A Tese na [da] Caixa Preta aborda o princípio de uma entidade exemplificadora de si mesma no dispositivo de arquivamento de uma escritura. Uma coleção de obras de arte contemporâneas brasileiras foi formada com o objetivo de lastrear a mediação e ação culturais tendo como base a realização de exposições e experiências envolvendo o sistema das artes entre seus aspectos formais e informais. Objetivos: Exemplificar a literalidade do papel dos sistemas artísticos formais e informais para obtenção de uma consistência entre a origem simbólica da linguagem e as variações surgidas na repetição [diferência termo de Derrida] conforme a lei do acontecimento [também de acordo com Jacques Derrida] e do poder retrospectivo de um dispositivo arquivante de uma escritura Métodos: Exercício de papéis diferentes e experimentais nesse sistema das artes: entre o pesquisador, colecionador, curador, artista, espectador, leitor e por último, o escritor [aquele que redige a própria experiência como o dispositivo que irá arquivar todos os resultados obtidos durante o processo]. Resultados: A coleção formada foi transformada em lastro conceitual para várias instalações e exposições artísticas. Os resultados da mediação e ação cultural entre os circuitos formal e informal do sistema das artes foram documentados, além da escritura de uma tese, em um DVD com o mesmo título: A Tese na [da] Caixa Preta que mostra [como matéria de prova], em três vídeos, as imagens das experiências citadas. / The thesis in [of] the black box is based on the principle of an entity that exemplifies itself in an archive scriptural system. Several Brazilian Contemporary Art pieces were acquired to form a collection which was used for cultural action and mediation purposes such as exhibitions and experiences involving the Brazilian art system in its formal and informal aspects. Objectives: To exemplify the literality role within the formal and informal art systems in order to have a consistency between the symbolic origin of language and the variations that appear in repetition [differance term used by Derrida] according the event law [in Jacques Derridas philosophy perspective] and the retrospective power of archival device of scripture. Results: The formal art collection was transformed into conceptual ballast for several artistic installations and exhibitions. The results of the cultural actions and mediation within the formal and informal circuits of the Brazilian art system were documented, beyond the thesis writing process [thesis scripture], in a DVD with the same title: The thesis in [of] the black box that shows [as a matter of proof], in three videos, the images of the above mentioned experiences.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:44:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sullivan Bernardo de Almeida.pdf: 12110307 bytes, checksum: 01576eb38f85b76f20f714588b172d60 (MD5) Previous issue date: 2012-12-12 / Instituto Presbiteriano Mackenzie / Di Cavalcanti's official production is the subject of studies in many disciplines, each of which takes its own particular approach. This official production is understood to be all of the verbal-imagery work produced by the artist throughout his career in order to meet the demands of the art market. However, the book Cartas de Amor à Divina, a compendium containing letters, cards, drawings and reproductions of portraits of Ivette Bahia Rocha, the "Divina", is understood as unofficial production. Published in 1987, the book records the fifteen-year loving relationship of Di Cavalcanti and Ivette. The set reveals the drama of an older man, 62 at the time, who cannot control a 23-year-old woman. Ivette met the painter in 1959 on a visit to his studio in Copacabana, Rio de Janeiro, and became an assiduous studio guest, occupying, little by little, all spaces of the artist's life: she was his secretary, financial administrator, muse and wife. The relationship ended in 1974, during the middle of a political and cultural transformation in Brazil. Structured from the concepts that guide the study of History of Culture, this study is dedicated to analyzing the verbal imagery content contained in Di Cavalcanti's epistolary, which was transformed into a book in 1987. The goal is to identify the reasons for which the relationship's dynamic was conflicted and how such subversions interfered or not in the painter s artistic production. / A produção oficial de Di Cavalcanti é objeto de estudos em diferentes disciplinas e, abordada de forma diversa em cada uma delas. Entende-se como produção oficial toda obra imagético-verbal produzida pelo pintor ao longo de sua carreira artística e, com objetivo de atender as demandas do mercado de arte. Porém, entende-se como produção oficiosa o livro Cartas de Amor à Divina, um compêndio contendo, cartas, cartas-desenhos e reproduções dos retratos de Ivette Bahia Rocha, a destinatária. Publicado em 1987, o livro é um registro dos quinze anos de relacionamento afetivo vivido por Di Cavalcanti e Ivette, a Divina. O conjunto revela o drama de um homem que não consegue controlar uma jovem de 23 anos, tendo ele à época 62 anos de idade. Ivette conheceu o pintor em 1959 em visita ao seu atelier, em Copacabana, no Rio de Janeiro. Tornou-se uma das convivas assíduas do atelier, ocupando, pouco a pouco, todos os espaços na vida do artista. Foi secretária, administradora financeira, musa e mulher. O relacionamento terminou em 1974 em meio à transformação político e cultural pela qual passava o Brasil. Estruturada a partir dos conceitos que orientam os estudos da História Cultural, esta pesquisa dedica-se a análise do conteúdo imagético-verbal contido no epistolário de Di Cavalcanti transformado em livro em 1987. O objetivo é identificar os motivos pelos quais se instalavam os conflitos naquela dinâmica relacional e, de que maneira aquelas subversões interferiam ou não na produção artística do pintor.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:44:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Oscar Alejandro Fabian DAmbrosio.pdf: 7160148 bytes, checksum: 7e63b5026bb8b9dc806a4dc61b3d8cf3 (MD5) Previous issue date: 2013-02-21 / This study investigates what Naïf Art is, which are its variations and main artists. The most important question is the definition of the object of the study. This research offers a view of some international and Brazilians art critics that studied the subject. Some of the articles about the subject are not academic papers but art catalogues focused in selling art works or catalogues from private museums or collections. All these information is joined to establish quotations and qualified reflections about visual works that are categorizes as Naïf Art. The most important event in this art area the Bienal Naifs do Brasil, that takes place in Piracicaba, in São Paulo State, Brazil, since 1992. This study offers an analysis of art researchers, jury members and art curators that have taken part in the last ten editions of the event (1992-2010). The idea is to seek and discuss this kind of information to understand what Naïf Art is. The idea also This study investigates what Naïf Art is, which are its variations and main artists. The most important question is the definition of the object of the study. This research offers a view of some international and Brazilians art critics that studied the subject. Some of the articles about the subject are not academic papers but art catalogues focused in selling art works or catalogues from private museums or collections. All these information is joined to establish quotations and qualified reflections about visual works that are categorizes as Naïf Art. The most important event in this art area the Bienal Naïfs do Brasil, that takes place in Piracicaba, in São Paulo State, Brazil, since 1992. This study offers an analysis of art researchers, jury members and art curators that have taken part in the last ten editions of the event (1992-2010). The idea is to seek and discuss this kind of information to understand what Naïf Art is. The idea also is to analyze art works that are called Naïf. The study also offers comments about the main artists that have taken part in the Piracicaba Bienal editions since 1992. / A presente pesquisa consiste na discussão sobre o que é Arte Naif, quais são as suas variações e principais artistas. O problema maior é a própria definição do objeto de estudo. Para isso, temos como base os textos dos poucos autores nacionais e estrangeiros que se debruçaram sobre o tema. Alguns deles, inclusive, não são trabalhos acadêmicos, mas catálogos de luxo voltados para a venda de obras ou a divulgação de museus ou coleções particulares. Busca-se estabelecer parâmetros para o debate das manifestações plásticas que são chamadas pela crítica especializada como Arte Naif. O maior evento desse gênero de pintura no Brasil, a Bienal Naifs do Brasil, é realizado em Piracicaba, SP, e teve a sua décima edição em 2010. A pesquisa realiza uma análise dos textos de curadores, curadores-adjuntos e integrantes dos júris de seleção das dez edições do evento (1992-2010) e suas referências para instituir uma discussão sobre o conceito de Arte Naif. Esse diálogo inclui a discussão plástica de obras categorizadas no gênero. Traz ainda comentários sobre os principais artistas que expuseram nas diversas edições da Bienal.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:44:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fabiola Batistin.pdf: 2665857 bytes, checksum: 5f0b4530d5ea6488db5184ff8dc44317 (MD5) Previous issue date: 2014-03-17 / Universidade Presbiteriana Mackenzie / This paper have started from the research collection of the art critic, poet, psychoanalyst, teacher and collector Theon Spanudis and its safeguard upheld on two institutions: Museum of Contemporary Art - MAC/USP and Brazilian Studies Institute - IEB / USP. The collection consisting of 453 frames was partially donated to the MAC / USP in 1979 and concluded only after the death of Spanudis in 1986. The Fund Theon Spanudis of IEB / USP was created with the aim of cataloging the donated literary material (poetry books, manuscripts, texts, exhibition catalogs) for further public consultation. The wealth of material, an unprecedented documentary and little explored in their study resulted in a didactic split into three research areas (the transcendence of art, the artists and brands poetic didactic bias of the collection ) in order to better understand Theon Spanudis collection. The museum education boosted the composition and purpose of a curatorial project uniting the many actions of Theon as a critic, poet and collector. Thus, artists within the collection, poems, excerpts from letters and manuscripts, in order to think of the use of part of the collection as a base material for educational activities inside and outside the art museums were selected: one three-dimensional casts a Poem broad horizon to so many other collections that may incur in the same poetic way. / O presente trabalho partiu da investigação da coleção do crítico de arte, poeta, psicanalista, professor e colecionador Theon Spanudis e de sua salvaguarda acolhida sobre duas instituições: Museu de Arte contemporânea MAC/USP e o Instituto de Estudos Brasileiros IEB/USP. A coleção, composta de 453 quadros, foi doada parcialmente no MAC/USP em 1979 e somente concluída após a morte de Spanudis em 1986. O Fundo de Acervo Theon Spanudis no IEB/USP, foi criado com o intuito de catalogação do material literário doado (livros de poesia, manuscritos, textos, catálogos de exposição) para posterior consulta pública. A riqueza do material, um corpus documental inédito e pouco explorado em seu estudo deram origem a uma separação didática em três eixos de investigação (a transcendência da arte, as marcas poéticas do artistas e o viés didático da coleção) com a finalidade de melhor compreender a Coleção Theon Spanudis. A educação museal impulsionou a composição e a proposta de um projeto curatorial unindo as muitas ações de Theon como crítico, mecenas, poeta, colecionador. Assim, foram selecionados artistas dentro da coleção, poemas, trechos de cartas e de textos manuscritos, com o intuito de pensar o uso de parte da coleção como material de base para ações educativas dentro e fora dos museus de arte: um Poema Tridimensional lança um horizonte amplo a tantas outras coleções que possam incorrer num mesmo caminho poético.

[pt] O objetivo desta dissertação é analisar a relação entre a obra de arte, o artista e o espectador a partir da produção de Lygia Clark e Hélio Oiticica. Esses dois artistas foram escolhidos como objeto de estudo por terem direcionado sua pesquisa no sentido de incluir o espectador como agente modificador e até mesmo criador da obra de arte. Ambos são reconhecidos por propor novas questões a respeito ocupação do espaço real pela obra de arte e pela busca da libertação da bidimensionalidade da tela e da moldura. Esta pesquisa se baseia na idéia de que os dois pintores se tornaram referência para a história da arte no Brasil e investiga suas trajetórias desde a participação no grupo Neoconcreto até seus últimos trabalhos, estudando os problemas propostos na produção de cada um, em especial, no que se refere ao diálogo que estabelecem com o público. / [en] The goal of this dissertation is to analyse the existing relationship between the art work, the artist and the spectator within the context of Lygia Clark s e Hélio Oiticica s work. These two artists were chosen as the object of this study because both were committed to proposing new issues regarding the inclusion of the spectator as a direct agent in the modification and even creation of the art work. They stood out in the artistic world by proposing innovating issues, searching to occupy the real space and free themselves from the bidimensionality of the canvas and the easel. The research is based on the premise that both are current references in the history of Brazilian art and investigates the span of their trajectory, from their participation in the Neoconcrete group up to their last pieces, stressing the problematics involved in each one s work and, specially, to what point they were able to establish a direct dialogue with the public.

Os objetos da dissertação Entre texto e obra - Ronaldo Brito e Waltercio Caldas (1973-1983) são as trajetórias do crítico de arte Ronaldo Brito e do artista Waltercio Caldas durante a década de 1970 e início da década seguinte, as intersecções entre ambas e uma parte da dinâmica da arte contemporânea brasileira do período que sofreu os impactos dessas trajetórias. Esta dissertação propôs investigar as principais linhas de força que perpassaram a arte brasileira entre 1973 e 1983, e em que medida estes vetores marcaram os desdobramentos do meio artístico brasileiro a partir de então, tendo como referências os textos de Ronaldo Brito e a obra de Waltercio Caldas. Foi possível identificar alguns aspectos que marcaram as trajetórias pesquisadas e conseqüentemente, parte do panorama da arte brasileira do período, como as relações dialéticas estabelecidas com a experiência da arte moderna, as mudanças ocorridas paralelamente ao estabelecimento de um novo contexto internacional e o fortalecimento de preocupações ligadas ao papel do mercado de arte no meio artístico. / Between writings and art work . Ronaldo Brito and Waltercio Caldas (1973-1983) dissertation objects are the trajectory of Ronaldo Brito, art reviewer, and the artist Waltercio Caldas in the 70´s and beginning of the 80´s, the intersection between them and a part of the discussion about Brazilian contemporary art of the time that suffered the impact of these trajectories. The proposal of this text was investigate the main power lines that crossed over Brazilian art between 1973 and 1983 and, in what measure these vectors remarked the evolution of Brazilian art environment since then, using as references Ronaldo Brito texts and Waltercio Caldas works of art. It was possible to verify some aspects that remarked the studied trajectories and, consequently, a part of Brazilian art scene of the time as the dialectic relations settled with the modern art experience, the changes that occurred in parallel to the establishment of a new international context and the strengthen of concerns tied to the role of the art market in artistic environment.

The purpose of this study is to present a performance guide for singers on twelve selected songs in Brazilian Portuguese for voice and piano by Brazilian composer, pianist, and arranger Edmundo Villani-Côrtes (b.1930). Since 1949, Villani-Côrtes has been active in the musical scene of Brazil. He has a unique compositional style that seamlessly combines elements of both art music and popular music. Villani-Côrtes’s body of works includes over two hundred compositions for solo instrumental music, orchestral music, choral music, and art song. He has written over sixty songs in Brazilian Portuguese, including the Ciclo Cecília Meireles (1987), winner of the 1988 Prize of the Associação Paulista de Críticos de Arte (A.P.C.A.), but most of these remain unpublished. This performance guide is the result of three years of research, study and personal communication between the author, Villani-Côrtes, and poets whose words the composer used as lyrics. It offers a comprehensive body of information relevant for both the performer and voice teacher who approach this new and untraditional repertoire. It includes a concise biography of the composer, biographical information for the poets, comments on the compositional style of Villani-Côrtes, an overview of the Brazilian Portuguese International Phonetic Alphabet (IPA)—with a chart of Brazilian Portuguese Sounds, IPA transcriptions with English word-by-word translations and poetic versions of all the lyrics, comments from the composer and the poets on each of the songs, and the technical information, pedagogical suggestions, and interpretative insights provided by the author.

Este trabalho analisa pinturas murais religiosas sobre temáticas relacionadas à morte e ao além, encontradas em igrejas católicas da região central do Rio Grande do Sul. Pinturas realizadas ao longo do século XX e selecionadas com base em amostragem reunida em arquivos fotográficos representativos de 192 municípios. A partir de uma abordagem iconológica, busca entender: como os modelos iconográficos europeus foram retomados pelo muralismo religioso regional. Para tanto, identifica a origem dos principais temas escatológicos representados, bem como algumas das fontes visuais utilizadas, compostas, sobretudo, por gravuras que reproduzem temas religiosos de obras dos séculos XV ao início do século XX. Entre as formas evitadas pelo muralismo rio-grandense destacam-se: alusões à nudez, poses com pouco dinamismo, e gestos considerados constrangedores para os padrões morais da região. Nas formas incluídas, destacam-se as poses com expressão gestual mais acentuada, vestes moralizantes e detalhes zoomórficos na figuração de demônios. Enquanto que o conjunto das formas preservadas aponta para um predomínio dos gestos representativos de emoções intensas. Com base nos estudos de Aby Warburg sobre a influência da empatia no resgate de configurações emotivas, e a partir do resultado das análises formais, foi estruturada a proposição principal desta pesquisa. Proposição que procura evidenciar uma relação entre a eficiência empática dos antigos gestos de ações passionais e a conseqüente preservação desses no muralismo religioso escatológico regional. / This work analyzes paintings murais on themes related to the death and to the beyond found at Catholic churches of the central area of Rio Grande do Sul. These paintings accomplished along the century XX there were selected from the sampling gathered in representative photographic files of 192 municipal districts. Starting from an iconological approach it looks for to understand: How the European iconographic models were retaken by the regional religious mural painting . For so much, it identifies the origin of the main eschatological themes represented and some of the visual sources used, which were composed, above all, for engravings that reproduce religious themes from works of art originated between the century XV and the beginning of the century XX. Among the forms avoided by the mural paintings of Rio Grande do Sul stand out: allusions to the nakedness, pose with little dynamism, and gestures considered constraining for the moral patterns of the region. In the included forms, there are poses with gesture expression more accentuated, zoomorphic details in the demons' figuration, and moralized garments, while the group of preserved forms appears for a prevalence of the representative gestures of intense emotions. With base in Aby Warburg's studies ou the influence of the empathy in the rescue emotional configurations, and starting from the result of the formal analyses, the main proposition of this research was structured . Proposition that tries to evidence a relationship: that links the emphatic efficiency of the old gestures of passionate actions and the consequent preservation of those in the regional religious mural paintings.

Made available in DSpace on 2016-12-23T13:46:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Iris Maria Negrini Ferreira.pdf: 3614523 bytes, checksum: e13584ed49c204d3d0134fcf8b7f1a66 (MD5) Previous issue date: 2012-10-01 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This Master s degree dissertation had as its object on the work ok carlo Vergara, with a focus on work done in 1960s: Happening G4, Berço Esplêndido, Brinquedo (Ojetos-módulos), Empilhamentos, in addition to works of the 1990s and 2000s, such Capela do Morumbi, Farmácia Baldia and Feira de Adivinhações. From these works, was discussed how the artist turned his production beyond the pictorial medium at different times in his career, who presided over the thrust axis of its operations in the Brazilian avant-garde, from the pure visual experience by the public, or even constituted by his participation. There was thus a reflection on the character expanded in the artist s work since the beginning of his career, in the 1960s to the present of his creative process. It was intended, therefore, to reflect on the changes that triggered the expansion of boundaries / Esta dissertação de mestrado teve como objeto de investigação a obra de Carlos Vergara, com enfoque em trabalhos realizados na década de 1960: Happening G4, Berço Esplêndido, Brinquedo (Objetos-Módulos), Empilhamentos; além de trabalhos dos anos 1990 e 2000, tais como Capela do Morumbi, Farmácia Baldia e Feira de Adivinhações. A partir dessas obras, foi discutido como o artista direcionou sua produção para além do meio pictórico em diferentes momentos da sua trajetória, sobre o impulso que presidiu suas operações no eixo do vanguardismo brasileiro, passando da experiência visual pura ao experimental e às proposições comportamentais que engendraram uma arte com o intuito de ser vivenciada pelo público, ou mesmo constituída pela participação dele. Fez-se, assim, a reflexão sobre o caráter expandido na obra do artista desde o início da sua trajetória, na década de 1960 à atualidade de seu processo criativo. Pretendeu-se, assim, refletir sobre as transformações que desencadeava a ampliação de limites

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A pintura de Eduardo Sued se caracteriza por uma variedade de soluções e um procedimento radicalmente assistemático. Observando o método de ação adotado pelo pintor, propõe-se uma análise crítica e interpretativa de sua produção apoiado em duas noções centrais, logicamente relacionadas: o desvio e o labirinto. Compreendida como estratégia revisionária, o desvio condiz à aspectos estritos à operação da pintura, no tocante à maneira como Sued lida com a tradição e principalmente como conduz a experiência da pintura nos termos de sua atualidade. O segundo conceito, labirinto, confere caráter às conseqüências produzidas por esta experiência, senão à experiência mesma, consistindo aí a unidade da produção. Neste aspecto, o labirinto estará presente tanto naquele momento que concerne às relações intra-poéticas, quanto na possibilidade aberta de se interpretar esta obra, seja em partes, seja em seu conjunto. A idéia de reconstrução deriva desse processo vivo e fragmentado da pintura. Reconstruir é buscar sentidos possíveis para a pintura hoje, algo que legitime seu papel no mundo contemporâneo, sem pretender, evidentemente, encerrar-se em dogmas. Repondo os termos de uma herança construtiva vigente na obra, as noções de desvio/labirinto revelam vínculos com certa tradição moderna, sem deixar de inserir e apontar nesta pintura os dilemas da contemporaneidade, que lhe são próprias / Eduardo Sueds paintings are underlined for kinds of results and a radical unsystematic process. Seeing the painters action method we propose a critic and interpretative analyses of his production. We use two ideas for it. The first is the swerve and the second is the labyrinth. The swerve is a strategic revision that suits with the operation of painting, demonstrating the mode as Sued works the tradition and labyrinths idea ascribe the character to the form of experience, its image, residing there the unit of production. Thus the labyrinth will be present as in intra-poetics relations moment as in possible way to interpret this work. The reconstruction idea comes of its lively and broke process to paint to reconstruct possible meanings to the painting today something that it will do lawful at the contemporaneous world no to intend to reduce it for dogmas. The labyrinths and swerve ideas discover links to the modern tradition through their constructive heritage. And they dont leave to replace and to underline in these paintings contemporaneous dilemmas that are theirs