Esta dissertação estuda a gravura de Carlos Oswald (1882 - 1971) tendo em vista os conceitos do próprio artista expostos em seus diversos textos, destacadamente o livro autobiográfico do autor, publicado em 1957, Como me tornei pintor, e os artigos impressos na revista Vozes de Petrópolis. O trabalho evidencia a modernidade desse artista que instala no Rio de Janeiro o ensino da gravura em metal como arte. O conceito que Oswald traz para o país sobre a gravura dista da concepção aqui vigente, visto que, ao menos, até as primeiras décadas do século XX, a gravura é considerada técnica para a reprodução de imagens, sendo arte aplicada à indústria. A fim de demonstrar o que se afirma, analisa-se documentos e textos sobre a Academia Imperial de Belas Artes e sobre o Liceu de Artes e Ofícios, ambas instituições do Rio de Janeiro. É no Liceu que Oswald implanta o ensino da gravura como obra de arte, incialmente em 1914 e, posteriormente, em 1930, sendo responsável pela formação de vários gravadores brasileiros. Nesta pesquisa, demonstra-se, ainda, que a obra gráfica de Oswald, nas duas décadas iniciais de 1900, não é analisada pela maior parte dos jornalistas que tratam das exposições de artes plásticas, o que também evidencia que a gravura não é considerada da mesma maneira que a pintura e a escultura no país. A análise das gravuras do artista é realizada, assim, a partir dessas conceituações, bem como das proposições de Oswald explicitadas em seus escritos. A análise concentra-se nas gravuras do artista pertencentes à coleção do Museu Nacional de Belas Artes/Ibram/MinC e ao acervo da Fundação Biblioteca Nacional - Brasil. / This dissertation studies the etchings of Carlos Oswald (1882-1971) in light of his own concepts disclosed in many of his texts, in particular in the autobiography entitled Como me tornei pintor, published in 1957, and in articles published in the magazine Vozes de Petrópolis. The innovativeness of the artist, who established the teaching of metal etching as art in Rio de Janeiro, is evident. With the goal of demonstrating how Oswald\'s concept of metal etching as art distanced it self from Brazil\'s first decades of the XX century firmly established conception of engraving as an art applied to the industry, an analysis of documents and texts about the Academia Imperial de Belas Artes and the Liceu de Artes e Ofícios was performed. Oswald establishes in the Liceu de Artes e Ofícios the teaching of etching as Art, being responsible for the formation of many Brazilian etchers. Here it is also demonstrated that the etchings of Carlos Oswald, during the first two decades of the 1900s, were not evaluated by most art critics for not being considered art. The analysis of the artist etching presented here is based on this above-mentioned conception, as well as in Oswald\'s own propositions expressed in his texts. The research is centered in etchings belonging to the collections of the Museu Nacional de Belas Artes/Ibram/MinC and the Fundação Biblioteca Nacional - Brasil.

Esta dissertação estuda a gravura de Carlos Oswald (1882 - 1971) tendo em vista os conceitos do próprio artista expostos em seus diversos textos, destacadamente o livro autobiográfico do autor, publicado em 1957, Como me tornei pintor, e os artigos impressos na revista Vozes de Petrópolis. O trabalho evidencia a modernidade desse artista que instala no Rio de Janeiro o ensino da gravura em metal como arte. O conceito que Oswald traz para o país sobre a gravura dista da concepção aqui vigente, visto que, ao menos, até as primeiras décadas do século XX, a gravura é considerada técnica para a reprodução de imagens, sendo arte aplicada à indústria. A fim de demonstrar o que se afirma, analisa-se documentos e textos sobre a Academia Imperial de Belas Artes e sobre o Liceu de Artes e Ofícios, ambas instituições do Rio de Janeiro. É no Liceu que Oswald implanta o ensino da gravura como obra de arte, incialmente em 1914 e, posteriormente, em 1930, sendo responsável pela formação de vários gravadores brasileiros. Nesta pesquisa, demonstra-se, ainda, que a obra gráfica de Oswald, nas duas décadas iniciais de 1900, não é analisada pela maior parte dos jornalistas que tratam das exposições de artes plásticas, o que também evidencia que a gravura não é considerada da mesma maneira que a pintura e a escultura no país. A análise das gravuras do artista é realizada, assim, a partir dessas conceituações, bem como das proposições de Oswald explicitadas em seus escritos. A análise concentra-se nas gravuras do artista pertencentes à coleção do Museu Nacional de Belas Artes/Ibram/MinC e ao acervo da Fundação Biblioteca Nacional - Brasil. / This dissertation studies the etchings of Carlos Oswald (1882-1971) in light of his own concepts disclosed in many of his texts, in particular in the autobiography entitled Como me tornei pintor, published in 1957, and in articles published in the magazine Vozes de Petrópolis. The innovativeness of the artist, who established the teaching of metal etching as art in Rio de Janeiro, is evident. With the goal of demonstrating how Oswald\'s concept of metal etching as art distanced it self from Brazil\'s first decades of the XX century firmly established conception of engraving as an art applied to the industry, an analysis of documents and texts about the Academia Imperial de Belas Artes and the Liceu de Artes e Ofícios was performed. Oswald establishes in the Liceu de Artes e Ofícios the teaching of etching as Art, being responsible for the formation of many Brazilian etchers. Here it is also demonstrated that the etchings of Carlos Oswald, during the first two decades of the 1900s, were not evaluated by most art critics for not being considered art. The analysis of the artist etching presented here is based on this above-mentioned conception, as well as in Oswald\'s own propositions expressed in his texts. The research is centered in etchings belonging to the collections of the Museu Nacional de Belas Artes/Ibram/MinC and the Fundação Biblioteca Nacional - Brasil.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:43:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Jose Luiz Solsona Silva.pdf: 2867940 bytes, checksum: ce6e8fd4e1f49f24772273cae3aa952a (MD5) Previous issue date: 2009-02-03 / Fundo Mackenzie de Pesquisa / The relationship between the artist's work and the development of the lithograph technique invented by Aloys Senefelder in 1795 they come in the several ways found by the professional tape recorders and artists of the time, to produce an impression form with quality and fidelity. Like this the evolution of the lithograph with the introduction of photographic procedures for the obtaining in the impression way (the lithographic stone) as well as the consequent improvement of the visual quality of the printed papers in relation to the reproduction of the reference original is a visible fact in elapsing of the work. The abbreviation confrontation of Chéret and Lautrec demonstrates, in a certain way, the confrontation in two ways of producing a lithographic form. Chéret is extremely technician in the elaboration of the drawings and of the texts that composed the project he became the reference of the Advertising Poster in the history of the communication. Lautrec, in search of the valorization of the artist's sign, produced with their spontaneity impression forms and it is the model of the plastic artist's performance in the production of commercial works of great communicational impact. It is believed, the artists' involvement with the development of a system of impression of the Graphic Industry, it can raise studies about the real possibilities of the graphic processes. It is noticed, in elapsing of the history of the movements of art plastic surgeries, that the graphic artist's vision or designer went very important for the technological development of the current Graphic Industry. / A relação entre o trabalho do artista e o desenvolvimento da técnica de litografia, inventada por Aloys Senefelder, em 1795, apresentam-se nas várias maneiras encontradas pelos gravadores profissionais e artistas da época, para produzir uma forma de impressão com qualidade e fidelidade. Assim, a evolução da litografia com a introdução de procedimentos fotográficos para a obtenção da forma de impressão (a pedra litográfica), bem como a conseqüente melhoria da qualidade visual dos impressos em relação à reprodução do original de referência, é um fato visível no decorrer do trabalho. O breve confronto de Chéret e Lautrec demonstra, de certa forma, o enfrentamento de duas maneiras de produzir uma forma litográfica. Chéret, extremamente técnico na elaboração dos desenhos e dos textos que compunham o projeto, tornou-se a referência do Cartaz Publicitário na história da comunicação. Lautrec, em busca da valorização do gestual do artista, produziu com espontaneidade suas formas de impressão e é o modelo da atuação do artista plástico na produção de trabalhos comerciais de grande impacto comunicacional. Acredita-se, o envolvimento dos artistas com o desenvolvimento de um sistema de impressão da Indústria Gráfica, possa suscitar estudos sobre as reais possibilidades dos processos gráficos. Percebe-se, no transcorrer da história dos movimentos de artes plásticas, que a visão do artista gráfico ou designer foi muito importante para o desenvolvimento tecnológico da Indústria Gráfica atual.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:44:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Oscar Alejandro Fabian DAmbrosio.pdf: 7160148 bytes, checksum: 7e63b5026bb8b9dc806a4dc61b3d8cf3 (MD5) Previous issue date: 2013-02-21 / This study investigates what Naïf Art is, which are its variations and main artists. The most important question is the definition of the object of the study. This research offers a view of some international and Brazilians art critics that studied the subject. Some of the articles about the subject are not academic papers but art catalogues focused in selling art works or catalogues from private museums or collections. All these information is joined to establish quotations and qualified reflections about visual works that are categorizes as Naïf Art. The most important event in this art area the Bienal Naifs do Brasil, that takes place in Piracicaba, in São Paulo State, Brazil, since 1992. This study offers an analysis of art researchers, jury members and art curators that have taken part in the last ten editions of the event (1992-2010). The idea is to seek and discuss this kind of information to understand what Naïf Art is. The idea also This study investigates what Naïf Art is, which are its variations and main artists. The most important question is the definition of the object of the study. This research offers a view of some international and Brazilians art critics that studied the subject. Some of the articles about the subject are not academic papers but art catalogues focused in selling art works or catalogues from private museums or collections. All these information is joined to establish quotations and qualified reflections about visual works that are categorizes as Naïf Art. The most important event in this art area the Bienal Naïfs do Brasil, that takes place in Piracicaba, in São Paulo State, Brazil, since 1992. This study offers an analysis of art researchers, jury members and art curators that have taken part in the last ten editions of the event (1992-2010). The idea is to seek and discuss this kind of information to understand what Naïf Art is. The idea also is to analyze art works that are called Naïf. The study also offers comments about the main artists that have taken part in the Piracicaba Bienal editions since 1992. / A presente pesquisa consiste na discussão sobre o que é Arte Naif, quais são as suas variações e principais artistas. O problema maior é a própria definição do objeto de estudo. Para isso, temos como base os textos dos poucos autores nacionais e estrangeiros que se debruçaram sobre o tema. Alguns deles, inclusive, não são trabalhos acadêmicos, mas catálogos de luxo voltados para a venda de obras ou a divulgação de museus ou coleções particulares. Busca-se estabelecer parâmetros para o debate das manifestações plásticas que são chamadas pela crítica especializada como Arte Naif. O maior evento desse gênero de pintura no Brasil, a Bienal Naifs do Brasil, é realizado em Piracicaba, SP, e teve a sua décima edição em 2010. A pesquisa realiza uma análise dos textos de curadores, curadores-adjuntos e integrantes dos júris de seleção das dez edições do evento (1992-2010) e suas referências para instituir uma discussão sobre o conceito de Arte Naif. Esse diálogo inclui a discussão plástica de obras categorizadas no gênero. Traz ainda comentários sobre os principais artistas que expuseram nas diversas edições da Bienal.

O presente trabalho propõe-se a identificar e analisar as relações intertextuais e interartísticas, através das presenças confessas e inconfessas, nos poemas da obra Pampa pernambucano: poesia, imagens, e-mails, de Beatriz Viégas-Faria, em confluência com a obra pictórica do artista plástico pernambucano Gil Vicente, a fim de desvelar o processo criativo da autora. Este trabalho tem como aporte pressupostos relativos à Literatura Comparada, quais sejam os estudos de tradução, a interdisciplinaridade e a intertextualidade, sendo este último considerado um conceito-chave para a análise dos poemas, assim como apóia-se em textos de filósofos, críticos literários e artistas para entender a criação na obra em análise. Pampa pernambucano tem um caráter singular por vários motivos, dentre eles poderíamos destacar sua essência indubitavelmente comparatista e o declarado encantamento pela obra pictórica de Gil Vicente, a qual constitui-se como principal elemento de confluência. A análise dos poemas pressupõe que as relações confessas e inconfessas difratam, ampliam os significados para o leitor tanto dos textos poéticos como da obra pictórica de Gil Vicente. Além disso, revela que a estratégia da forma de Beatriz Viégas-Faria resulta em um texto poético que consiste em uma metáfora do ofício de escrever valendo-se de relações intertextuais e interdisciplinares. / The present study aims at identifying and analyzing the intertextual and interartistic relations, through the confess and unconfess presences, among the poems of the book Pampa pernambucano: poesia, imagens, e-mails, written by Beatriz Viégas-Faria, in confluence with the paints of Gil Vicente, in order to understand the author’s creative process. This research is based on Comparative Literature theories, as translations studies, interdisciplinarity and intertextuality (that is a key concept to analyze the poems), besides philosophical texts, literary review and artist’s texts to understand the creation in Pampa pernambucano. This book has a singular aspect for several reasons, mainly the comparative nature and the declared passion of the pictorial work of the painter Gil Vicente shown by Beatriz Viégas-Faria, which is the main element of confluence. The analysis of the poem presupposes that the confess and unconfess relations enlarged the significances to the reader in the reading of the poems and the pictorial work of Gil Vicente’s. Besides, the analysis reveals that strategy of form of Beatriz Viégas-Faria results in a poetic work that is a metaphor about writing using intertextual and interdisciplinary relations.

Submitted by admin tede (tede@pucgoias.edu.br) on 2018-05-14T18:36:03Z No. of bitstreams: 1 PAULO VICTOR FERREIRA RODRIGUES.pdf: 1611762 bytes, checksum: 391bcbc4bb24a98092a5b89ccef9d8ec (MD5) / Made available in DSpace on 2018-05-14T18:36:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PAULO VICTOR FERREIRA RODRIGUES.pdf: 1611762 bytes, checksum: 391bcbc4bb24a98092a5b89ccef9d8ec (MD5) Previous issue date: 2018-02-23 / This research points to the multiple character of Baudelaire's eyes, multiple because he did not consolidate himself only in the lyrical genre, he focused on the tale, the novel, the music, the Plastic Arts, in short, on everything that is touching on art, regardless of the genus. Baudelaire perceived the condition sign wich walks in the interior of the artistic work and began, in the middle of the nineteenth century, an intense critical work. From this critical work translations of the work of Edgar Allan Poe came out and special attention was given to the tale The Man of the Crowd in the Essay The Painter of modern Life. In this essay Baudelaire traces the work of a painter, Monsieur G. (Mr.G), now known by critics, Constantin Guys. In addition to Constantin Guys, two other painters are placed on a par with Constantin Guys and are part of the second chapter because of the transgressive character of their works, transgressor in the sense of not following models so that the production of a work without a soul takes place. The works of art will be approached with the concept of artistic text wich Iuri Lotman (1978) conceptualizes in the book The structure of the artistic text and from the perspective of Julia Kristeva (2012) in the book Introdução à semanálise. Starting from this concept of text as a sign structure, semiotics will be used as a way of reading the object. One of the conclusions of the research was the multiplicity of paths left by these writers and painters, free ways for art to free itself from the bonds of a fixed way of composing. Art began to act on its own, to weave itself into the accompanying theory, and artists began to produce critical works by internalizing the need to be aware of their creative process. / Esta pesquisa aponta para o caráter múltiplo do olhar de Baudelaire, múltiplo pois não se consolidou apenas no gênero lírico, ele se debruçou sobre o conto, o romance, a música, as Artes Plásticas, enfim, sobre tudo o que é tocante à arte, independente do gênero. Baudelaire percebeu a condição de signo que caminha no interior do trabalho artístico e iniciou, em meados do século XIX, um intenso trabalho crítico. Deste trabalho crítico surgiram traduções da obra de Edgar Allan Poe e uma atenção especial foi dada ao conto O homem da multidão no ensaio O Pintor da Vida moderna. Neste ensaio Baudelaire percorre a obra de um pintor, o Monsieur G. (Sr.G), hoje conhecido pela crítica, Constantin Guys. Além de Constantin Guys, outros dois pintores são colocados à altura de Constantin Guys e fazem parte do segundo capítulo pelo caráter transgressor de suas obras, transgressor no sentido de não seguir modelos de modo que ocorra a produção de uma obra sem alma. As obras serão abordadas com o conceito de texto artístico que Iuri Lotman (1978) conceitua no livro A estrutura do texto artístico e sob a perspectiva de Julia Kristeva (2012) no livro Introdução à semanálise. Partindo deste conceito de texto como uma estrutura de signos, a semiótica será utilizada como um modo de leitura do objeto. Uma das conclusões da pesquisa foi a multiplicidade de caminhos deixados por estes escritores e pintores, caminhos livres para que a arte se libertasse das amarras de um modo fixo de compor. A arte passou a agir por si própria, tecer em si mesma a teoria que a acompanha, e os artistas começaram a produzir trabalhos críticos por internalizarem a necessidade de serem conscientes de seu processo criativo.

A comparação entre as artes é um topois tão antigo em nossa cultura que remonta a aurora da civilização. Uma re-leitura atenta da História da Arte pode verificar que tão comum quanto as comparações eram as tentativas de se sistematizar uma escala hierárquica artística. Pretendemos nesta tese, propor uma revisão histórica que não apenas busque observar a forma como eram realizadas as correspondências interartísticas mas que vise também, com o olhar atento do presente, discutir a atualidade de teorias comumente empregadas ao longo da comparação entre as artes e, mais precisamente, as comparações entre Literatura e Pintura. A reflexão centrada na construção das imagens – no plano da narrativa tanto quanto no plano da pintura – assume singular importância para a pesquisa interartística, na medida em que funciona como ponto de convergência bem como de divergência entre aquelas duas artes. As discussões sobre a construção das imagens levam-nos, também, a uma outra problemática inerente aos estudos interartes, que é a leitura de imagens literárias e pictóricas. Ainda na esteira da revisão histórica, serão discutidas nesta tese as modificações ocorridas pela expressão Ut pictura poesis (Poesia é como pintura) , de Horácio, expressão esta que durante séculos designou os estudos comparativos entre Literatura e Pintura. A observação horaciana sobre a correspondência entre as artes permite-nos erigir uma discussão centrada na questão da representação e na passagem da mimesis à semiosis. O objetivo principal dessa tese é o de estabelecer e analisar a correspondência entre Literatura e Pintura no romance Passeio ao farol, de Virginia Woolf, para isso, procuraremos, inicialmente, demonstrar a importância da participação no Grupo de Bloomsbury – um dos grupos criativos mais importante do modernismo inglês - para a construção do projeto estético da escritora, considerando que o contato com pintores e críticos de arte proporcionou material importante para que Virginia Woolf promovesse a interlocução de seus romances com as Artes Plásticas. A análise mais pontual do romance Passeio ao farol estará calcada na relação que este mantém com as técnicas e métodos do Impressionismo e Pós-impressionismo pictórico. / The comparison of the arts is a topois so ancient in our culture that remounts to the dawn of the civilization. A carefull re-reading of the History of Art may verify that as common than the comparisons were the attempts to systematize an artistic hierarchical scale. We intend in this thesis to propose a historical review that does not only search to observe the form how were realized the interartistic correspondences but that also aims, with the attentive view of the present, to discuss the present of the theories commonly used along the comparison between the arts and, more precisely, the comparisons between Literature and Painting. The reflexion centrered in the constructions of images – in the plan of the narrative and in the plan of the painting – assumes singular importance to the interartistic research because it works as a point of convergence as well as divergence between those two arts. The discussions about the constructions of images take us, also, to another problematic concerning to the interarts studies, that is the reading of literary and pictorical images. Still in the path of the historical review, Will be discussed in this thesis the modifications occured by the expression Ut pictura poesis (Poetry is like painting), of Horacio, expression that centuries designed the comparative studies between Literature and Painting. The horacian observation about the correspondence between the arts allows us to erect a discussion centrered into the questiono f the representation and in the passage from mimesis to semiosis. The main objective of this thesis is to establish and analyze the correspondence between Literature and Painting in the novel To the lighthouse, of Virginia Woolf, for that pourpose, we intend, initialy, to demonstrate the importance of the participation in the Bloomsbury Group – one of the most creative groups of the english modernism – to the construction of the aesthetic Project of Virginia Woolf, considering that the contact with painters and art critics provided important material to Virginia Woolf to promote the interphrase of her novels with the Plastic Arts. The more ponctual analyze of To the lighthouse will be treated on the relation that this novel maintains with the thechniques and methods of the pictorical Impressionism and Posimpressionism.

Submitted by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-22T12:39:09Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_AnaliseRepresentacoesNegros.pdf: 3404489 bytes, checksum: 0e0924e8ea8ee15d2201a9095e30d8d6 (MD5) / Approved for entry into archive by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-22T12:39:44Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_AnaliseRepresentacoesNegros.pdf: 3404489 bytes, checksum: 0e0924e8ea8ee15d2201a9095e30d8d6 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-22T12:39:44Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_AnaliseRepresentacoesNegros.pdf: 3404489 bytes, checksum: 0e0924e8ea8ee15d2201a9095e30d8d6 (MD5) Previous issue date: 2013-06-26 / Esta pesquisa tem o objetivo de investigar a presença negra na pintura de artistas locais na primeira metade do século XX. Parte do pressuposto de que para compreender a presença do segmento afrodescendente na sociedade local é imprescindível buscar indicativos das representações sobre esse segmento e de que maneira tais representações são apropriadas para estabelecer visibilidade à identidade afrodescendente. A metodologia adotada neste estudo envolveu pesquisa em acervos de instituições museológicas de Belém, sobre a ocorrência de pinturas de artistas paraenses com produção voltada à representação negra, com destaque aos artistas plásticos Antonieta Santos Feio, Waldemar da Costa e Dahlia Déa. Este trabalho em campo foi fundamental para estabelecer a seleção de quais quadros e autores subsidiam adentrar na temática da representação afrobrasileira na pintura local. A relevância desta pesquisa para a área de Arte/Cultura Afrobrasileira e para as disposições da Lei 10.639/2003 é a possibilidade de refletir acerca da presença do negro na sociedade local, uma vez que considera a dimensão da diversidade cultural como fenômeno histórico-social capaz de desarticular concepções eurocêntricas de referenciais epistemológicos e de representação visual. Nesta perspectiva, a participação negra e sua devida contextualização permitirão construir novos discursos sobre a visibilidade afrodescendente na História da Arte e Cultura Paraense. / This research aims to investigate the black presence in the painting by local artists in the first half of the twentieth century. Assumes that to understand the presence of African descent in the local segment is essential to seek indicative of representations of this segment and how such representations are appropriate visibility to establish the identity of African descent. The methodology adopted in this study involved research collections of museum institutions of Belém, on the occurrence of paintings of artists of the Pará with production aimed at black representation, especially the artists Antoinette Feio, Waldemar da Costa and Dahlia Dea. This fieldwork was essential to establish the selection of which tables and authors subsidize enter the theme of Afro-Brazilian representation in painting site. The relevance of this research to the field of Art / Afro-Brazilian Culture and the provisions of law 10.639/2003 is the ability to reflect on the presence of blacks in the local society, as it considers the extent of cultural and socio-historical phenomenon can to dismantle eurocentric conceptions of epistemological frameworks and visual representation. In this perspective, black participation and their proper contextualization will build new discourses about the visibility of African descent in the History of Art and Culture Pará.

O presente trabalho propõe-se a identificar e analisar as relações intertextuais e interartísticas, através das presenças confessas e inconfessas, nos poemas da obra Pampa pernambucano: poesia, imagens, e-mails, de Beatriz Viégas-Faria, em confluência com a obra pictórica do artista plástico pernambucano Gil Vicente, a fim de desvelar o processo criativo da autora. Este trabalho tem como aporte pressupostos relativos à Literatura Comparada, quais sejam os estudos de tradução, a interdisciplinaridade e a intertextualidade, sendo este último considerado um conceito-chave para a análise dos poemas, assim como apóia-se em textos de filósofos, críticos literários e artistas para entender a criação na obra em análise. Pampa pernambucano tem um caráter singular por vários motivos, dentre eles poderíamos destacar sua essência indubitavelmente comparatista e o declarado encantamento pela obra pictórica de Gil Vicente, a qual constitui-se como principal elemento de confluência. A análise dos poemas pressupõe que as relações confessas e inconfessas difratam, ampliam os significados para o leitor tanto dos textos poéticos como da obra pictórica de Gil Vicente. Além disso, revela que a estratégia da forma de Beatriz Viégas-Faria resulta em um texto poético que consiste em uma metáfora do ofício de escrever valendo-se de relações intertextuais e interdisciplinares. / The present study aims at identifying and analyzing the intertextual and interartistic relations, through the confess and unconfess presences, among the poems of the book Pampa pernambucano: poesia, imagens, e-mails, written by Beatriz Viégas-Faria, in confluence with the paints of Gil Vicente, in order to understand the author’s creative process. This research is based on Comparative Literature theories, as translations studies, interdisciplinarity and intertextuality (that is a key concept to analyze the poems), besides philosophical texts, literary review and artist’s texts to understand the creation in Pampa pernambucano. This book has a singular aspect for several reasons, mainly the comparative nature and the declared passion of the pictorial work of the painter Gil Vicente shown by Beatriz Viégas-Faria, which is the main element of confluence. The analysis of the poem presupposes that the confess and unconfess relations enlarged the significances to the reader in the reading of the poems and the pictorial work of Gil Vicente’s. Besides, the analysis reveals that strategy of form of Beatriz Viégas-Faria results in a poetic work that is a metaphor about writing using intertextual and interdisciplinary relations.

SILVA, Anderson de Sousa. O salão de abril em dois momentos: sociedade cearense de artes plásticas (SCAP) e prefeitura municipal de Fortaleza (1944-1970). 2015. 160f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em História, Fortaleza (CE), 2015. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2015-12-15T12:35:46Z No. of bitstreams: 1 2015_dis_assilva.pdf: 3311574 bytes, checksum: f5cac54b48e8ed45c9334651ab392566 (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2015-12-15T17:24:36Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_dis_assilva.pdf: 3311574 bytes, checksum: f5cac54b48e8ed45c9334651ab392566 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-12-15T17:24:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_dis_assilva.pdf: 3311574 bytes, checksum: f5cac54b48e8ed45c9334651ab392566 (MD5) Previous issue date: 2015 / Por meio da trajetória do Salão de Abril, entre as décadas de 1940 e 1960, a pesquisa aqui desenvolvida tem por objetivo compreender a formação de um campo artístico no Ceará, sobretudo no período em que o Salão foi liderado pela Sociedade Cearense de Artes Plásticas (1944-1958), e seu processo de institucionalização, a partir do momento em que a Prefeitura de Fortaleza passa a dar continuidade às realizações da mostra artística desde o ano de 1964, fazendo parte de um contexto de intensificação das políticas culturais no Brasil e no Ceará. Abordamos o Salão de Abril nestes dois períodos: o da consolidação de um campo para as artes plásticas no Ceará e, em seguida, sua institucionalização, como reflexo de conjunturas distintas, tanto no que se refere às tendências artísticas em voga, com destaque para as múltiplas faces do Modernismo, quanto às estruturas políticas e sociais que também estiveram imbricadas com o meio artístico.