapassando as investigações sobre a psique humana que, antes de meados do século passado, concentravam-se principalmente nas explorações da mente, a Bioenergética leva o paciente, através de exercícios, a reencontrar-se com seu corpo, adquirindo então, uma sensação de bem-estar e paz interior. Baseado nesse conhecimento e entendendo que o aluno de violino inicia o aprendizado de seu instrumento tendo já presentes algumas tensões musculares advindas de questões emocionais e que tais tensões poderiam dificultar sua expressividade na música da mesma forma que impedem sua espontaneidade na vida, este trabalho apresenta, analisa e discute contribuições da Bioenergética para o desenvolvimento da capacidade técnico-expressiva dos estudantes de violino, tendo como base a aplicação de exercícios desse campo no processo de formação e performance do violinista. Para isso, foram, inicialmente, aplicados questionários e realizadas entrevistas com os participantes da pesquisa, coletando informações principalmente sobre seu estado físico, mais especificamente no que se referia às suas tensões musculares. De posse destas informações, foram aplicados nesses participantes, durante vários encontros, exercícios da Bioenergética, tanto em seu formato original, como adaptados às especificidades do aprendizado violinístico. Os resultados desses exercícios foram sendo verificados através de observação participante e de constantes relatórios dos próprios participantes contendo suas percepções e sensações ao longo do trabalho. Uma entrevista final foi realizada após dois meses de pesquisa, onde foi possível concluir que a grande maioria dos participantes se encontrava mais consciente de seu corpo e de suas sensações e emoções, tanto em seu cotidiano, como no ato da performance. Tendo também sido eficazes na conscientização e diminuição de várias das tensões musculares dos participantes, os exercícios da Bioenergética possibilitaram a esses indivíduos um corpo mais solto e conectado ao instrumento, além de uma maior integração corpo-mente no ato da performance. E isso, naturalmente, facilitou sua capacidade tanto técnica quanto expressiva.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ARquivoTotalElizete2.pdf: 21662672 bytes, checksum: 81733634d971195212d7dfd57e739a93 (MD5) Previous issue date: 2013-05-20 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This work grew out of an interest in knowing the songs of Alberto Nepomuceno more deeply, encouraged mainly by the lack of disclosure of this repertoire in recitals in the city of Recife - Pernambuco. Dealing with songs in Portuguese, was sought to know how Nepomuceno's defense of the use of the vernacular in classical singing occurred, considering that at his time the Italian and French languages were recognized as suitable for this kind of performance. It was also necessary to know and experience the use of standards table of pronunciation of the Brazilian Portuguese in classical singing from the Brazilian Association of Singing. The research was developed through research literature, analysis of scores, two recitals and survey on the number of recordings of the repertoire. The importance of this work is based also in the relationship between Alberto Nepomuceno's musical training in Europe and the reflection of this experience in his brazilian songs. The choice of songs followed some criteria such as: lack of a full disclosure in recitals in Recife, PE and extension of melodies according to the vocal range of this author. The repertoire features eleven songs: Amo-Íe muito Op. 12 nº 2, Tu és o sol! Op. 14 nº 2, Coração rriste Op. 18 nº1, Soneto Op. 21 nº 3, Turquesa Op. 26 nº 1,Trovas Op. 29 nº 1, Trovas Op. 29 nº 2, Cantigas, Cantilena, Candura e A jangada. The study of the songs developed from the following aspects: the poem, the poet, tonality, melody, functional harmony and piano accompaniment, based on the collections of Songs for voice and piano edited by Dante Pignatari EDUSP (2004) and manuscripts scores obtained at the National Library. The songs chosen were composed between 1894 and 1920. / Este trabalho surgiu do interesse em conhecer mais profundamente as canções de câmara de Alberto Nepomuceno, incentivada, principalmente, pela falta de divulgação desse repertório em recitais de canto na cidade de Recife - Pernambuco. Em se tratando de canções em português, buscou-se conhecer de que forma ocoffeu a defesa de Nepomuceno pelo uso da língua vernácula no canto erudito, tendo em vista que na época do ocorrido os idiomas italiano e francês eram reconhecidos como apropriados para essa performance. Foi necessário também, conhecer e experimentar a utilização da tabela de Normas para a Pronúncia do Português Brasileiro no Canto Erudito da Associação Brasileira de Canto. A pesquisa se desenvolveu através da investigação bibliográfica, análise das partituras, dois recitais e levantamento sobre o número de gravações do repertório. A importância desse trabalho se fundamenta, também, na relação entre a formação musical de Alberto Nepomuceno na Europa e o reflexo dessa vivência em suas canções brasileiras. A escolha das canções seguiu alguns critérios como: a pouca divulgação nos recitais em Recife - PE e a extensão das melodias, de acordo com o tipo vocal desta autora. O repertório possui onze canções: Amo-te muito Op. t 2 no 2, Tu és o sol! Op. 14 no 2, Coração triste Op. 18 nol, Soneto Op. 21 n" 3, Turquesa Op. 26 no 1, Trovas Op. 29 n" I, Trovas Op. 29 n" 2, Cantigas, Cantilena, Candura e A jangada. O estudo das canções se desenvolveu a partir dos seguintes aspectos: o poema, o poeta, a tonalidade, a melodia, a harmonia funcional e o acompanhamento para piano, com base na coletânea Canções para voz e piano de Dante Pignatari editada pela EDUSP (200a) e partituras manuscritas obtidas na Biblioteca Nacional. As canções escolhidas foram compostas no período entre 1894 e 1920.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 7762651 bytes, checksum: fd665319950500f26eeecebc340a5a5b (MD5) Previous issue date: 2013-05-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The present dissertation is about the study of the Concerto para Trompete e Orquestra de Cordas Concert for Trumpet and String Orchestra by the composer Alfredo Silveira Dias Filho. This is a qualitative research with three subjects, which are important soloists, teachers and orchestral musicians in the nacional scenario. The focus of the first chapter is mainly the technical-interpretative problems found in the performance of the concerto and the technical fundaments of the trumpet. On the second chapter it is included a biography of the composer, historical data of his work and the explanation of the technical-interpretative questions presented to the subjects. It is also in this chapter that the technical-interpretative questions, which were presented to the subjects to answer, are explained. The third chapter has a description of the methodology of the research, which was based in structured questionnaires that were answered by the subjects. The third chapter finishes with the comparison and analysis of the obtained answers. The dissertation ends with the final considerations, which demonstrates the importance of the performer when looking to the score and constructing the musical speech. Between the three subjects, it can be seen not only differences, but also many common points. The main objective of this study is to build interpretative questions that might be found in the Concerto and how the three professors think about these questions and pursue to solve them. From the crossing and analysis of their answers, we seek to achieve a broader view of the piece, and finally the possible solutions of its technical-interpretative questions. / Este trabalho destina-se ao estudo interpretativo do Concerto para Trompete e Orquestra de Cordas do compositor Alfredo Silveira Dias Filho. Trata-se de uma pesquisa qualitativa com três sujeitos, que são importantes solistas, professores e músicos de orquestra no âmbito nacional. No primeiro capítulo serão abordados fundamentalmente problemas técnico interpretativos na performance do concerto e os fundamentos técnicos do instrumento. No segundo capítulo encontra-se uma biografia do autor, dados históricos de sua obra e estão explicadas as questões técnico-interpretativas apresentadas aos sujeitos de pesquisa. O terceiro capítulo possui uma descrição da metodologia da pesquisa, a qual se utilizou de questionários estruturados que foram respondidos pelos sujeitos. Ainda neste capítulo encontra-se a comparação e análise das respostas obtidas. A dissertação se encerra com as considerações finais sobre a importância do olhar do intérprete sobre a partitura e como a construção do discurso musical entre os três sujeitos apresenta além de divergências, muitos pontos em comum. Buscou-se como objetivo principal desta dissertação fazer um levantamento das questões interpretativas que podem ser encontradas no Concerto e como três músicos profissionais pensam estas questões e procuram resolvê-las. Do cruzamento e análise das respostas procura-se ter uma visão mais ampla da obra e das possíveis soluções de suas questões técnico-interpretativas.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 5198556 bytes, checksum: 6d1ce9850a3e9a6941ae4205635278d9 (MD5) Previous issue date: 2013-08-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This dissertation proposes an interpretative and formal analyses of Ernst Mahle‟s Quarteto 1995 for double-basses , with the purpose to learn better ways to perform this piece. We did a bibliografic study in which we elucidate part of Mahle‟s trajectory as an educator, some of his theoretical handouts as well as his key compositions for double bass in order to lead performers to a better understanding of the thematic, formal, motivic and modal aspects present in the Quarteto 1995 . / A presente dissertação de mestrado propõe uma análise formal e interpretativa da peça Quarteto 1995 para Contrabaixos, de Ernst Mahle, no intuito de refletir sobre os caminhos para a sua performance, partindo de um estudo bibliográfico no qual mostramos um pouco da trajetória de Mahle como educador, algumas de suas apostilas teóricas e peças para contrabaixo, para auxiliar o interprete no entendimento dos aspectos temáticos, formais, motívicos e modais presentes no Quarteto 1995.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 3618018 bytes, checksum: 9c10bd9fae6a622e971d302e5d5c417c (MD5) Previous issue date: 2013-04-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The current job Market demands, increasingly, instrumentalists with skills and theoretical and practical knowledge in various styles and musical genres. This situation brings up new questions and concerns in music scientific research. From the dialogue between the subareas of Musical Education and Performance, emerges the subarea of Pedagogy of Musical Instrument that investigates tools and pedagogical practices inherent to the instrumentalists teaching and learning process. Its purpose is to make this context even more reflective and skillful in adapting to the different styles in which the instrument can communicate its musical art. In case of formal education in classical guitar instrument the can appropriate and transmit music in its various ways the practice of sight-reading becomes an issue facing the needs of this instrument that is essentially soloist. However, the increased participation of the guitar in chamber music groups has set the sight-reading as an important tool for the preparation of the performance. This work shows the importance of sight-reading in the classical guitarists formation process and aims to present, analyze and reflect on issues about teaching and learning of sight-reading in the classical guitarists formation process. The research methodology is based on a qualitative approach and uses bibliographic and documental research, semi-structured interviews with expert classical guitarists at the sight-reading such as Eduardo Fernández, Eduardo Meirinhos, Fábio Zanon, Mario Ulloa and Nícolas de Souza Barros. The theoretical background about Musical Cognition, Musical Education and Performance dialogues with the empirical background of the investigated expert guitarists. As a result of the research, we conclude that the classical guitar learning finds itself undergoing a conceptual and methodological transition process, but it can be improved by using several practices which can be embedded on guitarists routine in order to provide a more accurate and deliberate development of the sight-reading. / A recente demanda de formar instrumentistas mais conscientes das competências necessárias para o mercado de trabalho exige deste, habilidades, conhecimentos teórico e prático de vários estilos e gêneros, ao passo que estimula inquietações em questões de pesquisa. A subárea de conhecimento denominada Pedagogia do Instrumento emerge da necessidade de diálogo entre as a Educação musical e as Práticas Interpretativas. Investiga ferramentas e práticas pedagógicas inerentes ao ensino e aprendizagem do instrumentista. Sua finalidade é tornar este contexto mais reflexivo e hábil na adaptação com as diferentes facetas em que o instrumento pode comunicar sua arte. Especificamente tratando do violão instrumento que pode se inserir no contexto de transmissão e apropriação de música de diversas formas e da formação institucionalizada de música, a prática da leitura à primeira vista tem sido vista como um problema frente às necessidades desse instrumento musical essencialmente solista. Todavia, uma crescente demanda em grupos de câmara tem-na configurado como importante ferramenta para a otimização da preparação da performance. O presente trabalho tem como objetivo apresentar, analisar e refletir sobre questões acerca de estratégias de ensino e aprendizagem da leitura à primeira vista. A partir de uma abordagem qualitativa, a metodologia da pesquisa conta como principais instrumentos de coleta de dados a pesquisa bibliográfica e documental, e entrevistas semiestruturadas com violonistas especialistas em leitura à primeira vista, entre eles Eduardo Fernández, Eduardo Meirinhos, Fábio Zanon, Mario Ulloa e Nícolas de Souza Barros. O referencial teórico de trabalhos da Cognição Musical, Educação Musical e Práticas Interpretativas foi posto em diálogo com o referencial empírico dos violonistas estudados. Como resultado, encontramos um ensino de violão que se encontra em processo de transição conceitual e metodológica, mas que pode ser complementado com diversas práticas no cotidiano do estudante, de modo a proporcionar um desenvolvimento mais acurado e deliberado da leitura à primeira vista no processo de formação do violonista.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 8655195 bytes, checksum: e18c7189642cacbd2b5501c038c3e426 (MD5) Previous issue date: 2013-04-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / With a large musical production that carries out different musical formations, the group JAGUARIBE CARNE has a diversified repertoire whose performances are mainly focused in social matters of the urban life. The songs contemplate different musical esthetic, in which they search to call special attention in order to try a critical musical experience on emergent questions of the society and the cultural politics. In musical terms, the group produces a sonority or noise that searches the different, the unexpected, the provocation, that is, it has to do with a musical style that runs away from the recurrent midiatic standards. This work aims to understand the experimentalism as characteristic of prominence in the musical performance of the group JAGUARIBE CARNE , idealized and founded by the brothers and Musicians Paraibanos, Paulo Ró and Pedro Osmar. They will be detached in this work for being the main integrants of the group since its creation. Thus, as base in the used works (BÉHAGUE,1984; SCHECHNER, 2006; COOK, 2006; MADRID, 2009), I understand as performance any human being activity in which a reflection is done on its means and relationships with the society. From the music point of view , the performance congregates not only the event in itself (hearing and artists), but all the previous technician procedures to the situation of the presentation or writing and the posterior unfolding to this occasion, as critical musical comedies, stories, colloquies, listening, memories, among other aspects. The methodological course developed in this work finds consonance with the particularities of the case study. In this way, as instrument of collection of data had been used, the documentary research, photographs, bibliographical research, discografic-fonograph research, interviews and participant comment. These data, later, had been categorized and analyzed with sights to help the understanding of the studied subject. By ways of analyses, it was possible to verify that in the compositions of the group there is not the concern in contemplating musical formal requirements, whose songs are carried through in accordance with their informal learning‟s by means of debates, listening, readings, performance in social projects, where participants of the Group makes a re-reading of these information in accordance with their spontaneous aims. The experimental character in their songs has also the objective to repudiate the commercial relations of the cultural market and to propose a musical aesthetic that is innovative in terms of musical -sonority and compromised with the social conflicts. Thus, the Group makes use of genres popular and folkloric from various countries and it joins them to a global sonority, with the erudite musical vanguards and to the engaged speech of the songs of national - popular one, generating, a species of sonorous des-construction of these genres. / Com uma vasta produção musical que se realiza com diferentes formações musicais, o grupo paraibano Jaguaribe Carne possui um diversificado repertório cujas performances estão, principalmente, focadas em questões sociais da vida urbana. O grupo produz uma sonoridade que busca o diferente, o inesperado, a provocação, ou seja, trata-se de uma música que foge dos recorrentes padrões midiáticos. Esse trabalho objetiva compreender o experimentalismo como característica de destaque na performance musical do grupo Jaguaribe Carne, idealizado e fundado pelos irmãos e músicos paraibanos, Paulo Ró e Pedro Osmar. Estes vão ser destacados por serem os principais integrantes do grupo desde a sua criação. Assim, com base nos trabalhos utilizados (BÉHAGUE, 1984; SCHECHNER, 2006; COOK, 2006; MADRID, 2009), entendo performance como qualquer atividade humana na qual se faça uma reflexão sobre seus significados e relacionamentos com a sociedade. Do ponto de vista da música, a performance congrega não apenas o evento em si (audiência e artistas), mas todos os procedimentos técnicos anteriores à situação da apresentação ou gravação e os desdobramentos posteriores a esta ocasião, como críticas musicais, relatos, conversas, escutas, memórias, dentre outros aspectos. O percurso metodológico desenvolvido neste trabalho encontra consonância com as particularidades do estudo de caso. Deste modo, como instrumento de coleta de dados foram utilizados, a pesquisa documental, fotografias, pesquisa bibliográfica, pesquisa discográfico-fonográfica, entrevistas e observação participante. Estes dados, posteriormente, foram categorizados e analisados com vistas a ajudar na compreensão do tema estudado. Por meios das análises, foi possível verificar que nas composições do grupo não há a preocupação em contemplar exigências formais musicais, cujas músicas são realizadas de acordo com seus aprendizados informais realizados por meio de debates, escutas, leituras, atuação em projetos sociais, onde participantes do grupo fazem uma releitura dessas informações de acordo com seus anseios espontâneos.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 4566769 bytes, checksum: d9acd3e725af5c1a5cd9a4125639edeb (MD5) Previous issue date: 2014-04-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This paper takes as its object of exegetical analysis, based on the translation from English to Portuguese, the treatise on the fundamental principles for violin, written by Leopold Mozart, first published in 1756. The Portuguese version was based on the English version made by Editha Knocker and edited in 1948 by the Oxford University Press. The translation into Portuguese brings the possibility of a careful and specific study of the treatise, making possible an effective and clear apprehension of the ideas about the music and the violin, proposed and supported by Leopold Mozart. The fundamental categories elaborated in that work are explained in a more substantive and understandable way, which constitutes the core of this project. That treatise is a work of undeniable historical relevance and, along with the treatise for flute by J. J. Quantz and the one for keyboard by C. P. E. Bach, is one of the most significant works of the genre. In his work, L. Mozart deals not only with the technique for the violin and musical styles, but also displays an honest concern with the musical training of instrumentalists. In his didacticism, leads the reader to study the characteristics of violinistic musical practice, as well as the string instruments with bow, from the eighteenth century to the present day. / O presente trabalho toma por objeto de análise exegética, a partir da tradução do inglês para o português, o Tratado sobre os princípios fundamentais para tocar violino escrito por Leopold Mozart, publicado pela primeira vez em 1756. A versão para o português foi feita a partir da tradução para o inglês realizada por Editha Knocker e publicada, em 1948, pela Oxford University Press. A versão para o português abriu a possibilidade de seu mapeamento cuidadoso e específico, fazendo ser mais clara e efetiva a apreensão do ideário musical e violinístico proposto e sustentado por Leopold Mozart e explicitando, em termos mais substantivos e compreensíveis, as categorias fundamentais elaboradas no Tratado e que constituem o núcleo central desse projeto. O referido tratado é obra de relevância histórica incontestável e, configura, ao lado do tratado para flauta escrito por J. J. Quantz, e ao de C. P. E. Bach, para teclado, como uma das mais expressivas obras do gênero. Na sua pena tratadista, L. Mozart discorre não apenas sobre a técnica do violino e estilos musicais, mas, também, apresenta franca preocupação com relação à formação musical dos instrumentistas. Em seu didatismo, leva o leitor a conhecer as características da prática musical violinística, bem como dos instrumentos de corda com arco, desde o século XVIII até os dias atuais.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 2666026 bytes, checksum: a41278a9e37d0b68a1f8efdca93ae5a2 (MD5) Previous issue date: 2008-09-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The civil music bands, generally, work as music formation centers. In this way, they attempt the local community desire to study music by the transmission of musical knowledge in this context. The ethnomusicology understands musical transmission as an important factor of musical phenomenon comprehension. The transmission way adopted in that society or community, make us understand its musical culture. Like that, we developed a research with the 12 de Dezembro civil music band of Cabedelo city in Paraíba state. The objective of this study was to understand the latent and explicit process interspersed in 12 de Dezembro civil music band transmission, putting in evidence the main learning and teaching strategies. We observed, systematically, the rehearsals, classes, shows and several 12 de Dezembro music band casual moments. The date collect consisted of interview, photographs, audio and video records. We verified learning and teaching process towards to instrumental practice, at this way, the 12 de Dezembro music band supply its empty instrumental places. In practice, the future instrumentalists will develop their initial learning by the help and mutual changes between the 12 de Dezembro music band members. The repetition, experimentation and imitation are the base of all process. / As bandas de música civis no Brasil, em geral, funcionam como centros de formação musical, que atendem, sobretudo, a comunidade local, possibilitando a transmissão de saberes musicais necessários para a prática da música nesse contexto. A etnomusicologia tem concebido a transmissão como fator determinante para a compreensão do fenômeno musical, tendo em vista que as formas que uma sociedade adota para transmitir sua música são fundamentais para o entendimento daquela cultura musical. Considerando a realidade das bandas de música, este trabalho apresenta os resultados de uma pesquisa realizada junto à Banda 12 de Dezembro do município de Cabedelo-PB. O estudo teve como objetivo compreender os processos explícitos e latentes que permeiam a transmissão musical na Banda 12 de Dezembro, evidenciando as principais estratégias de ensino e aprendizagem utilizadas. Procurei observar sistematicamente os ensaios, aulas, apresentações e diversos momentos informais de convivência social proporcionados pela banda. A coleta dos dados foi também estruturada por entrevistas, fotografias e gravações em áudio e vídeo. Pela necessidade de adquirir novos músicos para suprir seus quadros, a Banda 12 de Dezembro desenvolve suas atividades de ensino e aprendizagem direcionadas para a prática instrumental. Quando estão dominando razoavelmente a leitura e o instrumento, os alunos são encaminhados a participar dos ensaios e das apresentações da banda, situações onde se desdobrará seu processo de aprendizagem. Aprendizagem que se consolida a partir de aspectos diversificados, alicerçados, sobretudo, nos processos de imitação, repetição e experimentação.