O presente trabalho investiga algumas das articulações entre indivíduo e obra de arte através de quatro conceitos fundamentais encontrados na obra de T. W. Adorno: cultura, emancipação, formação e arte, abordados de forma constelacional. O método utilizado foi a análise de textos do próprio autor, de alguns escritos em conjunto com Horkheimer, de alguns de outros autores da Teoria Crítica (Benjamim e Marcuse) e de outros de autores tradicionais do pensamento alemão (Kant, Schiller e Goethe); assim como textos de seus comentadores. A hipótese que nos guia é a de que, apesar da tendência dominante de desaparecimento do sujeito e da arte autônomos, apontados por Adorno, sua própria teoria, ao fazer tal diagnóstico criticamente, já é parte da cura possível; que a crítica da formação e a crítica da arte, intrinsecamente conectadas, são uma práxis transformadora no caminho de uma emancipação de ambos. E concluímos que o conteúdo de verdade e a dimensão histórica também intrínsecos que emergem necessariamente de toda crítica à formação, quanto de toda crítica às obras de arte, apontam para o sofrimento vivido, e o reconhecimento desse sofrimento, na educação de arte, promove, dentro do possível, nas condições atuais, a verdadeira experiência com as obras de arte e com isso, ao mesmo tempo, pode promover uma formação emancipatória / This study investigates some of the intersections between individual and artwork through four key concepts found in the work of T. W. Adorno: culture, emancipation, formation and art, in a constellational approach. The employed method was the analysis of the authors texts, some written along with Horkheimer, some by other Critical Theory authors (Benjamin and Marcuse) and some by authors of the German tradition (Kant, Schiller and Goethe) so as texts of their critics. The hypothesis that guides us is that despite the dominant tendency of the disappearance of the subject and the autonomous art, pointed out by Adorno, his own theory, through making such a diagnosis critically, is part of a possible healing; that the critique of formation and art criticism, intrinsically linked, are a transformative praxis in the way of their emancipation. We conclude that the truth content and historical dimension also intrinsic that emerge necessarily from all critic of formation, the same way as any criticism of artworks, pointed out to the suffering, and the recognition of this suffering in art education promotes, within possibility, under current social conditions, the true experience towards the artworks, and that might promote an emancipatory formation

O trabalho aborda os conceitos de motivação extrínseca e intrínseca. Discorre sobre a importância e o papel das organizações de arte na sociedade. Apresenta os resultados de pesquisa sobre a motivação intrínseca desenvolvida junto a grupos de dança brasileiros.

Orientador: Marcelo Siqueira Ridenti / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-24T11:16:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Forte_GrazielaNaclerio_D.pdf: 23860775 bytes, checksum: 1ede3a879efea8f756b0c531b2e90b2e (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: Esse trabalho de doutoramento tem o objetivo de analisar sob o ponto de vista histórico-social, o conjunto da obra de Carlos da Silva Prado (1908-1992), mais conhecido como Carlos Prado, atuante no modernismo como artista plástico, arquiteto e teórico da arquitetura funcional, no período 1930-1990. Com uma produção diversificada em termos de técnicas empregadas, estilos e temas, os trabalhos da fase popular ou folclórica, assim como os sociais, inclusive aqueles realizados sob o ponto de vista do urbanista, onde criou um panorama da urbe ao mesmo tempo moderna e com sérios problemas de infraestrutura, como a falta de transportes e moradias para as classes econômicas menos privilegiadas, relacionam-se entre si e evidenciam as diferenças entre progresso e atraso, ricos e pobres. Como hipótese de base, é possível dizer que Carlos Prado foi um pintor do modernismo paulista, que adotou a temática popular e social, imprimindo em seus trabalhos uma visão idealizada do passado sob o ponto de vista de um aristocrata, que absorveu a ideia de "brasilidade" defendida pelos críticos Mário de Andrade e Sérgio Milliet. O afastamento do sistema das artes plásticas na década de 1960 deve-se à atitude que assumiu de evitar a convivência com as pessoas uma vez que não se adaptou ao mundo capitalista, quando as artes plásticas também ficaram sujeitas às leis da oferta e demanda. Portanto temos como hipótese complementar que ele via no passado as bases para a construção de um futuro utópico, enquanto a modernidade parecia ignorar os valores humanos, incentivando o consumismo, o império do fetichismo da mercadoria e do dinheiro / Abstract: This PhD thesis analyzes from a social-historical point of view, the whole work by Carlos da Silva Prado (1908-1992), better known as Carlos Prado, an active painter of the modernism's scenario, architect and functional architecture theorist between 1930 to 1990. Presenting a wide variety of techniques, styles and themes, the popular or folk art, as well as the social art period, including the social art of urban point of view creating a metropolis panorama: at the same time modern and with serious infrastructure problems, such as transportation and housing for lower economic classes, showing the differences between progress and opposite situations, rich and poor. In our hypothesis, Carlos Prado was a São Paulo modernist painter, when adopted the popular and social themes, printing in his works an idealized view of the past from an aristocrat point of view, which absorbed the "brazilianness" idea by Mário de Andrade and Sérgio Milliet. He stood back the "arts system" in the 1960s due to the attitude he took to avoid interaction with people since he did not agree with the capitalism world rules, the period of time was incredibly under the rules of supply and demand. We have a complementary hypothesis. Prado was idealized the past, created an utopian way, while modernity seemed to ignore human values, encouraging consumerism, the empire of commodity fetishism and money / Doutorado / Sociologia / Doutora em Sociologia

Made available in DSpace on 2016-04-29T14:17:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vera Nubia Santos.pdf: 54491098 bytes, checksum: eb4a424060e5dd7cc469b923ca2188a7 (MD5) Previous issue date: 2009-11-12 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / The reflection in this work aims to remember the Youth s Symphonic Orchestra Project from Sergipe, developed in 2005 and 2006 in the cities from Aracaju and Itabaiana, as a privileged activity of an art expression, shown as a form of social inclusion for children and young people. It used as a theoretical-methodological orientation Georg Lukács and Ernst Fisher s reflections in the sense of the appropriation of the art as a reality reflection and a need of the social being. This indication s objective was to understand the art as a mediation possibility in the Social Work, with a special attention to the development of a project that, maintained by the State s support, can only be continued with the help of a civil society entity. The relation between the State and the Society represents, in this sense, one of the central elements to understand the appearing and the decadence of this project. The documental research, the use of printed report and the project s coordinator and conductor s interview could make this thesis possible. The subtleties, that were not always in evidence while the project was being developed, were scrutinized and the mediation possibility between involved people and the social reality was elucidated / A reflexão contida neste trabalho visa a rememorar o Projeto Orquestra Sinfônica Jovens de Sergipe, desenvolvido nos anos de 2005 e 2006 nas cidades de Aracaju e Itabaiana, como uma atividade privilegiada de expressão da arte, apontada como uma forma de inclusão social para crianças e jovens. Traz como orientação teóricometodológica as reflexões de Georg Lukács e Ernst Fisher no tocante à apropriação da arte como reflexo da realidade e como uma necessidade do ser social. Objetivase com essa indicação, compreender a arte como uma possibilidade de mediação no Serviço Social, com especial atenção ao desenvolvimento de um projeto que, mantido com apoio do Estado, só pode ser continuado sob o amparo de uma entidade da sociedade civil. A relação entre Estado e Sociedade representa, neste sentido, um dos elementos centrais para entender o alvorecer e o ocaso desse projeto. A pesquisa documental, o uso de reportagens impressas e a entrevista com o coordenador do projeto e maestro da orquestra possibilitou à tese Projeto Orquestra Sinfônica Jovens de Sergipe. Arte e História perscrutar as sutilezas nem sempre evidenciadas quando do seu desenvolvimento e elucidar nesse projeto a possibilidade de mediação entre os sujeitos envolvidos e a realidade social

Submitted by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-14T16:45:29Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_MulheresEnfeitesCaminhos.pdf: 25295342 bytes, checksum: 5e083121d64f6b9b45a9b9040e86f6b6 (MD5) / Approved for entry into archive by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-14T16:47:10Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_MulheresEnfeitesCaminhos.pdf: 25295342 bytes, checksum: 5e083121d64f6b9b45a9b9040e86f6b6 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-14T16:47:10Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_MulheresEnfeitesCaminhos.pdf: 25295342 bytes, checksum: 5e083121d64f6b9b45a9b9040e86f6b6 (MD5) Previous issue date: 2013-06-20 / Nesta pesquisa apresento uma cartografia do saber-fazer com fibras de jupati, tecido por mulheres dos rios Chaves, Pirarara, Seringueiro, Urucuzal e da Vila de Nazaré, no município de São Sebastião da Boa Vista, no Marajó das Florestas-Pa. A questões norteadoras que orientaram a investigação foi analisar como essas mulheres da floresta marajoara constroem o saber-fazer na criatividade artística de tecer fibras? Quais os significados dessa arte em suas vidas? Como suas Obras dialogam com a tradição e o contemporâneo? De que modo essa arte vem se (res)significando ao longo do tempo? Seguindo orientações teóricas dos Estudos Culturais e do Pensamento Pós-Colonial em conexões com o campo da Arte e por meio da metodologia da História Oral, procurei etnografar a paisagem física, humana e cultural de uma comunidade rural amazônica; captar a estética elaborada no cotidiano, os sentidos do saber-fazer gestados na feitura de Enfeites e Caminhos entre formas e coloridos. Neste enredo, analiso o processo produtivo e criativo durante o fazer em fibra na relação com os tempos do viver marajoara; discuto como essa arte é absorvida pelo mercado; trago à cena a arte em fibra de jupati no diálogo com questões conceituais do campo da arte, relacionando tradição e modernidade, culto e popular, arte, vida e estética do cotidiano, entrelaçados aos olhares das mulheres sobre sua Obra e os significados simbólicos, estéticos e formais. No modo de alinhavar Enfeites e Caminhos, busco aproximações com memórias indígenas e heranças históricas; analiso a morfologia da tessitura, as relações cromáticas, as funções que essa arte tem na vida dessas mulheres e as significações icônicas, indiciais e simbólicas das composições artísticas. Mergulhada nesse universo, descubro que o saber-fazer em fibras está articulado a cosmologias e ecossistemas estéticos; a arte em fibras é conhecimento e meio de vida; as Obras expressam sentimento de prazer, de gostar de tecer, incitando transgressões de códigos cosmológicos locais; fortalecem laços familiares, ligam gerações pela tradição do tecer, estabelecem encontros familiares, momentos de intimidade, cumplicidade, aprendizagem, disputas, conquistas entre mães, filhas e irmãs; (re)afirmam identidades, autoridades artísticas, estabelecendo códigos de respeito e hierarquias no reconhecimento acerca da qualidade do tecer. / This research presents a mapping of know-how with jupati fibers, woven by women from rivers Pirarara, Seringueiro, Urucuzal and the Village of Nazaré, in São Sebastião da Boa Vista city, at the Marajó Forest, state of Pará, Brazil. The problem that guided this research was to analyze how these forest marajoara women build know-how in the artistic creativity of weaving fibers and what are the meanings of this art in their lives and how their works dialogue with tradition and contemporary. Also, how this art has been (re) meaning over the years. Following theoretical orientations of Cultural Studies and Postcolonial Thought in connection with the field of Art and through the methodology of oral history, ethnography sought the physical landscape, people and culture of a rural community in the Amazonia. And so capture the aesthetic developed in daily life, the senses of know-how gestated in making ornaments and paths between forms and colors. From this, I analyze the creative and production process during the making fiber in relation to the times of marajoara way of living. I present a discussion of how this art is absorbed by the market; bring to the art scene in fiber jupati conceptual issues in dialogue with the art field, linking tradition and modernity, classical and popular art and aesthetics of daily life, interwoven looks to women about their work and the symbolic, aesthetic and formal meanings. I try to get approximations with memories indigenous heritages and histories as correlating Ornaments and Paths. Its chromatic relations, roles that art plays in the lives of these women and the iconic, indexical and symbolic meanings of artistic compositions. Absorbed by this universe, I find that the know-how fiber is articulated to cosmologies and ecosystems aesthetic; fiber art is knowledge and livelihood; Works expressing feelings of pleasure, like weaving, urging transgressions of cosmological local codes; strengthen family ties; moments of intimacy, complicity, learning, disputes, achievements between mothers, daughters and sisters; (re) affirm identities, artistic authorities, establishing codes of respect and hierarchies in the recognition about the quality of the weave.

FARIAS, Carla Galvão. Um passeio enativo com Acidum: arte urbana em Fortaleza e a criação de ficções pela cidade. 2015. 135f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Instituto de Cultura e Arte, Programa de Pós-graduação em Artes, Fortaleza (CE), 2015. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2015-12-22T14:17:11Z No. of bitstreams: 1 2015_dis_cgfarias.pdf: 4157009 bytes, checksum: e20fbf07871f936661ed3b1beffcf9a8 (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2015-12-22T14:48:47Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_dis_cgfarias.pdf: 4157009 bytes, checksum: e20fbf07871f936661ed3b1beffcf9a8 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-12-22T14:48:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_dis_cgfarias.pdf: 4157009 bytes, checksum: e20fbf07871f936661ed3b1beffcf9a8 (MD5) Previous issue date: 2015 / Este estudo trata da relação da arte com a cidade, pensando a arte contemporânea como possibilidade de criação de outras cidades ao provocar diferentes modos de olhar, sentir, imaginar e inventar o espaço-tempo urbano. Interessa pesquisar as intervenções artísticas do coletivo Acidum, em Fortaleza, observando como a arte urbana pode interferir nos modos de ser, de pensar e de viver, criando ficções, modificando o espaço. A pesquisa acontece como um exercício, considerando as contribuições teórico-metodológicas dos estudos de Francisco Varela (1991,2001), em especial, a Abordagem Enativa, que compreende a cognição como a invenção de realidades, opondo-se à noção representativa de uma realidade pré-definida a ser revelada pelo pesquisador. O pesquisar emerge no observar, acompanhando algumas intervenções do coletivo, atualizadas nas anotações do diário de bordo, analisando vídeos e fotografias e realizando “entrevistas enativas”, proposição apresentada nos estudos de Letícia Maria Renault de Barros (2010). O que faz com que algumas imagens produzam inquietação e outras não? Como as intervenções do Acidum afetam os modos de transitar e de olhar a cidade? No percurso da pesquisa, alguns conceitos colaboraram com as análises, em especial, Partilha do Sensível e Ficções, apresentados por Jacques Rancière (2005; 2010). Nessa perspectiva, enfatizo a relação entre arte e política trazendo também contribuições dos estudos de Giorgio Agamben, Hannah Arendt, Chantal Mouffe, Didi-Huberman e Gilles Deleuze. A arte do Acidum pode afetar a cidade à medida que produz imagens que provocam deslocamentos nos modos de olhar daqueles que caminham e as observam. A arte urbana pode problematizar criativamente o cotidiano, abrindo caminhos para a invenção de outras realidades. Constituindo resistências moleculares que florescem em meio à solidez dos preconceitos e das concepções endurecidas. Não seria essa uma função da arte, mas uma potência. / Este estudio trata la relación del arte con la ciudad, pensando el arte contemporáneo como la posibilidad de crear otras ciudades por provocar diferentes maneras de ver, sentir, imaginar e inventar el espacio-tiempo urbano. Me interesa investigar las intervenciones artísticas del colectivo Acidum en Fortaleza, ver como el arte urbano puede interferir en las formas de ser, de pensar y de vivir, creando ficciones, modificando el espacio. La búsqueda se lleva a cabo como un ejercício, teniendo en cuenta los aportes teóricos y metodológicos de los estudios de Francisco Varela (1991.2001), en particular el enfoque enactivo, que comprende la cognición como la invención de realidades, oponiéndose a la idea representativa de una realidad predefinida para ser revelada por el investigador. La búsqueda surge com el observar, acompañando algunas intervenciones del colectivo, actualizadas a través de las notas en el diario de campo, analizando videos y fotos y haciendo "entrevistas enactivas" propuesta presentada en los estudios de Leticia Maria Renault de Barros (2010). ¿Qué hace que algunas imágenes produzcan inquietud y outras no? ¿Como las intervenciones de Acidum afectan los modos de transportar y de mirar la ciudad? En el curso de la investigación, algunos conceptos colaboraron con el análisis, en particular, División de lo sensible y Ficciones, presentados por Jacques Rancière (2005; 2010). En esta perspectiva, subrayo la relación entre el arte y política trayendo también las contribuciones de los estudios de Giorgio Agamben, Hannah Arendt, Chantal Mouffe, Didi-Huberman y Gilles Deleuze. El arte de Acidum puede afectar a la ciudad por producir imágenes que causan cambios en las formas de ver de aquellos que caminan y observan. El arte urbano puede discutir de manera creativa el cotidiano, abriendo el camino para la invención de otras realidades. Constituyendo resistencias moleculares que florecen en medio a la solidez de los prejuicios y concepciones endurecidos. No sería una función del arte, sino una potencia.

ALBUQUERQUE, Bartira Dias de. Arte, Resistência e Educação: cartografias das ações do movimento ELAS (Escola Livre de Artes Subversiva) - movimento de arte ativista que atua na cidade de Fortaleza. 2013. 122f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Educação Brasileira, Fortaleza (CE), 2013. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-08-13T12:01:18Z No. of bitstreams: 1 2013_dis_bdalbuquerque.pdf: 3007577 bytes, checksum: 6f53ac3b77cab6e6bc5b6951f91a95f7 (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-08-13T12:40:00Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_dis_bdalbuquerque.pdf: 3007577 bytes, checksum: 6f53ac3b77cab6e6bc5b6951f91a95f7 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-08-13T12:40:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_dis_bdalbuquerque.pdf: 3007577 bytes, checksum: 6f53ac3b77cab6e6bc5b6951f91a95f7 (MD5) Previous issue date: 2013 / This research study presents the actions of the activist artistic movement ELAS (Free School of subversive art) in order to reflect about the way in which the process of art, resistance and education takes place today through artists, artistic collectives and movements. It is through cartography that we establish a link between the art in progress, with its resistance to the traditional research methodologies, and the elaboration of artistic practices that are limited by the State and by private companies, that use their power to influence the subject matter and other demands upon artistic experimentation. The following questions are discussed during the entire project: the current relation between art, institutions and the market, how to conceive the resistance to power through the arts, the construction of new ways of existence departing from the creation process, the reinvention of Education, of the critical view of societies of control ( concept introduced by Deleuze), among others. In almost a year of happenings with ELAS, many ideas and problems were reflected upon and a huge amount of art was made, with the intent of making guerrilla, of creating worlds and composing lives, with artistic practices that aim to awaken, expropriating the educational system, in an ethical and social concern with the world that becomes present. And in a certain eroticism of politicalinvolvement, the art produced in collectives ( there was an explosion of these collectives in Brazil during the 90’s) like ELAS, with inspirations originating since the 30’s, has made us look for what can be seen as free, in relations within contemporary society, looking at the way we take care of ourselves through an existence esthetic, denominated by Foucault, and that can also be seen in Hakim Bey’s work in Temporary Autonomous Zones (TAZ), in the creation of myth, in psychic guerrillas, in actions of theft like the ones of the collective Yomango, in poetic terrorisms; all of these practices that question the power relations, and creative, subversive, new and impacting ways of doing politics and living your own life. / A presente pesquisa expõe ações do movimento de Arte ativista ELAS (Escola Livre de Arte subversiva), para pensar como se dá o processo de Arte, Resistência e Educação hoje, através de artistas, de coletivos e de movimentos de Arte. É por meio da cartografia que estabelecemos uma ligação da Arte em processo, com a Resistência às metodologias de pesquisa tradicionais, e à elaboração de práticas artísticas que são limitadas por editais do Estado, e de empresas privadas, que exercem seus poderes em torno dos temas e de outras demandas que exigem para as experimentações dos artistas. Problemas de como se dá a relação de Arte, instituições e mercadoria, de como pensar a Resistência às “relações de poder” através das artes, e de como criar novos modos de existência partindo da criação, da reinvenção da Educação, do olhar crítico em torno das “Sociedades de controle” (conceito pensado por Deleuze), são colocados em discussão durante todo o trabalho. Em quase um ano de intervenção junto ao ELAS, várias ideias e problemas foram pensados e muita Arte foi realizada, numa tentativa de se fazer guerrilha, de criar mundos e de compor vidas, com as práticas artísticas que buscam inquietar, desterritorializando o sistema educacional tradicional, numa preocupação ética e social com o mundo que se faz presente. E num certo erotismo de engajamento político, a Arte que é produzida dentro de coletivos (onde, na década de 90, houve uma explosão destes coletivos, no Brasil) como no ELAS, com as inspirações vindas desde à década de 30, têm nos feito buscar o que se pode ter como livre, em oposição às relações desenvolvidas no sistema capitalista, pensando e compondo uma “estética da existência”, colocada por Foucault (1994), e que podemos visualizar na obra de Hakim Bey(2005) em Zonas Autônomas temporárias(TAZ) e de Luther Blisset (2001) nas criações de mito, em “guerrilhas psíquicas”, em ações de furto como no coletivo Yomango , e “terrorismos poéticos”, práticas que questionam as relações de poderes, e que são formas criativas, subversivas, impactantes e novas, de se fazer política e de se viver a própria vida.

Made available in DSpace on 2014-11-10T11:09:52Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-11-22Bitstream added on 2014-11-10T11:57:49Z : No. of bitstreams: 1 000795749.pdf: 1135279 bytes, checksum: 6a7b1f7e7689608942d4721967e120e3 (MD5) / Quand on regarde l'histoire de l'Eglise dans son siècle dernier, il ya une différence d'attitude entre la période d'avant le Concile Vatican II (1962-1965) et ses descendants. L'Église avait apparemment laissé certaines positions , mais les papes et l'Eglise post- conciliaire documents du magistère ne confirment pas ce point de vue . Récemment, avec le pontificat de Benoît XVI (2005-2013) une série de questions sur le Vatican et ses intentions gagné du terrain dans un environnement ecclésial. Le résultat de ultramontanismo (1800-1960) semble avoir pris forme nouvelle et certains de ses éléments passés à travers une relecture . Benoît XVI , dès son premier discours à la Curie romaine , a proposé une vision de la continuité historique de ce conseil avec le passé de l'Église , en niant une rupture possible et réaffirmant la conviction de certains aspects du monde moderne et à ce qu'il appelle la dictature du relativisme . Pour affirmer une telle proposition , son pontificat approché secteurs conservateurs du catholicisme et a cherché à créer une interprétation officielle du Conseil qui a mis en ligne avec les deux ans d'histoire de l'Eglise mille , son but semble être l'exclusion des interprétations qui en ont fait une Conseil révolution de l' institution ecclésiastique interne et ouvert à ce qui auparavant condamné , le modernisme . Compte tenu de ces perspectives historiques, nous avons l'intention d'étudier les documents seize du Concile Vatican II, dans son empressement à les comparer avec les positions antérieures données par le Magistère de l'Église , en particulier avec l'encyclique Quanta Cura de Pie IX dans son Syllabus des Erreurs ( 1864) et Pascendi Dominici gregis (1907) du pape saint Pie X. l'intention première de ce travail est de voir les différences possibles entre le Vatican et le magistère pré- conciliaire. Deuxièmement, il ya la nécessité d'examiner la performance de la... / Quando se observa a história da Igreja em seu último século, nota-se uma disparidade de postura entre o período anterior ao Concílio Ecumênico Vaticano II (1962-1965) e sua posteridade. A Igreja aparentemente teria deixado certos posicionamentos, no entanto os papas pós-conciliares e os documentos eclesiais do magistério não confirmam essa concepção. Recentemente com o pontificado de Bento XVI (2005-2013) uma série de questões acerca do Vaticano II e suas intenções ganharam espaço no ambiente eclesial. O desfecho do ultramontanismo (1800-1960) parece ter assumido novos contornos e alguns de seus elementos passaram por uma releitura. Bento XVI, desde seu primeiro discurso à Cúria Romana, propôs uma visão de continuidade histórica do referido Concílio com o passado da Igreja, negando uma possível ruptura e reafirmando a condenação a certos aspectos do mundo moderno e àquilo que chamou de ditadura do relativismo. Para fazer valer tal proposição, seu pontificado se aproximou de setores conservadores do catolicismo e buscaram criar uma interpretação oficial para o Concílio que o coloque em sintonia com a história bimilenar da Igreja; seu intuito parece residir na exclusão de interpretações que fizeram do Concílio uma revolução interna na instituição eclesiástica e a abriram para aquilo que condenara anteriormente, o Modernismo. Diante de tais perspectivas históricas, pretende-se estudar os dezesseis documentos do Concílio Ecumênico Vaticano II, no afã de compará-los com os posicionamentos anteriores dados pelo Magistério da Igreja, de modo particular com encíclica Quanta Cura de Pio IX com seu Syllabus de erros (1864) e a Pascendi Dominici Gregis (1907) do papa São Pio X. A intenção primeira deste trabalho é vislumbrar as possíveis divergências entre o Vaticano II e o magistério pré-conciliar. Em segundo lugar, há de se debruçar sobre a atuação dos... / When one looks at the history of the Church in its last century, there is a difference in attitude between the period before the Second Vatican Council (1962-1965) and his descendants. The Church apparently had left certain positions, however the post- conciliar popes and church documents of the magisterium does not confirm this view. Recently with the pontificate of Benedict XVI (2005-2013) a series of questions about the Vatican and its intentions gained ground in ecclesial environment. The outcome of ultramontanismo (1800-1960) seems to have taken new shape and some of its elements passed through a rereading. Benedict XVI, from his first speech to the Roman Curia, proposed a vision of historical continuity of this council with the Church's past, denying a possible rupture and reaffirming the conviction to certain aspects of the modern world and to what he called the dictatorship of relativism. To assert such a proposition, his pontificate approached conservative sectors of Catholicism and sought to create an official interpretation of the council that put in line with the two thousand year history of the Church, its purpose seems to be the exclusion of interpretations that have made a revolution council the internal ecclesiastical institution and opened to what previously condemned, Modernism. Given these historical perspectives, we intend to study the sixteen documents of the Second Vatican Council, in its eagerness to compare them with previous positions given by the Magisterium of the Church, particularly with the encyclical Quanta Cura of Pius IX in his Syllabus of Errors (1864) and Pascendi Dominici Gregis (1907) of Pope St. Pius X. The primary intention of this work is to see the possible differences between the Vatican and the pre -conciliar magisterium. Secondly , there is the need to examine the performance of the post- conciliar Popes Paul VI , John Paul II and Benedict XVI , the aspiration to understand the process of...

Made available in DSpace on 2014-11-10T11:09:52Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-11-08Bitstream added on 2014-11-10T11:57:48Z : No. of bitstreams: 1 000795615.pdf: 1358473 bytes, checksum: 1244e30fac47b363ca8abe119f4ab969 (MD5) / A partir das trajetórias artísticas dos compositores Alberto Ginastera e Camargo Guarnieri, este trabalho tem por objetivo analisar os desdobramentos do nacionalismo e das vanguardas musicais na Argentina e no Brasil, de 1930 a 1960. Desenvolveremos, assim, um enfoque comparado entre esses dois países de modo que essas trajetórias sejam analisadas em consonância com paradigmas intelectuais mais amplos – inclusive internacionais - que terminaram por privilegiar determinadas formas estéticas nos diferentes períodos abordados. Acreditamos, nesta medida, que as opções artísticas de Ginastera e Guarnieri estão relacionadas ao passado musical de suas respectivas sociedades, daí a importância de se discutir a história cultural argentina e a brasileira, assim como o lugar e a força que os movimentos nacionalistas e as estéticas de vanguarda lá encontraram / From the artistic careers of composers Alberto Ginastera and Camargo Guarnieri, this essay aims to analyze the consequences of nationalism and musical ―avant-garde‖ in Argentina and Brazil from 1930 to 1960. So, we will develop a focus compared between these two countries in a way that these trajectories can be analyzed in line with broader intellectual paradigms – including international ones - that ended up favoring certain aesthetic forms in different periods covered. We believe that the artistic options of Ginastera and Guarnieri are related to the musical past of their respective societies, hence the importance of discussing the Argentine and Brazilian cultural history, as well as the place and the strength that the nationalist movements and ―avantgarde‖ aesthetics forms found there

Essa pesquisa investiga o corpo humano na atualidade a partir de seu aspecto cultural. É analisado o corpo híbrido, resultado do encontro entre suas dimensões biológicas e tecnológicas. Através de um Essa pesquisa investiga o corpo humano na atualidade a partir de seu aspecto cultural. É analisado o corpo híbrido, resultado do encontro entre suas dimensões biológicas e tecnológicas. Através de um recorte histórico que busca alguns momentos onde o corpo humano interage direta ou indiretamente com criações tecnológicas, o corpo híbrido é evidenciado a partir da análise de algumas criações artísticas que utilizam em seus processos o corpo humano em interação com tecnologias. / This paper focus on the study of cultural aspects of the human body. The hybrid body is analysed as a result of the mixing of both biological and technological dimensions. Through a historical approach which points out some moments when the human body interacts implicitly or explicitly with technological creations, the hybrid body is put in evidence with the analyses of some artistic creations which include the human body as a way of interacting with new technologies.