Dante Milano (1899-1991) é um poeta do Rio de Janeiro conhecido tanto pela qualidade da sua obra poética, um verdadeiro mar enxuto, quanto pelo seu retraimento. O ponto de vista ressabiado de Milano nada tem a ver com uma postura conservadora, favorável ao academicismo e à estagnação estética, coaduna-se à atitude de poetas formados a partir de um modernismo em curso, constantemente meditado e julgado. Sua capacidade de se identificar e de se desidentificar com o modernismo brasileiro é reveladora de sua independência pessoal como também da índole do movimento modernista no Rio de Janeiro, distinta em relação a São Paulo. Dante Milano publicou, em 1948, Poesias, cujos poemas foram produzidos a partir da década de 1920; depois da primeira publicação, a obra ganhou novas edições acrescidas de outros textos (poemas, textos em prosa, traduções e/ou textos críticos). Orientada pela crise e pela negatividade, a obra poética milaniana, tomada como objeto neste estudo, é sulcada por paradoxos, ironias e imagens de desagregação. O tratamento conferido à guerra e aos conflitos internos, à separação entre homem e natureza, à transformação da paisagem, à constituição de um sujeito lírico em queda e em constante autorreflexão expressa tanto a incorporação consciente da crise quanto a mimetização de uma consciência em crise. O poeta carioca explicita em sua poesia a perplexidade individual e coletiva diante do andamento conflituoso da sociedade, das diferentes formas de violência, do descompasso entre o acelerado avanço da modernização e a manutenção das condições de vida precárias. O questionamento a respeito de como agir e enfrentar o mundo desencantado converte-se numa perspectiva hesitante do sujeito lírico que flerta com a autodestruição / Dante Milano (1899-1991) is a native of Rio de Janeiro poet known for the quality of his poetry and by its withdrawal. The wary view of Milano has nothing to do with a conservative approach, conducive to scholarship and aesthetic stagnation, is consistent with the attitude of poets formed in a Modernism in progress, constantly meditated and tried. His ability to identify and to misidentify himself with the Brazilian Modernism is revealing of personal independence as well as the nature of the modernist movement in Rio de Janeiro, distinct relative to São Paulo. Dante Milano published in 1948, Poesias, whose poems were produced from the 1920s; after the first publication, the book gained new editions containing other texts (poems, prose, translations and / or critical texts). Prompted by crisis and negativity, Milanos poetry, taken as an object in this study, is furrowed by paradoxes, ironies and pictures breakdown. The treatment given to war and internal conflicts, the separation between man and nature, the transformation of the landscape, the establishment of a lyrical subject falling and constant self-reflection expresses both conscious incorporation of the crisis as mimicking an awareness in crisis. The poet explains in his poetry the individual and collective puzzlement on the conflicting progress of society, different forms of violence, the mismatch between the rapid advancement of modernization and maintenance of poor living conditions. The question is: how to act and face the disenchanted world becomes a hesitant perspective of lyrical subject who flirts with selfdestruction

Os signos do paradoxo e da contradicção são intrínsecos ao poema Invenção de Orfeu (1952) de Jorge de Lima (1893-1953), desde sua intermitente teorização sobre o ato criativo, situado entre o engenhoso e o místico, entre o órfico e o sirênico, entre natura naturata e natura naturans, até a inconstante modulação dessa teoria pela crítica, que chega a convergir, não obstante as polêmicas, na consideração da obra como um difícil volume de altos e baixos, em sentido estritamente qualitativo. Esta tese intenta demonstrar como, em seu inteiro teor, a Invenção de Orfeu está calcada em uma manipulação soberana e mesmo tirana das formas, que redesenha a ars inveniendi barroca a fim de expor a errância e a violação que habitam o interior da Técnica. Dito no sentido teológico latente à Suma Poética limiana, ela demonstra como a essência corruptível que se atribui apenas à matéria, seja ela a linguagem, o sujeito ou a História, emana, desde o início, da própria Forma. Propõe-se aqui uma arqueologia dos três estratos de significado da Invenção de Orfeu, o metalinguístico, o autobiográfico e o histórico, assim como um modo de compreender a patente dialética entre o épico e o lírico através de sua síntese dramática, na trama das vozes actantes que configuram os subpoemas ou no drama sexual e antropofágico que se desenrola entre Musa, rapsodo e Guias (ou comparsas). Tem ainda importância central neste trabalho o conjunto epigráfico da Invenção, que funciona como um mapa estratégico-composicional, articulando em si o dilema da traição e da continuidade entre a literatura sagrada e a profana. O capítulo I coloca em pauta a obra marginal do autor e as epígrafes bíblicas; e analisa as intersecções entre camadas de significado, matrizes e gêneros. O capítulo II detém-se sobre a epígrafe de Guillaume Apollinaire e percorre as relações entre parábola e estranhamento, entre incesto e palimpsesto, desde Ancila Negra até o engenheiro noturno. E o capítulo III enfoca o conturbado trânsito da questão indígena na obra de Jorge de Lima, até sua inflexão final. Em Apêndice, organiza-se material de arquivo, sobretudo poemas segregados do compósito. / Signs of paradox and contradiction are intrinsic to the Invention of Orpheus (1952), Jorge de Limas (1893-1953) major poem, firstly because its theoretical conception of the creative act as a tension between the witty and the mystical, the orphical and the sirenical, natura naturata and natura naturans; secondly based on the inconstant reception by critics, who in spite of their different positions, agree in considering the poem as a difficult and irregular ensemble in terms of its aesthetical quality. This thesis argues that the Invention of Orpheus, in its whole, is grounded on a sovereign and even tyrannical manipulation of forms, reworking the baroque ars inveniendi in order to expose how astrayness and violation inhabits the core of Technique. In terms that are consistent with the theological dimension proper to de Limas Summa Poetica, it demonstrates how the corruptible essence, generally associated only to material, be it the language, the subject or the History, ultimately derives from the Form itself, since the beginning. This thesis presents an archaeology that considers three levels of meaning in Invention of Orpheus, the metalinguistic, the autobiographical and the historical, as well as a mode of understanding the dialectic of the epical and the lyrical through its dramatic synthesis, as in the acting voices that give form to subpoems, or in the sexual and anthropophagic drama between the Muse, the raphsode and the guides (or accomplices). The epigraphic ensemble of Invention is considered crucial to this study, functioning as a strategical and compositional map that articulates in itself the dilemma of betrayal and continuity between sacred and profane literature. The first chapter discusses de Limas marginal works and the biblical epigraphs, analyzing the intersections between levels of meaning, matrices and genres. Chapter II focuses on an epigraph by Guillaume Apollinaire, and analyses the relation between parable and enstrangement, between incest and palimpsest, from Ancila Negra (Black Servant/Support) to the nocturnal engineer. Chapter III focuses on the problematic development of the indigenous conflict in Jorge de Limas work. The Appendix organizes archive materials, especially poems excluded from the composite.

Le but de ce travail est de présenter comment la traduction est devenue une poétique pour le poète américain Ezra Pound et le poète brésilien Haroldo de Campos. Les deux poètes ont utilisé la traduction pour élargir leur compréhension de la poésie mais, en même temps, créer une nouvelle approche du phénomène littéraire en rassemblant des œuvres d'auteurs de différentes régions, époques et langues différentes. Pound a commencé à écrire de la poésie au rythme de l'anglo-saxon, puis il a pris une direction différente en produisant des livres avec des commentaires sur ses traductions comme les troubadours provençaux et la poésie chinoise. Il a passé presque 25 ans à traduire l'ensemble du travail de Confucius et, après cette période, il a publié ses dernières traductions de poèmes grecs et égyptiens. Haroldo était un admirateur de Pound et il a partagé sa passion de traduction. Il a fondé le mouvement avant-gardiste de la poésie concrète au Brésil et il a fait des traductions collectives avec les membres du mouvement. Sa spécialisation dans les langues l'a amené à traduire la poésie d'avant-garde de plusieurs langues différentes, puis il s'est déplacé vers les classiques comme Dante, Goethe, Homer et la Bible. De Campos a bénéficié de son poste universitaire pour obtenir des conseils spécialisés pour ses traductions. En outre, il a élaboré une théorie sur la traduction après des textes philosophiques, qu'il appelait «la transcreation». Il était convaincu que la meilleure poésie en tout temps était essentiellement d'avant-garde. / The aim of this work is to present how translation became a poetics for the American poet Ezra Pound and the Brazilian Poet Haroldo de Campos. Both poets employed translation to expand their understandings about poetry but, at the same time, to create a new approach to the literary phenomenon by bringing together works of authors from many different geographies, epochs and languages. Pound started to write poetry following the rhythm of the Anglo-Saxon and then he took a different direction producing books with comments on his translations like Provençal troubadours and Chinese poetry. He spent almost 25 years translating the entire work of Confucius and after that period he published his last translations of Greek and Egyptian poems. Haroldo was an admirer of Pound and he shared his translation passion. He founded the Avant-garde movement of Concrete Poetry in Brazil and he did collective translations with the members of the movement. His specialization in languages prompted him to translate Avant-garde poetry from many different languages and then he moved to the classics like Dante, Goethe, Homer and the Bible. De Campos benefited from his academic position to obtain specialized advising for his translations. Furthermore, he elaborated a theory on translation following philosophical texts, that he called “transcreation.” He was convinced that the best poetry in all times is essentially Avant-garde.

La présente étude vise à analyser la manière dont le corps de Diadorim est représenté dans le roman Diadorim, de João Guimarães Rosa. Pour ce faire, je propose une analyse des principales rencontres entre ce personnage et Riobaldo. Lors de la première rencontre de ces deux personnages, encore adolescents, il est déjà possible d’entrevoir à quel point le corps de Diadorim échappe à la pleine représentation dans le discours du narrateur, ce que l’on remarquera également à leur seconde rencontre, à l’âge adulte et intégrés à la bande des jagunços. Les différentes façons de désigner le compagnon et le suspense par lequel Riobaldo retient l’interlocuteur et, par conséquent, le lecteur, contribuent également à l’effet énigmatique génèré par le corps de Diadorim. L’ambiguïté autour de la sexualité de ce dernier est constante. Enfin, la dernière rencontre coïncide avec la mort et la révélation de la nature féminine du personnage. On observe, toutefois, que cette découverte n’est pas entièrement assimilée par Riobaldo qui, à son tour, doit répéter l’expérience vécue, par la parole, afin d’essayer de déchiffrer l’énigme autour du personnage de Diadorim. / This study aims to analyze how the body is represented in João Guimarães Rosa’s novel Grande sertão: veredas, by looking into each of the most important encounters between Diadorim and Riobaldo, the two main characters of this story. The first time they meet on the banks of the river de Janeiro, when they are still youngsters, Diadorim’s body cannot be fully represented by the narrator’s speech. Their second encounter, when adults and members of a gang of jagunços, confirms such limitations. Each name Riobaldo uses to address Diadorim and the suspense he generates contribute to enhance the enigmatic effect caused by his companion’s body. The ambiguity surrounding Diadorim’s sexuality becomes a constant aspect throughout the novel. The last encounter happens when Diadorim is found dead. Only then his feminine nature is revealed. However, Riobaldo is not able to fully acknowledge this finding and needs to repeat in words the moments he shared with Diadorim by telling their story to an interlocutor in an attempt to decode the mysteries surrounding his companion. This analysis explore these three key moments and examines how the mystery is structured around Diadorim’s body.

O presente trabalho analisa as motivações, os alcances e os efeitos da paródia em alguns poemas de Pau Brasil (1925), de Oswald de Andrade. Inicio a dissertação com um painel constituído de reflexões acerca de algumas formas de arte contemporâneas a Pau Brasil, responsáveis por uma radical reestruturação no modo de conceber o texto literário, para, a seguir, situar a paródia entre essas práticas artísticas. Busco, assim, caracterizar a inserção de Oswald de Andrade e do modernismo brasileiro no viés paródico das vanguardas artístico-literárias europeias do início do século XX. É no contexto moderno da autorreferência e autolegitimação que a paródia se estabelece enquanto eficaz efeito metalinguístico e se mostra como profícuo mecanismo de investigação crítica acerca do processo de produção, recepção e (re)interpretação de textos (e de obras de arte em geral). Radical provocadora de mudanças de expectativas e de perspectivas, a paródia se articula com o projeto artístico moderno, possibilitando o questionamento de (pre)conceitos e uma (re)visão de determinados elementos artísticos e, consequentemente, dos papéis desempenhados por eles. A paródia serve de articulação entre arte e história e não se faz adequar a posturas idealizantes e/ou classizantes. A partir dessa conjuntura, a poética do movimento modernista brasileiro incluiu também, entre os preceitos da nova estética, uma aproximação crítica de obras do passado por meio do emprego da paródia. Ciente do seu passado e do seu presente, o projeto literário de Oswald de Andrade priorizou e incorporou parodicamente os discursos literário, histórico, político, religioso etc, através de uma aguda e conscienciosa reelaboração linguístico-literária. A paródia na obra de Oswald de Andrade, por um lado, faz jus à revolução estética que o movimento modernista trouxe à cultura brasileira e, por outro, torna possíveis ponderações acerca de inovações radicais no código literário brasileiro da primeira metade do século XX. Por meio da utilização paródica de textos históricos e literários em Pau Brasil e do uso de diferentes discursos e registros da língua portuguesa, Oswald de Andrade restaura a história e a literatura brasileira, da carta de Pero Vaz de Caminha à contemporaneidade do poeta. E ainda assinala, com saborosa argúcia, a diversidade e a disparidade socioeconômica do habitante nacional. / The present work examines the motivations, reaches, and effects of the parody of some poems from Oswald de Andrades Pau Brasil (1925). I start this dissertation with a panel composed of reflections about some art forms, contemporary to Pau Brasil, responsible for a radical restructuring in the way literary text is conceived, and I then place parody inside these artistic practices. I try, in this way, to characterize the insertion of Oswald de Andrade and of the Brazilian Modernism in the parodic bias of European artistic avant-gardes of the early 20th century. It is in the modern context of self-referencing and self-legitimation that parody establishes itself as an efficient metalinguistic effect, and that it shows itself as an useful mechanism of critical investigation about the process of production, reception and (re)interpretation of texts (and works of art in general). As a radical that provokes expectation and perspective changes, parody articulates itself with modern artistic project, allowing the questioning of concepts (and prejudices) and a (re)view of certain artistic elements and, consequently, of the roles played by them. Parody is used as an articulation between art and history, and it does not adjust itself to idealistic and/or classist positions. From this conjuncture, the poetics of the Modernist Brazilian movement also included, among other precepts of the new aesthetics, a critical approach to the works of the past through the use of parody. Aware of his past and of his present, Oswald de Andrades literary project prioritized and incorporated, parodically, the literary, historical, political, and religious speeches, among others, through an acute and conscientious linguistic and literary re-elaboration. Parody, in Oswald de Andrades work, both does justice to the aesthetic revolution brought to the Brazilian culture by the Modernist movement, and enables considerations about radical innovations in the early-20th-century Brazilian literary code. Through the parodic utilization of historical and literary texts in Pau Brasil, and through the use of different discourses and registers of the Portuguese language, Oswald de Andrade restores the Brazilian history and literature, from Pero Vaz de Caminhas letter to the poets contemporaneity. He also notes, with pleasant subtlety, the diversity and socio-economic disparity of the national inhabitant.

A trajetória literária de Giovanni Papini pode ser dividida em duas fases: a iconoclasta e a católica. A presente pesquisa tem como objetivo o exame da recepção do escritor florentino no Brasil, por meio de suas obras traduzidas para o português norma brasileira e pelo mapeamento de notas, resenhas, crônicas e artigos publicados em alguns dos principais periódicos nacionais. Em um primeiro momento, ele é lido e discutido, especialmente pelos intelectuais modernistas, no embate entre futurismo italiano e modernismo brasileiro; em um segundo, pelo viés da tradução, principalmente através das obras de temática religiosa. Como fundamentação teórica da análise, são abordados conceitos relacionados aos estudos da tradução, como polissistema literário, mecenato, reescrita e gatekeeping, desenvolvidos nos estudos de Itamar Even-Zohar, André Lefevere e Susan Bassnett. De igual forma, as relações que se estabelecem entre escritor e público-leitor são pensadas sob a perspectiva das teorias da estética da recepção relacionadas à história e à sociologia da literatura, nos estudos de Hans Robert Jauss e Regina Zilberman. / The literary career of Giovanni Papini can be divided into two phases: the iconoclast and the catholic. The present research aims to test the reception of the Florentine writer in Brazil, through his works translated into Brazilian Portuguese and by the survey of notes, reviews, short stories and articles published in some of the major national newspapers. In the beginning, he is read and discussed, especially by modernist intellectuals, in the clash between Italian Futurism and Brazilian Modernism; later, through the translation approach, mainly by religious themed works. As the theoretical foundation of the analysis, concepts relating to translation studies are discussed, as literary polysystem, patronage, rewritten and gatekeeping, developed in the studies of Itamar Even-Zohar, André Lefevere and Susan Bassnett. Similarly, relations that are established between writer and readers are thought from the perspective of the theories of aesthetics of reception related to the History and Sociology of Literature, in the studies of Hans Robert Jauss and Regina Zilberman.

Este trabalho pretende expor as maneiras pelas quais a ficção de Aníbal Machado dialoga com o cinema, procurando definir a ampla visão de sua poética a partir desse viés. A condição do autor de fã e conhecedor da chamada sétima arte faz com que ela se faça presente também em sua obra literária. Um dos aspectos nela observados é a tentativa de reproduzir técnicas e procedimentos da linguagem cinematográfica, o que tem origem em práticas das vanguardas europeias e do modernismo brasileiro. Tal tentativa se faz já em João Ternura, livro que começou a ser escrito por volta de 1926 e concluído às vésperas da morte do autor, em 1964, e é claramente marcado como um projeto modernista. A aproximação da linguagem fílmica nesse livro, entretanto, limita-se quase exclusivamente à montagem de segmentos narrativos descontínuos. Por outro lado, os recursos que buscam similaridade com a narrativa fílmica encontram-se disseminados nos contos do autor, sendo A morte da porta-estandarte o mais cinematográfico deles, já que mobiliza a maior parte desses recursos, como a focalização de um assunto de diversos ângulos e a montagem, realizando uma feliz conjunção entre imagem, movimento e som. Num segundo andamento a tese examina uma particularidade cinematográfica, a presença de Carlitos, de Charles Chaplin, na obra de Aníbal Machado, bem como do cinema burlesco de maneira geral. Assim é enfatizado que na ficção do autor existe uma galeria de personagens que se distingue pela inocência, pelo sonho ou pelo irracional, o que resulta de uma visão do universo de Carlitos influenciada pelas vanguardas europeias, principalmente pelo surrealismo, ao qual Aníbal Machado chegou a declarar publicamente a adesão. As referências aos filmes chaplinianos estão também no ponto de vista irônico do narrador, bem como na coexistência do cômico e do dramático. Na ficção do autor, a gestualidade está relacionada à inocência e ternura de personagens que, por esse motivo, são massacrados pelas rígidas regras e convenções sociais. Daí seu irracionalismo representado pelo burlesco - como recusa a se submeter a essas regras. A pesquisa se detém ainda em outras atividades de Aníbal Machado relacionadas ao cinema. Nesse particular, o foco se volta para o início dos anos 1950, quando o escritor foi convidado pela Companhia Vera Cruz a colaborar com roteiros de outros autores e a escrever adaptações para alguns contos de sua autoria. Assim, elaborou sinopses e roteiros para A morte da porta-estandarte, O telegrama de Ataxerxes e O piano, mas nenhum deles chegou a ser filmado. Nesse andamento, pretende-se caracterizar o contexto em que a produção ficcional se inscreve, situando-a também na história do cinema brasileiro. Tomando as adaptações de autoria de Aníbal, procura-se avaliar o motivo do interesse do mercado cinematográfico da época em adaptar seus contos. Com isso em vista, pretende-se fazer uma análise comparativa entre A morte da porta-estandarte e sua correspondente sinopse em duas versões, e de O telegrama de Ataxerxes e o roteiro nele baseado, procurando explicitar as soluções adotadas pelo autor para transpor suas histórias para uma linguagem cinematográfica, criando novos elementos para dar conta das diferentes artes e linguagens que se impõem nessas adaptações. / This work intends to discuss problems related to Anibal Machados literary works and the dialogues he established with the filmic art and in this way trying to define the large view of his poetics. The authors interest as fan and expert of the so called Seventh Art was fundamental to the assimilation he processed in his fictional works. So one of the aspects observed in this analyses includes the authors attempt to reproduce techniques and proceedings of the cinematographic language with keeping its roots in practices of the European Avant-garde and in the Brazilian Modernism. This mentioned attempt is firstly present in João Ternura, a book he started writing by 1926 and only finished in 1964 soon before his death, and in which he exposes the linking with the Brazilian modernist project. In this case the approach he established between his literary writing and the filmic proceedings was limited to the act of assembling discontinuous narrative sequences. But different approaches to the filmic narrative were explored in his short-stories being A morte da porta-estandarte the most relevant example of the various ways he tried to absorb the cinematographic language. So from different angles of viewing and discontinuous acts of assembling Aníbal Machado tried to explore the field of the images, movements and sonorities. As a second part this work examines a specific element, focusing the famous character created by Charles Chaplin, Charlie, but also trying to capture the general burlesque aspect of the cinema in the work of Aníbal Machado. So it is showed that in the authors fiction there is a gallery of characters distinguished by its innocence, by the dream and by irrational aspects that lead to Charlies universe and is also influenced by the European Avant-garde, mainly the Surrealism, that Aníbal Machado once declared its adoption. The references to Chaplins filmography will be also stressed by means of the ironical approach of the narrator as well as the comic and the dramatic aspects. In the authors fiction it is marked the presence of the corporal movement related to innocence and tenderness of some characters that due to this kind of acting are slaughtered by the rigidness of social rules and conventions. And so it results in irrationalism represented by the burlesque as a refusal to be submitted to the social rules. The research is still enlarged by other activities of Aníbal Machado related to the Seventh Art. In this case the focus was directed to the beginning of the 50s when the A. Machado was invited by the cinematographic Companhia Vera Cruz to help in the writing of scripts and also asked to adapt some of his own short-stories. Among them are A morte da porta-estandarte, O telegrama de Ataxerxes and O piano, though none of them was filmed. In this part the intention is to expose the context in which the Aníbals work of fiction is included trying to situate it in the history of the Brazilian cinema. Finally, we try to appreciate and discuss reasons way at that time the filmic industry was interested in adapting Aníbals short-stories. So it was developed a comparative approach between A morte da porta-estandarte and two versions of its respective summary. The same was developed between O telegrama de Ataxerxes and a script based on this short-story. In both cases it is tried to show ways the author used to translate his fictional stories to a filmic language thus creating new elements to adapt different arts and languages.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2016-10-28T08:58:24Z No. of bitstreams: 1 Natércia Moraes Garrido.pdf: 740452 bytes, checksum: 9b3fd28da447950635920c8c26de32ab (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-28T08:58:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Natércia Moraes Garrido.pdf: 740452 bytes, checksum: 9b3fd28da447950635920c8c26de32ab (MD5) Previous issue date: 2016-08-29 / This dissertation aims to demonstrate how modernist poetic writing is built in Azulejos (1963), corpus of this work, by maranhense poet Nascimento Morais Filho. In the first part, we will talk about the Modernist period in Brazil, emphasizing the poetic generations that developed between 1900 and 1950, as well as their historical and social contexts. We will approach since pre modern years, when we notice the first attempts of artistic transgression, going through Semana de Arte Moderna event and arriving at 1930’s, 1940’s and 1950’s decades, period in which poetic writing achieves its consolidation and maturity. Next, we will trace a path of maranhense literature during the same period – from 1900 to 1950 – pointing out some historiographical aspects that allow us to possibly explain the reasons for a late development of Modernism in Maranhão throughout twentieth century. We will highlight the importance of maranhense poet Bandeira Tribuzzi’s generation, although emphasizing the presence of poet Nascimento Morais Filho and his literary production inside this renewal context. The second part of this work, which is the main part, is set to analyze Azulejos’ poems, considering their linguistic level – oral procedures – as well as their thematic level – childhood – by observing the author’s writing procedures, that allow us to insert this literary work in the modernist context. To carry out this research, we found theorical foundation in scholars’ thoughts such as Ávila (1975), Vieira Filho (1979), Corrêa (1989, 2001), Benjamin (2002, 2013), Andrade (2010), Cândido (2010) and Paz (2012) / Esta dissertação visa demonstrar como se constrói a escrita poética modernista na obra Azulejos (1963), corpus deste trabalho, do poeta maranhense Nascimento Morais Filho. Em um primeiro momento falaremos sobre o período do Modernismo no Brasil, enfatizando as gerações poéticas que se desenvolveram no período entre 1900 e 1950, bem como seus contextos histórico-sociais. Abordaremos desde os anos pré-modernistas, em que percebemos as primeiras tentativas de transgressão artística, passando pelo evento da Semana de Arte Moderna e chegando às décadas de 1930, 1940 e 1950, décadas em que ocorrem a consolidação e o amadurecimento do fazer poético. Em seguida traçaremos um percurso da literatura maranhense durante o mesmo período – 1900 a 1950 – destacando alguns aspectos historiográficos que permitem uma possível explicação para as razões de um tardio desenvolvimento do Modernismo no Maranhão ao longo do século XX. Destacaremos a importância da Geração do poeta maranhense Bandeira Tribuzzi, porém enfatizando a presença de Nascimento Morais Filho e sua produção literária dentro deste contexto de renovação. O segundo momento deste trabalho, que se constitui o principal, se dedica a analisar os poemas de Azulejos, tanto sob o plano linguístico – o da oralidade – quanto sob o plano temático – a infância – observando os procedimentos de escrita adotados pelo autor e que nos permite situar a obra no contexto modernista. Para realizar esta pesquisa, buscamos principalmente a fundamentação teórica nos pensamentos de estudiosos como Ávila (1975), Vieira Filho (1979), Corrêa (1989, 2001), Benjamin (2002, 2013), Andrade (2010), Cândido (2010) e Paz (2012)

O presente trabalho propõe-se investigar as primeiras produções da crítica literária de Sérgio Buarque de Holanda, percorrendo alguns dos artigos que foram redigidos entre os anos de 1920 e 1926. Lembremos que, em 1921, o jovem escritor filia-se ao então nascente movimento modernista, colocando sua atividade crítica a serviço da causa renovadora. Esta adesão foi fecunda, definindo uma relação que alcança a dimensão de uma intensa militância (1922-1923) e que, entre os anos de 1924-1926, revela um sujeito crítico capacitado para assinalar rumos para o modernismo. A pesquisa procura analisar artigos, ensaios e resenhas, buscando articular uma leitura que se situa próxima aos textos, acompanhando-os em seus movimentos e particularidades. A partir desta estratégia de abordagem, esforçamo-nos no sentido de compreender os temas e os procedimentos críticos de Buarque de Holanda, relacionando-os com o contexto modernista no qual esses escritos se inserem, e esboçando, finalmente, alguns dos traços mais marcantes do início de sua trajetória intelectual. / This work aims to investigate the early writings in Sérgio Buarque de Holanda\'s literary criticism, covering some of his articles written between 1920 and 1926. It is important to remember that in 1921 the young Holanda affiliated himself with the incipient Modernismo movement, devoting his critic activities to the service of the renewing modernist cause. This adhesion was fruitful, defining a relationship that reached the dimension of an intense militancy (1922-1923) and which, between 1924-1926, revealed a mature critic capable of determining the course of Mordernismo. This research seeks to analyze articles, essays and reviews, striving to articulate a reading that lies close to the text, following its movements and particularities. Using this approach strategy, we aim to understand Holanda\'s criticism\'s themes and procedures in relationship to the context in which these texts were inserted. Ultimately, in doing so, we will outline some of the most remarkable traits of Holanda\'s intellectual trajectory.

Este trabalho pretende analisar o romance João Ternura, de Aníbal Machado, do ponto de vista das contradições entre os projetos ideológicos do primeiro Modernismo e os problemas trazidos pelo processo histórico nacional. No momento em que inicia a escrita de seu único romance, em 1926, Aníbal Machado partilha dos objetivos libertários e dos pressupostos ideológicos que animavam a vanguarda artística brasileira. Como, no entanto, o romance continua a ser escrito até 1964, é possível ver no movimento de sua forma um embate entre matéria narrativa e dinâmica histórica da nação. Tal conflito acaba por fazer com que protagonista e obra entrem em um processo de dissolução que os condena a subsistirem parcialmente inconclusos. A análise de João Ternura traz à tona uma reflexão sobre as possibilidades de constituição do Brasil como nação autônoma e independente / This work aims to analyze the novel João Ternura, by Aníbal Machado, in relation to the contradictions between the ideological project of early Brazilian Modernism and the problems of the national historical process. When he starts writing his only novel, in 1926, Aníbal Machado shares the libertarian goals and ideological assumptions of the Brazilian artistic avant-garde. However, as the novel continues to be written until 1964, the year of the military coup, its very form and style document the collision between the narrative material and the national historical process around it. These conflicts culminate in a process of dissolution that condemn both the novel and its protagonist to a state of inconclusiveness. Analyzing João Ternura brings to light reflections on the possibilities of Brazilian formation as an autonomous and independent nation