Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Literatura / Made available in DSpace on 2013-06-25T18:31:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 310274.pdf: 3021915 bytes, checksum: 4a5d825775990d5e8cd4650803c4675e (MD5) / Este trabalho tem como objetivo analisar e discutir adaptações da Divina Commedia para jovens leitores, para os quadrinhos, para o videogame, para o cinema (por meio da animação). Para tanto, foram escolhidas como corpus desta pesquisa sete adaptações literárias da Divina Commedia para jovens leitores, sendo cinco delas adaptadas por autores brasileiros: Marques Rebelo (década de 70), Cecília Casas (1996), Paula Adriana Ribeiro (2002), Luiz Galdino (2006), Lino de Albergaria (2010), e duas traduções: Piero Selva (traduzida por Maria Lúcia Oberg, 2002) e Roberto Mussapi (traduzida por Luís Camargo, 2009). Fazem parte, ainda, das discussões: duas versões para os quadrinhos, adaptação de Piero e Giuseppe Bagnariol (2011), e a adaptação de Seymour Chwast (em tradução, 2011) - e uma adaptação para videogame, transformada posteriormente em animação, intitulada, Dante's Inferno (2010). Nas análises desses textos, procuro verificar em que medida os adaptadores leem, veem, reescrevem sua(s) leitura(s) do poema italiano, tendo por base, embora respaldada em outras teceduras teóricas, concepções de Linda Hutcheon (2011) no que se refere a uma teoria das adaptações. Busco, também, discutir os diversos entendimentos teórico-críticos (AZEVEDO, 1999; MONTEIRO, 2002; VIEIRA, 2004, 1998; AMORIM, 2005; CARVALHO, 2006; SANTOS, 2006; FORMIGA, 2009) que circulam, no âmbito acadêmico, via teses e dissertações, a respeito das adaptações literárias, que passam a ser compreendidas, como: tradução, recriação, resumo, paráfrase, reescritura, vislumbrando uma [nova] nomenclatura para esses textos. Desse modo, partindo da discussão dos conceitos de "clássico" e de "cânone", procuro verificar em que medida se instaura a presença de Dante Alighieri e da Divina Commedia entre os leitores brasileiros na contemporaneidade. / This work aims to analyze and discuss Divine Comedy adaptations for young readers, for comics, for video game and film adaptation (through animation). Thus, it was chosen as this research corpus of literary adaptations seven Divina Commedia for young readers, five of which are adapted by Brazilian authors: Marques Rebelo (in the seventies), Cecilia Casas (1996), Paula Adriana Ribeiro (2002), Luiz Galdino (2006), Lino de Albergaria (2010), and two translations: Piero Selva (translated by Maria Lucia Oberg, 2002) and Roberto Mussapi (translated by Luis Camargo, 2009). In the discussions are also included: two versions of the comics adaptation of Piero and Giuseppe Bagnariol (2011), and adaptation of Seymour Chwast (translation, 2011) - and an adaptation for video games, transformed later in animation, titled Dante's Inferno (2010). In the analyzes of these texts, it is tried to ascertain to what extent the adapters read, see, rewrite his/her readings of the Italian poem, based on, though backed by other weavings theoretical conceptions, Linda Hutcheon's theory (2011) as refers to a theory of the adaptations. Seeking also discuss the various theoretical and critical understandings (AZEVEDO, 1999; MONTEIRO, 2002; VIEIRA, 2004, 1998; AMORIM, 2005, CARVALHO, 2006; SANTOS, 2006; FORMIGA, 2009) that circulate in the academic space, via theses and dissertations, concerning literary adaptations, which are to be understood as: translation, recreation, summary, paraphrase, rewriting, seeing a [new] nomenclature for these texts. Thus, starting the discussion of the concepts of "classic" and "Canon", it is tried to verify whether it is established the presence of Dante Alighieri's Divine Comedy among readers in contemporary Brazil.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2010 / Made available in DSpace on 2012-10-25T03:24:44Z (GMT). No. of bitstreams: 0 / Este estudo trata da adaptação de peças de William Shakespeare à televisão. Abrange, em especial, duas produções da BBC Shakespeare Series, a saber, Antony and Cleopatra (1981), dirigida por Jonathan Miller, e Cymbeline (1983), dirigida por Elijah Moshinsky. Ambas foram filmadas numa época em que a maioria dos produtores e diretores da BBC concebiam a televisão como um meio no qual as produções tinham que parecer mais realísticas possíveis, como numa abordagem fílmica realística. Miller e Moshinsky, por outro lado, fizeram uso de estilização#uma abordagem não realística#em suas produções, tomando pinturas do final do século XVI e do século XVII como inspiração para a composição de cenários, figurinos, iluminação e organização do espaço. Este estudo busca fazer uma análise comparativa de elementos visuais das referidas produções, assim como verificar a presença e a eficácia de estilização como abordagem de se televisionar as peças de Shakespeare.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente / Made available in DSpace on 2013-07-15T23:49:03Z (GMT). No. of bitstreams: 0 / O objetivo deste estudo é analisar como o romance O Paciente Inglês (1992) de Michael Ondaatje retrata questões de identidade nacional e nacionalismo, bem como temas interrelacionados, tais como cartografia e fronteiras. Este estudo tem ainda por objetivo investigar de que maneira tais questões são apresentadas na adaptação homônima para o cinema, dirigida por Anthony Minghella, em 1996. A análise leva à conclusão de que além das referências diretas a nacionalismo e identidade nacional, o filme aborda esses conceitos através do uso de elementos cinematográficos, tais como som, mise-en-scene, cinematografia e edição.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente / Made available in DSpace on 2012-10-22T02:29:14Z (GMT). No. of bitstreams: 0 / A presente pesquisa tem como objetivo principal investigar o processo de adaptação de filmes baseados em textos literários em relação ao contexto histórico e social em que eles foram produzidos. Desta forma, a pesquisa apresenta uma análise comparativa de duas versões cinematográficas da peça do dramaturgo Tennessee Williams A Streetcar Named Desire produzidas em momentos históricos distintos, a primeira para o cinema, dirigida por Elia Kazan (1951) e a outra feita para a televisão, dirigida por Glenn Jordan (1995). Uma discussão sistemática sobre o processo de

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria de Lourdes Teles.pdf: 991430 bytes, checksum: 61f9ad3e9282aae07e788f944f0fd695 (MD5) Previous issue date: 2008-09-24 / Secretaria da Educação do Estado de São Paulo / This is an analysis of O Matador (The Killer), a novel by Patrícia Melo, and its transposition to the film (2002) O homem do ano (The man of the year) by the film maker José Henrique Fonseca, pointing at the deviations in the narrative focalization and its effects after the book adaptation. The leading thread is the narrator s role in the construction of the fable both in the novel and the film. Even presenting himself as an autodiegetic narrator, Máiquel decentralizes, in the novel, his role as the central subject of the narrative whenever he clearly evinces his absence putting himself, at the same time, in the condition of reader and listener of the story he himself narrates. In the film, on the contrary, Máiquel reports, in off, his trajectory in the world of crime. In his report the events are narrated linearly. To explain this linearity of the filmic text, it was considered the hypothesis of the establishment of a narrator with an angle of vision fixed in the facts, obtained by means of a camera, that is, in the film, image and voice express Máiquel s thoughts, feelings, and perceptions. Thus, this narrator cannot hide his presence nor change his point of view, as the narrator in the novel does. Starting from these perspectives, an attempt was made to analyze both texts by using the theoretical concepts of Friedman (1967), Bourneuf (1976) e Genette (1989), in order to evaluate the role of the subject of enunciation in the narrative plot of the novel and film. The filmic transmutation was analyzed in the light of the theories of Benjamin (1983), Campos (1992), Einsenstein (2002) e Pudovkin (2003), with the purpose of tackling aspects which explain the subjectivity of the film narrative and how it took shape, since the film was here considered as a re-creation of the novel / Esta dissertação tem por objetivo a análise do romance O Matador (1995), de Patrícia Melo, e da transposição fílmica O homem do ano (2002), do cineasta José Henrique Fonseca, visando apontar os desvios de focalização narrativa e seus efeitos após a adaptação do livro, tendo como fio condutor a atuação do narrador na construção das fábulas romanesca e fílmica. Mesmo se apresentando como um narrador autodiegético, Máiquel descentraliza, no romance, seu papel de sujeito central da narrativa, ao deixar evidências claras de sua ausência, colocando-se, ao mesmo tempo, na condição de leitor e ouvinte da história que ele próprio narra. No filme, ao contrário, Máiquel relata, em off, sua trajetória pelo mundo do crime; os acontecimentos são narrados linearmente. Para explicar a linearidade narrativa do texto fílmico, consideramos a hipótese da instauração de um narrador com ângulo de visão fixo nos fatos, obtido por meio da câmera, ou seja, no filme, a imagem e a voz expõem os pensamentos, sentimentos e percepções de Máiquel. Logo, esse narrador não pode ocultar sua presença ou mudar seu ponto de vista, assim como faz o narrador do romance. A partir dessas perspectivas, procuramos analisar os dois textos utilizando os conceitos teóricos de Friedman (1967), Bourneuf (1976) e Genette (1989), para avaliar o papel do sujeito da enunciação na trama narrativa do romance e do filme. A transposição fílmica foi analisada à luz das teorias de Benjamin (1983), Campos (1992), Einsenstein (2002) e Pudovkin (2003), com o objetivo de abordar aspectos que expliquem a subjetividade da narrativa fílmica e como essa nova narrativa foi configurada, visto que consideramos o filme uma re-criação do romance

This thesis examines the philosophical notion of selfhood in visual representation. I introduce the self as a modern and postmodern concept and argue that there is a loss of selfhood in contemporary culture. Via Jacques Derrida, Jean-Luc Nancy, Gerhard Richter and the method of deconstruction of language, I theorise selfhood through the figurative and literal analysis of duration, the frame, and the mirror. In this approach, selfhood is understood as aesthetic-ontological relation and construction based on specific techniques of the self. In the first part of the study, I argue for a presentational rather than representational perspective concerning selfhood by translating the photograph Self in the Mirror (1964), the painting Las Meninas (1656), and the video Cornered (1988), into my conception of a cinematic theory of selfhood. Based on the presentation of selfhood in those works, the viewer establishes a cinematic relation to the visual self that extends and transgresses the boundaries of inside and outside, presence and absence, and here and there. In the second part, I interpret epistemic scenes of cinematic works as durational scenes in which selfhood is exposed with respect to the forces of time and space. My close readings of epistemic scenes of the films The Congress (2013), and Boyhood (2014) propose that cinema is a philosophical mirror collecting loss of selfhood over time for the viewer. Further, the cinematic concert A Trip to Japan, Revisited (2013), and the hyper-film Cool World (1992) disperse a spatial sense of selfhood for the viewer. In the third part, I examine moments of selfhood and the forces of death, survival, and love in the practice of contemporary cinematic portraiture in Joshua Oppenheimer’s, Michael Glawogger’s, and Yorgos Lanthimos’ work. While the force of death is interpreted in the portrait of perpetrators in The Act of Killing (2013), and The Look of Silence (2014), the force of survival in the longing for life is analysed in Megacities (1998), Workingman’s death (2005), and Whores’ Glory (2011). Lastly, Dogtooth (2009), Alps (2011), and The Lobster (2015) present the contemporary human condition as a lost intuition of relationality epitomised in love.

Depuis les années 1990, un motif formel particulier a pris de l’ampleur au cinéma : il s’agit de la conjonction du caméscope intradiégétique et du point de vue médiatisé, deux procédés qui représentent respectivement un caméscope intégré à une narration filmique et le point de vue de ce que tourne une caméra intradiégétique (caméscope ou non) dans une scène donnée. À partir de cette constatation, cette thèse propose d’observer certaines caractéristiques propres à ces procédés, en utilisant les outils du néoformalisme de Kristin Thompson et de la poétique historique de David Bordwell, autant en ce qui concerne leur utilisation dans les films et leur évolution dans l’histoire du cinéma. La problématique comporte deux volets. Le premier est analytique et se penche sur un corpus de films qui utilisent le caméscope intradiégétique ou le point de vue médiatisé de façon importante, soit American Beauty (1999), Blair Witch Project (1999), Caché (2005) et Le journal d’un coopérant (2010). L’objectif est de dégager des séries de fonctions, de stratégies, de normes, de conventions et d’alternatives propres à l’usage de ces procédés. Pour cela, le corpus principal sera comparé à un corpus plus large, comprenant une variété de films provenant autant du cinéma classique que moderne. Le second volet est historique et concerne l’évolution stylistique particulière de ces deux procédés et de leur conjonction, principalement dans le cinéma classique hollywoodien. Dans un premier temps, l’étude des caméras intradiégétiques au cinéma avant les années 1980, donc durant la période qui précède l’arrivée du caméscope, permet de comprendre les différences et les ressemblances avec le cinéma actuel. Dans un deuxième temps, l’évolution récente du caméscope intradiégétique et du point de vue médiatisé depuis les années 1980 est une façon d’observer comment cette conjonction s’est développée en parallèle à d’autres phénomènes comme la progression du mode amateur, les nouvelles possibilités de tournage en vidéo au cinéma, l’essor du cinéma pornographique gonzo ou la popularisation du style run and gun et de la caméra-épaule. Derrière ces observations, il sera question de voir à quel point la popularité de la conjonction du caméscope intradiégétique et du point de vue médiatisé est représentative d’une fragmentation ou d’une intensification du style du cinéma contemporain par rapport à celui qui l’a précédé. / Since the 1990s, a formal pattern that has become increasingly popular in film is the combined use or “conjunction” of the intradiegetic camcorder and the mediated point of view, two devices that are represented respectively by a camcorder integrated to a filmic narration and the point of view of what an intradiegetic camera (camcorder or not) is shooting in a given scene. Taking this observation as a starting point, this dissertation proposes to examine some of the characteristics of these devices, using the tools of Kristin Thompson’s neoformalism and David Bordwell’s historical poetics, with concern both for their uses in movies and their evolution in the history of cinema. This research problem is divided into two aspects. The first is analytical and is concern with a corpus of movies that make salient use of the intradiegetic camcorder or the mediated point of view: American Beauty (1999), The Blair Witch Project (1999), Caché (2005) and Le journal d’un coopérant (2010). The objective is to reveal a series of functions, strategies, norms, conventions and alternatives that are characteristic of the use of these devices. To achieve this, the main corpus will be compared with a larger one composed of a variety of movies from classical as well as modern cinema. The second aspect is historical and is concerned with the particular stylistic evolution of these two devices and their conjunction, primarily in classical Hollywood cinema. On the one hand, the study of intradiegetic cameras prior to the 1980s (during the period before the invention of the camcorder) elucidates the differences and similarities between previous and actual cinema. On the other hand, the recent evolution of the intradiegetic camcorder and the mediated point of view since the 1980s provides insight into the way in which this conjunction has developed in parallel with other phenomena such as the development of the amateur mode, the new possibilities offered by shooting in video for the film industry, the expansion of pornographic gonzo cinema or the popularization of the run and gun style and of the hand-held camera. Using these observations, we will determine the extent to which the popularity of the conjunction of the intradiegetic camcorder and the mediated point of view is representative of a fragmentation or an intensification of the style of contemporary cinema compared to the cinema of previous periods.