Ce mémoire débute par un survol de l'état de l’art des méthodes de compositions musicales assistées par ordinateur (MCMAO). À l’aide d'un ensembles critères permettant l’évaluation des méthodes de compositions musicales assistées par ordinateur, on identifie une technique particulièrement prometteuse. Il s’agit d ’un compositeur statistique, présenté par Hoffman et al. en 2008, utilisant les "mel-frquecy cepstral coefficients" (MFCC), un prétraitement inspiré des techniques en reconnaissance de parole. Toutefois, cette technique présente diverses limitations, comme la qualité de reconstruction des signaux, qui l’empêche d'être utilisée pour composer de la musique utilisable professionnellement. Ainsi, ce mémoire tente de bonifier la méthode de composition musicale assistée par ordinateur de Hoffman et al. en remplaçant la technique MFCC d'analyse/synthèse du signal par une technique novatrice d'analyse/synthèse des signaux sonores nommée "Fast Locally competitive algorithm for audio" (FLCAA). Celle-ci permet une analyse perceptuelle parcimonieuse, en temps réel, ayant une bonne résolution fréquencielle et une bonne résolution temporelle. De plus le FLCAA permet une reconstruction robuste de bonne qualité également en temps réel. L’analyse est constituée de deux parties distinctes. La première consiste à utiliser un prétraitement inspiré de l’audition pour transformer le signal sonore afin d'obtenir une représentation cochléaire. Concrètement, la transformation d'analyse est accomplie à l’aide d'un filtrage par banc de filtres cochléaires combiné à un mécanisme de fenêtre coulissante. Le banc de filtres utilisé est composé de filtres cochléaires passe-bande à réponse impulsionnelle finie, de type "rounded exponential" (RoExp). La deuxième étape consiste à coder la représentation cochléaire de manière parcimonieuse afin d'augmenter la résolution spatiale et temporelle pour mettre en évidence certaines caractéristiques du signal comme les fréquences fondamentales, l’information contenue dans les basses fréquences et les signaux transitoires. Cela est fait, en intégrant un réseau de neurones (nommé LCA) utilisant les mécanismes d'inhibition latérale et de seuillage. À partir des coefficients de la représentation perceptuelle, il est possible d'effectuer la transformation de synthèse en utilisant une technique de reconstruction novatrice qui est expliqué en détail dans ce mémoire.

Cette thèse est l’étude d’une expérience en situation de composition électroacoustique collective sous l’angle du développement d’une communauté de pratique. Elle a été réalisée en France, sur l’année scolaire 2013/2014, dans deux classes de l’école élémentaire publique Pasquier de la ville d’Antony située en région parisienne. Nous parlons donc d’un enseignement collectif de la musique à de jeunes enfants sur le temps scolaire réalisé dans un co-enseignement professeur des écoles et professeur de musique. La « théorie des communautés de pratique » d’Étienne Wenger sera utilisée comme une grille de lecture et un prisme à travers lesquels nous analyserons les interactions des participants au sein d’une expérience de pédagogie musicale de groupe menée en milieu scolaire. Nous étudierons les situations d’apprentissage via les interactions inter et intra-communautaires qui sont pour partie médiatisées par des artefacts informatiques (fichiers audio des pièces musicales, photographies numériques, publications et mises à disposition sur internet, communication par mails, etc.). À ce titre, nous nous sommes intéressés à l’usage et au rôle joué par les technologies de l’informatique et de la communication (TIC) dans les échanges de la communauté ainsi qu’aux théories relatives aux sciences documentaires.Enfin, dans la troisième partie de ce mémoire nous proposons la construction d’un modèle d’action pédagogique privilégiant les interactions que nous considérons comme transposables à l’enseignement universitaire de la composition musicale en environnement Max et Pure Data au département Musique de l’Université Paris 8. / This dissertation is the study of an experiment in a situation of collective electroacoustic composition from the point of view of the development of a community of practice. It was carried out in France, during the school year 2013/2014, in two classes of public elementary school Pasquier of the city of Antony located in Paris suburbs. We are therefore talking about a collective teaching of music to young children on school time realized in a co-teaching school between a teacher and a music teacher.Étienne Wenger's "theory of community of practice" will be used as a grid of reading and a prism through which we analyze the interactions of participants in an experiment of group music pedagogy conducted in school. We will study learning situations in this situation via inter-community and intra-community interactions, which are partly mediated by computer artifacts (audio files of musical selections, digital photos, publications and Internet availability, e-mail communication, etc.). As such, we have been interested in the use and the role played by information and communication technologies (ICT) in the exchanges of the community and in the theories of documentary sciences.Finally, we propose the construction of a pedagogical action model focusing on the interactions that we consider to be transposable to the university teaching of music composition in the Max and Pure Data environment in the Music Department of Paris 8 University.

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La thèse, fondée sur l’étude systématique des sources de première main, porte sur le personnel ecclésiastique et sur la vie musicale. Un fait propre à la Sainte-Chapelle est ainsi mis en avant : l’interdépendance du statut ecclésiastique et de la place de musicien. La vie musicale à la Sainte-Chapelle de Paris aux XVIe et XVIIe siècles n’a pas été réévaluée après Michel Brenet (1910). L’exploitation des sources, le développement des études liturgiques et les avancées de la recherche musicologique permettent de renouveler la connaissance de cette église et de sa musique. En fondant la chapelle du Palais, Louis IX établit le personnel ecclésiastique de la Sainte-Chapelle. Alors que la monarchie et la cour délaissent cette église au profit de la chapelle royale, François Ier établit une corrélation entre le personnel musical et l’ensemble des ecclésiastiques. Cette interdépendance, maintenue par le Chapitre, aboutit sous Louis XIVà une assemblée majoritairement constituée de musiciens / The musical life of the Sainte Chapelle in Paris during the 16th and 17th centuries has not been reassessed since the work of Michel Brenet (1910). The exploitation of sources, development of liturgical studies and advances in musicological research allow for a renewal of our understanding of this church and its music. By founding the Palace chapel, Louis IX established the clergy of the Sainte Chapelle. While monarchy and court abandon this church for the chapel royal, Francis I establishes a correlation between the musical and ecclesiastical staff of the Sainte Chapelle. This interdependence, maintained by the Chapter, results under Louis XIV in an assembly constituted of a majority of musicians. This thesis, based on the systematic study of primary sources, focuses on the clergy and musical activity. A particularity of the Sainte Chapelle is thus revealed: the interdependence of ecclesiastical status and appointment as a musician

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La naissance de la musique spectrale et du modèle compositionnel qui la sous-tend a été conditionnée par un contexte technoscientifique spécifique, au carrefour de disciplines aussi diverses que la physique, la psychoacoustique, l’électronique, l’informatique ou la philosophie. Le présent travail de thèse en retrace certaines des étapes. Tout en remontant jusqu’à l’avènement de la science moderne au XVIIe siècle, elle aboutit à une caractérisation de ce courant esthétique comme un exemple de révolution non-cartésienne dans le sens que Bachelard donna au terme dans son Nouvel Esprit Scientifique. Parallèlement, elle reprend les acquis musicaux antérieurs et montre comment la musique spectrale s’est constituée en thématisant les tentatives de systématisation du son complexe comme élément porteur de forme apparus tout au long du XXe siècle. / The rise of spectral music and of the compositional model that lies at its base has been conditioned by a specific technoscientific context, at a crossroads between disciplines as diverse as physics, psychoacoustics, electronics, computer sciences and philosophy. The present thesis retraces some of its stages. While going back to the advent of modern science in the 17th century, it leads to a characterization of this aesthetic movement as an example of a non- Cartesian revolution in the sense that Bachelard gave the term in The New Scientific Spirit. At the same time, it considers previous musical advances and shows how spectral music has formed itself by ‘thematizing’ attempts from throughout the 20th century to systematize complex sounds as form-bearing elements.

La synthèse pour par modèles physiques propose une approche à de la création musicale alternative à de celui celle plus habituelle du traitement du signal. En prenant en considération le phénomène musical comme un unicum émergeant de l'interaction entre le musicien et les instruments à sa disposition, on expérimente et donne corps phénoménologique et sensible aux actions créatrices.En ne considérant pas comme entités distinctes la matière sonore et la structure musicale, on oriente les potentialités de l'ordinateur et crée une dialectique originale et féconde entre le formel (structurel) et le perceptif (cognitif).Le champ d'action envisagé dans cette thèse concerne le développement, la formalisation et la catégorisation des modèles physiques réalisés à l’aide du formalisme CORDIS-ANIMA de structures - créées par modélisation physique - utiles pour la composition musicale, dans la perspective de mettre en évidence la fonction de formalisation musicale associée portée au par ce paradigme. de simulation par modèle physique CORDIS-ANIMA.Le point de départ est ma pratique personnelle de près de 20 années, en tant que compositeur, avec le logiciel de création sonore GENESIS du laboratoire ACROE-ICA. Cette pratique, à travers des travaux à la fois scientifiques (en modélisation) et artistiques (en composition musicale), m'a conduit à considérer cet environnement non pas comme un synthétiseur, mais comme un instrument " organique " permettant de créer une composition musicale complète couvrant les trois échelles de catégorisation usuelle de l'acoustique et de la musique : micro-formelle (le timbre, l'harmonie, l'orchestration), mezzo-formelle (le rythme, la mélodie et les séquences / structures harmoniques de premier niveau) et macro-formelle (la structure harmonique de niveau supérieur, le schéma formel de la composition complète).L'objectif ne consiste pas à proposer le cadre d'une "nouvelle musique" ou d'une nouvelle esthétique, mais à "bien tempérer" les instruments pour une nouvelle pratique de la création musicale explorant et exploitant au mieux les potentialités de l'ordinateur et des technologies numériques, aussi dans la direction d'un élargissement de la dialectique instrumentalité - écriture musicale vers une "supra instrumentalité" [Cadoz6] et vers des perspectives "post-scriptiques" de la création musicale [Cadoz7]. / Physical model synthesis offers an approach to composition alternative to the more usual signal processing. Considering the musical phenomenon as a "unicum" emerging from the interaction between the musicians and their instruments the physical model synthesis realizes and gives phenomenological and sensitive corporeality to the creative actions. By conceiving not as separate entities sound material and musical structure directs the potentialities of the computer and creates an original and fruitful dialectic between the formal (structural) and perceptual (cognitive).The sphere of action for my PhD concerns the development, formalisation and categorisation of structural models – created by physical modelling – useful for musical composition in the perspective to highlight the musical formalisation function associated with the CORDIS-ANIMA physical model simulation paradigm.The starting point for this work is 20 years of personal use as a composer, of the GENESIS physical model musical creation software developed by the ACROE-ICA laboratory.This experience has led me, through works both scientific (modelling) and artistic (music composition), to consider this environment not as a synthesis tool, but as a complex instrument, which allows to create a complete musical composition covering all three usual categories of acoustics and music: micro-formal (the tone, harmony, orchestration), mezzo-formal (the rhythm, melody, and the basic sequences/harmonic structures) and macro-formal (the higher level harmonic structure, the formal outline of the entire composition).My goal is not to propose the framework of a new music or a new aesthetic, but develop "well-tempered" instruments for a new practice of music creativity that explores and accomplishes better the potentialities of computer and digital technology. This also leads in the direction of broadening the dialectic instrumentality - writing music to a "supra instrumentality" [Cadoz6] and to post-scriptic outlook on musical creation [Cadoz7].

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Ce mémoire a pour objectif d’illustrer l’importance du son dans ma démarche musicale par le biais de l'analyse de trois pièces instrumentales écrites lors de ma maîtrise. L’étude de mon processus de création, depuis les premières idées sonores jusqu’à la réalisation de la partition finale, mettra ainsi en lumière plusieurs éléments constitutifs de cette « écriture du son » au cours de mon travail de composition. Il s'attardera particulièrement sur la recherche de différentes matières sonores, sur l’intégration de sonorités bruités et inharmoniques dans la structure musicale, sur l'utilisation de modes de jeux instrumentaux non conventionnels, ainsi que sur la neutralisation des fonctions harmoniques et mélodiques. Ce mémoire abordera également les conséquences de ces recherches sonores sur la forme, la temporalité et la notation. En examinant diverses applications formelles liées au déploiement temporel du son, de la Momentform jusqu’au continuum, il interrogera notamment le rapport entre la forme et la perception de l’objet sonore. Enfin, il soulèvera les incidences de cette démarche sur l'emploi de nouvelles notations musicales qui synthétisent diverses approches d’écriture, de la notation traditionnelle à la partition graphique. Les trois pièces analysées dans ce mémoire (La peau du dehors, pour grosse caisse amplifiée ; Traverser / Disparaître, pour quatuor à cordes ; Filtres, pour ensemble de 14 instruments) permettront d’observer l’application de cette « écriture du son » au sein de projets aux instrumentations diverses, depuis la pièce soliste jusqu’à la pièce pour ensemble. / This dissertation aims to illustrate the importance of sound in my musical approach through the analysis of three instrumental pieces written during my master's degree. The study of my creative process, from the first sound ideas to the realization of the final score, sheds light on several constituent elements of this "writing of sound" during my composition work. It focuses particularly on the search for different sound materials, on the integration of noise and inharmonic sounds in the musical structure, on the use of unconventional instrumental techniques, as well as on the neutralization of harmonic and melodic functions. This dissertation also addresses the impact of these sound investigations on form, temporality and notation. By examining various formal applications related to the temporal deployment of sound, from the Momentform to the continuum, it investigates the relationship between form and perception of the sound object. Finally, it analyzes the consequences of this method on the use of new musical notations, which synthesize various approaches across traditional notation and graphic score. The three pieces analyzed in this dissertation (La peau du dehors, for amplified bass drum; Traverser / Disparaître, for string quartet; Filtres, for ensemble of 14 instruments) will allow us to observe the application of this "writing of sound" within projects with diverse instrumentations, from the solo piece to the piece for ensemble.