La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire s’intéresse au langage musical du répertoire savant pour le piano de la Péninsule ibérique, des années 1886 à 1927, la composition pianistique ayant connu une effervescence sans précédent, dans l’histoire de la musique ibérique, entre la fin du XIXe et le début du XXe siècle. On trouve, dans le corpus d’oeuvres étudiées, une volonté d’expression du national et une recherche de modernité musicale. L’expression du national s’y réalise principalement par un ressourcement dans le matériel musical populaire et folklorique ibérique et par une évocation de la vie péninsulaire, tandis que la recherche de modernité musicale s’inspire d’éléments esthétiques et stylistiques du modernisme français, russe et centre-européen. Les oeuvres étudiées sont celles de trois compositeurs portugais, soient Luiz Costa (1879-1960), Francisco de Lacerda (1869-1934) et Fernando Lopes-Graça (1906-1994), et de quatre compositeurs espagnols, soient Isaac Albéniz (1860-1909), Enrique Granados (1867-1916), Manuel de Falla (1876-1946) et Federico Mompou (1893-1987). Le langage musical de ce corpus est principalement analysé au plan de la forme, de l’harmonie et de la texture, et des éléments biographiques et historiques permettent de replacer cette analyse en contexte. Chaque chapitre tente de mettre en relief une problématique ou un phénomène particulier, propre à l’oeuvre ou à l’ensemble d’oeuvres étudiées, et offre des pistes de réflexion sur les interrogations que suscite l’analyse musicale. / This essay targets the musical language of the art music piano repertoire of the Iberian Peninsula, covering the years 1886 to 1927, pianistic composition having known an unprecedented effervescence in Iberian music history between the end of the XIXth and the beginning of the XXth Century. One finds in the ensemble of works hereby studied a will for national expression and a concern for the research of a modern musical style. In these works, national expression materializes mainly through the borrowing of Iberian folk and popular musical material, as well as by the evocation of peninsular life. On the other hand, the quest for musical modernity draws its inspiration from aesthetic and stylistic elements of French, Russian and Central-European modernism. The works studied are those of three Portuguese composers: Luiz Costa (1879-1960), Francisco de Lacerda (1869-1934) and Fernando Lopes-Graça (1906-1994) and four Spanish composers: Isaac Albéniz (1860-1909), Enrique Granados (1867-1916), Manuel de Falla (1876-1946) and Federico Mompou (1893-1987). The musical language of these works is mainly analyzed in terms of form, harmony and texture, whereas historical and biographical information brings context to this analysis. Each chapter attempts to address a particular issue or phenomenon proper to the studied work (or group of works) and offers some elements of reflection concerning the interrogations raised by musical analysis.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU) / Utiliser les caractéristiques du langage musical folklorique d’Europe de l’Est, principalement de la Hongrie, la Serbie et la Bulgarie, comme source d’inspiration à mon propre langage. / Integrating language features of folk music of Eastern Europe, mainly from Hungary, Serbia and Bulgaria, as a source of inspiration in my own language.

Ce mémoire s'intéresse à l'inscription du son dans la mise en scène Inferno de Romeo Castellucci. Il s'agit de cerner en quoi la dimension sonore de cette œuvre s'émancipe de l'utilisation traditionnelle du son au théâtre et comment son intégration aux actions scéniques en vient à créer un nouveau type de dramaturgie. Ne visant plus l'illustration d'un récit, cette œuvre met de l'avant la matérialité des divers médiums constituant l'action. Nous verrons comment le son dans cette mise en scène s’autonomise. Il ne se veut plus mimétique; il ne vise pas à nous faire entendre quelque chose d’absent. Comme il s'apprécie pour ses qualités propres, le son parvient à « interagir » avec les autres éléments scéniques d’une manière inédite. La dynamique des présences visibles et audibles devient ainsi le foyer de tensions dramaturgiques. Ceci nous conduira à nous interroger sur la question de l'écoute et de ses processus pour tenter de voir comment la perception sonore influence la réception intégrale de ce spectacle. Les notions d'acousmatisme, de flou causal et de déréalisation de la perception temporelle nous permettront d'envisager l'apparition d'une dramatisation de l'écoute. / This study examines the inscription of sound in Romeo Castellucci’s mise en scène of Inferno. It aims to define how the sound environment of this work goes beyond the traditional use of sound in theatre, and how its integration to the stage action creates a new type of dramaturgy. No more intended as the representation of a narrative, this work emphasizes and reinforces the materiality of any medium constituting the action. We will analyze how the sound in this performance becomes an element on its own. Sound is not mimetic anymore: it does not aim to be the echo of something absent. The sound being able to affirm and render its own expressive qualities, it can “interact” with other scenic elements in an innovative manner. The interactions of both visible and audible components give rise to dramaturgical tensions, conducting us to investigate the question of listening and its modalities in a theatrical context. We will then try to understand how audition redefines the reception of the performance.

Réalisé au sein de l'IRCAM, en cotutelle avec Philippe Leroux. La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal. / « Vers une musique autogérée », est un regard sur mes œuvres des trois dernières années : un quatuor à cordes, un quatuor pour flûte basse, saxophone baryton, percussion et piano, une pièce pour voix de femme et douze musiciens et une pièce pour silent piano et dispositif électronique, qui sera le chapitre le plus exhaustif. Tout au long de cette étude, on examinera les notions qui m’inspirent, les points de départ de chaque pièce ainsi que les moyens employés pour arriver au bout de chaque idée. On parlera du tandem « intuition – processus » et comment il s’exprime chaque fois de façon différente, des réseaux qui se créent dans la musique, on abordera le concept omniprésent de l’incompatibilité et les relations que cela autorise, et on suivra l’évolution progressive de l’écriture vers une musique qui se veut « autogérée », en examinant comment ce terme se manifeste, selon les différents contextes. / « Towards an autoregulated music » is a look on my works of the past three years: a string quartet, a quartet for bass flute, baritone saxophone, percussion and piano, a work for female voice and twelve musicians and a piece for silent piano and real time electronics, the most thorough chapter. Throughout this study, we’ll examine the notions that inspire me, every piece’s starting points and the means applied to take every idea to its full potential. We’ll talk about the tandem « intuition – process » and how it’s expressed every time in a different way, the networks that exist in the music, we’ll approach the ever-present concept of incompatibility and the relations it allows, and we’ll follow the gradual evolution of the writing towards a music that calls itself « autoregulated », considering how this term is expressed, in different contexts.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire porte sur l’improvisation libre, pratique musicale apparue au cours de la seconde moitié du vingtième siècle en musique savante occidentale et en parallèle avec le courant du free jazz. Évoquée fréquemment par l’emploi du terme de « musiques improvisées », dans un premier temps, nous abordons le rapport entre cette appellation et la musique qui s’y rattache à travers son emploi chez certains auteurs en musicologie dans l’optique d’en montrer les différentes acceptions. Dans un second temps, nous réfléchissons sur la dualité des origines de la pratique d’improvisation libre afin d’expliquer en quoi celle-ci peut causer une certaine confusion lorsqu’elle est abordée en musicologie. Cette étude se concentre ensuite sur les aspects de pluralisme esthétique et de multiculturalisme qu’on peut rencontrer en improvisation libre. Nous explorons plusieurs explications quant aux fondements de la pratique musicale à partir d’une analyse de ses origines culturelles et historiques. Suite à cela est abordée la question de transculturation, un concept qui a été évoqué à plusieurs reprises ces quinze dernières années concernant les musiques improvisées, sans jamais avoir été appliqué de façon très spécifique à ces dernières. Le mémoire est complété par une analyse de l’improvisation The Usual Turmoil (1997) du tromboniste George E. Lewis et de la kotoïste Myia Masaoka, qui a pour objectif de mettre en application certains éléments de la réflexion théorique précédemment élaborée et de trouver les prémisses d’une méthode propre à l’analyse de l’improvisation libre. / This memoire treat about a specific musical practice which is free improvisation, and which appeared during the second half of the twentieth century in western art music and with the free jazz wave/trend. Frequently referred by the term « improvised music », we will first go through some definitions from authors in musicology to show the different underlying problematic of the term. We will return to the duality of the origins of free improvisation practice in order to explain why such duality caused confusion in musicology studies. We will then look at some specific aspects concerning multicultural and esthetic pluralism in free improvisation. We will try to bring forth some explanations from our analysis of the cultural roots of free improvisation. Furthermore, we will address the question of transculturation, a recent concept frequently used during the last fifteen years in improvised music studies and which had never been deeply studied. Finally, with the analysis of The Usual turmoil, a duet improvisation by the trombonist George E. Lewis and koto player Miya Masaoka, we will be able to consider free improvisation from an analytic point of view.

Les fichiers qui accompagnent mon document on été réalisés avec les logiciels Microsoft Word et Finale. / When We Were Very Young est un recueil de poèmes écrit par A. A. Milne, que j’ai adapté en un cycle de chansons de styles diversifiés, pour le registre de la voix d'un enfant. Mon choix se justifie, d’une part, par le fait que ces poèmes n’ont jamais été adaptés dans leur intégralité et, d’autre part, par ma volonté de redonner à la génération d’aujourd’hui un héritage littéraire mis en une musique nouvelle. En travaillant les divers pastiches stylistiques, j’ai tenté d’élargir mes horizons musicaux, afin de trouver éventuellement ma propre voie. Ma musique est écrite pour être écoutée par un auditoire non averti, tout en visant le raffinement propre à une musique dite savante. La technique d’écriture employée se limite aux langages tonal et modal, de sorte à ne pas trop s’aventurer dans un discours harmonique trop complexe ou d’avant-garde. Par contre, là où je vois place à l’innovation, c’est sur le plan de la forme et de la texture. Tout en gardant un discours harmonique clair, ma démarche de compositeur cherche à briser le cadre rigide d’une forme de chanson à couplets et refrains, et de céder la place à une forme flexible, destinée à soutenir le détail de la prosodie, ainsi que les subtilités littéraires. De nos jours, la musique pour enfants se doit d’être presque simpliste, adaptée à un public estimé non intéressé par des sonorités plus riches et diversifiées. Bien que je conçoive que certains langages musicaux d’avant-garde sont effectivement trop complexes pour une oreille non entraînée, je crois tout de même possible de viser un niveau de composition qui, sans négliger l’auditoire, proposera à celui-ci des couleurs musicales nouvelles et intéressantes. / When We Were Very Young is a collection of poems by A.A. Milne that I have adapted to a stylistically diversified children's songbook. This choice was made for many reasons: first, this cycle has never been put to music in it's entirety; second, to bring our generation a literary heritage in song form. By working on different pastiches, I have attempted to broad my musical horizons, in order to eventually find my own voice. My music is designed to be enjoyed by a musically untrained audience, while aiming for refinement in texture and harmony. Therefore, the composition techniques used are bound to be limited to tonal or modal harmonies, to avoid overly complex progressions and find an innovative approach to texture and form. While keeping a clear harmonic language, my approach as a composer is to break the rigid form of a verse-chorus-verse type song and become more attentive to the prosody and the linguistic subtleties. Today, children's music is considered simple and adapted to a public deemed uninterested by rich and diversified textures. While I understand that many contemporary languages are too complex for an average listener, I believe it is still possible to aim at a compositional level that offers to its audience new and interesting colors.

vii, 124 p. / Despite the rise in participation and economic importance of online games as a media phenomenon, ever-growing virtual worlds that seemingly exist as "third places" for social interaction and relationship formation, there is little research on the experiences of gamers with harassment, discrimination, and hate speech. Though changes in the industry serve as evidence of shifting attitudes about female, GLBTQ, and non-white gamers, harassment and use of hate speech based on sex and sexual orientation continue to flourish unchecked in online games. This study explores the prevalence of homophobia and sexism in online games as expressed through "griefing" behavior used to police competitive spaces traditionally dominated by white, heterosexual men. This thesis employs qualitative research methods to illuminate the persisting homophobia, sexism, and racism as experienced by gamers in online console and PC games. / Committee in charge: Carol Stabile, Chair; Pat Curtin, Member; Gabriella Martinez, Member

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The problem of this study was that, with the impact of new media and delivery systems, principals and librarians must respond to copyright issues in order to remain informed about the copyright law and the legal use of media. The purpose of this study was to gather and evaluate educator response to issues related to copyright. The study was conducted with a sample of regionally accredited secondary schools in the following states: Alabama, Florida, Georgia, Kentucky, Louisiana, Mississippi, North Carolina, South Carolina, Tennessee, Texas, and Virginia. A total of 1008 questionnaires were mailed to the principal and the librarian of the 504 schools of the sample. The data of the study were provided by 546 (54%) questionnaires. The first twenty items of the questionnaire provided the variables used to organize, test, and report the data. The second part of the questionnaire was a multiple choice copyright test used to determine the copyright knowledge of the respondent. The t test was used to test the mean copyright test scores of educator groups for significant differences. Groups were defined by professional position, years of experience, involvement or no involvement in job related litigation, and law class or workshop participation since the enactment of the 1976 Copyright Law. Chi-square was used to test the frequencies of reported exposure to the 1976 Copyright Law between professional groups, experience groups, and law class or workshop participation groups. Seven null hypotheses were tested at the.05 level. The mean copyright test score of the librarian group was significantly higher than the mean score of the principal group. The mean test score of the law class participation group was significantly higher than the mean test score of the non-participation group. Responses of exposure to the 1976 Copyright Law provided a five category hierarchy. There was no significant difference in the exposure reported by the principal and librarian groups. The difference of exposure reported by the law class participation group and the non-participation group was significant. Fourteen research questions, which comprised the periphery of the study, were reported. The findings of the study provided the basis for the conclusions and recommendations.

Victorian prisoners were increasingly out of sight due to the ending of public displays of punishment. Although punishment was hidden in the prison, prison life was a frequent subject for representation. In this dissertation, I examine the ways Victorian illustrated newspapers, paintings, and photographs mediated an encounter with prisoners during a time when the prison was closed to outsiders. Reports and images became a significant means by which many people learned about, and defined themselves in relation to, prisoners. Previous scholarship has focused on stereotypes of prisoners that defined them as the “criminal type,” but I argue prisoners were also depicted in more ambiguous ways that aligned them with “respectable” members of society. I focus on images that compare the worlds inside and outside the prison, which reveal instabilities in representations of “the prisoner” and the ways this figure was defined against a societal norm. Such images draw attention to the act of looking at prisoners and often challenge a notion of the prison as a space of one-sided surveillance.