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How do music consumers come into contact with the music they like? How is music consumption patterns developed? Using a phenomenological approach this master's thesis sets out to answer a number of questions regarding the development of music consumption patterns. To do this in-depth interviews has been carried out with eleven respondents who were interviewed about their experi- ences of developing a music consumption pattern. Through this research it is shown how the development of music consumption patterns is a long process which begins with the introduction of the music consumer to an artist or group upon which future consumption will be conditioned and continues through the constant adding of new music and knowledge until the music listener one day stops developing his or her taste further and the music consumption stagnates. This research has also made possible the analysis of how well three influential theoretical models are at explaining music consumption from the perspective of the music consumer.

Riot Grrrl, Girls Rock camps and Ladyfest as social movements act as intermediaries in cultural production spaces, where music focused artefacts are made, collaborations forged, distribution networks established and reception practices enacted to create new conventions which can be understood as feminist art worlds. The growing literature on gender and cultural production, particularly in music communities such as Riot Grrrl, frequently speak of networks in qualitative narrative terms and very little is known about Ladyfest as a feminist movement and as a distribution network. This thesis offers an original contribution to cultural sociology by: employing a novel participatory action research approach to gathering social network data on translocal feminist music based cultural organisations; exploring how these networks can challenge a gendered political economy of cultural production in music worlds; understanding who participates and why; investigating how network structures impact the personal relationships, participation and collaboration opportunities for those involved. Engaging with Howard Becker’s Art Worlds theory as a framework, this thesis explores how music and art by women is produced, distributed and received by translocal networks. It takes into account contemporary issues for feminist music-based communities as well as the historical and international context of these overlapping and developing social movements. The literature suggests that one of the most pressing tasks for a sociology of the arts is to understand how organisational structures negotiate the domains of production, distribution and reception, with distribution modes being the most the most under-researched of the three. By focusing on UK Ladyfest festivals as case study sites, this research serves to address these gaps. Primary data sources include on-line social media, surveys, documents, focus groups and multi-mediainterviews. Findings indicate that those involved with Ladyfest tend to be motivated by a desire to challenge gender inequalities at a local level whilst drawing on local and international movements spanning different time periods and drawing on the works of feminist musicians. Homophily and heterophily both have important roles to play in the longitudinal development of Ladyfest networks. Participants show an awareness of intersecting inequalities such as ethnicity, class and disability with sexuality playing an important underlying role for the development of relationships within the networks. For some, Ladyfest involvement is a gateway into feminist activism and wider social and cultural participation, and for many it leads to lasting friendships and new collaborative artbased ties.

Ce mémoire propose une analyse du rôle qu’exerce le collectionneur d’art, un acteur ayant une capacité accrue à agir concrètement sur une part importante du monde artistique. La capacité des collectionneurs à agir comme mécènes pour certains artistes, à acheter leurs œuvres, à les vendre, à les exposer, sont autant d’actions qui ont un impact direct sur la carrière des artistes. Plus le collectionneur est reconnu comme une instance capable de légitimer le travail d’un artiste, plus il peut voir sa sphère d’influence devenir importante. Pour adéquatement saisir les effets qu’ont ces actions sur l’entièreté du monde artistique, nous avons choisi de prendre comme objet d’étude une figure particulière qui exemplifie le méga-collectionneur, Charles Saatchi. En assumant lui-même, tour-à-tour, plusieurs rôles dans le monde de l’art, il est reconnu comme un agent apte à reconnaître la légitimité d'une proposition artistique. La première partie de ce mémoire nous permet d'observer l'élaboration d'une véritable tradition du collectionnement et ses principaux acteurs derrière celle-ci. Dans un deuxième temps, le mémoire présente les théories qui expliquent l'avènement du pouvoir prépondérant reconnu au méga-collectionneur. Sont ainsi observés les principes de coopération, propres aux « mondes de l'art », ainsi que les phénomènes de médiation. Finalement, nous étudions, décrivons et définissons les actions et les interactions des divers acteurs et agents qui participent au réseau dont Saatchi est le centre afin de cerner la place qu’il occupe dans le champ culturel, donc sa propre légitimité et sa capacité à reconnaître et à consacrer d’autres acteurs. / This thesis proposes an analysis of the role exerted by the new art collector, an agent with an increased capacity to act on an important part of the art world. The ability of collectors to act as patrons for artists, to purchase their works, to sell and expose them, are all actions that have a direct impact on the careers of artists. The more a collector is recognized as an authority able to legitimize the work of an artist, the more he can see its sphere of influence grow. To adequately perceive the effects of these actions on the art world, we have selected a particular figure that exemplifies the new supercollector, Charles Saatchi. By assuming several roles in the art world, he is perceived as an agent capable of recognizing the legitimacy of an artistic proposal. The first part of this thesis will observe the development of a tradition of collecting and the key agents behind it. Subsequently, this research presents the theories that explain the advent of the all encompassing power of the supercollector. Therefore, the theory of cooperation, specific to the « art worlds », and the phenomena of mediation are observed. Finally, we study, describe and define the actions and interactions of the various agents involved in the network of Saatchi. This will allow us to identify his place in the cultural field, so his own legitimacy and ability to recognize and bestow legitimacy to other actors.

Cette thèse se penche sur les parcours et les pratiques d’artistes numériques naviguant au sein des secteurs multimédias de Montréal. L’étude des parcours de onze artistes numériques montréalais nous a permis de constater que leurs pratiques de production en arts numériques ne sont pas réductibles aux logiques de production propres à un seul lieu, que ce soit une entreprise privée, un centre d’art numérique ou encore l’université. La question du maintien de ces pratiques amène à prêter attention aux pluralités des éléments qui informent leurs [re]constitutions perpétuelles, ce qui appelle de nouveaux modes de théorisation des parcours d’artistes numériques et de leurs pratiques. Nous proposons une nouvelle manière de penser ces parcours - en tant que trajectoires - pour mettre en valeur la pluralité des modes d’articulation de ces pratiques. Elles sont ainsi considérées du point de vue de leurs médiations coconstitutives avec différents éléments. Nous avons isolé trois ensembles d’éléments pour rendre compte du maintien des pratiques en arts numériques et au travers desquels ces dernières déploient leurs multiples effectivités. Le premier ensemble recouvre les technologies intervenant dans la pratique en arts numériques. Le deuxième ensemble a trait au milieu des arts numériques et aux modes de l’organisé afférents. Enfin, le troisième ensemble traite du rapport entre les mondes de l’entreprise et la pratique en arts numériques. Ces trois ensembles d’éléments participent de diverses manières à la constitution, au maintien et à la singularisation de pratiques en arts numériques qui déploient leurs effectivités largement au-delà d’un espace social circonscrit ou spécialisé. / This thesis examines the paths and practice of digital artists navigating within the multimedia sector of Montreal. Through the study of the paths of eleven digital artists based in Montreal we found that their production practices in digital arts can not be reduced to the logic of production specific to a single place, whether a private company, a digital arts center or university. The issue of maintaining these practices leads one to pay attention to the plurality of elements that inform their perpetual [re]constitutions. This requires new ways of theorizing digital artists’ paths and practices. We propose a new way of thinking these paths - as trajectories - to highlight the plurality of ways the digital art practices are articulated. They are thus considered in terms of their co-constitutive mediations with different elements. We have identified three sets of elements to account for the maintenance of the practices in digital arts and through which these unfold their multiple effectivities. The first set covers the technologies intervening in digital art practices. The second set relates to the digital arts community and the organizational modes proper to those locales. Finally, the third set deals with the relationship between the worlds of business and practice in digital arts. These three sets of elements are involved in various ways to the establishment, maintenance and singularity of digital arts practices that deploy their effectivities far beyond a circumscribed or specialized social space.

Que ce soit au niveau des musées, du marché de l’art et des collections privées, Paris se défini aujourd’hui comme une place centrale de l’activité du monde des arts d’Afrique Noire. Outre l’actualité muséographique des arts d’Afrique Noire, avec l’inauguration en avril 2000 de la salle du pavillon des Sessions au musée du Louvre, puis l’ouverture du musée du quai Branly en juin 2006 ; Paris doit aussi sa place de capitale du monde des arts d’Afrique Noire par la centralisation des activités du marché de l’art de cette spécialité en son sein.D’ailleurs, nos travaux montrent que le rôle joué par la sphère privée des marchands et des collectionneurs est primordial dans l’homologation esthétique et la définition de la hiérarchie des valeurs esthétiques aujourd’hui admises dans la spécialité des arts d’Afrique Noire.Cette thèse de doctorat est aussi l’occasion de rappeler pourquoi le monde des arts d’Afrique Noire est une invention des pays de culture occidentale et permet d’appréhender avec plus d’objectivité l’appropriation occidentale du patrimoine artistique ancien et traditionnel issu de l’Afrique Subsaharienne / Whether it’s at the level of museums, the art market, or private collections, Paris is defined today as a central place of world activity, for ‘Black African’ arts. Beyond the reality, museographically speaking of Black African arts, with the inauguration of the Pavillion Hall of Sessions at the Louvre Museum in April 2000, and then the opening of the Quai Branly Museum in June 2006 ; Paris also credits it’s positions as the world’s capital of Black African arts by the centralisation of the art market’s activities of this speciality in it’s heart.Elsewhere, our works show that the role played by the private sphere of traders and of collectors is primordial in the aesthetic homologation and the definition of the hierarchy of aesthetic values today admitted in the speciality of ‘Black African’ arts.This doctorate thesis is also the occasion to recall why the world of ‘Black African’ arts is an invention of countries of western character, and allows to apprehend with more objectivity to western adapatation of ancient artistic heritage and traditional descent from the Sub-Saharan Africa.

Mêlant des approches historiques, socio-anthropologiques et artistiques, la thèse entend apporter un éclairage inédit sur la situation contemporaine de la Palestine et les modalités de l’occupation, à travers l’analyse de ses mondes de l’art contemporain depuis les années 1990 qui ont vu un développement sans précédent de son infrastructure. Dans un contexte de fragmentation politique et territoriale toujours plus accrue, une nouvelle génération d’artistes a émergé qui parvient progressivement à transgresser les contraintes à l’œuvre sur le terrain, pour accéder par leurs pratiques artistiques et les visions du monde qui en découlent, aux scènes de l’art contemporain international. À travers une étude ethnographique multisituée, la thèse a pour objectif de retracer la fabrique de cet art contemporain, en se concentrant sur l’étude des artistes plasticiens des Territoires palestiniens occupés. Il s’agit d’observer leurs pratiques quotidiennes, les facteurs qui les entravent tout comme les nouvelles fenêtres d’opportunités et circulations induites par le marché de l’art globalisé. En partant des trajectoires individuelles de ces créateurs en mouvement, la recherche s’interroge sur les formes de rupture ou de continuités engendrées par la mondialisation que ce soit dans leurs modalités d’engagement (artistique et politique) ou dans leur rapport au nationalisme et ce, afin de repenser les rapports entre art et politique. / Combining historical, socio-anthropological and artistic approaches, the thesis aims to shed new light on the contemporary situation of Palestine and the modes of Occupation, through the analysis of its worlds of contemporary art since the 1990s which have seen an unprecedented development of its infrastructure. In a context of growing political and territorial fragmentation, a new generation of artists has emerged which gradually succeeds in transgressing the constraints at work on the ground, to access through their artistic practices and the resulting worldviews, to the scenes of international contemporary art.Through a multilocated ethnographic study, the thesis aims to retrace the fabrication of this contemporary art, focusing on the study of plastic artists from the Occupied Palestinian Territories. It is a question of observing their daily practices, the factors that hinder them as well as the new windows of opportunities and circulations induced by the globalized art market. Starting from the individual paths of these moving creators, the research questions the forms of rupture or continuities engendered by globalization whether in their modes of engagement (artistic and political) or in their relationship towards nationalism, in order to rethink the relationship between art and politics.

​​​​Studiens syfte är att belysa hur olika scener på en och samma teater samspelar och hur detta samspel kan bidra till såväl reproduktion som förändring av teaterns publik. Vår fallstudie är Kulturhuset Stadsteatern och deras försök att nå, för teatern, nya habitus till deras salonger. Detta besvaras via två frågeställningar: Hur arbetar Kulturhuset Stadsteatern för att inkludera ny publik? och Hur påverkas institutionen av förändringar på teaterfältet i Stockholm? Datan bygger på åtta intervjuer med anställda inom Kulturhuset Stadsteatern samt en intervju med en utomstående person som ingått i ett samarbete med en av deras ytterstadscener. De teoretiska utgångspunkterna är Pierre Bourdieus teorier om kulturella fält och habitus kompletterat med Howard Beckers Art Worlds där vi fokuserar på hans förståelse av hur konventioner påverkar handlingar i en konstvärld. Dessa teoretiska perspektiv bidrar till förståelsen för Kulturhuset Stadsteatern som institution samt deras inkluderingsarbete. Resultatet visar att inkluderingsarbetet som bedrivs av Kulturhuset Stadsteatern tar sin utgångspunkt i miljonprogramsområden samt Parkteaterns verksamhet. Inkluderingsarbetet fokuserar på skolteater och att producera scenkonst med ett “inifrånperspektiv”. Dock verkar en till synes närvarande paradox inom institutionen försvåra arbetet. Ekonomiska aspekter och trygghetsfaktorer baserat på konventioner gör förändringar på fältet svårt. Detta samtidigt som Kulturhuset Stadsteaterns habitus splittras, det vill säga att institutionens habitus skiljer sig beroende på var i Stockholm verksamheten befinner sig. Studiens bidrag till forskningsfältet består av en fallstudie som undersöker en teaterinstitution inifrån, med scener på olika platser och syfte att nå olika målgrupper. Detta kan bidra med förståelse kring hur en teaterinstitution arbetar för att bredda sin publik samtidigt som frågor om klass och etnicitet i Stockholm belyses.

Depuis les premières expériences de John Cage et de Pierre Schaeffer jusqu’aux hybridations bruitistes de la noise, les musiques expérimentales ont suivi une reconfiguration de leurs pratiques au contact d’une évolution technologique constante. Cette thèse propose de présenter ces musiques dans leur constitution en tant que scène artistique à l’ère du régime numérique à travers une démarche historique, esthétique et sociologique.Cette recherche sera mise en perspective par une monographie du GRIM (Groupe de Recherche et d’Improvisation Musicales), un lieu marseillais dédié aux musiques expérimentales et improvisées.Par l’étude de cette scène territoriale emblématique de la multitude des pratiques chez les artistes et les publics, nous présenterons les différentes interactions qui alimentent ce contexte créatif émergent. C’est en cela qu’il convient également d’étudier à la fois l’incertitude des carrières chez les musiciens professionnels et l’expertise des amateurs de ces musiques. De plus, cette scène artistique se retrouve dans une économie en mutation face aux innovations technologiques d’un côté et aux enjeux institutionnels de l’autre.Dans ce contexte pluriel, nous proposons de définir les codes et conventions régissant les musiques expérimentales pour caractériser cette scène spécifique au sein des mondes de l’art. / Since the first experiments by John Cage and Pierre Schaeffer up to the loud hybridations of noise music, experimental music has followed a reconfiguration of its practices in contact with a constant technological evolution.This thesis aims to present experimental music as a singular and radical scene in the digital era through a historic, aesthetic and sociological procedure.This research is seen through the context of the GRIM, a venue located in Marseilles dedicated to experimental and impovised music.Through the study of this local scene, emblematic of practices by artists and audiences, we will present the different interactions that feed this emancipatory and emergent creative context. This will lead us to assess incertitudes in professional musicians’ careers and the expertise of amateurs of this music scene.Furthermore, faced with technological innovations on one hand and institutional issues on the other, this artistic scene finds itself in a changing economy.In this pluralistic context, we shall define the codes and conventions that rule experimental music to model the characteristics of this specific scene inside the art worlds.

In settings such as hotels, bars and boutiques, things like cars, sodas, clothes, and cities, are fueled with the symbolic capital of graffiti. The purpose of this ethnographic study is to understand how graffiti writers, through marketing, increase the value of their work, as well as that of other products, and how this commercialization affects the meaning of graffiti.  Utilizing a perspective of social constructionism, the analysis shows how actors and social fields that are constructed as incongruous (e.g., art galleries and graffiti culture), are at the same time being mixed together to create something new, and thus create value. This study shows how practices that are considered marginal, or deviant, at the same time generate value within the general economy. Deploying an abductive approach, and building on ample empirical material, this study shows that the narrative of graffiti as something illegal is one of the main traits that enables graffiti writers to exchange subcultural capital for economic. The results show that previous research, investigating graffiti from a dichotomous perspective of either art or vandalism, do not give a satisfactory understanding of this diverse subculture.   The empirical material consists of 30 participant observations in public events, in Sweden during the autumn of 2014, where graffiti is turned into a commodity embodied with subcultural capital. Moreover, four in-depth interviews were executed with graffiti writers who have sold their competence and art for purposes of marketing, and one group interview with three of their customers. Further, several documents were collected and analyzed.