Nous analysons dans cette thèse la question de l'engagement sociopolitique actuel des artistes en arts visuels au Québec. Cette réflexion se situe dans les efforts déployés afin de saisir les causes d'un regain de l'engagement politique depuis les années 1990, après plusieurs années d'analyses alarmistes sur sa disparition. Mais plus encore, elle s'inscrit dans les tentatives de compréhension des nouvelles caractéristiques de cet engagement. Nous avons fait le pari qu'un détour par l'art pourrait éclairer de façon différente et pertinente ces interrogations. La méthodologie adoptée est celle d'une recherche exploratoire qualitative. Les données collectées proviennent de trois sources : (1) l'analyse documentaire des principaux écrits en sciences sociales et en art sur l'engagement et la mobilisation sociopolitique ou artisticopolitique, (2) dix entrevues réalisées avec des artistes s'estimant interpellés, dans leur art, par des enjeux politiques ou étant considérés ainsi dans le milieu artistique (ATSA, BGL, Doyon/Demers, Danyèle Alain, Sylvie Cotton, Nicole Jolicoeur, Dévora Neumark, Alain-Martin Richard, Jean-Claude St-Hilaire et Raphaëlle de Groot), et (3) l'étude de trois œuvres engagées créées au Québec au cours des dernières années. Nous montrons ainsi que l'art engagé s'est profondément modifié à partir des années 1970, à la suite des changements sociaux, politiques, culturels liés à la crise de la modernité, et en raison des transformations dans la conception de l'art et dans la structuration du milieu artistique. Nous explorons les caractéristiques actuelles de l'art engagé et ce qu'elles nous révèlent sur l'engagement politique. Finalement, nous analysons comment les formes contemporaines de l'art engagé contribuent à redéfinir les contours du politique. / In this thesis we analyze the issue of the current sociopolitical commitment of visual artists in Québec. This study is part of recent efforts made to understand the causes of the re-emergence of political commitment since the 1990s, after some years of alarming analyses concerning its disappearance. But more specifically, this study participates in attempts to understand the new characteristics of this commitment. We postulated that studying artists' work would afford new and significant contributions to the understanding of these issues. The methodology adopted is that of an exploratory qualitative research. The data were collected from three sources: (1) documentary analysis of the principal texts published in the social sciences and in the field of art concerning commitment and sociopolitical or artistic-political mobilization, (2) ten interviews with artists who identify themselves, through their art, as being engaged with or animated by political issues or who are identified as such by the artistic community (ATSA, BGL, Doyon/Demers, Danyèle Alain, Sylvie Cotton, Nicole Jolicoeur, Dévora Neumark, Alain-Martin Richard, Jean-Claude St-Hilaire et Raphaëlle de Groot), and (3) the study of three works of politically engaged art created in Québec in the past few years. Our thesis thus shows that politically engaged art underwent a profound transition starting in the 1970s, in the wake of social, political and cultural changes linked to the crisis of modernity, and in light of transformations undergone in the conception of art and in the structuring of the artistic community. We explore the current characteristics of politically engaged art and what these characteristics tell us about political commitment. Finally, we analyze how contemporary forms of engaged art contribute to changing the contours of that which is political.

Cette thèse de doctorat peut être considérée comme une étude de cas qui du point de vue de la méthode s'apparente à une analyse de contenu. C'est à partir de cette méthode que l'oeuvre écrite de Randolph Stone, le fondateur de la Thérapie par polarité, a été analysée de manière systématique et approfondie afin de rendre compte des éléments propres à cette médecine en particulier et aux médecines holistiques en général en dehors des opinions émises par les thérapeutes, les bénéficiaires de soins et les chercheurs. On retrouve dans cette thèse une revue de littérature qui montre les limites du savoir actuel sur les médecines holistiques, une mise en contexte historique de l'oeuvre de Stone, une analyse complète de la littérature que cet auteur a produite, une mise en évidence des thèmes qui rendent possible la compréhension de son art de guérir, une recherche sur les sources d'inspiration et les influences que l'auteur a subies pour en arriver à élaborer son système de soins et enfin une réflexion sur l'apport de cette thèse à la recherche sociale et médicale actuelle. Cette thèse met en relief l'apport considérable de la philosophie religieuse des Radhasoami, groupe religieux du Nord de l'Inde, dans le développement des médecines holistiques et de la pensée occidentale depuis le XIXe siècle. L'ensemble de la thèse montre que le postulat de base sur lequel s'appuient les thérapies holistes consiste à dire que l'équilibre des énergies subtiles dont l'être humain est constitué correspond à la santé et que leur déséquilibre, causé principalement par des blocages dans leur parcours, provoque la maladie. La méthode utilisée pour rétablir cet équilibre est un art constitué de trois éléments interdépendants c'est-à-dire une connaissance adéquate des constituants de l'être humain, une maîtrise des techniques thérapeutiques et de l'inspiration. Les études actuelles sur les médecines holistiques ne tiennent pas compte du système de tripartition des énergies mis en lumière par Randolph Stone et sa Thérapie par polarité et font donc fausse route dans leurs protocoles de recherche quant à la façon d'étudier ces médecines

Il y eut deux grandes suites de peintures détournées par Asger Jorn, les Modifications de 1959 et les Nouvelles Défigurations de 1962. Dans les deux cas il s'agissait de tableaux quelconques repeints par Jorn à sa manière. Chaque tableau , vivement réinterprété dans sa singularité expressive, était relancé dans la modification de sa valeur même. Ces modifications relevaient tout autant du détournement tel qu'il fut avancé par les situationnistes que d'une critique centrale du caractère limité de l'activité artistique moderne. À la suite d'une esquisse critique de l'antinomie aporétique inhérente à la pratique artistique dite autoréférentielle, l'auteur aborde dans leur particularité signifiante quelques peintures détournées par Jorn. Le détournement est alors considéré comme méthode de propagande et comme procédé expérimental dominé par la dialectique dévalorisation-revalorisation de l'élément détourné dont la perspective réelle est le dépassement de l'art et le mobile le renversement de la société de classes modernes. / Montréal Trigonix inc. 2018

Ma recherche porte sur l'adaptation auprès d'un groupe de jeunes adultes québécois d'une méthode de théâtre d'intervention réalisée et développée au Brésil. Il s'agit d'une recherche-action qui vise à valoriser le processus d'acquisition de savoirs qui, à son tour, pourra contribuer à l'émancipation des participants et promouvoir les valeurs d'humanité, de respect de la vie, de dignité et de partage de racines communes mises en valeur par l'art. Elle traite des conditions nécessaires à la pratique artistique réalisée par la communauté et appuyée par l'intégration des théories pédagogiques de Paulo Freire et d'Augusto Boal. Les résultats des expériences menées au Brésil avec le groupe de théâtre FACES (faire de l'art avec l'esthétique sociale) sont significatifs et leur impact a contribué au rayonnement de la communauté Nordeste de Amaralina de la ville de Salvador-Bahia. Est venu alors le désir de reprendre cette expérience et d'adapter la méthode de théâtre d'intervention brésilienne, mais cette fois-ci, pour une communauté de Québec. Quatre semaines ont été consacrées à la création d'un spectacle par les jeunes qui a été présenté aux amis et aux familles des participants. Durant cette expérience, les jeunes ou cochercheurs ont fait l'apprentissage du théâtre et de la création collective, et l'acquisition de connaissances personnelles et sociales. Les données provenant de cette expérience de théâtre d'intervention ont été non seulement recueillies dans un journal de bord tenu par l'animatrice chercheure tout au long du processus, mais aussi sur la base de deux entrevues individuelles effectuées au début et à la fin du projet. Les résultats ont été analysés et interprétés afin de répondre aux questions de recherche qui concernent autant l'adaptation de la méthode de théâtre d'intervention et l'acquisition de connaissances personnelles et collectives que l'émancipation de la chercheure et des cochercheurs.

Ce mémoire est l’aboutissement de mes efforts à nommer et rendre concret ce qui voyage entre les synapses de mon cerveau en ce qui a trait à l’art, à mes visions de l’art, à mes manières de faire de l’art. À la place de l’art comme moteur de changement personnel et social. À la recherche en art. Bref, à l’art comme expérience sensorielle, conceptuelle et esthétique. Personnelle et collective. Se rapprochant plus du style « écrit d’artiste » que d’un texte théorique, ce mémoire propose des réflexions en lien au commun dans ses deux significations. Soit celle qui réfère au banal et celle qui renvoie au collectif. Nous sommes plusieurs se veut une ode au précaire. À l’intuition, aux débuts, au processus. À l’ordinaire, au banal et au commun. À la communauté. Depuis toujours, je baigne dans ces eaux. Je tourne autour de ce pot : le quotidien. Les lectures entreprises associées à ce champ de recherche ont été des plus révélatrices. Ce texte aborde donc les thématiques du quotidien, de l’excellence ordinaire, et des problématiques en lien avec les termes vulgaire, ambigu et superficiel.

Cette recherche prend comme objet d’étude le portrait photographique de Rineke Dijkstra, artiste néerlandaise née en 1959. Cette recherche vise à cerner la présence ainsi qu’à déterminer le sens de l’humanisme de cette approche photographique. Une analyse de la série de portraits Beach, réalisée durant la dernière décennie du vingtième siècle, est à la base de cette argumentation. Ce mémoire s’intéresse à l’analyse du portrait et ses rapports au temps, à la culture d’une époque et à la réalité sociale d’un épisode historique. L’étude du portrait de Rineke Dijkstra, tout comme le discours de celle-ci, rend compte d’un humanisme qui s’avère insister sur la représentation de la fragilité humaine. Par une revalorisation de l’«humain», le portrait de l’artiste se distingue des démarches formelles et conceptuelles du portrait contemporain, lesquelles privilégient, entre autres, un déni de la subjectivité de l’individu portraituré. L’expérience perceptive du spectateur, face au portrait de la série Beach, montre que ce portrait renvoie l’image de l’humanité du spectateur. / This present thesis, which studies the photographic portrait of Rineke Dijkstra, Dutch artist born in 1959, supports the hypothesis and explains the presence and the meaning of humanism in this photographic approach. The in-depth analysis of the Beach portraits series, created during the last decade of the twentieth century, is the base on which the arguments are elaborated. This thesis seeks answers through the analysis of the portraits and its relations with time, culture and social reality of a historical episode. The study of Rineke Dijkstra’s portraits and of her work’s discussions reveals a humanism which seems to insist on human fragility. By valuing what is deeply human in the portrait, the artist’s work distinguishes itself from the formal and conceptual approaches of the contemporary portrait which tend to a denial of the subjectivity. The perceptive experience of the viewer facing the Beach portraits series seems to reveal that the portrait returns the image of the viewer’s humanity.

Made available in DSpace on 2016-04-28T18:23:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DO Mauricio Ernica.pdf: 1072640 bytes, checksum: c71eadca4c2bcbb77c4474cfd82f507c (MD5) Previous issue date: 2006-06-09 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / Le but de ce travail est proposer une démarche théorique-méthodologique inspirée, surtout, de l uvre de Vygotski que nous permet d étudier des représentations sociales véhiculées en textes artistiques. Cette démarche a pour but comprendre, dans le mouvement de la société, trois dimensions de la vie socioculturelle : les structures sociales non-verbales ; les textes artistiques ; et les processus psychologiques liés aux représentations du monde. A partir de l uvre de Vygotksi (1925a, 1925b et 1934), nous considérons que les structures et les processus psychologiques spécifiquement humains se forment par la généralisation, en catégories sociales, de ses expériences vécues. Les sujets peuvent s approprier de ces catégories, en développant ainsi leurs mécanismes auto-réflexifs. Néanmoins, l auteur l affirme, ce ne sont pas tous les aspects de ces expériences qui arrivent à se généraliser. Par conséquent, à côté de la vie psychique socialement formée il y aurait d autres expériences persistant en tant que résidus inconscients, bien qu elles soient actives. Ces contenus résiduels pressent le psychisme formé et, une fois qu ils sont socialement formés, ils transforment les structures antérieures en incorporant au cours de l existence d autres moyens de vivre. Une caractéristique importante des textes artistiques est qu ils libéreraient les humains de l agir ordinaire et permettraient l émergence pour les autres et pour le sujet de cet univers résiduel constitué par les vécus possibles mais non réalisés. La caractéristique interne de l uvre d art qui rendrait possible cette émergence et formalisation est le jeu tendu entre sa forme et son contenu, ce qui emmènerait à la catharsis, le noyau de la réaction esthétique. L idée centrale, partant, est que les textes artistiques permettraient l élaboration de représentations conscientes sur les dimensions lointaines de la vie possible et non-réalisée, sur la vie qui reste par derrière le vécu - comme énergie bloquée et comme résidu qui demande (en tant que négation de ce qui le nie) de venir au monde comme une nouvelle forme de vie; donc, comme développement humain. Par l art, alors, les humains construiraient des représentations de ce qu ils peuvent être au moins de ce qu ils sentent qu ils ont besoins d être / Este trabalho tem por objetivo a proposição de procedimentos teórico-metodológicos inspirados, sobretudo, na obra de Vigotski e que sirvam para o estudo de representações sociais veiculadas em textos artísticos. Esses procedimentos visam compreender, no movimento da sociedade, três dimensões da vida sociocultural: as estruturas sociais não-verbais; os textos artísticos; e os processos psicológicos relacionados à representação artística do mundo. Com base na obra desse autor (Vigotski: 1925a, 1925b e 1934), consideramos que as estruturas e os processos psicológicos especificamente humanos se formam pela generalização, em categorias sociais, de experiências vividas. Os sujeitos podem se apropriar dessas categorias, desenvolvendo assim seus mecanismos auto-reflexivos. Entretanto, nem todos os aspectos dessas vivências chegam a se generalizar. Por isso, ao lado da vida psíquica socialmente formada, existiriam outras experiências que permaneceriam como resíduos inconscientes, embora atuantes. Esses conteúdos residuais pressionam o psiquismo formado e, uma vez que elas são socialmente formadas, transformam as estruturas anteriores incorporando ao fluxo da existência outros meios de vida. Uma das principais características dos textos artísticos é que eles liberariam os humanos do agir ordinário e permitiriam a emergência para os outros e para o próprio sujeito desse universo residual constituído pelos vividos possíveis e não realizados. A característica interna da obra de arte que proporciona essa emergência e formalização seria o jogo tenso entre sua forma e seu conteúdo, que conduziria à catarse, o núcleo da reação estética. A idéia central, portanto, é que os textos artísticos permitiriam a construção de representações conscientes sobre os grotões de vida possível e não realizada, sobre a vida que permanece por detrás do vivido como energia bloqueada e como resíduo que pede (como negação daquilo que o nega) para vir ao mundo como nova forma de vida; portanto, como desenvolvimento humano. Pela arte, então, os humanos construiriam representações daquilo que eles podem ser ou ao menos daquilo que eles sentem que necessitam ser

Cette thèse envisage la mondialisation de l'espace artistique sous l'angle des représentations et des valeurs de l'art qui soutiennent le phénomène et lui donnent forme. Cette problématique est abordée au travers du cas de l' "art contemporain africain", des disputes et des controverses dont il est l'objet. Parce que ces dernières se manifestent principalement à l'occasion de grandes expositions et de biennales d'art contemporain en Europe comme en Afrique, elles constituent les terrains d'enquête de la recherche. / Doctorat en Sciences politiques et sociales / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Ozias Leduc a exécuté quinze tableaux dans l'église Notre-Dame-de-la-Présentation à Shawinigan-Sud. Six illustrent la découverte de la ville et les travaux traditionnels des Shawiniganais, ce qui est peu commun dans un lieu de culte. L'illustration de la vie des travailleurs a-t-elle suscité chez les Sud-Shawiniganais un sentiment d'appartenance à leur église ? Ce mémoire vise donc à découvrir si les peintures représentant l'histoire et la profession que pratiquent encore de nombreux citoyens, ont trouvé écho dans la population ou si elles n'intéressent que les amateurs d'art. C'est donc l'évolution du sentiment d'appartenance de la population qui est étudiée à travers les grands événements de la vie des œuvres, de la conception du projet à aujourd'hui. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2013

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2010-2011 / Le présent mémoire s'intéresse à la problématique du portrait chez l'artiste montréalais Pascal Grandmaison. Autant en photographie qu'en vidéo, Grandmaison renouvelle le genre du portrait en montrant des personnages dont l'identité de même que la raison d'être à l'image demeurent inconnues du spectateur. Ce qui caractérise l'expérience réceptive, qui s'apparente à l'expérience auratique, est un sentiment d'indéterminé. L'analyse des oeuvres comme du discours de l'artiste révèle que la production de portraits de ce dernier présente une perspective sociale. L'indéterminé caractéristique de la réception de l'image répond en effet à la situation sociale actuelle que nous qualifions de postmoderne. Avec la postmodernité, la surconsommation est favorisée. Or, chez Grandmaison, l'expérience réceptive s'oppose à l'attitude du "surconsommateur". Contrairement au "surconsommateur" dont le rapport au monde est dicté par l'industrie marchande, le spectateur est seul face à la définition de sens ne pouvant s'appuyer sur aucun point de référence pour orienter son interprétation.