[pt] A tese recupera a importância da técnica da caricatura no âmbito da discussão literária e plástica modernas em dois momentos específicos: na primeira metade do século XVIII, com o debate estabelecido por William Hogarth e Henry Fielding, num contexto em que se fixam as bases do romance; e em meados do século XIX, quando o tema é retomado por Charles Baudelaire, especialmente no ensaio Da essência do riso e das artes geralmente cômicas, de 1855. Embora tenha recebido da dupla Hogarth-Fielding uma definição pejorativa, a caricatura significou um caminho para a experiência moderna, seja pela assimilação de motivos altos e baixos na arte, pela tematização da vivência urbana ou pela valorização da psicologia dos personagens (dentro da tradição do empirismo de Locke), traduzida na exploração da fisionomia humana. Com Baudelaire, estabelece-se não só uma estética da caricatura, mas uma estética caricatural construída a partir das categorias cômico absoluto e o cômico significativo. Esse modo caricatural, acreditamos, já irrompia nas cenas morais de Hogarth. Adotamos a definição da caricatura como uma novidade no campo da arte pictórica, de acordo com Ernst Gombrich. À técnica italiana, segundo ele, estava franqueada a possibilidade de experimentação que levaria à descoberta não trivial de como criar a ilusão de vida sem qualquer ilusão de realidade. As reflexões de Hogarth e de Baudelaire dimensionam historicamente a importância do humor gráfico não só como um desafio à representação artística, mas também como elemento central de uma certa experiência da modernidade. / [en] In this work, the relevance of caricature, both in modern literary and plastic discourses, is considered in two moments: during the first half of the XVIII century, in the interaction between William Hogarth and Henry Fielding, concurrent to the beginnings of the English novel, and in mid XIX century, when Charles Baudelaire, especially in his essay De l essence du rire et généralement du comique dans les arts plastiques, reapproaches the subject. Caricature received from Hogarth and Fielding a negative definition, but still showed a path to the modern experience, by assimilating low and high themes in art, by taking subjects from urban life and by emphasizing the psychology of characters (in the spirit of Locke s empiricism), through an exploration of the human face. Baudelaire s ideas give rise to an esthetics of caricature, built up from his concepts of significative and absolute comic. This caricatural mode, we believe, was already present in Hogarth s modern moral scenes. We take Ernst Gombrich s definition of caricature as an innovation in pictorial art. According to him, the Italian technique was allowed a freedom of experimentation which led to the nontrivial discovery of how to create the illusion of life without the illusion of reality. The arguments in Hogarth and Baudelaire describe the historical relevance of graphic humor, both as a challenge to artistic representation and as a central element of a certain kind of experience of modernity.

[pt] Este trabalho pretende traçar a recepção da escrita de Mário de Andrade e Oswald de Andrade entre os anos de 1945-70, a criação de uma consciência nacional e uma escrita de vanguarda, tendo em vista a eleição de ambos ao patamar de alto modernismo. A historiografia literária, orientada pela tradição nacionalista, localiza em Mário a síntese superior das propostas pós-22, relegando Oswald ao plano de terrorista cultural. O Concretismo, para viabilizar uma historiografia sincrônica, regida pelo padrão internacional das vanguardas, elege a poesia pau-Brasil como uma revolução estética, antecipadora da poesia concreta, minimiza o papel de Mário, denominando-o reformador, ou nas entrelinhas, modernista conservador. A teoria concreta apresenta a antropofagia ao Tropicalismo, que encontra nela o argumento teórico para justificar sua assimilação da cultura de massa como proposta de renovação e atualização cultural. Por um ou por outro viés, os modernistas são objetos construídos para legitimar o discurso nacionalista ou o discurso internacionalista. / [en] This work intends to outline the reception of the writings by Mário de Andrade and Oswald de Andrade between the years of 1945-70, the creation of a national consciousness and a vanguardist writing, taking into consideration the election of both of them to the level of high modernism. The literary historiography, guided by the nationalist tradition, sees in Mário the superior synthesis of the post-22 proposals, leaving Oswald on the level of cultural terrorist. Concretism, to make viable a synchronic historiography, guided by the international pattern of the vanguards, elects the pau- Brasil poetry as an esthetic revolution, anticipating the concrete poetry, minimizing Mário´s role, calling him the reformer, or between the lines, conservative modernist. The concrete theory presents the anthropophagy to the tropicalism, which finds in it the theoric argument to justify its assimilation of mass culture as a proposal of renovation and cultural update. From one view or another, the modernists are objects constructed to legitimize the nationalist speech or the internationalist one.

Enquanto muitos estudos são feitos para a análise e classificação de pinturas e outros ramos das Artes, este estudo não se detém somente a classificação. Estende-se aqui um método de análise já aplicado a Música e Filosofia (1), representando a evolução da Pintura como uma série temporal onde relações como oposição, inovação e dialética são medidas quantitativamente. Para isso, um corpus de pinturas de 12 artistas reconhecidos do período Barroco e de movimentos da Arte Moderna foram analisadas. Um conjunto de 99 atributos foi extraído e os atributos que mais contribuíram para a classificação das pinturas foram selecionados. O espaço de projeção obtido a partir desses atributos criou a base para a análise de medidas. Essas medidas quantitativas revelaram observações sobre a evolução dos estilos artísticos, especialmente quando comparados com outras áreas do conhecimento humano já analisados. A Música parece ter evoluído com a influência de uma tradição mestre-aprendiz (i.e. por apresentar alta dialética entre os músicos estudados). A Filosofia apresenta valores altos de oposição entre os representantes escolhidos (1), sugerindo que sua evolução apresenta constante oposição de ideias. Já na Pintura nota-se um outro padrão: aumento constante da inovação, baixa oposição entre membros do mesmo período artístico e picos de oposição no momento de transição entre estes períodos. Uma diferença entre os movimentos Barroco e movimentos da Arte Moderna foi também percebido no espaço projetado: enquanto as pinturas barrocas aparecem formando um agrupamento sobreposto, as pinturas modernas apresentam quase nenhuma sobreposição e estão dispostas espalhadas ao longo da projeção, mais que as barrocas. Essa observação encontra base na história da Arte onde os pintores barrocos compartilham características estéticas de suas pinturas, enquanto os modernos tendem a desenvolver seus próprios estilos e, por conseguinte, suas próprias estéticas. / While many studies were performed for the analysis and classification of paintings and other art venues, this study does not stop in the classification step. It extends an analysis method already applied to music and philosophy, representing the evolution of painting as a time-series where relations like opposition, skewness and dialectics were measured quantitatively. For that, a corpus of paintings of 12 well-known artists from Baroque and Modern art was analyzed. A set of 99 features was extracted and the features which most contributed to the classification of painters were selected. The projection space obtained from the features provided the basis to the analysis of measurements. This quantitative measures underlie revealing observations about the evolution of art styles, even when compared with other humanity fields already analyzed. (1) While music seems to evolve guided by a master-apprentice tradition (i.e. presenting high dialectics between composers) and philosophy by opposition, painting presents another pattern: constant increasing skewness, low opposition between members of the same movement and opposition peaks in the transition between movements. A difference between Baroque and Modern movements are also observed in the projected space: while Baroque paintings are presented as an overlapped cluster, the Modern paintings present minor overlapping and are disposed more scattered in the projection than baroques. This finds basis in arts history where Baroque painters share aesthetic characteristics while Modern painters tend to develop their own style and aesthetics.

Made available in DSpace on 2016-08-10T11:21:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Jacqueline Siqueira Vigario.pdf: 6013656 bytes, checksum: d6f897e68c59a669639addb766250417 (MD5) Previous issue date: 2010-06-14 / This work presents the study of analysis of some pieces of art from Friar Confaloni, consisting an imaging speech of the Visual Culture History in Goiania. It was chosen as a spatial and temporal profile the periods between 1950 a 1952, first phase of the arrival of the Friar in the city of Goias to paint the alfrescos of the Nossa Senhora do Rosário Church. And the second moment, in the year of 1952, in his arrival in Goiania, 1977, year of his decease.Through a detailed research It contextualized the historic moment of the culture of the people from Goiania, emphasizing the participation of Friar Confaloni establishing the school so called Escola Goiana de Belas Artes in 1953 and in the event of the first Conference of Intellectuals in 1954.Having as a methodological theoretical support the modern artistic comprehension of the proposal of George Didi-Huberman, It was sought through the analysis of Friar Confaloni s pieces of work, the approach about the History of the Visual Culture in Goiania, with the modern aesthetic presented by Friar Confaloni who brought in the germinal moments of the cultural modernism in Goiania, in order to break of the cultural isolation of Goias in the national scenario, which resulted in the configuration of an aesthetic popular language, regional, opposing the modernizing political action truly visible in the image of the new capital. The theme required the records about the author s life and works highlighting Confaloni s vocation for the ministry and painting, probing the artistic relation between Confaloni and the space in which he was engaged the city of Goiania. It was considered important for the research to contextualize the period which points the birth of the modern art in Goias, highlighting Confaloni in the capitation of the elements surrounded a new urban environment culture which configured in Goiania starting in the fifties. / Este trabalho apresenta o estudo de análise de parte das obras de arte de Frei Confaloni, constituindo um discurso imagético da História da Cultura Visual em Goiânia. Escolheu-se como recorte espacial e temporal o período entre 1950 a 1952, primeira fase da chegada do Frei à cidade de Goiás para pintar os afrescos da Igreja Nossa Senhora do Rosário. E no segundo momento, 1952 ano da sua chegada em Goiânia, a 1977, ano de seu falecimento. Através de uma pesquisa detalhada contextualizou-se o momento histórico da história da cultura dos goianienses, ressaltando a participação de Frei Confaloni na fundação da Escola Goiana de Belas Artes em 1953 e no acontecimento do I Congresso de Intelectuais em 1954. Tendo como suporte teórico metodológico a compreensão onto-artística moderna da proposta de George Didi-Huberman, buscou-se através das análises das obras de Frei Confaloni, abordar sobre a História da Cultura Visual em Goiânia, com a estética moderna apresentada pelo Frei artista que nos momentos germinais do modernismo cultural em Goiânia, buscou romper com o isolamento cultural de Goiás no cenário nacional, o que resultou na configuração de uma linguagem estética popular, regional, contrapondo a ação política modernizadora plenamente visível na imagem da nova capital. O tema exigiu o registro sobre a vida e as obras do pintor, destacando a vocação de Confaloni pelo sacerdócio e a pintura, aprofundando na relação artística entre Confaloni e o espaço ao qual esteve inserido a cidade de Goiânia. Julgou-se importante para a pesquisa contextualizar o período que aponta o nascimento da arte moderna em Goiás, destacando Confaloni na captação de elementos que rodearam a nova cultura de ambiente urbano que configurava em Goiânia a partir da década de 50.

Submitted by admin tede (tede@pucgoias.edu.br) on 2017-03-30T19:24:41Z No. of bitstreams: 1 SUNNY GABRIELLA DOS SANTOS.pdf: 628195 bytes, checksum: f18432857c89baf955cadcae6e44a3be (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-30T19:24:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 SUNNY GABRIELLA DOS SANTOS.pdf: 628195 bytes, checksum: f18432857c89baf955cadcae6e44a3be (MD5) Previous issue date: 2017-02-23 / This research aims to understand the artistic language of the writing of Clarice Lispector in the works Near the Wild Heart and Passion according to G.H., by Clarice Lispector. The narrative procedure adopted by Clarice Lispector in these works led us to the concepts related to modern and contemporary art, since we will investigate what are the aesthetic characteristics present in the author's writing that suggest such a connection. Thus, it is proposed to study the process of deconstruction of Being and Art from the perspective of the flow of language and the dereference of the Signature Image. The study will be based on contemporary critical theories, considering the rupture of the notion of art as a representation of reality. The theoretical reference for the analysis of the works will be Heidegger's conceptions of the notion of Being in its relationship with time and language, focusing on aspects related to the fragmentation of being-time; The deterritorialization of the artistic act in language to the infinite, in the perspectives of Michel Foucault, Gilles Deleuze and Félix Guattari and, interconnected with the notions of liquid modernity, of ZygmundBauman and the derealization of the work of art.The analysis of the works will be based on the search for the "essentialization" of the Being of the characters by the language (Near the wild heart) and the depersonalization of Being (Passion according to GH) in the context of a work marked by the principle of derealization and dereferentiation of the image -sign - a simulation process, in the view of Jean Baudrillard (1991). / Esta pesquisa visa compreender a linguagem artística da escritura de Clarice Lispector nas obras Perto do coração selvagem e Paixão segundo GH, de Clarice Lispector. O procedimento narrativo adotado por Clarice Lispector nessas obras levou-nos aos conceitos ligados a arte moderna e contemporânea, uma vez que investigaremos quais são as características estéticas presentes na escritura da autora que sugerem tal ligação. Assim, propõe-se estudar o processo de desconstrução do Ser e da Arte sob a perspectiva do fluxo da linguagem e da desreferencialização da Imagem-Signo. O estudo será fundamentado nas teorias críticas contemporâneas, considerando a ruptura da noção de arte como representação da realidade. O referencial teórico de análise das obras serão as concepções de Heidegger sobre a noção do Ser em sua relação com o tempo e a linguagem, focalizando os aspectos relativos à fragmentação do ser-tempo; a desterritorialização do ato artístico em linguagem ao infinito, nas perspectivas de Michel Foucault, Gilles Deleuze e Félix Guattari e, interconectadas às noções de modernidade líquida, de Zygmund Bauman e à desrealização da obra de arte. A análise das obras terá como norte a busca da “essencialização” do Ser das personagens pela linguagem (Perto do coração selvagem) e a despersonalização do Ser (Paixão segundo GH) no contexto de uma obra marcada pelo princípio de desrealização e de desreferencialização da imagem-signo – um processo de simulação, na visão de Jean Baudrillard (1991).

A presente investigação tem por objeto a atuação de Yolanda Penteado como gestora da arte moderna em São Paulo e no Brasil. A pesquisa pretende refletir sobre os mecanismos de gestão da arte brasileira no período entre as décadas de 1940 e 1960 - período no qual ocorrem as constituições do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM SP), do Museu de Arte de São Paulo (MASP), da Bienal de São Paulo, dos Museus Regionais e do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP), delineando o ambiente cultural e estético paulistano e o início do intercâmbio internacional através de mecenas como Francisco Matarazzo Sobrinho, o Ciccillo, Assis Chateaubriand e, particularmente, Yolanda Penteado. Discute-se o papel de Yolanda Penteado como gestora das artes modernas, ou seja, mecenas e líder na criação de coleções, eventos e instituições. Nessa direção, as estratégias metodológicas adotadas no trabalho envolvem suportes interdisciplinares, relacionando História, História da Arte, Estética e outras áreas do conhecimento. O estudo recorre à autobiografia de Yolanda - Tudo em Cor-de- Rosa -, de 1976, à biografia Yolanda, de Antonio Bivar, publicada em 2009, às cartas, aos telegramas, às fotos, aos recortes de jornais, revistas e aos documentos oficiais presentes nos arquivos particulares e institucionais, tais como: Wanda Svevo (pertencente à Bienal de São Paulo), MAC USP, MASP, Fundação Cultural Ema Gordon Klabin, entre outros. Além disso, devem ser mencionadas entrevistas com pessoas que foram próximas a Yolanda Penteado e visitas técnicas à Fazenda Empyreo, que ainda hoje guarda objetos e reminiscências de sua presença. / The intention of this research is to assess the performance of Yolanda Penteado as a manager of modern art in São Paulo and Brazil and to reflect on the workings of art management in Brazil from the 1940s to 1960s, when the Museum of Modern Art of São Paulo (MAM SP), the Art Museum of São Paulo (MASP), regional museums, the Contemporary Art Museum of the University of São Paulo (USP MAC) and the Biennale São Paulo were all founded. It also aims to put her work into the context of the cultural and aesthetic environment in São Paulo at that time, during which she and other art patrons, such as Ciccillo Matarazzo and Assis Chateaubriand began international exchanges. This research explores Yolanda Penteado´s role as a manager, patron and leader of collection creation, modern art institutions and events and how her work adopts strategies and methods from various disciplines, including History, Art History, Aesthetics and other knowledge bases. Reference is made to previous publications by Antonio Bivar: All in Pink-Rose (1976), and Yolanda Biography ( 2009), letters, telegrams, photos, newspaper clippings, magazines and official documents, all of which are kept in private and institutional archives, such as: Wanda Svevo (belonging to the Bienal de São Paulo), MAC USP, MASP, and the Ema Gordon Klabin Cultural Foundation. It contains content from interviews with people who were close to Yolanda Penteado and details visits to the Empyreo farm, which still keeps objects and reminders of her presence.

O presente trabalho tem por objetivo tratar de uma parte pouco conhecida da obra de Guillaume Apollinaire: a sua crítica de artes. A partir da análise dos textos que o autor publicou neste domínio, evidencia-se a elaboração de uma série de conceitos que lhe possibilitam pensar a pintura e se posicionar no debate artístico francês dos anos iniciais do século XX. Considerando tais conceitos, mostra-se como estes podem ser relacionados com a reflexão do autor sobre a poesia de sua época e, em particular, com a sua própria. O encontro de suas ideias sobre a pintura e sobre a poesia traduz-se em um projeto estético em sentido amplo que, por isso mesmo, produz efeitos em sua obra poética. Com a finalidade de evidenciá-los, analiso alguns poemas para mostrar como a reflexão artística de Apollinaire importa para a compreensão da obra poética. / The present work aims to deal with the little known part of Guillaume Apollinaires work: his critique of arts. From the analysis of the texts that the author published in this field, it is evident the elaboration of a series of concepts that allow him to think about paintings and position himself in the French artistic debate of the early year of the Twentieth Century. Considering theses artistic concepts, it is shown how they can also be related to the authors views of poetry of his time and, in particular, with his own. From this communication of artistic ideas, it is exposed how it translates into na aesthetic project in the broad sense and that, for this very reason, produces effects in his poetic work. With the purpose of showing this, poems are analysed to express Apollinaires artistic views matters for the understanding of his poetic work.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2016-09-28T17:29:33Z No. of bitstreams: 1 Maria Aparecida Cordeiro Katsurayama.pdf: 2857225 bytes, checksum: a3387e316d851f2870ce1089d9ebf2cd (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-28T17:29:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria Aparecida Cordeiro Katsurayama.pdf: 2857225 bytes, checksum: a3387e316d851f2870ce1089d9ebf2cd (MD5) Previous issue date: 2016-05-27 / Japan's modernization process witnessed the explosion of new images of the Japanese woman. The purpose of this master's dissertation was to analyze the role of media communication in the reconstruction of these images, especially magazines. The methodology utilized associated specific literature reviews (Sato 2003, Silverberg 2009, Greiner 2015) to analysis of representative images of the tension between the traditional and the modern. The image of the bijinga or "painting of the beautiful woman" was an important reference point to represent the feminine beauty parameters of the pre-modern period, as well as new versions of the modan gaaru or “modern girl”. As a result, it is presented a discussion scarcely developed in Brazil, combining studies of art and Japanese media, in order to understand the complexities of sociopolitical contexts involving the transition from traditional Japan to modernity and its gradual entry to the international market / O processo de modernização do Japão testemunhou uma explosão de novas imagens da mulher japonesa. O objetivo desta dissertação de mestrado foi analisar o papel da comunicação midiática na reconstrução destas imagens, com destaque para as revistas. A metodologia utilizada aliou a pesquisa bibliográfica específica (Sato 2003, Silverberg 2009, Greiner 2015) e análise das imagens representativas da tensão entre o tradicional e o moderno. A imagem da bijinga ou “pintura da mulher bonita” foi um ponto de referência importante por representar os parâmetros de beleza feminina do período pré-moderno, assim como, as novas versões da modan gaaru ou “garota moderna”. Como resultado, apresenta-se uma discussão pouco desenvolvida no Brasil, que alia estudos da arte e da mídia japonesa, tendo em vista compreender as complexidades dos contextos sócio-políticos que envolveram a transição do Japão tradicional para a modernidade e a sua paulatina entrada no mercado internacional

Made available in DSpace on 2016-04-25T16:44:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ADM - Ronaldo Bianchi.pdf: 11052972 bytes, checksum: e7120fdf28091e251c58cbc31456ace1 (MD5) Previous issue date: 2006-10-27 / The study of branding has gained different concepts and functions by the authors who had studied it. Today, we now that the brand is an important item of market differentiation which has an identity and an environment that the companies must be adapt. The brand identity it encloses not only who consumes it, but also encloses the public who work and sell the brand. The trademark is not only important for the corporative world, in the last few years the mark has became important in the cultural environment as a new form of businesses. In the cultural marketing, notices a procedure standard to start and sell new projects, as well as giving the continuation. Firstly, a unit for the construction of projects is mounted, with the ready project it is important to make a research for sponsors and to present the project with a media plan to close the selling of the business. In this work, we will analyze the Museum of Modern Art of São Paulo (MAM) as an important trademark in the Brazilian cultural scene. The work tells the history of MAM, by means of its different administrations. In the first administration of Ciccillo Matarazzo, the MAM was consecrated by the society, media and artists. In its second administration, the museum survived with few resources, because Ciccillo Matarazzo had left to finance the museum. In its third administration had Dinah Lopes Coelho as a leader who produced the Panoramas de Arte Brasileira and reestablish the brand prestige of The Museum of Modern Art of São Paulo. The fourth administration of MAM was headed by Aparício Basílio Da Silva, in this administration, the museum passed again for financial difficulties that had been only cured in the administration of Eduardo Levy, who inaugurates the phase of professionalism of the museum, which goes to stabilize itself in the management of Milu Villela. The Milu Villela s management has strong corporative characteristics; in this administration the professionalism of MAM is evident which acquired corporative and professional partnerships of diverse areas. We have analyzed the pointers of performance of the museum that we considered basic for the construction of the trademark MAM, are it: the headquarters, the quantity, financing, expositions, public, press repercussion, awards and the application of the brand / A marca ganhou diferentes conceitos e funções pelos diversos autores que a estudaram. Hoje, sabemos que a marca é um importante item de diferenciação de mercado, que possui uma identidade e um ambiente, no qual as empresas precisam se adaptar. A identidade de marca abrange não só quem a consome, mas, também, o público que com ela trabalha e o público que a vende. A marca não é apenas importante para o mundo corporativo, nos últimos anos a marca tornou-se importante no ambiente cultural como forma de novos negócios. E no marketing cultural nota-se um padrão de procedimento para começar e vender novos projetos, assim como dar a continuação. Primeiramente, monta-se uma unidade para a construção de projetos, com o projeto pronto é importante fazer uma pesquisa por patrocinadores e apresentar o projeto com um plano de mídia para fechar a venda. Nesse trabalho vamos analisar o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM) como uma importante marca no cenário cultural Brasileiro. O trabalho conta a história do MAM, por meio das suas diferentes administrações. A primeira administração de Ciccillo Matarazzo, no qual o MAM foi consagrado pela sociedade, mídia e artistas. A sua segunda administração, o museu sobreviveu com poucos recursos, já que Ciccillo Matarazzo havia deixado de financiar o museu. A terceira administração teve a sua frente Dinah Lopes Coelho que produziu os Panoramas da Arte Brasileira e restabeleceu o prestigio da marca do Museu de Arte Moderna. A quarta administração do MAM foi encabeçada por Aparício Basílio da Silva, o museu voltou a passar por dificuldades financeiras que só foram sanadas na administração de Eduardo Levi, que inaugura a fase de profissionalização do museu, que vai se estabilizar na gestão de Milu Villela. A administração de Milu tem características corporativas mais fortes, nessa administração a profissionalização do MAM fica evidente adquirindo parcerias corporativas e profissionais de diversas áreas. Analisamos ainda os indicadores de desempenho do museu que consideramos fundamentais para a construção da marca MAM: a sede, o acervo, financiamento, grade expositiva, público, repercussão na imprensa, premiações e aplicação da marca

Made available in DSpace on 2016-04-25T20:20:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rita de Cassia Alves de Oliveira.pdf: 26690123 bytes, checksum: 169f69168076c2662401c07be53d2acd (MD5) Previous issue date: 2001-06-28 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The São Paulo Bienal is the most important visual arts event in Brazil. Visited by a huge amount of people and carried out with heavy sponsored investments, most of which are private, the Biennial in São Paulo reaches the end of the 20th Century as one of the most important events in the world's art agenda. Created in 1951 by the business man and industry owner Francisco Matarazzo Sobrinho, the exhibition in São Paulo was inspired by the Biennial in Venice and nowadays it is part of a series of regular international exhibitions around the world, such as Kassel, Lyon, Sydney and Havana, among others. To begin with, if we want to understand the context of the creation of the Biennial in São Paulo, we have to take a look at the changes in the model of economic development adopted in Latin America after the 2nd World War, when events like that start being held everywhere in the continent. The years after war revealed a new cultural scenario and the Biennial in São Paulo is just one of many cultural events in a moment when patronage was changing and art reviewers were becoming professionals. The Museum of Modern Art in São Paulo (MAM) was in charge of the creation of the Biennials in the city and reflected the increasingly close economic and political rapport between Brazil and the United States. A crucial point related to the foundation~ of MAM and the Bienal was the polemic discussion concerning abstract art. After a decade as part of the museum activities, the Bienal became a foundation. Besides the institutional aspects, the São Bienal can be analyzed in the way and form it its presented at the end of the nineties. In that sense, the Universal Exhibitions that came out in the 19th Century are a starting point to understand the structure of the 24th São Paulo Bienal, in 1998, beginning with the segments that divided the exhibition. The present format of the event is due to the performance of important agents such as the professionals who put it together, art directors and curators who influenced the form of the Bienal until it got to the structure we know today. Since it is a mass event, the space utilization with several activities and services aimed at the public reveals somehow the way the final form of this event is the result of a negotiation in which the public, to some extent, also demands according to their will and necessity / O principal evento de artes plásticas no Brasil é a Bienal de São Paulo. Com público de massa e pesados investimentos patrocinados, na maior parte, pela iniciativa privada, a Bienal paulistana chega ao final do século XX como um dos mais importantes eventos do circuito artístico mundial. Criado em 1951 pelo industrial Francisco Matarazzo Sobrinho, o certame de São Paulo teve como modelo a Bienal de Veneza e hoje faz parte de uma série de exposições periódicas de caráter internacional espalhadas pelo mundo: Kassel, Lyon, Sydney, Havana, entre outras. O ponto de partida para começarmos a entender o contexto de criação da Bienal de São Paulo, está na alteração do modelo de desenvolvimento econômico adotado na América Latina após a Segunda Guerra Mundial, quando vários destes certames surgem no continente. Os anos do pós-guerra descortinavam um novo cenário cultural e a Bienal de São Paulo á apenas um dos empreendimentos culturais surgidos num momento em que o mecenato brasileiro se transformava e a critica de arte se profissionalizava. O Museu de Arte Moderna de São Paulo foi a instituição responsável pela criação das bienais paulistanas e refletia o estreitamento das relações econômicas e políticas entre o Brasil e os Estados Unidos. No bojo do surgimento do MAM e da Bienal estava a polêmica ao redor da arte abstraía. Depois de uma década de existência atrelada ao Museu, a Bienal é transformada numa fundação. Além do aspecto institucional, a Bienal de São Paulo pode ser analisada a partir do formato que apresenta no final dos anos 90. Neste sentido, as Exposições Universais, surgidas no século XIX, são o ponto inicial para se entender a estrutura da XXIV Bienal de São Paulo, realizada em 1998, a partir dos segmentos que dividiam a exposição. O formato atual do evento advém, especialmente, da anão de agentes importantes como montadores, diretores artísticos e curadores que vão, a partir de sua atuação, interferindo na forma da Bienal até ela atingir a estrutura que hoje se conhece. Como um evento de massa, a ocupação do espaço da Bienal com inúmeras atividades e serviços voltados ao público revela, em parte, o modo como a forma deste evento é constituída numa negociação com um público que também impõe, de uma certa forma, suas vontades e necessidades