Este trabalho é um estudo sobre a produção de alguns artistas brasileiros procurando situar o fenômeno corporeidade percebido em algumas obras. Aspectos da fenomenologia de Maurice Merleau-Ponty servirão de base para as análises que serão feitas. Não tratamos de definir um conceito final sobre o assunto, mas propomos a articulação de aspectos estudados na arte atual com temáticas da filosofia pontiana que nos aproximam da compreensão de um entrelaçamento entre o artista e o mundo, com o qual buscaremos desvelar possíveis características da sensibilidade atual. Neste sentido, nos aproximamos da produção de três artistas brasileiros de gerações diferentes: Amélia Toledo, Carmela Gross e Ernesto Neto. E, depois, procuramos observar como algumas questões ainda permanecem operantes nas produções e experiências de criação de jovens artistas, nascidos por volta dos anos de 1980: Júlio Meiron, Amanda Mei, Lia Chaia e Vitor Mizael. Esse tratamento permite um olhar para arte do qual emerge uma nova ideia de corpo não só como presença e fisicalidade, mas como ausência e extensão, senciente-sensível manancial fecundo para a expressão artística. / This research is a study on the production of some Brazilian artists and it seeks to locate the phenomenon corporality. Aspects of the phenomenology of Maurice Merleau-Ponty will be the basis for analysis that will be made. We dont try to set a final concept on the subject, but we propose the articulation of aspects studied in the current art and themes of the Merleau-Ponty\'s philosophy. So, we approach the production of three Brazilian artists of different generations: Amelia Toledo, Carmela Gross and Ernesto Neto. And then we observed how some issues continue still in production and operating in the experience of creating young artists: Julio Meiron, Amanda Mei, Lia Chaia and Victor Mizael. This treatment allows one to look at art from which emerges a new idea of the body not only as a presence and physicality, but as an absence and extension fruitful source for artistic expression.

Esta pesquisa se dedica a questões conceituais da arte contemporânea implicadas na proposição intitulada Estruturação do Self, desenvolvida pela artista brasileira Lygia Clark entre 1978 e 1988, que se coloca num limite ambíguo entre a arte e a terapia. Por meio de perspectivas críticas é possível analisar determinados aspectos daquela experiência, seus desdobramentos, territórios e paradigmas, de modo a compreender melhor suas contribuições ao pensamento artístico contemporâneo. Esses aspectos dizem respeito à recepção estética da obra e sua relação com determinados públicos da arte; às maneiras de pensar e fazer arte; ao seu tempo; às possíveis aproximações com outros campos de conhecimento, tais como filosofia e psicologia; aos lugares em que a arte se apresenta (museu, galeria, ateliê, clínica); às questões éticas e políticas que movimenta; à produção crítica. Em suma, trata-se de perceber o que há de contemporâneo no trabalho de Lygia Clark e de revisitar o próprio pensamento artístico a partir dele. / This research engages in conceptual issues of contemporary art implicated in the entitled proposition Structuring of the Self, developed by the Brazilian artist Lygia Clark between 1978 and 1988, which puts itself in an ambiguous boundary between art and therapy. Through critical perspectives it is possible to analyze certain aspects of that experience, its development, territories and paradigms in order to better understand its contributions to the contemporary artistic thought. These aspects concern to the aesthetic reception of the work and its relation to a certain public of art; to the ways of thinking and doing art; to its own time; to the possible approaches with other areas of knowledge, such as philosophy and psychology; to the places where the art is presented (museum, gallery, atelier, clinic); to its ethical issues and policies; to the critical production. In short, it is about realizing what is of contemporary in the Lygia Clark\'s work and, from it, to review the artistic thought itself.

Esta pesquisa discute a obra de José Leonilson (1957-1993), buscando examinar a troca constante que ela empreendeu com o universo da cultura de massa. Argumenta que o trabalho funda-se centralmente na reordenação meticulosa dos clichês colhidos a essa cultura, e que em tal processo de reordenação ele se empenha em restituir um lugar privilegiado para o \"sentimento\" e a expressão. Por um lado, a pesquisa permite constatar que a obra de Leonilson reivindicou a expressão de uma experiência subjetiva; por outro, que ela assumiu o risco de se converter em uma mera banalidade, almejando romper com o isolamento de uma esfera privada ao se lançar no comércio com os signos culturais. / This text discusses the work of José Leonilson (1957-1993), examining its constant interchanges with the universe of mass culture. The main argument is that the work is largely founded on the meticulous rearrangement of the clichés it gathers from that culture, and that, in the process, it tries to restitute a privileged position to sensibility and expression. The research attests, on the one hand, that Leonilsons work has claimed the expression of a subjective experience; but it has, on the other hand, took in the risk of becoming a mere banality, while aiming to break the isolation of a private sphere by venturing in the commerce with cultural signs.

A passagem dos anos 1960 para os 1970 marca um importante momento de inflexão na produção de ponta no Brasil no que se refere à relação entre Artes Plásticas/Arquitetura e o \"popular\". A análise da produção de Lina Bo Bardi, Lygia Pape, Hélio Oiticica e, em parte, Flávio Império, junto à análise da revista \"Malasartes\", indica as mutações pelas quais passa o conceito de \"popular\", desde a produção \"de raiz\" aos elementos da cultura de massa. Esse rico período, marcando a passagem entre modernismo e arte contemporânea, testemunha a fragmentação do conceito de \"popular\" e, concomitantemente, a dissolução da própria ideia de vanguarda. / The passage from the 1960\'s to 1970\'s marks an important moment of inflexion on the Brazilian cutting edge production related to Arts/Architecture and the \"popular\". Analyzing the production of Lina Bo Bardi, Lygia Pape, Helio Oiticica and, partly, of Flávio Império, including \"Malasartes\" magazine, indicates the mutations of the concept of \"popular\", since the \"vernacular\" production to the mass media culture. This rich period, that traces the passage from modernism to contemporary art, testifies simultaneously the fragmentation of the \"popular\" and the dissolution of the idea of vanguard.

Esta pesquisa discute a obra de José Leonilson (1957-1993), buscando examinar a troca constante que ela empreendeu com o universo da cultura de massa. Argumenta que o trabalho funda-se centralmente na reordenação meticulosa dos clichês colhidos a essa cultura, e que em tal processo de reordenação ele se empenha em restituir um lugar privilegiado para o \"sentimento\" e a expressão. Por um lado, a pesquisa permite constatar que a obra de Leonilson reivindicou a expressão de uma experiência subjetiva; por outro, que ela assumiu o risco de se converter em uma mera banalidade, almejando romper com o isolamento de uma esfera privada ao se lançar no comércio com os signos culturais. / This text discusses the work of José Leonilson (1957-1993), examining its constant interchanges with the universe of mass culture. The main argument is that the work is largely founded on the meticulous rearrangement of the clichés it gathers from that culture, and that, in the process, it tries to restitute a privileged position to sensibility and expression. The research attests, on the one hand, that Leonilsons work has claimed the expression of a subjective experience; but it has, on the other hand, took in the risk of becoming a mere banality, while aiming to break the isolation of a private sphere by venturing in the commerce with cultural signs.

A passagem dos anos 1960 para os 1970 marca um importante momento de inflexão na produção de ponta no Brasil no que se refere à relação entre Artes Plásticas/Arquitetura e o \"popular\". A análise da produção de Lina Bo Bardi, Lygia Pape, Hélio Oiticica e, em parte, Flávio Império, junto à análise da revista \"Malasartes\", indica as mutações pelas quais passa o conceito de \"popular\", desde a produção \"de raiz\" aos elementos da cultura de massa. Esse rico período, marcando a passagem entre modernismo e arte contemporânea, testemunha a fragmentação do conceito de \"popular\" e, concomitantemente, a dissolução da própria ideia de vanguarda. / The passage from the 1960\'s to 1970\'s marks an important moment of inflexion on the Brazilian cutting edge production related to Arts/Architecture and the \"popular\". Analyzing the production of Lina Bo Bardi, Lygia Pape, Helio Oiticica and, partly, of Flávio Império, including \"Malasartes\" magazine, indicates the mutations of the concept of \"popular\", since the \"vernacular\" production to the mass media culture. This rich period, that traces the passage from modernism to contemporary art, testifies simultaneously the fragmentation of the \"popular\" and the dissolution of the idea of vanguard.

Submitted by Giovanna Brasil (1154060@mackenzie.br) on 2017-09-01T20:53:00Z No. of bitstreams: 2 Victoria Boni Von Poser.pdf: 23324932 bytes, checksum: 3d5b291ca3c68f4c4c920cfca4acf591 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Paola Damato (repositorio@mackenzie.br) on 2017-09-19T15:00:00Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Victoria Boni Von Poser.pdf: 23324932 bytes, checksum: 3d5b291ca3c68f4c4c920cfca4acf591 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-19T15:00:00Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Victoria Boni Von Poser.pdf: 23324932 bytes, checksum: 3d5b291ca3c68f4c4c920cfca4acf591 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2017-08-14 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This academic work is devoloped from the debate of light as an artistic autonomous language in contemporary art and ponders over the questions that this autonomy proposes. To introduce this debate a bibliographical research was made concerning light in visual arts, across different historical periods, within the interdisciplinary scope in which the technologies and languages are approached. However, the investigation in this dissertation is focused on the study of the experiences and works by renowned and active artists in the contemporary Brazilian scene: the duo Mirella Brandi x MuepEtmo and the artist Luiz duVa. The research presented here involves these contemporary artist’s critical fortune, along with unpublished interviews with the three artists during the year of 2016 and the first semester of 2017. To show the autonomy of light in their artworks, readings of the Trilogia das Cores (Color Trilogy 2010-2015), light and sound performances by the duo Mirella Brandi x MuepEtmo that research the narrative potential of these elements, along with the luminous installation Espaço Alter[ado] (Alter[ade] Space 2014-2015) and the live experiences PULSAR (PULSATE 2014-2015) by Luiz duVa were conducted. In the final considerations, this academic work shows that the light perceived and worked by the artists has an autonomous character, because it can be considered as the main element in their work. It is also believed that the light in their works sparks the debate on the issues such as narrative, materiality, the spectator’s perception and the challenges in the documentation. / O presente trabalho parte do debate sobre a luz como uma linguagem artística autônoma na arte contemporânea e reflete sobre questões que essa autonomia propõe. Para apresentar este debate, foi feita pesquisa bibliográfica referente à luz nas artes visuais, em diferentes períodos históricos, dentro de um escopo interdisciplinar que aborda as tecnologias e as linguagens. No entanto a investigação desta dissertação tem como foco o estudo das experiências e trabalhos de artistas reconhecidos e atuantes no cenário brasileiro contemporâneo: a dupla Mirella Brandi x MuepEtmo e o artista Luiz duVa. A pesquisa aqui apresentada envolve a fortuna crítica dos artistas contemporâneos, além de entrevistas inéditas com os três artistas no decorrer do ano de 2016 e no primeiro semestre de 2017. Para demonstrar a autonomia da luz em suas obras, foi realizada uma leitura da Trilogia das Cores (2010-2015), performances de luz e som da dupla Mirella Brandi x MuepEtmo que pesquisam o potencial narrativo destes elementos, assim como da instalação luminosa Espaço Alter[ado] (2014 – 2015) e das vivências intituladas PULSAR (2014 – 2015) de Luiz duVa. Nas considerações finais, o trabalho demonstra que a luz percebida e trabalhada pelos artistas tem um caráter autônomo, pois pode ser considerada como o elemento principal de suas obras. Acredita-se também que a luz em seus trabalhos propicia o debate sobre questões como narrativa, materialidade, percepção do espectador e os desafios na documentação.

Este trabalho disserta sobre as relações entre a arte contemporânea brasileira e a paisagem, através de algumas obras que nela intervieram diretamente, assim como de projetos que propunham-se a intervir, mas não foram executados. Tais obras, ao incorporarem os elementos naturais e culturais que constituem a paisagem, evidenciam-na e fazem-nos refletir sobre sua formação, transformação e apreciação. Foram escolhidas duas exposições que, a princípio, seriam realizadas em escala nacional, e que propuseram de modo mais efetivo a intervenção da arte brasileira na paisagem, estimulando discussões sobre o tema. São elas: projeto Fronteiras (1998-2001), que abordou as referências geográficas da paisagem, e projeto Margem (2009-2010), cujas referências eram as urbanas. Com Fronteiras, a partir do tema fronteira, abre-se o debate sobre território, região, escala geográfica e modos de ocupação territorial; mas a arte introduz nele a necessidade da paisagem. Já com Margem, vêm à tona questões da paisagem urbana, em específico, como os rios são apropriados e percebidos. Esta é uma amostragem de obras que, abordando referências distintas da paisagem, fazem-nos refletir sobre a produção artística nacional que tem na paisagem mais do que uma inspiração, mas um elemento constitutivo; assim como de que modos a paisagem é, possivelmente, uma influência para estas obras. / This research disserts about the relationship between brazilian contemporary art and landscape, regarding some works of art that interfered directly in it, as well as projects that intended to do it, but were not accomplished, eventually. These works, as they incorporate natural and cultural aspects of the landscape, they emphasize it and raise a debate on its development, transformation and appreciation. Two expositions - which were to be taken, at first, in national scale - more effectively proposed the intervention of brazilian contemporary art into the landscape and stimulated discussions on these matters. They are: Fronteiras ( 1998-2001), which approached the geographical landscape references, and Margem (2009-2010), which focused the urban ones. Within Fronteiras, from the boundary theme, the discussion arises on territory, region, geographical scale and models of territorial occupation; nevertheless, art introduces the need of landscape in this debate. In contrast, Margem brings up issues related to the the urban landscape, specifically how rivers are appropriated and apprehended by people. This is a sample of works of art that approach landscape in different ways, which lead us to consider how brazilian contemporary art handles landscape, not only as an inspiration, but as a constitutive component of the work; they also highlight how landscape might be, possibly, an influence on them.

O objeto desta dissertação são os trabalhos de arte produzidos pelo autor entre 2013 e 2015. Partindo dos próprios trabalhos e dos espaços onde foram apresentados, este ensaio busca articular procedimentos e conceitos recorrentes na produção do artista por meio de imagens, descrições, desenhos, anotações, projetos e interpretações que interroguem a ideia de livro como suporte, matéria-prima e lugar. / The object of this Master\'s thesis is the author\'s works of art produced between 2013 and 2015. Departing from the works of art themselves and from the spaces where they were presented, this essay seeks to articulate recurring procedures and concepts in the artist\'s production through images, descriptions, drawings, notes, projects and interpretations that question the idea of the book as a support, raw material and place.

Este trabalho disserta sobre as relações entre a arte contemporânea brasileira e a paisagem, através de algumas obras que nela intervieram diretamente, assim como de projetos que propunham-se a intervir, mas não foram executados. Tais obras, ao incorporarem os elementos naturais e culturais que constituem a paisagem, evidenciam-na e fazem-nos refletir sobre sua formação, transformação e apreciação. Foram escolhidas duas exposições que, a princípio, seriam realizadas em escala nacional, e que propuseram de modo mais efetivo a intervenção da arte brasileira na paisagem, estimulando discussões sobre o tema. São elas: projeto Fronteiras (1998-2001), que abordou as referências geográficas da paisagem, e projeto Margem (2009-2010), cujas referências eram as urbanas. Com Fronteiras, a partir do tema fronteira, abre-se o debate sobre território, região, escala geográfica e modos de ocupação territorial; mas a arte introduz nele a necessidade da paisagem. Já com Margem, vêm à tona questões da paisagem urbana, em específico, como os rios são apropriados e percebidos. Esta é uma amostragem de obras que, abordando referências distintas da paisagem, fazem-nos refletir sobre a produção artística nacional que tem na paisagem mais do que uma inspiração, mas um elemento constitutivo; assim como de que modos a paisagem é, possivelmente, uma influência para estas obras. / This research disserts about the relationship between brazilian contemporary art and landscape, regarding some works of art that interfered directly in it, as well as projects that intended to do it, but were not accomplished, eventually. These works, as they incorporate natural and cultural aspects of the landscape, they emphasize it and raise a debate on its development, transformation and appreciation. Two expositions - which were to be taken, at first, in national scale - more effectively proposed the intervention of brazilian contemporary art into the landscape and stimulated discussions on these matters. They are: Fronteiras ( 1998-2001), which approached the geographical landscape references, and Margem (2009-2010), which focused the urban ones. Within Fronteiras, from the boundary theme, the discussion arises on territory, region, geographical scale and models of territorial occupation; nevertheless, art introduces the need of landscape in this debate. In contrast, Margem brings up issues related to the the urban landscape, specifically how rivers are appropriated and apprehended by people. This is a sample of works of art that approach landscape in different ways, which lead us to consider how brazilian contemporary art handles landscape, not only as an inspiration, but as a constitutive component of the work; they also highlight how landscape might be, possibly, an influence on them.