The present thesis examines the notion of “sculptural frame” through a meticulous analysis of the spatial practices observable in British Sculpture from the 20th and 21st centuries. The sculptural medium having been left out of the theoretical debate surrounding the frame’s artistic definition and application, this study’s aim is to make up for this lacuna by focusing on the interdependent relationship between three essential sculptural elements: the body (of the artist and of the beholder), the object and, of course, space. Beginning with Henry Moore and closing with a side-by-side analysis of Rachel Whiteread and Antony Gormley, this research puts forth two fundamental paradigms developed in the first half of the past century – Landscape and Architecture – which articulate much of sculpture’s spatial evolution on the British Isles. Moore’s generation interpreted Landscape as an ideological frame which served both as the origin and the destination of sculpture. Richard Long’s conceptual generation gave this frame a sense of spatial self-sufficiency by dematerializing art, rendering the frame boundless. Anthony Caro, by adopting an architectonic vernacular, progressively welcomed the beholder’s body into inhabitable frame-like sculptures -- a spatial dialogue continued yet re-envisaged by Gormley and Whiteread, who respectively stimulate and negate the sentient spectator. These paradigmatic evolutions reveal a shift in prism in the ’70s, which goes hand in hand with an increasingly internalized spatial trajectory as sculptors transition from a material focus to a corporal one. Based on these spatial assessments, the present thesis challenges the current understanding of the “dividing frame”, proving it to be inadequate, and proposes – using the studied corpuses as argumentative examples – a novel definition of the sculptural frame as an encompassing one. / Doctorat en Histoire, art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Cette recherche à caractère exploratoire soulève la question des difficultés éprouvées dans l'enseignement des arts plastiques à des adolescents de cheminement particulier. Elle scrute plus particulièrement des problèmes liés au manque d'engagement de certains élèves dans leurs projets. L'approche heuristique retenue pour la présente recherche a permis de se mettre à l'écoute d'expériences d'enseignement réussies, pour en dégager les principaux paramètres favorisant l'engagement des adolescents dans leurs projets. Les données ont été traitées selon une procédure d'analyse thématique telles que définie par Archambault et Paillé (1996). Les résultats de la recherche mettent en évidence cinq principaux paramètres qui favorisent la réussite d'une expérience artistique avec des élèves de cheminement particulier: une bonne connaissance du contexte scolaire, le recours à des modes d'interaction positifs entre maître et élèves, la qualité de la planification des propositions de projets, le recours aux modalités d'inspiration et enfin, l'engagement de la subjectivité tant celle de l'enseignant que celle de l'élève. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Enseignement, Arts plastiques, Difficultés d'apprentissage, Heuristique.

Cette thèse s’attache à décrire le phénomène de la brièveté dans les émissions télévisuelles courtes sur les arts plastiques. Après la construction du problème constitué par la présence à la télévision de ces émissions et par le risque que son insertion dans le flux télévisuel fait peser sur l’existence du discours bref, une analyse notionnelle de la brièveté, distinguant notamment le court du bref, permet de relever plusieurs stratégies médiatiques de la brièveté. Elles visent soit, dans une perspective rhétorique, à s’adapter à la contrainte de la brièveté, soit, dans une perspective pragmatique, à créer une relation facilitée avec l’œuvre d’art. Au travers d’une description des procédés à l’œuvre dans deux émissions, D’Art d’art, sur France 2 et Suivez l’artiste, sur France 3, sont alors, dans un premier temps, explorées les manières multiples dont l’émission, tentant de lutter contre l’écoulement du flux télévisuel, suggère une retenue du discours ou opère une rétention, via diverses techniques de condensation. Puis, sont envisagées les modifications apportées par la brièveté, dans son efficacité, à la relation entretenue avec l’œuvre d’art. Elle peut être actualisée, réduite au contact distant ou à ses effets. Enfin, sa possibilité est accrue dès lors qu’elle se noue dans le contexte d’une rencontre occasionnelle et contingente. Dans cette forme de communication télévisuelle brève, créatrice de possibilités, la brièveté du discours redéfinit les termes, déplace l’enjeu de la relation de communication et y introduit de la flexibilité, donnant la possibilité à l’œuvre d’art de s’ouvrir à un contact multiforme. / This doctoral thesis aims at describing the phenomenon of brevity in short television programmes about plastic arts. First, we will construct the problem constituted by the presence of such programmes on television and by the threat their insertion in the television flood represents for the existence of the brief discourse. Then, a notional analysis of brevity, clearly distinguished from shortness, will enable us to pick out several strategies of brevity in the media. In a rhetorical perspective, these programmes aim at getting adapted to the constraint of brevity, whereas in a pragmatic perspective, their target is to make the relation to the work of art easier. First, through the description of the process used in two programmes, D’Art d’art on France 2 and Suivez l’artiste on France 3, we will study the multiple strategies the programme resorts to in order to try to fight against the television flood, suggesting restraint in speech! or operating retention via various techniques of condensation. Then, we will concentrate on the changes brought by brevity in its efficiency to the relation to the work of art. It can be actualized, reduced to distant contact or to its effects. Finally, its possibility is increased since it is formed in an occasional and contingent encounter. In this form of short television communication, creative of possibilities, the brevity of discourse redefines the terms, moves the stakes in the relation of communication and introduces flexibility, giving the possibility to the work of art to open to multiform contact.

L'objet de notre recherche est l'étude des représentations et des valeurs des professeurs d'arts plastiques, non pas pour elles-mêmes, mais dans leur rapport à la construction idéologique de la discipline. Les récits des arts plastiques cultivent l'image d'une discipline différente des autres au sein de l'espace scolaire. Cette différence reposerait sur son ancrage dans le champ artistique. Notre analyse cherche à éclairer les tensions entre les valeurs artistiques et scolaires dans le contexte des pratiques et des représentations des professeurs. Elle touche donc à deux échelles: celle, large, de la discipline telle qu'elle s'est construite dans l'histoire et dans les textes, et celle. plus restreinte, des représentations individuelles que les professeurs se font de leur métier. Sa démarche est qualitative et s'appuie sur des données principalement issues d'une trentaine d'entretiens. menés avec des professeurs de collège. L'étude intègre, par ailleurs, une dimension comparative grâce à la mise en regard de caractéristiques précises des contextes français et allemand. Cette comparaison est un moyen nécessaire de prendre du recul et de faire apparaître les spécificités de la situation française. / The aim of our PhD thesis is to study the representations and the values of French "art plastiques" teachers and the way they position themselves in relation to the ideological construction underlining their discipline. The different narratives of the "arts plastiques" foster the image of a discipline that claims to be different from its sisters in the educational space, mainly because its roots are grounded in the artistic field. Our analysis aims to shed some light on the tensions that affect the artistic and educational values of the teachers' practices and representations. Il considers two scales : the first one examines the broader level of the discipline's historical construction, mainly through text. The second one takes a more narrow look at the individual representations which the teachers have of their work. Its approach is qualitative and is mainly based on data collected during thirty interviews with Junior High school teachers. ln addition, the study has a comparative dimension since it also compares certain precise features of the French and German systems. This comparison serves as a necessary means of standing back, in order to bring up the specificities of the French situation.

La thèse analyse la relation entre le cinéma et l'anachronisme. En partant des enjeux de la notion d'anachronisme en termes d'écriture de l'histoire et de discours autour de la mémoire, ce travail se propose de traiter certaines pratiques cinématographiques présentant une relation étroite avec une volonté de réflexion sur les temps et les chronologies. A partir d'une pratique spécifique comme le film-essai, dont on analyse les caractères en sens esthétique, un discours se dégage sur les liens entre le cinéma et le temps, entre la pluralité des formes de l'image et un temps anachronique capable de questionner les formes, les histoires, les lectures, les rapports. Si les Histoire(s) du cinéma (1988-97) de Jean-Luc Godard posent la grande question du sens du cinéma, de sa pluralité dans un réseau dense et complexe, Tokyo-Ga (1983) de Wim Wenders questionne les relations entre un cinéma passé et des formes plus actuelles, entre une mémoire du cinéma et la recherche difficile d'un présent de l'image. Chris Marker, avec Sans soleil (1982) et Level Five (1996) croise le cinéma, les images et leurs transformations aux rapports complexes entre passé, présent et futur, dans un contexte où le temps peut se déployer selon les formes de l'image. Dans certains de ses essais, Alexander Kluge assigne une importance stratégique aux images de tout type, mais aussi aux relations entre les images que nous produisons et notre histoire. Tous les parcours analysés font surgir certaines questions théoriques relatives aux pratiques du regard : toute image est le signe d'un agencement complexe entre l'histoire et notre travail à partir de là, selon une pratique plurielle des images / This thesis analyzes the relationship between cinema and anachronism. Starting from anachronism as an important topic in history writing and memory discourses, this work intends to deal with some film practices with a strong will if reflection about time and chronologies. Starting from a specific practice as the essay film, analyzed from an aesthetical point of view, a topic comes out about the links between cinema and times, between a multiplicity of image forms and an anachronic time questioning forms, histories, interpretations, links and relationships. If Jean-Luc Godard's Histoire(s) du cinéma (1988-97) questions the sense of cinema itself, his plurality in a dense, complex network, Wim Wender's Tokyo-Ga (1983) interrogates some links between past cinema and more actual film forms, between a memory of cinema and the difficult search for the image's present, actual time. With Sans soleil (1982) and Level Five (1996), Chris Marker crosses cinema, images and their transformations with the complex links between past, present and future, in a context in which time can be presented according to the images forms. In some of this essays, Alexander Kluge gives strategie importance to images of every sort but also to the relationship between the images we produce and our history. All the analyzed films develop some theoretical questions about gaze's practices : every image is the sign of a complexe relationship between history and our starting from history, in accordance with a plural practice of the image.

De Lents Semencements est une thèse de création en arts visuels. Conformément au principe du doctorat SACRe (Science, Arts, Création, Recherche), la thèse se compose d’œuvres, dont certaines seront présentées en exposition lors de la soutenance, et d’un écrit qui retrace et problématise le parcours.Le mémoire présenté ici se compose de quatre carnets de dimensions différentes, d’une notice d’exposition et d’un support numérique. Numérotés de 1 à 4, les carnets peuvent être lus de manière aléatoire. Les fichiers numériques sont des vidéos auxquelles les carnets renvoient.La recherche porte sur la notion de contrôle : le contrôle, la maîtrise, l’obsession de maîtrise, que les hommes et la science entendent avoir sur les phénomènes naturels, dont la manipulation du monde.Précisément, on s’est attaché à capturer et cultiver les substances qui forment ce qui est défini dans une acception large comme l’atmosphère (ou les atmosphères), que celles-ci soient physiques (l’air qui nous entoure, les nuages) ou, par glissement pour la démarche présentée dans le dernier carnet, psychologiques : on dira par licence artistique, al/chimiques.Les œuvres qu’on découvrira dans ces carnets, et les recherches qui y ont conduit, se sont d’abord inspirées très précisément des processus scientifiques qui ont été observés dans un laboratoire de physique du CNRS , le laboratoire de Physique et Mécanique des Milieux Hétérogènes (UMR 7636, ESPCI Paris). Le questionnement ou l’un des questionnements de la thèse, outre la thématique du contrôle, scientifique comme matériau d’artiste. Cette thèse fait apparaître que la démarche esthétique dévie et éventuellement détourne – voire pervertit - les finalités du laboratoire. Le protocole scientifique a alors été utilisé comme métaphore ou procès poétique, associé à une forme d’enquête épistémologique, notamment sur la réception de la science par le public (attractivité, confiance, et incompréhension – donc foi et crédulité).Les quatre carnets décrivent chronologiquement l’évolution de la recherche doctorale. Le premier prend la mesure d’un travail en laboratoire. Le deuxième rassemble une série de travaux qui concernent tous les efforts de contrôle et de représentations de l’atmosphère au sens physique – en l’occurrence il s’agit de travailler avec les nuages. Le troisième est une installation en forme de volière une performance réalisée avec des mouches, dans le cadre d’une exposition s’articulant autour de l’épigénétique. Le quatrième carnet reflète la tentation d’échapper à la rigueur de la science pour explorer les possibilités de réception confiantes du public, autour d’un protocole consistant à mesurer ou sembler mesurer, les composantes chimiques d’une atmosphère psychologique. / De Lents Semencements (« Slow Seedings ») is a thesis in visual arts creation. In accordance with the principals laid out by the SACRe doctoral programme (Science, Arts, Creation, Research), the thesis is comprised of a number of pieces, some of which will be exhibited during the viva, as well as a written component that retraces and questions the process.The thesis presented here is made up of four notebooks of varying dimensions, an explanatory notice concerning the exhibition and a digital file of work. Numbered 1 to 4, the notebooks can be read in random order. The digital files contain videos to which the notebooks refer.This research is based on the notion of control: control, mastery, the obsession with dominion, for which men and science contend over natural phenomena, including the manipulation of the world.Thus, we have tried to capture and cultivate the substances which make up that which, in its broadest sense, is called the atmosphere (or atmospheres), be they physical (the air which surrounds us, or clouds) or psychological, a shift in the meaning adopted in the approach of the final notebook. By creative licence, the latter substances are referred to as al-chemical.The pieces presented in the notebooks, and the research that led to them, were first of all inspired precisely by scientific methods observed in a physics laboratory of the CNRS, the laboratory of Physics and Mechanics of Heterogeneous Environments (UMR 7636, ESPCI Paris). This thesis reveals that the aesthetic process deviates and sometimes diverts (even perverts) the goals of the laboratory. Scientific protocol was thus used as a metaphor or a poetic process associated with a sort of epistemological survey, especially regarding the public’s reception of science (attractiveness, confidence and incomprehension; in short, faith and gullibility).The four notebooks describe the evolution of the doctoral research in chronological order. The first takes stock of work in the laboratory. The second gathers together a series of projects all relating to efforts to control and represent the atmosphere in a physical way – in this instance the work has to do with clouds. The third is an installation in the form of an aviary, a performance realised with flies, as part of an exhibition surrounding questions of epigenetics. The fourth notebook reflects the temptation to escape scientific rigour in order to explore the possibilities of a confident reception by the public, centred on a protocol that consists in measuring the chemical components of a psychological atmosphere.

Les arts plastiques à Nice dans l’entre-deux-guerres se développent au sein de deux catégories d’institutions : les institutions privées et les institutions publiques. Ces deux catégories ne sont pas homogènes étant donné la variété des structures, des objectifs et des formes d’art plébiscitées au sein des institutions publiques et privées. La période étudiée s’étend de 1919, au lendemain de la Première Guerre mondiale, jusqu’au début de la Deuxième Guerre mondiale en 1939 ; elle est marquée par les conséquences de la Grande Guerre, la crise économique mondiale de 1929 et la montée des tensions internationales au cours des années trente. Malgré l’effondrement du tourisme de luxe qui touche la ville de Nice, la cité, favorisée par une stabilité politique municipale, entreprend au cours de cette période de vastes projets de modernisation. Pendant la Belle Époque la ville de Nice, capitale d’hiver, est surtout associée aux loisirs fastueux et distractions légères de la clientèle mondaine et aristocratique. Pendant la période de l’entre-deux-guerres, les responsables culturels de la ville, soutenus par certains responsables locaux dont en premier lieu Jean Médecin, vont essayer de donner à la ville une autre image, par le biais de la création de nouvelles institutions culturelles et artistiques publiques, dont en particulier : le Musée Masséna en 1921, le Musée des Beaux-Arts Jules Chéret en 1928, et le C.U.M. en 1933. Une fois créées, ces institutions mettent en place de nouvelles formes d’activités en espérant séduire le public local. Ces deux types d’institutions, privées et publiques, œuvrant en faveur des arts plastiques, participent à l’enrichissement culturel de la ville de Nice dans l’entre-deux-guerres. / Plastic arts in Nice between the two world wars are developing inside two categories of institutions: private and public. These two categories are not homogenous taking into account the variety of structures, objectives and art forms of those private and public institutions. Our period of study goes from the end of the First World War in 1919 until the beginning of the Second World War in 1939, it is punctuated by the consequences of the First World War, the 1929 world economic crisis and the escalation of international tensions in the thirties. In spite of the luxury tourism collapse which affects Nice at the time, the city benefits from the political stability and realizes during this period several big modernization projects. Considered as winter capital during the Belle Époque, the city of Nice is since associated to beautiful parties and carefree luxury life led by the aristocratic society. Between the two world wars, the cultural authorities supported particularly by the mayor Jean Médecin, will try to give a different image to the city, through the creation of the new public institutions related to culture and arts, which are: the Massena Museum in 1921, The Beaux-Arts Jules Chéret Museum in 1928, the C.U.M. (Mediterranean University Centre) in 1933. Those institutions then elaborate new kinds of activities in order to attract local visitors. These two types of institutions, private and public, working in the field of plastic arts, contribute to the cultural enrichment of the city of Nice between the two world wars.

L'outil pédagogique développé dans le cadre de cette recherche appliquée se veut une stratégie pour favoriser l'engagement des étudiants en arts visuels au collégial et ainsi contrer le décrochage scolaire. Il prend la forme d'une vidéo présentant les entretiens de neuf participants issus des milieux artistiques, de l'enseignement et du milieu étudiant (cégep). La vidéo s'inspire des principes du dialogue philosophique pour diriger et approfondir la réflexion sur la notion de plaisir dans la création artistique. Le premier chapitre de ce mémoire explore le concept à la base de cette recherche: le plaisir. Différentes définitions et approches du plaisir sont présentées ainsi que l'apport du plaisir à l'enseignement des arts plastiques sur le plan de la motivation, de l'apprentissage et de la création artistique. Le concept de conscience s'articule ensuite à celui du plaisir. Le second chapitre présente donc les différents niveaux de la conscience, ses causes et fonctions et met l'accent sur l'application pédagogique en lien avec la prise de conscience et la métacognition. Ce texte accompagnateur se termine par la présentation de l'outil pédagogique (vidéo destinée aux étudiants). La sélection des participants s'est effectuée par un échantillonnage de type « boule de neige ». Les questionnaires ouverts et les entrevues semi-dirigées ont permis de recueillir les opinions des participants qui ont été analysées en les comparant aux concepts de plaisir et de conscience. Enfin, une présentation des pistes d'exploitation de l'outil pédagogique clôt le dernier chapitre. Cette analyse permet de constater l'utilisation d'une grande variété dans les définitions du plaisir chez les participants. Le plaisir est aussi associé à une source de motivation dans la création artistique, à l'amélioration de la qualité du travail et à la réalisation de soi. En favorisant la prise de conscience du plaisir dans la création artistique, cet outil pédagogique offre une arme supplémentaire dans la lutte au décrochage scolaire. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Plaisir, Création artistique, Dialogue philosophique, Collégial, Prise de conscience, Motivation, Outil pédagogique, DVD, Vidéo.

Cette recherche propose des outils et des stratégies d'enseignements en arts visuels et médiatiques pour l'élaboration de panoramas virtuels en milieu scolaire. C'est dans le contexte du projet « Les sentiers aléatoires » que j'ai expérimenté, avec des élèves de niveau secondaire, différents types de panoramas virtuels. Les élèves devaient effectuer un parcours réflexif dans la création d'un panorama virtuel selon différentes thématiques, soit la notion du bien et du mal, la ville du futur et l'école de l'avenir. Divers médiums, par exemple, le fusain, le pastel, l'encre et le collage ont aussi été explorés afin de permettre le jumelage des arts plastiques et des arts médiatiques. Une combinaison de deux méthodologies balise mon parcours, soit une recherche-action, qui m'a permis d'expérimenter l'enseignement des nouvelles technologies en classe d'arts plastiques et une recherche-création, l'élaboration d'un site Web comprenant deux parties: « Outils didactiques » et « Mes sentiers aléatoires ». J'ai réalisé la totalité du site Web qui témoigne de ma recherche-création dans le milieu de l'éducation. Je souhaitais un parcours aléatoire dans ma recherche artistique et pédagogique, ce que la notion de rhizome m'a apportée et par le fait même, de vivre cette recherche comme une démarche de création. Le développement de ce projet Les sentiers aléatoires m'a amené à réfléchir sur mon statut d'artiste, mon processus de création et ainsi, de mieux comprendre la création pédagogique afin de concilier l'artiste et l'enseignante. J'ai expérimenté diverses stratégies d'enseignement pour explorer une pédagogie rhizomatique. J'aborde également les références théoriques liées à mon projet: la dynamique de création à partir des recherches de Gosselin, Potvin, Gingras et Murphy, (1998), par après je résume les principales approches en enseignement des nouvelles technologies et finalement je présente les penseurs et auteurs qui ont grandement influencé et alimenté ma recherche. Le philosophe Gilles Deleuze et plus particulièrement la notion de rhizome telle qu'il l'a développée en collaboration avec Félix Guattari fut pour moi une découverte majeure dans mon parcours. Ce projet se prête particulièrement aux exigences de l'école québécoise et au nouveau programme « Arts plastiques et multimédia ». Les besoins de telles ressources pédagogiques trouvent leur pertinence dans le milieu de l'éducation. Ces outils didactiques se retrouvent sur mon site Web: http://www.sylvietisserand.ca/maitrise/. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Arts plastiques et multimédia, Panoramas virtuels, QTVR, Pédagogie rhizomatique, Deleuze, Enseignant/artiste, Concilier, Création pédagogique.

La construction identitaire dure toute la vie, mais la première enfance et l'adolescence sont les moments les plus fragiles de ce processus. Les pouvoirs médiatiques de plus en plus interreliés sous de larges consortiums, peuvent maintenant assurer une présence cohérente et très pénétrante sur les esprits des jeunes qui sont leur principale cible et ainsi intervenir nuisiblement sur leur construction identitaire. Cette médiacratie a lentement inféodé la culture populaire, puis la culture de masse dans une espèce de culture de consommation où toutes les libertés sont permises sauf celle de ne pas consommer. Les développements technologiques de la deuxième moitié du XXe siècle ont littéralement inondé l'espace social d'injonction à consommer. D'autre part, l'école dont la structure est héritée du modèle taylorien du XIXe siècle s'adapte difficilement aux changements importants qui surviennent autour d'elle. L'école semble ignorer la pression exercée sur ceux dont elle doit dorénavant assurer l'éducation. Même sa plus récente réforme peine à s'actualiser dans une structure héritée d'un autre siècle. En fait, le modèle scolaire prépare les jeunes à un type d'emploi qui n'existe plus. Pourtant, la réforme de l'éducation porte les germes d'une éducation plus prometteuse. Le programme d'arts plastiques, présenté dans le renouveau pédagogique ouvre des possibilités pour une éducation aux et avec les médias, c'est-à-dire une éducation aux médias par un développement de la pensée critique sur la nature et le contenu des messages médiatiques, puis, par une praxis du message médiatique accompagné d'une réflexion critique. En définitive, dans cette recherche spéculative de type théorique, il est proposé, à l'intérieur du système scolaire, un enseignement des arts plastiques actualisé aux exigences du XXle siècle. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Éducation, Adolescence, Médias, Identité, Société de consommation, Arts plastiques.