Esta pesquisa visa compreender o projeto estético-político do cineasta inglês Ken Loach dentro da história da arte política, e como fruto de um processo histórico de crise da Esquerda e fragmentação da classe trabalhadora, intensificado durante a segunda metade do século XX. Observamos de que maneira a obra de Ken Loach estabelece relações entre a criação de uma forma que possua um resgate de elementos formais (como o melodrama, o naturalismo, o neo-realismo italiano e a Czech New Wave) que teriam um potencial utópico em sua origem, e a busca por conteúdos que explicitem a luta de classes. A refuncionalização desses materiais estéticos o aproxima da concepção benjaminiana de História e dos pressupostos políticos do teatro épico de Bertolt Brecht. Os filmes usados como base para a análise são Terra e Liberdade (Land and Freedom, 1995) e Uma Canção para Carla (Carla\'s Song, 1996), filmes cujas temáticas enfatizam momentos de verdadeiros estados de exceção, como a guerra civil espanhola e a revolução nicaragüense. Além disso, ambos os filmes trazem à tona a discussão sobre o papel do cinema político, de suas possibilidades e limites dentro da indústria cultural e da conjuntura sócio-histórica do final do século XX. / This research aims at understanding the aesthetical-political project of the English filmmaker Ken Loach in the course of the history of political art, and as a result of the historical process of crisis of the Left and fragmentation of the working class, intensified throughout the second half of the 20th century. We observe the ways in which the work of Ken Loach establishes relations between the making of a form which possesses a rescue of formal elements (such as melodrama, naturalism, Italian neorealism and Czech New Wave) that have a utopian potential in their origin, and the search for themes that make the class struggle explicit. The refunctionalization of those aesthetical materials brings him closer to the Benjaminian conception of History and the political assumptions of the epic theater of Bertolt Brecht. The movies used as basis for the analysis are Land and Freedom (1995) and Carlas Song (1996), movies whose themes emphasize moments of real states of exception, such as the Spanish civil war and the Nicaraguan revolution. Besides, both films bring about the discussion over the role of political cinema, its possibilities and limitations inside the cultural industry and the socio-historical conjuncture of the end of the 20th century

Esta pesquisa tem como objetivo analisar a produção fílmica do cineasta norte-americano Michael Moore, tendo como questão central a relação que se estabelece entre arte e política num momento histórico que, de um lado, aponta para a crise do capitalismo e, de outro, para a fragmentação política da classe trabalhadora. A partir da análise formal de dois de seus filmes, estabelecemos uma relação com os momentos históricos que lhes deram condições de produção, a fim de compreender o método desenvolvido pelo cineasta para lidar com a crise de representação e comunicação vivida pela arte política nas últimas décadas. Os dois filmes escolhidos para tal análise são Roger e Eu (Roger & Me, 1989) e Capitalismo: uma história de amor (Capitalism: a love story, 2009). Ambos os filmes possuem diagnósticos de momentos distintos da crise do capitalismo, juntamente com a constatação de que existe um desmonte da classe trabalhadora, fruto de uma série de mudanças econômicas, políticas e culturais, especialmente ao longo da segunda metade do século XX e início do XXI. Este trabalho faz um estudo comparativo dos dois filmes, traçando as continuidades e mudanças estéticas e políticas ocorridas na obra de Michael Moore num intervalo de duas décadas, bem como sua relação com as condições de representação da luta de classes dentro da cultura norte-americana. Esta pesquisa reflete sobre o surgimento do fenômeno Michael Moore como parte de um processo de construção e desconstrução de uma tradição da classe trabalhadora norte-americana. / This research aims to analyze the film production of the American filmmaker Michael Moore, proposing as a central question the relationship established between art and politics in a historical moment which, on one side, points to the crisis of capitalism and, on the other side, to the political fragmentation of the working class. Starting from the formal analysis of two of his films, we have established a relationship with the historical moments which gave conditions of production to them, in order to understand the method developed by the filmmaker to deal with the crisis of representation and communication experienced by political art in the last decades. The two films chosen for this analysis are Roger & Me (1989) and Capitalism: a love story (2009). Both films have different diagnoses of the distinct moments of the capitalist crisis, along with the realization of the fact there is a dismantling of the working class, result of a series of economic, political and cultural chances, especially during the second half of the 20th century and early 21st century. This research makes a comparison between the two films, tracing the aesthetic and political continuities and changes in the work of Michael Moore which happened throughout two decades, as well as its relation to the conditions of representation of class struggle in American culture. This work reflects on the rise of the Michael Moore phenomenon as part of a process of construction and deconstruction of a tradition of the American working class.

Esta pesquisa visa compreender o projeto estético-político do cineasta inglês Ken Loach dentro da história da arte política, e como fruto de um processo histórico de crise da Esquerda e fragmentação da classe trabalhadora, intensificado durante a segunda metade do século XX. Observamos de que maneira a obra de Ken Loach estabelece relações entre a criação de uma forma que possua um resgate de elementos formais (como o melodrama, o naturalismo, o neo-realismo italiano e a Czech New Wave) que teriam um potencial utópico em sua origem, e a busca por conteúdos que explicitem a luta de classes. A refuncionalização desses materiais estéticos o aproxima da concepção benjaminiana de História e dos pressupostos políticos do teatro épico de Bertolt Brecht. Os filmes usados como base para a análise são Terra e Liberdade (Land and Freedom, 1995) e Uma Canção para Carla (Carla\'s Song, 1996), filmes cujas temáticas enfatizam momentos de verdadeiros estados de exceção, como a guerra civil espanhola e a revolução nicaragüense. Além disso, ambos os filmes trazem à tona a discussão sobre o papel do cinema político, de suas possibilidades e limites dentro da indústria cultural e da conjuntura sócio-histórica do final do século XX. / This research aims at understanding the aesthetical-political project of the English filmmaker Ken Loach in the course of the history of political art, and as a result of the historical process of crisis of the Left and fragmentation of the working class, intensified throughout the second half of the 20th century. We observe the ways in which the work of Ken Loach establishes relations between the making of a form which possesses a rescue of formal elements (such as melodrama, naturalism, Italian neorealism and Czech New Wave) that have a utopian potential in their origin, and the search for themes that make the class struggle explicit. The refunctionalization of those aesthetical materials brings him closer to the Benjaminian conception of History and the political assumptions of the epic theater of Bertolt Brecht. The movies used as basis for the analysis are Land and Freedom (1995) and Carlas Song (1996), movies whose themes emphasize moments of real states of exception, such as the Spanish civil war and the Nicaraguan revolution. Besides, both films bring about the discussion over the role of political cinema, its possibilities and limitations inside the cultural industry and the socio-historical conjuncture of the end of the 20th century

Esta pesquisa tem como objetivo analisar a produção fílmica do cineasta norte-americano Michael Moore, tendo como questão central a relação que se estabelece entre arte e política num momento histórico que, de um lado, aponta para a crise do capitalismo e, de outro, para a fragmentação política da classe trabalhadora. A partir da análise formal de dois de seus filmes, estabelecemos uma relação com os momentos históricos que lhes deram condições de produção, a fim de compreender o método desenvolvido pelo cineasta para lidar com a crise de representação e comunicação vivida pela arte política nas últimas décadas. Os dois filmes escolhidos para tal análise são Roger e Eu (Roger & Me, 1989) e Capitalismo: uma história de amor (Capitalism: a love story, 2009). Ambos os filmes possuem diagnósticos de momentos distintos da crise do capitalismo, juntamente com a constatação de que existe um desmonte da classe trabalhadora, fruto de uma série de mudanças econômicas, políticas e culturais, especialmente ao longo da segunda metade do século XX e início do XXI. Este trabalho faz um estudo comparativo dos dois filmes, traçando as continuidades e mudanças estéticas e políticas ocorridas na obra de Michael Moore num intervalo de duas décadas, bem como sua relação com as condições de representação da luta de classes dentro da cultura norte-americana. Esta pesquisa reflete sobre o surgimento do fenômeno Michael Moore como parte de um processo de construção e desconstrução de uma tradição da classe trabalhadora norte-americana. / This research aims to analyze the film production of the American filmmaker Michael Moore, proposing as a central question the relationship established between art and politics in a historical moment which, on one side, points to the crisis of capitalism and, on the other side, to the political fragmentation of the working class. Starting from the formal analysis of two of his films, we have established a relationship with the historical moments which gave conditions of production to them, in order to understand the method developed by the filmmaker to deal with the crisis of representation and communication experienced by political art in the last decades. The two films chosen for this analysis are Roger & Me (1989) and Capitalism: a love story (2009). Both films have different diagnoses of the distinct moments of the capitalist crisis, along with the realization of the fact there is a dismantling of the working class, result of a series of economic, political and cultural chances, especially during the second half of the 20th century and early 21st century. This research makes a comparison between the two films, tracing the aesthetic and political continuities and changes in the work of Michael Moore which happened throughout two decades, as well as its relation to the conditions of representation of class struggle in American culture. This work reflects on the rise of the Michael Moore phenomenon as part of a process of construction and deconstruction of a tradition of the American working class.

Este trabalho analisa filmes do cineasta Chris Marker que indagaram sobre a Unidade Popular do Chile nos anos 1970. Entre as produções abordadas, estão duas que foram remontadas a partir de documentários chilenos feitos durante o governo de Salvador Allende: La première année (1973) e On vous parle du Chili: ce que disait Allende (1973). Além disso, mais três filmes desse realizador se dedicaram ao tema: La Spirale (1976), Lambassade (1974) e O fundo do ar é vermelho (1977). Por meio do estudo dessa filmografia, identificaram-se quais foram as estratégias narrativas utilizadas e qual foi o discurso político sobre a chamada experiência chilena que essas estratégias elaboraram. A reflexão sobre o corpus permitiu verificar que o interesse por esse processo, visto desde a França, emergiu do espaço deixado pelas frequentes desilusões diante de uma referência política anterior, igualmente vinda da América Latina e que havia motivado os debates da esquerda francesa na década de 1960: a Revolução Cubana. Assim, optou-se por incluir também na pesquisa produções markerianas que nasceram do contato entre esse realizador e o Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC): Cuba si (1961), La bataille des dix millions (1970), On vous parle du Brésil: tortures (1969) e On vous parle du Brésil: Carlos Marighela (1970). A análise dos filmes elencados revela que, durante os anos da UP no poder, houve uma vontade de aproximação entre Chile e França que valorizava os caminhos empregados pela via chilena ao socialismo, apontando-os como possibilidades para uma Nova Esquerda europeia. Porém, com o golpe de Estado de 1973, essa postura passou por uma revisão, e a experiência chilena serviu à elaboração de leituras que apontassem um legado e lições que poderiam ser retirados da queda da Unidade Popular. Nesse sentido, as produções de Marker fazem uma denúncia das ações da direita que derrubaram Allende, bem como constroem uma visão autocrítica que indica os erros cometidos pela própria esquerda que possibilitaram essa derrota. Essa tentativa de atribuir um legado e lições buscava responder sobretudo aos anseios de uma esquerda francesa que dispunha de um programa comum de governo fortemente inspirado naquele da UP chilena, mas que deveria ser submetido a uma revisão após o fracasso de sua referência latinoamericana. Sob essa visão, esta tese propõe um estudo voltado à circulação de ideias culturais e políticas entre América Latina e França, que delega ao continente um papel central nessa relação durante os anos 1960 e 1970 e a Chris Marker a função de um mediador cinematográfico. / This work analyses the Chris Markers films that inquired about the Popular Unity in the 1970s. Among the productions approached, two of them have been reassembled from other Chilean documentaries that had been made during the Salvador Allendes government: La première année (1973) and On vous parle du Chili: ce que disait Allende (1973). Furthermore, three other films by Chris Marker have analysed this subject: La Spirale (1976), The embassy (1974) and The grin without a cat (1977). By studying his filmography, this research could identify the narratives strategies that had been used by the director, as well as the political discourse elaborated by them. The reflections about the corpus allowed verify how the interest for this Chilean process, viewed from France, has emerged from an empty space left by the usual delusion given by an earlier reference that had motivated the French left during the 1960s, also gone from Latin-American: the Cuban Revolution. So, we chose to also include in the research the Markers productions came from the relationship between this director and the Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC): Cuba si (1961), La bataille des dix millions (1970), On vous parle du Brésil: tortures (1969) and On vous parle du Brésil: Carlos Marighela (1970). The analysis of the films-selected shows that, during the UPs years in the power, there was a wish to approach Chile and France by valorising the Chileans way to the socialism and pointing it as a possibility to the European New Left. However, after the coup détat in 1973, this attempt has been revised and the Chilean experience has been used to elaborate lectures that pointed a legacy and lessons from the follow of Popular Unity. In this sense, the Markers productions denounce the rights actions to overthrow Allende, as well as built a self-criticism vision to indicate the lefts mistakes that had collaborated to the defeat. This wish to show a legacy and lessons has dialogued with the expectations of a Frenchs left that had have a common government programme tightly inspired in the Chileans UP ones, but that has required a revision after the failure of its Latin-American reference. From this point of view, this thesis proposes a study based on the circulation of cultural and political ideas between Latin American and France that delegated to this continent a central role in this relationship during the 1960s and the 1970s, and assigned to Chris Marker the function of a cinematographic mediator.

Esta tese analisa as representações estéticas e ideológicas na prática do documentário no Nuevo Cine Latinoamericano (NCL) a partir dos discursos dos cineastas Geraldo Sarno (Brasil), Raymundo Gleyzer (Argentina) e Santiago Álvarez (Cuba), entre os anos de 1964 e 1974. Para isso, estabelecemos paralelos entre a prática das realizações destes cineastas e os ideais e posições teóricas defendidos nos manifestos cinematográficos produzidos nestes países; bem como examinamos as vozes da produção discursiva que, neste período, enunciavam o cinema como instrumento de transformação social na América Latina. Além disso, investigou-se o processo de produção (da filmagem à exibição), elemento-chave para se entender o cinema social, militante e revolucionário dessa época, já que estes cineastas atuavam via de regra fora do circuito comercial de exibição. Por fim, indagamos em que medida o documentário se constituiu enquanto narrativa histórica. Em suma, a pesquisa almejou aprofundar os estudos sobre a produção documental no Nuevo Cine Latinoamericano, buscando interações entre teoria e prática, cinema e história e os significados dessas produções documentais para esse momento histórico, político e cultural da América Latina. / This tesis analyzes the aesthetic and ideological representations in the practice of documentary in the New Latin American Cinema (NCL) from the speeches Raymundo Gleyzer (Argentina), Geraldo Sarno (Brazil) and Santiago Álvarez (Cuba), between the years 1964 and 1974. For this, we established parallels between the practice of the achievements of these filmmakers and theoretical positions espoused in manifestos film produced in these countries, as well as examined the voices of discursive production, which, in this period, enunciated the cinema as a tool of social transformation in Latin America. Furthermore, we investigated the process of production (filming to distribution), a key element for understanding the political cinema of that time, as these filmmakers acted as a rule outside the commercial circuit display. Finally, we inquired how the documentary can be a historical narrative. In short, this research purposed to deepen the studies of the documentary in the New Latin American Cinema, seeking interactions between theory and practice, film and history and the meanings of these documentary productions for this moment in history, politics and culture in Latin America

Este trabalho analisa filmes do cineasta Chris Marker que indagaram sobre a Unidade Popular do Chile nos anos 1970. Entre as produções abordadas, estão duas que foram remontadas a partir de documentários chilenos feitos durante o governo de Salvador Allende: La première année (1973) e On vous parle du Chili: ce que disait Allende (1973). Além disso, mais três filmes desse realizador se dedicaram ao tema: La Spirale (1976), Lambassade (1974) e O fundo do ar é vermelho (1977). Por meio do estudo dessa filmografia, identificaram-se quais foram as estratégias narrativas utilizadas e qual foi o discurso político sobre a chamada experiência chilena que essas estratégias elaboraram. A reflexão sobre o corpus permitiu verificar que o interesse por esse processo, visto desde a França, emergiu do espaço deixado pelas frequentes desilusões diante de uma referência política anterior, igualmente vinda da América Latina e que havia motivado os debates da esquerda francesa na década de 1960: a Revolução Cubana. Assim, optou-se por incluir também na pesquisa produções markerianas que nasceram do contato entre esse realizador e o Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC): Cuba si (1961), La bataille des dix millions (1970), On vous parle du Brésil: tortures (1969) e On vous parle du Brésil: Carlos Marighela (1970). A análise dos filmes elencados revela que, durante os anos da UP no poder, houve uma vontade de aproximação entre Chile e França que valorizava os caminhos empregados pela via chilena ao socialismo, apontando-os como possibilidades para uma Nova Esquerda europeia. Porém, com o golpe de Estado de 1973, essa postura passou por uma revisão, e a experiência chilena serviu à elaboração de leituras que apontassem um legado e lições que poderiam ser retirados da queda da Unidade Popular. Nesse sentido, as produções de Marker fazem uma denúncia das ações da direita que derrubaram Allende, bem como constroem uma visão autocrítica que indica os erros cometidos pela própria esquerda que possibilitaram essa derrota. Essa tentativa de atribuir um legado e lições buscava responder sobretudo aos anseios de uma esquerda francesa que dispunha de um programa comum de governo fortemente inspirado naquele da UP chilena, mas que deveria ser submetido a uma revisão após o fracasso de sua referência latinoamericana. Sob essa visão, esta tese propõe um estudo voltado à circulação de ideias culturais e políticas entre América Latina e França, que delega ao continente um papel central nessa relação durante os anos 1960 e 1970 e a Chris Marker a função de um mediador cinematográfico. / This work analyses the Chris Markers films that inquired about the Popular Unity in the 1970s. Among the productions approached, two of them have been reassembled from other Chilean documentaries that had been made during the Salvador Allendes government: La première année (1973) and On vous parle du Chili: ce que disait Allende (1973). Furthermore, three other films by Chris Marker have analysed this subject: La Spirale (1976), The embassy (1974) and The grin without a cat (1977). By studying his filmography, this research could identify the narratives strategies that had been used by the director, as well as the political discourse elaborated by them. The reflections about the corpus allowed verify how the interest for this Chilean process, viewed from France, has emerged from an empty space left by the usual delusion given by an earlier reference that had motivated the French left during the 1960s, also gone from Latin-American: the Cuban Revolution. So, we chose to also include in the research the Markers productions came from the relationship between this director and the Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC): Cuba si (1961), La bataille des dix millions (1970), On vous parle du Brésil: tortures (1969) and On vous parle du Brésil: Carlos Marighela (1970). The analysis of the films-selected shows that, during the UPs years in the power, there was a wish to approach Chile and France by valorising the Chileans way to the socialism and pointing it as a possibility to the European New Left. However, after the coup détat in 1973, this attempt has been revised and the Chilean experience has been used to elaborate lectures that pointed a legacy and lessons from the follow of Popular Unity. In this sense, the Markers productions denounce the rights actions to overthrow Allende, as well as built a self-criticism vision to indicate the lefts mistakes that had collaborated to the defeat. This wish to show a legacy and lessons has dialogued with the expectations of a Frenchs left that had have a common government programme tightly inspired in the Chileans UP ones, but that has required a revision after the failure of its Latin-American reference. From this point of view, this thesis proposes a study based on the circulation of cultural and political ideas between Latin American and France that delegated to this continent a central role in this relationship during the 1960s and the 1970s, and assigned to Chris Marker the function of a cinematographic mediator.

Esta tese analisa as representações estéticas e ideológicas na prática do documentário no Nuevo Cine Latinoamericano (NCL) a partir dos discursos dos cineastas Geraldo Sarno (Brasil), Raymundo Gleyzer (Argentina) e Santiago Álvarez (Cuba), entre os anos de 1964 e 1974. Para isso, estabelecemos paralelos entre a prática das realizações destes cineastas e os ideais e posições teóricas defendidos nos manifestos cinematográficos produzidos nestes países; bem como examinamos as vozes da produção discursiva que, neste período, enunciavam o cinema como instrumento de transformação social na América Latina. Além disso, investigou-se o processo de produção (da filmagem à exibição), elemento-chave para se entender o cinema social, militante e revolucionário dessa época, já que estes cineastas atuavam via de regra fora do circuito comercial de exibição. Por fim, indagamos em que medida o documentário se constituiu enquanto narrativa histórica. Em suma, a pesquisa almejou aprofundar os estudos sobre a produção documental no Nuevo Cine Latinoamericano, buscando interações entre teoria e prática, cinema e história e os significados dessas produções documentais para esse momento histórico, político e cultural da América Latina. / This tesis analyzes the aesthetic and ideological representations in the practice of documentary in the New Latin American Cinema (NCL) from the speeches Raymundo Gleyzer (Argentina), Geraldo Sarno (Brazil) and Santiago Álvarez (Cuba), between the years 1964 and 1974. For this, we established parallels between the practice of the achievements of these filmmakers and theoretical positions espoused in manifestos film produced in these countries, as well as examined the voices of discursive production, which, in this period, enunciated the cinema as a tool of social transformation in Latin America. Furthermore, we investigated the process of production (filming to distribution), a key element for understanding the political cinema of that time, as these filmmakers acted as a rule outside the commercial circuit display. Finally, we inquired how the documentary can be a historical narrative. In short, this research purposed to deepen the studies of the documentary in the New Latin American Cinema, seeking interactions between theory and practice, film and history and the meanings of these documentary productions for this moment in history, politics and culture in Latin America

Submitted by Maria Dulce (mdulce@ndc.uff.br) on 2014-02-13T19:44:34Z No. of bitstreams: 1 Esteves, Flavia-Tese-2013.pdf: 2241259 bytes, checksum: f12f2aeba5461d7002e571ee2bee6ef5 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-02-13T19:44:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Esteves, Flavia-Tese-2013.pdf: 2241259 bytes, checksum: f12f2aeba5461d7002e571ee2bee6ef5 (MD5) Previous issue date: 2013 / O cinema, como um veículo para interpretação de um contexto histórico particular, mantém estreitas relações com a conjuntura na qual é concebido e visto. O diálogo entre filmes e história é focalizado neste trabalho através dos personagens femininos de quatro produções brasileiras: S. Bernardo (Leon Hirszman, 1972); Lição de amor (Eduardo Escorel, 1975); Parahyba mulher macho (Tizuka Yamasaki, 1983) and Eternamente Pagu (Norma Bengell, 1988). Esta pesquisa tenta compreender uma proposta de cinema político que leva às telas mulheres expressivas como protagonistas ou personagens essenciais na narrativa — elas se convertem em instrumentos para se questionar aspectos do poder que extrapolam a política institucional. Tais filmes pertencem a um contexto no qual as artes no Brasil enfrentam os efeitos de um governo ditatorial, como a censura e a repressão política, além do crescimento de uma indústria cultural. Cabe aqui discutir se a opção por observar aspectos subjetivos e relações pessoais, em cada uma das produções analisadas, acaba por produzir uma concepção distinta de política e de um cinema que busca a crítica social. Para além de elementos que sugerem aceitação do mercado cinematográfico e as limitações do contexto político, tais personagens femininas, apropriadas de décadas anteriores na história do Brasil, expressam certo olhar questionador sobre relações familiares, pessoais ou amorosas, ou mesmo sobre os papéis femininos na sociedade. Relações sociais cotidianas e conflitos subjetivos compõem, através das personagens femininas, um espaço para a análise do poder em suas múltiplas dimensões — em outras palavras, concebendo e vivenciando o privado como político. / Cinema, as a vehicle for na interpretation of a particular historical time, keeps close relation with the context in which it is conceived and seen. The dialogue between films and History is focused on this essay through the feminine characters of four Brazilian movies: S. Bernardo (Leon Hirszman, 1972); Lição de amor (Eduardo Escorel, 1975); Parahyba mulher macho (Tizuka Yamasaki, 1983) and Eternamente Pagu (Norma Bengell, 1988). It tries to understand a proposal of political cinema that puts on screen expressive women as principal or essential characters in the narrative – these women appear as instruments to question aspects of politics which go beyond the institutional politics. These films belong to a context in which Brazilian arts face the effects of a dictatorial government, such as censure and political repression, and also the increase of a cultural industry. It is worth discussing whether the option for observing subjective aspects and personal relationships, in each of these movies, ends up producing a differentiated conception of politics and a film focused on social criticism. Besides the elements that signal and acceptance of the film market and the limitations of the political context, these feminine characters, which belong to previous decades in Brazilian History, express such critical remark on personal, family and love relationships, or even on women’s role in society. Social relations in the daily routine and subjective conflicts compose, through the feminine characters, a space to analyze the power in its multiple dimensions – in other words, conceiving and living the private as political.

Les objectifs de cette thèse sont de mettre à jour, d\'analyser et de critiquer la conception du cinéma révolutionnaire qui a été portée par le Cinema Novo et s\'est fondée sur le concept de « conscientisation » tel qu\'il a été formulé par les sciences sociales brésiliennes dans les années cinquante. Le Cinema Novo, que nous définirons comme un groupe de cinéastes, soutient une production suivie dans le Brésil des années soixante et se présente comme un cinéma humaniste, ayant pour but la prise de conscience par la population brésilienne des mécanismes sociaux, culturels, économiques et politiques qui expliquent le sous-développement, afin qu\'elle se révolte et fasse la révolution. Glauber Rocha fut la figure de proue de ce cinéma qui ne se résume pas à lui et qui a beaucoup évolué au cours de ses dix ans d\'existence. Nous le verrons en étudiant, entre autres : Sécheresse (Vidas secas) de Nelson Pereira dos Santos, Les Fusils (Os Fuzis) de Ruy Guerra, Le Dieu noir et le diable blond (Deus e o diabo na terra do sol), Terre en transe (Terra em transe) et Antonio-das-Mortes (O Dragão da maldade contra o santo guerreiro) de Glauber Rocha. Notre approche s\'insère dans le champ cinéma-histoire et applique à un nouvel objet d\'étude les méthodes développées sur d\'autres sujets par Michel Marie, Jean-Pierre Esquenazi ou encore Jean-Pierre Bertin-Maghit. Nous verrons ici comment, assimilant cinéma d\'auteur et cinéma révolutionnaire, le Cinema Novo a évité les schémas classiques et manipulateurs d\'un cinéma de propagande sans pour autant établir avec le grand public une relation suivie et devenir ce cinéma populaire de conscientisation idéalisé à ses débuts. / A tese apresentada pretende revelar, analisar e criticar a concepção do cinema revolucionário defendida pelo Cinema Novo fundada no conceito de conscientização formulada pelas ciências sociais brasileiras nos anos cinqüenta. O Cinema Novo, definido aqui como um grupo de cineastas, produz um volume conseqüente de filmes durante os anos sessenta. Ele se apresenta como um cinema humanista que tem por objetivo provocar a compreensão, pela população brasileira, dos mecanismos sociais, culturais, políticos e econômicos que explicam o subdesenvolvimento, para que esta se revolte e faça a revolução. Glauber Rocha foi o líder incontestável deste cinema que no entanto não se restringe a ele e que muito evoluiu durante seus dez anos de existência como veremos estudando entre outros : Vidas secas de Nelson Pereira dos Santos, Os Fuzis de Ruy Guerra, Deus e o diabo na terra do sol, Terra em transe e O Dragão da maldade contra o santo guerreiro de Glauber Rocha. Nossa perspectiva se insere no campo de estudo das relações entre cinema e história e aplica a um novo objeto métodos anteriormente desenvolvidos por Michel Marie, Jean-Pierre Esquenazi e Jean-Pierre Bertin-Maghit. Nós veremos como, a partir da assimilação entre cinema de autor e cinema revolucionário, o Cinema Novo conseguiu evitar os esquemas clássicos do cinema de propaganda sem no entanto estabelecer com o público uma relação estável, nem se tornar esse cinema popular de conscientização idealizado no início dos anos sessenta.