Magíster en teoría e historia del arte / Tesis no autorizada para ser publicada a texto completo / La particularidad de esta tesis es propiciar una investigación que no se centre particularmente en lo formal, ni en descifrar el discurso teórico. Sino más bien, se enfoca en la interpretación de estos en su conjunto, con el objetivo de trascender el mecanismo para interrogarse sobre el sentido de la obra. Es por esto que la hipótesis derivada corresponde a la siguiente pregunta: ¿La representación realista de la cinematografía de Cristián Sánchez nos sirve como estrategia para introducirnos, rastrear, organizar y develar las realidades que coexisten en el campo de lo real de la representación?

Tesis para optar al grado de Magister en Comunicación Social / Esta tesis consiste en una investigación orientada a caracterizar el consumo cultural cinematográfico, concentrando el objeto de estudio en el consumo de cine que realizan niños – adolescentes (a través de cuatro categorías etarias que van desde los 6 a 17 años), en la ciudad de Puerto Montt. El último cine de características comerciales en la ciudad de Puerto Montt se registró hace 8 años, con el lánguido final y la clausura definitiva del Cine Rex en 1995. De ahí que la inauguración del complejo Cinemundo, en Diciembre del 2002, un proyecto de la compañía Chile Films, marcó la puesta en marcha de un nuevo producto cultural, a través del potente formato múltiplex. Con este escenario: la incorporación de un cine de características multisalas (cinco) y la instalación de aquel complejo cinematográfico en un importante centro comercial, la asistencia al cine alcanzó cifras espectaculares. Hacia el 2003 la concurrencia al cine en la Región de Los Lagos se empinó en las 401.455, según el Anuario de Cultura y Tiempo Libre, del Instituto Nacional de Estadísticas (INE), 2003; considerando que Valdivia y Osorno sólo poseen una sala de exhibición, la hegemonía en salas y espectadores la obtiene Puerto Montt con el 80% del mercado, y unos 360.000 asistentes anuales aproximados.

El desarrollo de esta Tesis aborda la obra cinematográfica de Lucrecia Martel en el marco de la cultura contemporánea argentina, definiendo a la cineasta como autora e intelectual de la imagen. Para ello, se propone por un lado, un análisis crítico de las estructuras estético narrativas que los films proponen, y se analizan las problemáticas emergentes en su lenguaje, relacionadas con las representaciones de la memoria histórico-cultural, los procesos socio políticos, los imaginarios y las sensibilidades sociales. Por el otro, se formula la pregunta en torno al mundo cinematográfico que construye la cineasta dentro del contexto comunicacional actual, con la promulgación y constitucionalidad de la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual (26.522) y que implicancia tiene en el proceso de conocimiento e identidad a través de los medios artístico – comunicativos, siendo su cine el resultado de una matriz cultural argentina y latinoamericana. Ambos ejes, se ponen en tensión y en diálogo para ubicar no solo la profundidad del cine de Martel, sino la complejidad de abordar el campo audiovisual como un lenguaje con características propias, que se constituye como una propuesta estética, política y cultural, que relaciona el presente con el pasado, que valoriza la construcción de mundos sensibles, y que pretende vivenciar y experimentar procesos identitarios, reales, simbólicos e imaginarios.

La presente tesis busca identificar y describir cómo una lógica de marketing incide en una producción cinematográfica, específicamente en la exitosa película Asu Mare (film más taquillero en la historia del Perú). Para ello se aplicará 3 métodos cualitativos: 2 focus group a espectadores, 4 entrevistas a profundidad a los realizadores, y un análisis de contenido a 6 escenas del largometraje. Como hipótesis se proponen: 1) La elección de los elementos discursivos y visuales de la película Asu Mare fueron predeterminados por una lógica de marketing orientada a crear un producto que se consuma masivamente. 2) Los realizadores de la película Asu Mare apostaron por un modelo similar al usado en Hollywood (estudios de audiencia previos, posicionamiento del actor y del unipersonal, entre otros).3) El carisma y la trayectoria en Pataclaun de Carlos Alcántara. El humor basado en situaciones cotidianas, el stand up homónimo a la película y la representación de temas aspiracionales de los peruanos son algunos de los recursos usados en Asu Mare que generaron identificación con la audiencia.4)La audiencia de Asu Mare se sintió reflejada en primera o tercera persona con las situaciones que afrontó el protagonista. Además, satisfizo su necesidad de entretenimiento light, sensibilidad predominante de la audiencia actual. / Tesis

Socióloga / “El cine es el siglo XX porque todo lo que ha ocurrido en éste está en aquél, de modo explícito cuando sus acontecimientos inspiran directamente sus contenidos, o cuando influye en su lenguaje, en sus estilos narrativos, en la elección de temas y en la mirada que se les dedica” (Mouesca & Orellana, Cine y memoria del siglo XX, 1998) La película, se trate o no de una imagen copiada directamente de la realidad, constituye historia en tanto aquello que ha acontecido, nuestras creencias, sueños y pesadillas, conforman de una u otra forma el imaginario de todo lo que creamos y representamos (Penjean & del Río, 2001). La importancia del film no tiene que ver únicamente por lo que se muestra, sino también por la aproximación socio-histórica que realiza y por los elementos de nuestra identidad que devela, ya que todo lo que está en el cine ha estado presente antes en la historia del hombre, ya sea como realidad o como fantasía. Resulta absolutamente imposible separar una creación audiovisual del entorno o contexto social en el cual es producida. La relación existente entre ambos elementos permite que a través de la pantalla grande se puedan apreciar aquellos elementos principales que conforman una sociedad, sean estos expresados de manera explícita como implícita

El siguiente informe da cuenta de todo el proceso de creación para optar al titulo profesional de pintor. Siendo más que una aproximación teórica un lugar desde donde describo todos los factores que intervienen al momento de creación, reemplazando el enfoque formal de análisis, por uno personal, reflexionando como pintor, más que como teórico, dando a conocer de igual modo el soporte, la técnica, la forma, la composición, y todos sus elementos técnicos, catalogándolos y clasificándolos para finalmente vincular casi de forma sinestésica la imagen con la palabra. Reconfigurar el trabajo visual con lenguaje propio es fundamental a mi modo de ver, para completar la propuesta que uno realiza y no caer en ninguna tentación pretenciosa. Para dejar que la obra hable por si misma y continué con su fuerza natural.

La presente tesis doctoral emprende la investigación de lo monstruoso y sus implicaciones de carácter ideológico, estético y político, especialmente desarrollado en los vídeos musicales de Floria Sigismondi y Chris Cunningham en la década de los noventa. En ese período en concreto nace una nueva generación de directores de videoclips, que ya no se encuentran en el anonimato, como sucedía en los ochenta, ahora son conocidos y respetados, además de transgredir frecuentemente las reglas del marketing promocional del clip estandarizado. Directores entre otros como Michel Gondry, Chris Cunningham, Spike Jonze y Floria Sigismondi, estarían dentro de esta lista privilegiada. Por lo demás estos respectivos realizadores en general trabajan misceláneos ámbitos estilísticos fronterizos, la ultrafragmentación, la intertextualidad y las narraciones figurativas no lineales. Nuestro objetivo es proponer un corpus teórico interdisciplinar que determine las consecuencias que origina lo abominable en el lenguaje fluctuante del videoclip de esos respectivos autores, y sus analogías con otras corrientes del pensamiento postmoderno; a la vez que nos permiten ofrecer nuevas interpretaciones transversales sobre la ideación corporal inverosímil. A nivel metodológico hemos partido del estudio de la monstruosidad histórica y sobre todo de la cinematografía de terror como antecedente de la otredad somática en movimiento, de la cuál formulamos la hipótesis de que el concepto de lo teratológico contemporáneo aplicado al videoclip de factura grotesca; es similar en muchos aspectos al mencionado cine de género, especialmente desde la vertiente del psicoanálisis. Igualmente hemos utilizado el análisis estético aplicado a los videoclips de Carol Vernallis, el concepto de la audiovisión definido por Michel Chion, las teorías de Gilles Deleuze, Michel Foucault, Julia Kristeva, Gérard Lenne y Friedrich Nietzsche, entre otros; para la disertación en profundidad de las obras videográficas. / Pascual Galbis, P. (2011). Lo monstruoso en los vídeos musicales de Floria Sigismondi y Chris Cunningham en los años noventa (1993-1999) [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/11801 / Palancia

La investigación tiene como objetivo examinar la relación entre los elementos gráficos usados en las producciones cinematográficas retrofuturistas pertenecientes a la plataforma de streaming de Netflix y el desarrollo de su estructura narrativa con la finalidad de hallar si estos elementos elaborados a través del diseño gráfico son determinantes para el desarrollo narrativo de una producción cinematográfica considerando factores relacionados a la experiencia cinematográfica. Se estudiaron, a través del análisis documental y de contenido por medio de la observación científica, los elementos gráficos de cuatro capítulos con estética retrofuturista de las series Black mirror (2011) y Maniac (2018), pertenecientes a la plataforma de streaming Netflix. Para lo cual se realizó una clasificación de los mencionados elementos gráficos según su rol y el área del diseño gráfico a la que se adjuntan, obteniendo información detallada de los mismos. A lo largo de la investigación se encontraron 198 elementos propios del diseño gráfico a través de los cuatro capítulos analizados. Los anteriores dependiendo de su uso comunicaban distintas partes de la narrativa, resaltan distintas escenas donde los elementos gráficos definían la trama. Además, se puede afirmar que un elemento gráfico es capaz de revelar distintos estados emocionales del personaje o cambios de contextuales del mundo ficticio en el cual la narrativa tiene lugar. Se concluye a través de esta investigación que el diseño gráfico a través de los elementos gráficos posee una influencia resaltante en la narrativa visual cinematográfica, sobretodo en el género retrofuturista y en la construcción de su estética. / The objective of this research is examining the relationship between the graphic elements used in the retrofuturistic cinematographic production to Netflix streaming platform and in the development of its structural narrative, in order to find if the graphic elements crafted through graphic design are key for the narrative development of a cinematographic production considering factors related to the cinematographic experience. Through a documentary analysis and by means of scientific observation graphic elements from four chapters with retrofuturistic aesthetics from Black Mirror series (2015) and the Maniac series (2018), both belonging to the Netflix streaming platform were studied. For this task a classification of the mentioned graphic elements was conducted, each according to its role and the graphic design area in which they connect, thus obtaining detailed information on those. Throughout the research, a total of 198 elements belonging to graphic design were found among the four chapters analysed. The previous ones, depending on their use, expressed distinct parts of the narrative, some scenes that included graphic elements that defined key parts of the narrative stand out. Furthermore, one can affirm that a graphic design element is capable of revealing emotional states of a character or also show contextual changes in the world where the narrative takes place.  One then reaches the conclusion that by means of researching the various graphic design elements these possess a striking influence on the visual cinematographic narrative, especially in the retrofuturistic genre and in the construction of its aesthetic. / Trabajo de investigación

Este libro reproduce el discurso del Doctor Frederic Chaume durante la ceremonia de otorgamiento de la distinción de Profesor Honorario. Su texto Pasado y presente de la traducción para el doblaje es un recorrido histórico sobre las traducciones audiovisuales y cómo la subtitulización y el doblaje multilingüe han sido de gran importancia para la industria cinematográfica y televisiva. El autor analiza la relevancia de la tecnología en la labor de los traductores que, con el paso del tiempo, ha marcado un cambio en las audiencias, ya que ahora no son meras receptoras, sino que son capaces de interactuar con el relato audiovisual. En esta era de la digitalización, las audiencias de contenidos mediáticos participan de los procesos de traducción y son capaces de elegir el doblaje, subtítulo y la autodescripción que prefieran, lo cual significa una oportunidad para los profesionales de la traducción a buscar y crear nuevas propuestas acorde con los cambios sociales y culturales.

La evolución de la narrativa audiovisual. Analógica, transmedia y social media de Gerardo Karbaum propone una revisión de cómo ha evolucionado la narrativa audiovisual a través de esos tres periodos, con la finalidad de responder las grandes preguntas que surgen en torno al futuro. ¿Qué les depara a las industrias mediáticas? ¿Cuál es y será el rol —cada vez más relevante— de los prosumidores (productores y consumidores) en esta nueva dinámica comunicacional? En este libro lo descubrirás.