Essa tese é uma etnografia das ideias, práticas, histórias, memórias, teorias nativas, conflitos, desigualdades, imaginações e experiências de artistas, críticos, curadores, galeristas e colecionadores brasileiros ao longo dos anos 80 e 90. Embora o escopo temporal e espacial oscile, ancoramo-nos nas cidades do Rio de Janeiro e de São Paulo, e na interseção entre o circuito e o mercado primário de arte contemporânea brasileira nestas décadas. O trabalho aborda diversos temas e problemas acessados através do meu campo em galerias, museus, bienais, bibliotecas, arquivos públicos e privados, cursos de história da arte e depoimentos. Dentre os objetos tangenciados, se destacou: o retorno internacional à pintura, a invenção da geração 80 e sua relação com o mercado; as exposições Primitivism in the Twentieth Century no MoMA, em Nova York, em 1984, e Magiciens de la Terre, no Centre Pompidou, na França, em 1989; a redescoberta do corpo, do eu e da narrativa nos anos 90; a arte abjeta e suas principais exposições internacionais; a Bienal de São Paulo Antropofágica de 1998; a internacionalização da arte brasileira na Europa, Estados Unidos e América Latina; a trajetória e as contendas entre diferentes gerações de galeristas no Brasil; a entrada do empresariado e dos bancos na política cultural; e, sobretudo o estatuto da arte brasileira e latino-americana diante da globalização. Desde a Escola Fluminense de Pintura, passando pelo Modernismo, pelo Neoconcretismo, pela Tropicália até o período em destaque neste trabalho, o sistema artístico brasileiro e seus personagens se questionaram sobre uma arte genuinamente brasileira. A antropofagia foi novamente mobilizada como alternativa às hierarquias de poder e imposições euro-americanas, sobretudo na Bienal Antropofágica de 1998. Mas quando todos são canibais, quem canibaliza quem? Oswald de Andrade ou Montaigne? Minha hipótese é a deformação da questão em direção à superação do problema da representação para o da presença, a partir da filosofia deleuziana sobre a experiência barroca. Superar a antropofagia em favor do barroco de modo a imaginar outro conceito de criação que conceba a invenção da diferença através de uma exterioridade em contínua descontinuidade, devires, dobra que se desdobra, antropofagia e regurgitofagia, dentro e fora, figura e fundo, interpretação e contrainterpretação, arte enquadrada e gambiarra. / This thesis is an ethnography of the ideias, practices, histories, memories, native theories, conflicts, inequalities, imaginations and experiences of Brazilian artists, critics, curators, art dealers and art collectors throughout the 1980s and 90s. The temporal and spacial breadth covered oscillates; we have, however, decided to focus the cities of Rio de Janeiro and São Paulo, and the intersection between the contemporary art circuit and its market through fieldwork done in galleries, museums, bienals, libraries, public and private archives, courses on art history, and testimonials. Between the many objects described, an emphasis is made on the international return to painting; the invention of the 80s generation and its relations to the market; the exhibitions Primitivism in the Twentieth Century (MoMA, New York, 1984) and Magiciens de la Terre (Centre Pompidou, Paris, 1989); the rediscovery of body, self and narrative during the 1990s; abject art and its main international exhibitions; the Anthropophagic Bienal of São Paulo (1998); the internationalization of Brazilian art in Europe, United States and Latin America; the trajectories and quarrels between different generations of art dealers in Brazil; the introduction of the entreprenurial and financial classes into cultural policies; and, above all, the status of Brazilian and Latin American art in a globalized context. From the Fluminense school of painting, through Brazilian Modernism, Neoconcretism, Tropicália, to the period emphasized in this work, the Brazilian artistic system and its characters have put a genuinely Brazilian art into question. Anthropophagy has been newly engaged as an alternative to euro-american power hierarchies and impositions, especially in the Anthropophagic Bienal of 1998. Nevertheless, when everyone is a cannibal, who cannibalizes whom? Oswald de Andrade or Montaigne? My hypothesis is the deformation of that matter, overcoming the problem of representation towards that of the presence, drawing on the deleuzian philosophy of the baroque experiments. Overcoming anthropophagy in benefit of the baroque is a way of inventing a different concept of creation, one that conceives the invention of difference through an exteriority in continued discontinuity, becomings, foldings that unfold, anthropophagy and regurgitophagy, inside and outside, figure and ground, interpretation and counter interpretation, framed art, and improvisation.

A tese investiga as dinâmicas da imagem fotográfica presentes na poética do artista brasileiro Miguel Rio Branco. Para isso, a sua trajetória é pesquisada tendo como objetos de análise seus livros Dulce Sudor Amargo (1985), Nakta (1996) e Silent Book (1998), e o filme Nada Levarei quando Morrer Aqueles que Mim Deve Cobrarei no Inferno (sic), realizado em 1981. Tais obras são eixos que permitem compreender a lida complexa que o artista mantém com as noções de tempo, percepção e realidade. Nesse processo, a fotografia desempenha um papel instigante na reestruturação do objeto percebido enquanto fenômeno em um mundo compreendido pela imagem. Ao trabalhar a imagem fotográfica com aparente procedimento direto na captação do objeto, Miguel Rio Branco não se detém no objeto ou assunto, mas extrai dele sua possibilidade de expressão, entre as marcas indiciais e as representações simbólicas. Essa intervenção do artista imprime ao objeto outra condição: misto de sua presença física no mundo e uma natureza distinta, revelada na imagem. Suas construções narrativas, observadas a partir da produção de seus livros e da sua relação com as estéticas do cinema, serão analisadas como elementos singulares para contribuição do debate sobre fotografia no campo da arte. Proponho investigar a instabilidade do signo fotográfico no conceito histórico da fotografia documental na arte, tendo como parâmetro o trabalho do artista, suas motivações de ruptura com a tradição do documento e a constituição de sua poética entre as décadas de 1970 e 1990. / The dissertation investigates the dynamics of the photographic image present in the poetics of Brazilian artist Miguel Rio Branco. For such, I examine his trajectory through analytical objects: the books \"Dulce Sudor Amargo\"(1985), \"Nakta\" (1996), and \"Silent Book\" (1998), as well as the movie \"Nada levarei quando morrer aqueles que mim deve cobrarei no inferno\" (sic) or, in English \"I shall take nothing when those die who owe me will charge in hell\" (sic) made in 1981. These works are axes that allow the comprehension of the artist\'s complex handling of the notions of time, perception, and reality. In this process photography plays a thought-provoking role in restructuring the perceived object as a phenomenon in a world understood through the image. When Miguel Rio Branco works the photographic image with an apparently direct procedure for capturing the object, he does not only focus on the object or subject, but draws their entire possibility of expression, between the indexical marks and symbolic representations. This intervention imprints another condition on the object: a mix of its physical presence in the world and a distinct nature, revealed in the image. His narrative constructions, observed in the production of his books and his relationship with the cinema\'s aesthetics, will be analyzed as unique elements that contribute with the photography debate in the field of Arts. I propose the investigation of the instability of the photographic sign within the historical concept of documentary photography in the arts. As a parameter, I adopt the artist\'s work, his motivations for relinquishing the documentary tradition, and the constitution of his poetics between the decades of 1970 and 1990.

Esta pesquisa discute a obra de José Leonilson (1957-1993), buscando examinar a troca constante que ela empreendeu com o universo da cultura de massa. Argumenta que o trabalho funda-se centralmente na reordenação meticulosa dos clichês colhidos a essa cultura, e que em tal processo de reordenação ele se empenha em restituir um lugar privilegiado para o \"sentimento\" e a expressão. Por um lado, a pesquisa permite constatar que a obra de Leonilson reivindicou a expressão de uma experiência subjetiva; por outro, que ela assumiu o risco de se converter em uma mera banalidade, almejando romper com o isolamento de uma esfera privada ao se lançar no comércio com os signos culturais. / This text discusses the work of José Leonilson (1957-1993), examining its constant interchanges with the universe of mass culture. The main argument is that the work is largely founded on the meticulous rearrangement of the clichés it gathers from that culture, and that, in the process, it tries to restitute a privileged position to sensibility and expression. The research attests, on the one hand, that Leonilsons work has claimed the expression of a subjective experience; but it has, on the other hand, took in the risk of becoming a mere banality, while aiming to break the isolation of a private sphere by venturing in the commerce with cultural signs.

A passagem dos anos 1960 para os 1970 marca um importante momento de inflexão na produção de ponta no Brasil no que se refere à relação entre Artes Plásticas/Arquitetura e o \"popular\". A análise da produção de Lina Bo Bardi, Lygia Pape, Hélio Oiticica e, em parte, Flávio Império, junto à análise da revista \"Malasartes\", indica as mutações pelas quais passa o conceito de \"popular\", desde a produção \"de raiz\" aos elementos da cultura de massa. Esse rico período, marcando a passagem entre modernismo e arte contemporânea, testemunha a fragmentação do conceito de \"popular\" e, concomitantemente, a dissolução da própria ideia de vanguarda. / The passage from the 1960\'s to 1970\'s marks an important moment of inflexion on the Brazilian cutting edge production related to Arts/Architecture and the \"popular\". Analyzing the production of Lina Bo Bardi, Lygia Pape, Helio Oiticica and, partly, of Flávio Império, including \"Malasartes\" magazine, indicates the mutations of the concept of \"popular\", since the \"vernacular\" production to the mass media culture. This rich period, that traces the passage from modernism to contemporary art, testifies simultaneously the fragmentation of the \"popular\" and the dissolution of the idea of vanguard.

Esta pesquisa discute a obra de José Leonilson (1957-1993), buscando examinar a troca constante que ela empreendeu com o universo da cultura de massa. Argumenta que o trabalho funda-se centralmente na reordenação meticulosa dos clichês colhidos a essa cultura, e que em tal processo de reordenação ele se empenha em restituir um lugar privilegiado para o \"sentimento\" e a expressão. Por um lado, a pesquisa permite constatar que a obra de Leonilson reivindicou a expressão de uma experiência subjetiva; por outro, que ela assumiu o risco de se converter em uma mera banalidade, almejando romper com o isolamento de uma esfera privada ao se lançar no comércio com os signos culturais. / This text discusses the work of José Leonilson (1957-1993), examining its constant interchanges with the universe of mass culture. The main argument is that the work is largely founded on the meticulous rearrangement of the clichés it gathers from that culture, and that, in the process, it tries to restitute a privileged position to sensibility and expression. The research attests, on the one hand, that Leonilsons work has claimed the expression of a subjective experience; but it has, on the other hand, took in the risk of becoming a mere banality, while aiming to break the isolation of a private sphere by venturing in the commerce with cultural signs.

A tese investiga as dinâmicas da imagem fotográfica presentes na poética do artista brasileiro Miguel Rio Branco. Para isso, a sua trajetória é pesquisada tendo como objetos de análise seus livros Dulce Sudor Amargo (1985), Nakta (1996) e Silent Book (1998), e o filme Nada Levarei quando Morrer Aqueles que Mim Deve Cobrarei no Inferno (sic), realizado em 1981. Tais obras são eixos que permitem compreender a lida complexa que o artista mantém com as noções de tempo, percepção e realidade. Nesse processo, a fotografia desempenha um papel instigante na reestruturação do objeto percebido enquanto fenômeno em um mundo compreendido pela imagem. Ao trabalhar a imagem fotográfica com aparente procedimento direto na captação do objeto, Miguel Rio Branco não se detém no objeto ou assunto, mas extrai dele sua possibilidade de expressão, entre as marcas indiciais e as representações simbólicas. Essa intervenção do artista imprime ao objeto outra condição: misto de sua presença física no mundo e uma natureza distinta, revelada na imagem. Suas construções narrativas, observadas a partir da produção de seus livros e da sua relação com as estéticas do cinema, serão analisadas como elementos singulares para contribuição do debate sobre fotografia no campo da arte. Proponho investigar a instabilidade do signo fotográfico no conceito histórico da fotografia documental na arte, tendo como parâmetro o trabalho do artista, suas motivações de ruptura com a tradição do documento e a constituição de sua poética entre as décadas de 1970 e 1990. / The dissertation investigates the dynamics of the photographic image present in the poetics of Brazilian artist Miguel Rio Branco. For such, I examine his trajectory through analytical objects: the books \"Dulce Sudor Amargo\"(1985), \"Nakta\" (1996), and \"Silent Book\" (1998), as well as the movie \"Nada levarei quando morrer aqueles que mim deve cobrarei no inferno\" (sic) or, in English \"I shall take nothing when those die who owe me will charge in hell\" (sic) made in 1981. These works are axes that allow the comprehension of the artist\'s complex handling of the notions of time, perception, and reality. In this process photography plays a thought-provoking role in restructuring the perceived object as a phenomenon in a world understood through the image. When Miguel Rio Branco works the photographic image with an apparently direct procedure for capturing the object, he does not only focus on the object or subject, but draws their entire possibility of expression, between the indexical marks and symbolic representations. This intervention imprints another condition on the object: a mix of its physical presence in the world and a distinct nature, revealed in the image. His narrative constructions, observed in the production of his books and his relationship with the cinema\'s aesthetics, will be analyzed as unique elements that contribute with the photography debate in the field of Arts. I propose the investigation of the instability of the photographic sign within the historical concept of documentary photography in the arts. As a parameter, I adopt the artist\'s work, his motivations for relinquishing the documentary tradition, and the constitution of his poetics between the decades of 1970 and 1990.

A passagem dos anos 1960 para os 1970 marca um importante momento de inflexão na produção de ponta no Brasil no que se refere à relação entre Artes Plásticas/Arquitetura e o \"popular\". A análise da produção de Lina Bo Bardi, Lygia Pape, Hélio Oiticica e, em parte, Flávio Império, junto à análise da revista \"Malasartes\", indica as mutações pelas quais passa o conceito de \"popular\", desde a produção \"de raiz\" aos elementos da cultura de massa. Esse rico período, marcando a passagem entre modernismo e arte contemporânea, testemunha a fragmentação do conceito de \"popular\" e, concomitantemente, a dissolução da própria ideia de vanguarda. / The passage from the 1960\'s to 1970\'s marks an important moment of inflexion on the Brazilian cutting edge production related to Arts/Architecture and the \"popular\". Analyzing the production of Lina Bo Bardi, Lygia Pape, Helio Oiticica and, partly, of Flávio Império, including \"Malasartes\" magazine, indicates the mutations of the concept of \"popular\", since the \"vernacular\" production to the mass media culture. This rich period, that traces the passage from modernism to contemporary art, testifies simultaneously the fragmentation of the \"popular\" and the dissolution of the idea of vanguard.

[pt] Da proposição ao gesto: diálogos sobre Primeira Pedra de Matheus Rocha Pitta pretende, a partir de uma análise profunda acerca de Primeira Pedra (2015) de Matheus Rocha Pitta, articular as múltiplas camadas de entendimento solicitadas pela obra, bem como investigar as dinâmicas que envolvem a sua montagem e exibição. Ao se debruçar na pesquisa desta instalação escultórica, um estudo não-cronológico, porém demasiadamente atento à trajetória do artista em evidência, ocorre como um efeito de causa e consequência. No entanto, para além de um estudo sobre o artista, o aprofundamento acerca da obra permite-nos traçar diálogos acerca de assuntos relevantes para a produção artística contemporânea, uma vez que não só Primeira Pedra, como também outros trabalhos do artista, esbarram em conceitos chave para a História da Arte: somos conduzidos de modo espontâneo para uma reflexão crítica sobre autoria, reprodutibilidade, valoração e participação. Esta parece ser, senão, uma das qualidades de Rocha Pitta: a de fornecer conteúdos tão urgentes para o tempo atual de maneira sútil, estimulando o espectador a elaborar formulações críticas para assuntos do cotidiano, disponibilizados pelo artista através de um gesto. Nesse ponto, entende-se que além de uma noção atualizada sobre o estatuto do espectador, a proposta elaborada por Rocha Pitta em Primeira Pedra - que implica uma transação de uma escultura assinada e datada por uma pedra ordinária - desperta também uma suspensão da ideia tradicional de escultura. À vista disso, esta pesquisa aponta e elabora sobre as categorias elucidadas pela obra em questão, considerando suas remontagens em instituições de diversas naturezas, articulando–a não somente com outras obras do artista, mas também com outros artistas que de alguma forma se entrelaçam ao caminhar de Matheus Rocha Pitta. / [en] From proposition to gesture: dialogues about Primeira Pedra by Matheus Rocha Pitta aims, through a deep analysis about Primeira Pedra (2015) by Matheus Rocha Pitta, to articulate the multiple layers of understanding requested by the work, as well as to investigate the dynamics that involve its assembly and exhibition. The current investigation, although non-chronological, takes into consideration the artist s repertoire, which enables a deep analysis on the main object of this study. However, beyond being a study of the artist, this research allows us to outline dialogues on relevant subjects for contemporary artistic production, since not only Primeira Pedra, but also other works by the artist, gather key concepts for the History of Art: we are spontaneously led to a critical reflection on authorship, reproducibility, valuation and participation. This seems to be one of Rocha Pitta s qualities: providing urgent content for nowadays in a subtle manner, stimulating the spectator to elaborate critical interpretations of everyday matters, made available by the artist through a gesture. At this point, it is understood that in addition to an updated notion of the status of the spectator, the proposal for Primeira Pedra - which implies a transaction of a sculpture signed and dated by an ordinary stone - also suspends the traditional idea of sculpture. In light of this, this research points out and elaborates on the categories elucidated by the work in question, considering its reassemblies in institutions of different natures, articulating it not only with Rocha Pitta s productions, but also with other artists works, which somehow intertwined with Matheus Rocha Pitta s trajectory.

Este trabalho disserta sobre as relações entre a arte contemporânea brasileira e a paisagem, através de algumas obras que nela intervieram diretamente, assim como de projetos que propunham-se a intervir, mas não foram executados. Tais obras, ao incorporarem os elementos naturais e culturais que constituem a paisagem, evidenciam-na e fazem-nos refletir sobre sua formação, transformação e apreciação. Foram escolhidas duas exposições que, a princípio, seriam realizadas em escala nacional, e que propuseram de modo mais efetivo a intervenção da arte brasileira na paisagem, estimulando discussões sobre o tema. São elas: projeto Fronteiras (1998-2001), que abordou as referências geográficas da paisagem, e projeto Margem (2009-2010), cujas referências eram as urbanas. Com Fronteiras, a partir do tema fronteira, abre-se o debate sobre território, região, escala geográfica e modos de ocupação territorial; mas a arte introduz nele a necessidade da paisagem. Já com Margem, vêm à tona questões da paisagem urbana, em específico, como os rios são apropriados e percebidos. Esta é uma amostragem de obras que, abordando referências distintas da paisagem, fazem-nos refletir sobre a produção artística nacional que tem na paisagem mais do que uma inspiração, mas um elemento constitutivo; assim como de que modos a paisagem é, possivelmente, uma influência para estas obras. / This research disserts about the relationship between brazilian contemporary art and landscape, regarding some works of art that interfered directly in it, as well as projects that intended to do it, but were not accomplished, eventually. These works, as they incorporate natural and cultural aspects of the landscape, they emphasize it and raise a debate on its development, transformation and appreciation. Two expositions - which were to be taken, at first, in national scale - more effectively proposed the intervention of brazilian contemporary art into the landscape and stimulated discussions on these matters. They are: Fronteiras ( 1998-2001), which approached the geographical landscape references, and Margem (2009-2010), which focused the urban ones. Within Fronteiras, from the boundary theme, the discussion arises on territory, region, geographical scale and models of territorial occupation; nevertheless, art introduces the need of landscape in this debate. In contrast, Margem brings up issues related to the the urban landscape, specifically how rivers are appropriated and apprehended by people. This is a sample of works of art that approach landscape in different ways, which lead us to consider how brazilian contemporary art handles landscape, not only as an inspiration, but as a constitutive component of the work; they also highlight how landscape might be, possibly, an influence on them.

O objeto desta dissertação são os trabalhos de arte produzidos pelo autor entre 2013 e 2015. Partindo dos próprios trabalhos e dos espaços onde foram apresentados, este ensaio busca articular procedimentos e conceitos recorrentes na produção do artista por meio de imagens, descrições, desenhos, anotações, projetos e interpretações que interroguem a ideia de livro como suporte, matéria-prima e lugar. / The object of this Master\'s thesis is the author\'s works of art produced between 2013 and 2015. Departing from the works of art themselves and from the spaces where they were presented, this essay seeks to articulate recurring procedures and concepts in the artist\'s production through images, descriptions, drawings, notes, projects and interpretations that question the idea of the book as a support, raw material and place.