Depuis les années 1980 le souvenir du massacre de Nankin refait surface en Chine. Cette réactivation de la mémoire des événements se produit dans un contexte où la Chine fait face à une perte de vitesse de l'idéologie communiste, causée notamment par la libéralisation de l'économie chinoise et par la chute du communisme dans le monde. Ce vide idéologique vient ébranler la légitimité du Parti communiste chinois, qui tente alors de rallier le peuple autour d'une idéologie nationale, en utilisant et en manipulant l'histoire et la mémoire de la deuxième guerre sino japonaise. Dans ce contexte, en quoi les représentations cinématographiques des événements de Nankin contribuent-elles à la construction du nationalisme chinois et comment peuvent-elles par le fait même fragiliser les relations entre la Chine et le Japon? Les représentations cinématographiques du massacre de Nankin se conforment en plusieurs points au discours que tiennent les autorités chinoises sur l'histoire de la deuxième guerre sino japonaise. Ce discours s'inscrit à l'intérieur d'une rhétorique de construction nationaliste, visant à combler le vide idéologique auquel fait face le Parti Communiste chinois' (PCC) depuis le début des années 1980. Pour faciliter la mise en place de ce nationalisme, basé sur l'importance de l'unité autour du Parti, ce dernier met en place une campagne d'éducation patriotique dans laquelle les arts et le cinéma en particulier jouent un rôle prédominant. Le discours cinématographique soutenant ce discours s'articule principalement autour de trois axes, la représentation de l'armée japonaise, la représentation de l'homme en tant que héros et la représentation de la femme et des enfants en tant que victimes.

À partir de la réforme économique chinoise de 1978, et en liaison avec le changement de la société chinoise, l'échange entre le cinéma chinois et celui de l'étranger est de plus en plus fréquent. Dans ce contexte, les réalisateurs chinois veulent montrer au monde entier leurs films et leur savoir faire, en mettrant en valeur leur propre identité culturelle. Au milieu de la théorie cinématographique chinoise se développe un courant d'idée sur l'identité nationale du film chinois. Les cinéastes chinois doivent-ils s'inspirer plutôt de la mondialisation ou de l'esprit chinois, c'est une question que se posent souvent les cinéastes chinois durant ces trois dernières décennies. Le corps est un thème caractéristique de l'identité nationale qui se situe à la jonction entre le cinéma, l'homme, la culture et la société. A travers la représentation du corps, cette thèse montre que la mondialisation et la volonté de conserver l'identité nationale influencent ensemble le développement du cinéma chinois de ces trente dernières années, surtout dans la création artistique. Grâce à la mondialisation les cinéastes chinois se rendent compte de la singularité nationale et ont la volonté de développer le cinéma chinois tout en représentant l'identité nationale. Même si la mondialisation permet aux Chinois une vision du monde plus large et plus lointaine, les films qui représentent les éléments liés à leur vie ou à leur culture locale attirent toujours les spectateurs. / From the dawn of economic reform in 1978, through the transformation of Chinese society, exchanges between foreign cinema and China are becoming more and more frequent. Chinese directors desire to share their films and cultural heritage to the world, while maintaining their own identity. A movement of new ideas about the national identity of Chinese film is developing at the heart of their cinematographic theory. Whether Chinese filmmakers should be inspired by globalization or not, is a question that they have often asked themselves in the past three decades.The body is a special subject which shows national identity. We can witness the evolution of film, humans, culture and society, through research in the body. Through the representation of the body, this thesis shows that globalization and the desire to preserve the national identity have influenced the development of Chinese cinema in the past thirty years, mainly through an artistic aspect. Due to globalization, Chinese filmmakers are aware of the national singularity and have the will to develop Chinese cinema while representing national identity. Even though globalization allows the Chinese to take a broader view of the world, films that represent elements related to their life or local culture always attract spectators.

Les premiers films chinois sont des documentaires de l’opéras traditionnels. Le langage cinématographique dans le cinéma chinois est née avec Tragédie de l’opium de 1916. L’industrie du cinéma a été fondée dans les années vingt avec la naissance de nombreux studios et avec une production débordante de long-métrage qui est très proche des films hollywoodiens. Le cinéma muet chinois est toujours présent dans les années trente. La mise en scène manifeste une conception cinématographique moderne en gardant la continuité de l’espace-temps. Dans l’utilisation du mouvement de caméra, SUN Yu garde une conception d’espace-temps rationaliste occidentale, tandis que FEI Mu respecte la fluidité d'image. Il y a trois styles principaux des cinéastes du muet : le "théâtre filmée", le modèle hollywoodien chinois et l’école de l’esthétique traditionnelle. La "tradition" du cinéma chinois n’est pas bien formée à l’époque du muet, pourtant elle est une tendance remarquable. Elle devient dans le début des années quarante avec le film parlant une conception générale de l’esthétique cinématographique qui est différente du cinéma d’autres pays. Elle se caractérise, par l’intégralité du plan avec l’utilisation fréquente du plan-séquence et le travelling continue. Cette esthétique cinématographique est influencée profondément par l’opéra traditionnel et la peinture chinoise, qui manifeste l’esprit de l’esthétique chinoise traditionnelle. La "tradition" du cinéma chinois se continue dans les films chinois d’aujourd’hui, pourtant, elle se trouve plutôt dans les films d’art. / The earliest film in China was the documentary of Chinese opera. It was the first time that the film language appeared in Victims of Opium of 1916. In the 1920s, the Chinese film industry came into being, building up many film studios and producing a quantity of Hollywood style feature films. The production of Chinese silent films had never stopped until the 1930s, when the concept of mise en scène had begun to pay attention to the continuity of time and space, showing the concept of modern film. As for the motion photography, the rational concepts of time and space in the West have been revealed in SUN Yu’s films while FEI Mu has created the implicit images by using motion photography. Thus, in the 1930s, there were three major types of film aesthetic tendencies: the dramatic films, Hollywood-style films and the films with Chinese traditional aesthetic tendency. In the silent era of films, the tradition had become the apparent aesthetic tendency in Chinese films, but it hadn’t developed into the mature film style. Not until the beginning of the 1940s of sound films had this tendency become a distinct national characteristic, which were keeping the integrity of single shot, frequently using le plan-séquence and ongoing motion photography. Chinese traditional opera and paintings have great influence on this film aesthetics, which shows Chinese traditional aesthetics revealed in the film art. The tradition in Chinese films has also been shown in today’s Chinese films; however, it is a style of the art film rather than the film aesthetics of those hot commercial films.

Cette thèse se consacrera à la question de construction d'une mémoire collective de la révolution culturelle (1966-1976) par le cinéma chinois contemporain de l'année 1979 à 2005. cette thèse n'est pas une étude esthétique du cinéma chinois ; son axe central consiste à faire une analyse et une interprétation socio-historique des films et à interroger le cinéma en tant qu'il offre un ensemble de représentations qui renvoie directement ou indirectement à la société réelle du passé. au lieu de mesurer des empreintes déposées dans la « mémoire nationale » des années de troubles par les images cinématographiques, je vais tenter de comprendre et faire comprendre comment l'histoire de la révolution culturelle avait été convoquée, figurée et réinventée par le cinéma chinois en fonction des enjeux du temps présent. la lecture historique et sociale des films qui abordent la question de la mémoire collective permettra d'atteindre à des zones non-visibles de la société chinoise pendant la révolution maoïste. elle permettra aussi de comprendre comment la mémoire d'un événement traumatisant pour la société est en permanence recomposée pour s'inscrire dans une identité collective en continuelle mutation. / This thesis is devoted to studying the collective memory of the Cultural Revolution through contemporary Chinese films (1979-2009). The central theme is to demonstrate how de ―seventh art‖ contributed to the vitality and diversity of the writing of the Cultural Revolution history. The Cultural Revolution had highly serious economic and social consequences for the Chinese society as a whole. My interest is to inquiry into the place and responsibility of the individuals in this history through the social-historical interpretation of the films which refers directly or indirectly to the Chinese society of the past. The film about the history and memory can be seen as an agent enhancing our understanding of the history. Reading films about the history and memory will not only provide the link between the past and present for a society, but also provide the guidance to its future. Furthermore, it also helps to understand how the memory of a traumatic event is continuously rewritten by the Chinese society in order to construct a national identity and to fight against forgetting. The question of the identity has also a political significance. Rewriting the history of the Cultural Revolution is also vital to the Chinese authorities who need to re-affirm the legitimacy of its power. Taking into account the place and responsibility of the individuals in the Cultural Revolution is a fundamental issue for writing this traumatic history, which constitute the center of this thesis.

Si de nombreuses études occidentales portent sur le cinéma chinois contemporain, les écrits occidentaux consacrés aux films de la première moitié du 20t: siècle sont presque inexistants. Cette recherche propose une réflexion sur un champ d'étude méconnue en France qu'est le mélodrame cinématographique chinois durant la période républicaine (1911-1949). Elle envisage une réévaluation sur les films souvent qualifiés de « réalistes» et de « révolutionnaires ». Les œuvres mélodramatiques chinoises possèdent de multiples facettes: son style stéréotypé (la victime, le traître, le misérabilisme et le manichéisme), sa nature hybride (influence occidentale et héritage chinois), et ses messages contradictoires (conservateurs pour certains, révolutionnaires pour d'autres). En dépit de son caractère propagandiste, le mélodrame apparaît comme étant l'un des genres les plus appréciés par le peuple chinois et les intellectuels. / Many western film scholars have strong interest to the Chinese contemporary movie, but, rarely they devotes to the films of the first half of the 20s century. This study proposes a reflection on a field of study that is the Chinese film melodrama during the Republican period (1911-1949), a field of study which is utterly neglected in France. It envisages a revaluation on the movies often called "realist" and "revolutionary". Chinese melodramatic films possess multiple faces: its stereotyped style (the victim, the traitor, the miserabilism and the Manichaeism), its hybrid nature (Chinese heritage and western influences), and contradictory messages (conservative for some people, revolutionaries for others). Despite its propagandistic character, melodrama is considered as one of the most popular gender by both the Chinese people and intellectuals.

Le thème de la mobilisation totale est au cœur de la réflexion actuelle sur le renouvellement des modes de subjectivation et des manières d’être-ensemble. En arrière-plan, on trouve la question de la compatibilité entre les processus vitaux humains et la modernité, bref, la question de la viabilité du processus de civilisation occidental. Au cœur du diagnostic: l’insuffisance radicale de la fiction de l’homo oeconomicus, modèle de l’individu privé sans liens sociaux et souffrant d’un déficit de sphère. La « communauté qui vient » (Agamben), la « politisation de l’existence » (Lopez Petit) et la création de « sphères régénérées » (Sloterdijk) nomment autant de tentatives pour penser le dépassement de la forme désormais impropre et insensée de l’individualité. Mais comment réaliser ce dépassement? Ou de manière plus précise : quelle traversée pour amener l’individu privé à opérer ce dépassement? Ce doctorat s’organise autour d’une urgence focale : [E]scape. Ce concept suggère un horizon de fuite immanent : il signe une sortie hors de l’individu privé et trace un plan d’idéalité permettant d’effectuer cette sortie. Concrètement, ce concept commande la production d’une série d’analyses théoriques et artistiques portant sur des penseurs contemporains tels que Foucault, Deleuze ou Sloterdijk, l’album Kid A de Radiohead ainsi que sur le cinéma et l’art contemporain chinois (Jia Zhangke, Wong Kar-Wai, Wong Xiaoshuai, Lou Ye, Shu Yong, Huang Rui, Zhang Huan, Zhu Yu, etc.). Ces analyses sont conçues comme autant de passages ou itinéraires de désubjectivation. Elles posent toutes, d’une manière ou d’une autre, le problème du commun et de l’être-ensemble, sur le seuil des non-lieux du capitalisme global. Ces itinéraires se veulent liminaux, c’est-à-dire qu’ils se constituent comme passages sur la ligne d’un dehors et impliquent une mise en jeu éthopoïétique. Sur le plan conceptuel, ils marquent résolument une distance avec le paradigme de la politique identitaire et la critique des représentations interculturelles. / The theme of total mobilization is central to the contemporary reflection on the renewing of subjectivation processes and ways of being-together. In the background, we find the question of the compatibility between the human vital processes and modernity, or in other words, the question of the viability of Western civilization. At the core of the diagnosis: the radical insufficiency of the homo oeconomicus’s fiction, model of the private individual without meaningful social links and suffering from a sphere deficit. The “coming community” (Agamben), the “politization of existence” (Lopez Petit) and the creation of “regenerated spheres” (Sloterdijk) name as many attempts to think how to go beyond the henceforth improper and senseless form of individuality. But how are we to realize this overcoming? Or more precisely: which crossing to bring the private individual to operate this overcoming? This work is organized around a focal urgency: [E]scape. This concept suggest an immanent horizon of flight: it signs a way out of the private individual and draws a plan of ideality allowing to effectuate this exit. Concretely, this concept commands the production of a series of theoretical an artistic analysis of contemporary thinkers like Foucault, Deleuze and Sloterdijk, of Radiohead’s Kid A Album, and of different Chinese contemporary filmmakers and artists (Jia Zhangke, Wong Kar-Wai, Wong Xiaoshuai, Lou Ye, Shu Yong, Huang Rui, Zhang Huan, Zhu Yu, etc.) These analyses are conceived as passages or itineraries of desubjectivation. They all posit, in one way or the other, the problem of the common and of the being-together, on the threshold of global capitalism’s non-places. These itineraries are meant to be liminal, i.e. they constitute as many passages on the line and imply an ethopoietic mise en jeu. Conceptually speaking, they mark a distance with the identity politics paradigm and the critics of intercultural representations.

Le thème de la mobilisation totale est au cœur de la réflexion actuelle sur le renouvellement des modes de subjectivation et des manières d’être-ensemble. En arrière-plan, on trouve la question de la compatibilité entre les processus vitaux humains et la modernité, bref, la question de la viabilité du processus de civilisation occidental. Au cœur du diagnostic: l’insuffisance radicale de la fiction de l’homo oeconomicus, modèle de l’individu privé sans liens sociaux et souffrant d’un déficit de sphère. La « communauté qui vient » (Agamben), la « politisation de l’existence » (Lopez Petit) et la création de « sphères régénérées » (Sloterdijk) nomment autant de tentatives pour penser le dépassement de la forme désormais impropre et insensée de l’individualité. Mais comment réaliser ce dépassement? Ou de manière plus précise : quelle traversée pour amener l’individu privé à opérer ce dépassement? Ce doctorat s’organise autour d’une urgence focale : [E]scape. Ce concept suggère un horizon de fuite immanent : il signe une sortie hors de l’individu privé et trace un plan d’idéalité permettant d’effectuer cette sortie. Concrètement, ce concept commande la production d’une série d’analyses théoriques et artistiques portant sur des penseurs contemporains tels que Foucault, Deleuze ou Sloterdijk, l’album Kid A de Radiohead ainsi que sur le cinéma et l’art contemporain chinois (Jia Zhangke, Wong Kar-Wai, Wong Xiaoshuai, Lou Ye, Shu Yong, Huang Rui, Zhang Huan, Zhu Yu, etc.). Ces analyses sont conçues comme autant de passages ou itinéraires de désubjectivation. Elles posent toutes, d’une manière ou d’une autre, le problème du commun et de l’être-ensemble, sur le seuil des non-lieux du capitalisme global. Ces itinéraires se veulent liminaux, c’est-à-dire qu’ils se constituent comme passages sur la ligne d’un dehors et impliquent une mise en jeu éthopoïétique. Sur le plan conceptuel, ils marquent résolument une distance avec le paradigme de la politique identitaire et la critique des représentations interculturelles. / The theme of total mobilization is central to the contemporary reflection on the renewing of subjectivation processes and ways of being-together. In the background, we find the question of the compatibility between the human vital processes and modernity, or in other words, the question of the viability of Western civilization. At the core of the diagnosis: the radical insufficiency of the homo oeconomicus’s fiction, model of the private individual without meaningful social links and suffering from a sphere deficit. The “coming community” (Agamben), the “politization of existence” (Lopez Petit) and the creation of “regenerated spheres” (Sloterdijk) name as many attempts to think how to go beyond the henceforth improper and senseless form of individuality. But how are we to realize this overcoming? Or more precisely: which crossing to bring the private individual to operate this overcoming? This work is organized around a focal urgency: [E]scape. This concept suggest an immanent horizon of flight: it signs a way out of the private individual and draws a plan of ideality allowing to effectuate this exit. Concretely, this concept commands the production of a series of theoretical an artistic analysis of contemporary thinkers like Foucault, Deleuze and Sloterdijk, of Radiohead’s Kid A Album, and of different Chinese contemporary filmmakers and artists (Jia Zhangke, Wong Kar-Wai, Wong Xiaoshuai, Lou Ye, Shu Yong, Huang Rui, Zhang Huan, Zhu Yu, etc.) These analyses are conceived as passages or itineraries of desubjectivation. They all posit, in one way or the other, the problem of the common and of the being-together, on the threshold of global capitalism’s non-places. These itineraries are meant to be liminal, i.e. they constitute as many passages on the line and imply an ethopoietic mise en jeu. Conceptually speaking, they mark a distance with the identity politics paradigm and the critics of intercultural representations.

L’image des ruines est quasi absente dans l’art traditionnel en Chine. Mais l’usine abandonnée et le bâtiment démoli sont régulièrement présents dans le cinéma chinois contemporain depuis la des années 90. À plusieurs reprises, Jia Zhang-ke s’est inspiré du champ de ruines tandis que Wang Bing a exprimé la nostalgie pour le vieux quartier à Shenyang dans une interview à propos d’À l’Ouest des rails. De leur côté, Wang Quan’an, Wang Chao, Lou Ye, Zhang Yang racontent souvent les histoires dans le contexte de la grande vague d’urbanisation du pays. L’image des ruines, comme symptôme, est surdéterminée dans leurs films.Ce travail tente d’analyser l’esthétique des ruines par la pensée de l’anachronisme. Dans l’image filmique, le champ de ruines et le chantier ne sont ni les simples fétiches intemporels, ni les simples chroniques figuratives. Ils sont des montages de temporalités différentes par lesquels on peut entrevoir l’écheveau de notions hétérogènes, des symptômes qui font apparaître le pouvoir impérial de la Chine ancienne, des désirs de la fuite hors du monde quotidien. / The image of the ruins is almost absent in the traditional Chinese art. But the demolished building and the abandoned factory have become the most important urban landscape in the contemporary Chinese cinema since the late 1990s. The field of ruins inspired Jia Zhang-ke to write screenplays for films and Wang Bing expressed nostalgia about the old district of Shenyang during an interview. On their side, lots of filmmakers are interested in social realty in the context of urbanization. So the image of the ruins is overdetermined as a symptom in their films. This thesis is trying to analyse the esthetic value of the ruins by using the idea of anachronism. In the image of film, the field of ruins and the construction site are neither the timeless simple fetishes nor the figurative chronicles. They are some montages of different time zones, through which a mixture of ideas can be seen. They are some symptoms which can show the imperial power of the old China. They are finally some desires for escape from the concrete life-world.

Jia Zhang-ke est un cinéaste chinois. Il est généralement considéré comme une figure de la Sixième génération. De son premier court-métrage Xiao Shan Going Home (1995) jusqu’à I Wish I Knew, de son premier films trilogie Xiao Wu, artisan pickpocket (1997), Platform (2000), Plaisirs Inconnus (2002) qui est considéré comme des films underground, à la sortie en Chine de Still Life en face du film blockbuster La cité interdite de Zhang Yi-mou, Jia Zhang-ke reste fidèle à son attitude de cinéaste de films d’auteur. Il ne change jamais. Il est un authentique paradigme de la société chinoise. Il est comme un écrivain qui enregistre la mutation de la société chinoise des années 1980 et 1990 jusqu’à aujourd’hui. Il cherche la vérité, avec sincérité, soucieux de ne jamais simplifier la réalité, dans le respect de l’homme et de la complexité de sa vie quotidienne. Ce que je crois avoir bien dégagé dans ma thèse, c’est la fertilité des oppositions symétriques : arrière-garde et avant-garde, ancien et nouveau, tradition et modernité, culture réservée à une certaine élite et culture de masse. Parce que Jia Zhang-ke est toujours un entre-deux : Oriental et Occidental, procédure de fiction et procédure documentaire. / Jia Zhang-ke is a Chinese film director. He is generally regarded as a leading figure of the Sixth Generation mouvement of Chinese cinema. From his first short Xiao Shan Going Home (1995) to the last film I Wish I Knew (2010), from his early films trilogy Xiao Wu (1997), Platform (2000), Unknown Pleasures (2002), which are considered underground film, to the film Still Life in front of the blockbuster film Curse of the Golden Flower by Zhang Yi-mou, Jia Zhang-ke remains faithful to his attitude film d'auteur. He never changes. He is a true paradigm of Chinese society. He is as a writer who records the transformation of Chinese society in the 1980s and 1990s until today. He seeks the truth with sincerity, careful, not to simplify the reality, within the respect of man and the complexity of everyday life. What I think I have identified in my work, is the fertility oppositions symmetrical: avant garde and rear garde, old and new, traditional and modernity, cultural elite and mass culture. Because Jia Zhang-ke is always an in-between: Oriental and Occidental, process documentary and fiction process. / 贾樟柯是一位中国导演.他被公认为是第六代电影导演的代表人物.从他的第一部短片小山回家,（1995年），直到海上传奇（2010年），从他的第一个故乡三部曲，小武（1997年），站台（2000年），任逍遥（2002）, 他的地下电影时期，到三峡好人, 和张艺谋的大制作满城尽带黄金甲同日公映,贾樟柯始终保持他作者导演的态度。他从来没有改变. 他是一个真正的中国社会的范式。他像是一个作家，记录了中国社会在20世纪80年代和90年代直到今天的社会转型。他用真诚寻求真理，小心的从来不简化现实, 尊重人和日常生活的复杂性。在我的论文中,我坚持用对比：后卫和先锋，旧的和新的，传统与现代，精英文化和大众文化。因为贾樟柯总是跨界：东方和西方，剧情

Les amours de l’ombre et de la lumière ont depuis longtemps hanté l’imaginaire chinois grâce à l’art des lanternes magique et bien avant, à celui des ombres chinoises. Dès la fin du XIXème siècle, le cinéma français est présent en Chine où ce « divertissement occidental nouveau-né » aux particularités techniques et artistiques inédites s’est fait accepter. La présente étude tente de découvrir, classer, analyser et synthétiser des documents historiques peu connus afin de montrer le processus de développement du cinéma en Chine et plus particulièrement la diffusion du cinéma français et son acceptation par les spectateurs chinois. Cette analyse sera menée ici jusqu’à l’éclatement de la guerre sino-japonaise en 1937. Comment, en tant que production artistique et ambassadeur culturel aux séductions multiples, le cinéma français a-t-il dépassé ses frontières nationales et influencé le cinéma chinois - voire la société chinoise ? Ce questionnement impliquera une étude approfondie de l’histoire du cinéma chinois des origines et abordera quelques spécificités des cultures chinoises. / In Chinese cinema, shadow puppetry theatre and magic lantern have long been their ancient form of storytelling and entertainment. By the late 19th century French cinema was present in China, whereby their 'new born occidental entertainment' with their particular techniques and artistic characteristics was accepted. The following study attempts to discover, classify, analyze and unify little-known historical documents; in order to demonstrate the developmental process of cinema in China, especially the diffusion of the French cinema, and its reception by the Chinese public. This analysis is conducted from between 1897 up to the end of the Manchurian war in 1937 - How, as an artistic production and a cultural ambassador pass beyond his national borders influencing the Chinese cinema, as well as the Chinese society? This question involves a thorough study of the origins of the Chinese cinema, exploring some specific features of the Chinese culture. / 对光与影的迷恋，让中国人自古就有了“灯影”，“皮影戏”等娱乐艺术形式。自19世纪末法国电影传到中国, 中国开始接纳“西洋影戏”这个带着科技与艺术特性的“新生儿”。本文试图发掘，梳理，辨析，整合历史文献资料, 结合中国电影从无到有的发展进程, 来考察1937年中日战争全面爆发以前法国早期电影如何在中国大陆进行传播，以及它们如何一步步被中国人接受。作为一种文化艺术的产物，法国电影又是如何在它跨国的旅行中，施展着它作为文化使者的魅力和影响, 并以此细化对中国早期电影史的认识。