Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-07-21T20:28:59Z No. of bitstreams: 1 2016_KátiaMilenedosSantosMaffi.pdf: 1887146 bytes, checksum: cc128ee7386a5558a740ef7f8cc5ee02 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-08-19T14:31:16Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_KátiaMilenedosSantosMaffi.pdf: 1887146 bytes, checksum: cc128ee7386a5558a740ef7f8cc5ee02 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-19T14:31:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_KátiaMilenedosSantosMaffi.pdf: 1887146 bytes, checksum: cc128ee7386a5558a740ef7f8cc5ee02 (MD5) / Esta pesquisa tem como objetivo principal experimentar possibilidades de interfaces cinéticosonoras entre princípios da Técnica Klauss Vianna e dos Parâmetros do som, embasado na proposta de César Lignelli. O presente texto aborda o movimento consciente proposto pela Técnica Klauss Vianna, principalmente no que tange ao trabalho com os apoios corporais e o processo de vetores e oposições, visando, deste modo, a interlocução entre eles e os Parâmetros do som, com foco no silêncio, na intensidade, na frequência e no timbre. Discutese ainda a relação do trabalho corporal de artistas da cena, superando a lacuna entre corpo e voz defendendo que tanto o cinético e quanto o sonoro são ênfases do trabalho corporal e, por sua vez, potencialidades do corpo. Propõe-se que, de modo consciente, os artistas da cena se apropriem de suas estruturas corpóreas, reconhecendo-as e investigando-as e, a partir delas se expressem. Sob esta perspectiva, apresentam-se quatro propostas de exercícios práticos desenvolvidos ao longo das investigações, assumindo assim como perspectiva metodológica a auto-etnografia. Neste trabalho, a respiração e a escuta são pontos fundamentais para que se alcance um diálogo ampliado e potente nas expressões cinético-sonoras. Desta forma, a pesquisa defende que a noção de escuta ampliada é facilitadora do diálogo estabelecido entre Técnica Klauss Vianna e Parâmetros do som, contribuindo conscientemente nos processos de formação de artistas da cena, afetando diretamente suas produções cinético-sonoras. ________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This research aims to try possibilities of kinetic sound interfaces between principles of Klauss Vianna Technique and Sound Parameters, based on the proposal of César Lignelli. The present paper approaches the conscious movement proposed by Klauss Vianna Technique, especially in regards to working with body supports, vectors and the opposition’s process aiming thereby the dialogue between them and the Sound Parameters with focus on silence, intensity, frequency and timbre is shown. It is also discussed the relationship of the body work of artists of the scene, overcoming the gap between body and voice arguing that both the kinetic and as the sound are emphases of the body work and, in turn, the body's potential. It is proposed that, consciously, the artists of the scene to take ownership of their body structures, recognizing them and investigating them and from them to express themselves. From this perspective, are presented four proposals practical exercises developed over the investigations, thus taking as a methodological perspective the auto-ethnography. In this work, breathing and listening are key for achieving an expanded and powerful dialogue in kinetic sound expressions. Thus, the research argues that the notion of extended listening is facilitator of the dialogue between Klauss Vianna Technique and Sound Parameters and that this can consciously contribute in the process of formation of artists of the scene, directly affecting their kinetic sound productions.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-09-08T20:06:15Z No. of bitstreams: 1 2016_LiublianaSilvaMoreiraSiqueira.pdf: 10549024 bytes, checksum: bb0e19b7d75459df6e033b690e38fe52 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-10-11T21:05:52Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_LiublianaSilvaMoreiraSiqueira.pdf: 10549024 bytes, checksum: bb0e19b7d75459df6e033b690e38fe52 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-11T21:05:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_LiublianaSilvaMoreiraSiqueira.pdf: 10549024 bytes, checksum: bb0e19b7d75459df6e033b690e38fe52 (MD5) / Trata-se de uma pesquisa qualitativa, que teve como objetivo investigar e registrar quais sentidos o “corpo” assume durante a experiência artística e estética vivenciada pelo Grupo de Banda Percussiva Meninos do São João, da cidade de Palmas-TO, fundamentando-se na interação corpo-música-movimento, para a criação do Espetáculo “DuCampo”. Como alicerce teórico, foram utilizadas concepções de educação, experiência estética, percepção corporal, estruturação de aulas de dança e processos de criação artística, principalmente a partir de pensadores como Paulo Freire, J. Dewey, Jorge Larrosa, Rudolf Laban, Merleau-Ponty, Isabel Marques, Angel Vianna e Fayga Ostrower. Dessa forma, esta investigação busca trazer reflexões sobre o corpo como experiência estética na ação educativa/cultural, além de apontar as contribuições do processo criativo, a partir do ato de brincar, na ampliação do repertório cultural e maior sensibilização e expressividade no fazer musical junto aos processos arte-educativos. Os procedimentos adotados para registro foram o diário de campo, registro audiovisual, fotográfico e entrevista semiestruturadas, que fazem parte de um material que engloba 3 CDs em anexo: CD - 01, onde constam todos os documentos que fizeram parte dessa pesquisa; o CD-02, compreende o vídeo documentário do processo de aulas e montagem do espetáculo, e o CD-03 com o Espetáculo “DuCampo”, em sua íntegra. Os resultados obtidos trazem as falas dos alunos e professores, levantadas nas rodas de conversa, e revelam as diversas significações assumidas pelo corpo na criação do espetáculo, notadamente em propostas de brincadeiras inseridas no contexto cultural em que se deu a pesquisa. Assim, o trabalho é uma “criação em processo”, aberta e inacabada, que fortalece as relações do “ser-com-ele”, “ser-com-outro” e “ser-no-mundo”, por meio de um “corpo-em-ação”, partindo da valorização do universo lúdico presente no contexto da criação artística e sua documentação. _________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This quality research aimd to investigate e register which feelings the “body” takes up during the artistic and aesthetic experience lived by the Percussion Group Band Meninos do São João, in the city of Palmas-TO, based on the body-music-movement interaction, to create the show “DuCampo”. As a theoretical basis, it used conceptions of education, aesthetic experience, body perception, dance classes estructuring and artistic creation processes, mainly through minds like Paulo Freire, J. Dewey, Jorge Larrossa, Rudolf Laban, Merleau Ponty, Isabel Marque, Angel Vianna e Faiga Ostrowa. This way, this investigation searches for reflections over the body as an aesthetic experience on the educational/cultural action, in addition to point out the contributions of the creative process, starting from the act of playing, on the improvement of the cultural repertory and bigger sensibilization and expressivity on music making of the art education processes. The procedures used to register were the Camp Diary, audiovisual and photographic recordding and semistructured interviews that they are part of a material that includes 3 CDs attached: CD – 01, which contains all the documents that were part of this research; CD - 02 includes the video documentary lessons and assembly of the show process, and the CD- 03 with the Show “DuCampo“ in its entirety. The results obtained were the speaches of students and teachers, taken during the conversation circles, and reveal the various meanings assumed by the body during the creation of the show, remarkably on games proposed on the cultural context the research took part. Thus, this work is a “creation in process”, open and unfinished, which strengthens the relationship amonb the “being-with-him”, “being-with-other” and “being-in-the-world” through a “body-in-action”, starting from valuing the playful universe present on the artistic creation environment and its documentation.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2018. / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES). / Esta pesquisa investiga a experiência de conhecer em movimento, um fenômeno de sentir e cocriar a partir das nuanças cinestésicas, micro tonalidades e dinâmicas qualitativas que afloram do movimento, enquanto dançamos. Ela segue a pista da fenomenóloga Sheets-Johnstone, que diz: “Como alguém pode perguntar-se sobre o mundo com palavras, eu o pergunto diretamente, em movimento.” (Sheets-Johnstone, 1981). Desta constatação, deriva-se algumas questões: Como conhecemos o mundo diretamente em movimento, e como essa experiência vem a modificar processos de formação artística e pedagógica em dança? Duran e a pesquisa, foi identificada uma abordagem que facilita o conhecer em movimento em diversos fazeres da dança. Apoiada na Somato-psicopedagogia, essa abordagem experiencial veio a chamar-se “Cocriação Sensível”, à luz das noções de movimento sensível (Bois, 2002) e de cocriação (Rengel, 2017; Chappell, 2013). As reflexões que movem o presente estudo alicerçam-se numa intensa prática pedagógica que aconteceu no âmbito do curso de Licenciatura em Dança do Instituto Federal de Brasília, de 2015 à 2017, quando a Cocriação Sensível atuou como abordagem na unidade curricular Dança Clássica 1. A partir de um estudo fenomenológico performativo (Svendler Nielsen, 2008) e da pesquisa somáticoperformativa (Fernandes 2014), a dissertação propõe uma maneira pontilhista de investigação, de forma que é no conjunto multimodal de informações (textos, imagens e a própria experiência em movimento do leitor), que a experiência do conhecer em movimento se revela. A pesquisa culmina dando voz aos participantes do curso Dança Clássica 1, observando momentos significativos de movimento em suas práticas. Ao final do estudo, desprende-se da análise de dados, possíveis perspectivas epistemológicas e artísticas engendradas no conhecer em movimento que possam contribuir para processos criativos e pedagógicos em dança. / This research investigates the experience of getting to know in movement, a phenomenon of perceiving and co-creating from the kinesthetic nuances, micro tonalities, and qualitative dynamics that emerge from movement, as we dance. It follows the trail of Sheets-Johnstone, when she says: “As one might wonder about the world in words, I am wondering the world directly, in movement” (Sheets-Johnstone, 2011). From this, some questions arise: How do we know the world directly in movement, and how could this experience modify processes of artistic and pedagogical training in dance? During the research, an approach is identified, that facilitates the experience of getting to know in movement in various dance practices. Based on Somato-psychopedagogy, this experimental approach was named "Sensorial Co-creation", in the light of the notions of sensorial movement (Bois, 2002) and co-creation (Rengel, 2017, Chappell, 2013). The reflections that move the present study are based on an intense pedagogical practice, which was carried out in the course the Dance Education Graduation Program of the Federal Institute of Brasília, from 2015 to 2017, in which Sensorial Cocreation acted as an approach for the curricular unit Classical Dance 1. From a performative phenomenological study (Svendler Nielsen, 2008) and somatic-performative research (Fernandes, 2014), the research proposes a pointillist way of investigating, so that it is in the multimodal set of information (texts, images, and the reader's own movement experience), that the experience of knowing in movement is revealed. The research culminates by giving voice to the participants of the course Classical Dance 1, observing significant moments of movement in their practices. At the end of the study, data analysis reveals possible epistemological and artistic perspectives engendered in the experience of knowing in movement that can contribute to creative and pedagogical processes in dance.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Arquitetura e Urbanismo, Programa de Pós-Graduação em Arquitetura e Urbanismo, 2017. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2017-03-23T15:44:49Z No. of bitstreams: 1 2017_FranciscoFerreiradosSantosNeto.pdf: 3517127 bytes, checksum: e99bce36a4b143f55e6724d0988b6c3e (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2017-04-25T17:24:39Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_FranciscoFerreiradosSantosNeto.pdf: 3517127 bytes, checksum: e99bce36a4b143f55e6724d0988b6c3e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-04-25T17:24:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_FranciscoFerreiradosSantosNeto.pdf: 3517127 bytes, checksum: e99bce36a4b143f55e6724d0988b6c3e (MD5) / Esta pesquisa trata-se de uma análise do Cavalo-Marinho - uma manifestação artística da região da Zona da Mata Norte de Pernambuco -, cujo foco principal são as espacialidades que ele cria a partir de uma análise do corpo na dança em repouso e em movimento. A mesma embasa-se nas observações do terreiro na Casa da Rabeca do Brasil, onde há anualmente encontros de Cavalos-Marinhos. O trabalho de pesquisa volta-se para a análise da produção de espacialidades da dança do Cavalo-Marinho, onde se usou a Topologia Geométrica para graficar a dança e confirmar estes espaços topológicos, já que outros estudos tinham apenas constatado as relações no engenho, o cunho social, as brincadeiras e as realidades dos brincantes. Perpassando as nuances sócio-históricas do espaço, como pela explanação da dança do Cavalo-Marinho e o "meio negro" constata-se a capacidade da dança "produzir espacialidades" e de se confirmar com a representatividade da graficação das principais cenas escolhidas. / This research is an analysis of Cavalo-Marinho - an artistic manifestation of the region of Zona Norte Mata de Pernambuco -, whose main focus are the spatialities that it creates from an analysis of the body in the dance at rest and in movement . The same has a background of the observations of the terreiro in the House of the Rabeca of Brazil, where there are annually meetings of Cavalo-Marinho. The research work turns to the analysis of the spatial production of the Cavalo-Marinho, where the Geometric Topology was used to graph the dance and to confirm these topological spaces, since other studies had only verified the relations in the mill, the Social character, the jokes and the realities of the players. Perceiving the socio-historical nuances of space, as in the explanation of the Cavalo-Marinho dance and the "black environment", one can see the dance's ability to "produce spatialities" and to confirm with the representativeness of the grafication of the main scenes chosen.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-09-30T19:01:56Z No. of bitstreams: 1 2016_LanaCostaFaria.pdf: 5054207 bytes, checksum: 5c634fedc3fa0e1616d2b5d54f77a6c6 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-12-01T20:18:43Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_LanaCostaFaria.pdf: 5054207 bytes, checksum: 5c634fedc3fa0e1616d2b5d54f77a6c6 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-12-01T20:18:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_LanaCostaFaria.pdf: 5054207 bytes, checksum: 5c634fedc3fa0e1616d2b5d54f77a6c6 (MD5) / Esta investigação se propõe levar para a cena um processo criativo do corpo cênico, partindo de uma reflexão – gerada por inquietações e problemáticas vividas por professores no espaço escolar – sobre o universo da dança, no qual se identificou a dificuldade de viabilizar uma prática educativa que propiciasse comunicação e diálogo com o universo simbólico do estudante. Sendo assim a perspectiva deste trabalho é contribuir para a aproximação de professores e alunos, de modo a propiciar uma prática reflexiva que dê ao aluno a oportunidade de ser sujeito da construção do conhecimento em dança, estimulando, consequentemente, sua intervenção na realidade. Ao partir do pressuposto de que as imagens têm influenciado os modos de viver, sentir e perceber o mundo contemporâneo e de que a escola não pode silenciar ante esse processo de subjetivação, o objeto deste estudo centra-se nas repercussões, nos impactos e nos desdobramentos de uma prática educativa em dança – a partir de narrativas de imagens – para uma formação continuada de professores que lhes possibilite comunicar e dialogar com os estudantes através de produções de corpos em cena. Ao ampliar as visualidades para além do contexto da dança, abrangendo o universo simbólico mais amplo proporcionado pela cultura visual, um conjunto de aprendizagens envolvendo as narrativas de imagens foi planejado e desenvolvido com um grupo de professoras de dança de escolas públicas, visando tornar possível a tomada de consciência corporal e a criação e recriação de movimentos capazes de inserir vozes ausentes nas vivências em dança no contexto escolar. Com essas narrativas visuais criaram-se novas imagens passíveis de informar, formar, dialogar e comunicar com o universo do aluno; configurar e construir traços identitários. O processo de criação em dança, autoral e dialógico, elaborou-se com base nos elementos estruturais do movimento de suas formas externas e das dimensões mental e emocional, segundo estudos da Coreologia, princípios de Rudolf Laban e jogos corporais propostos por Angel Vianna. Centrado nas narrativas de imagens, gerou escuta e reflexão a partir da produção “Poéticas do corpo em cena”, construindo diálogos com o corpo, com a dança e com a sociedade. A investigação foi composta por cinco professoras colaboradoras que atuam na rede estadual do ensino de dança, perfazendo sete cenas no processo criativo. Processo criativo este que promoveu diálogos e conexões com som, imagem e corpo na cena, reverberando composição instantânea de uma arte efêmera. Todo este processo foi registrado em fotos, filmado pelas professoras, compostos por narrativas orais das imagens e gravado e os relatos inseridos em diário de bordo em forma de narrativas individuais sobre as impressões obtidas. Consideramos que esta abordagem se mostrou capaz de estimular e suscitar a discussão, a reflexão e a interpretação crítica das especificidades do universo ampliado da dança e de promover o reencantamento do espaço escolar. As imagens trazem concepções estéticas de danças que não são neutras, mas perpassam e integram ideias, valores, relações de poder das estruturas sociais em que se realizam, sendo o ensino de dança na escola um espaço de crítica, interpretação e criação. Assim, esta é uma prática pedagógica plena de abertura para novas experimentações e produções interativas, visto ser um processo do qual participam subjetividades diversas, com suas histórias, de desejos e experiências que conformam a singularidade de cada um. Transformam a sala de aula em um espaço de investigação, aprendizagem e compartilhamento de experiências, contemplando um horizonte aberto, para todos aqueles e aquelas que desejam construir os seus percursos a partir de seus próprios cenários. ________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This research aims at taking to the scene a creative process of scenic body, starting from the reflection - generated by the concerns and problems experienced by teachers at school – on the dance universe, in which we identified difficulties in visualizing an educative practice that provided communication and dialogue with the student’s symbolic universe. Therefore, this research aims to contribute to approach teachers and students by developing a reflexive practice that gives the students the opportunity to be part of the construction of a dance knowledge and consequently stimulate their intervention in the reality. Assuming that images have influenced the way people live, feel and perceive the contemporary world as well as that the school cannot silence itself while facing this subjectivation process, the object of this study focuses on the impacts and consequences of an educational practice in dance. It looks at imagery narratives for continued training of teachers to enable them to communicate and interact with students through bodies’ productions on the scene. By expanding the visual arts beyond the dance context and encompassing the broader symbolic universe provided by the visual culture, a set learning involving narrative images, planned and developed with a group of public school dance teachers. It intends to make body awareness and the creation and recreation of movements capable of contextualizing absent voices in dance experiences in the school context. With these visual narratives, new images are created to inform, form, dialogue, and communicate with the student universe; they are configured and built up identifying features. The process to create dance, copyright and dialogic is prepared based on structural elements of movement from their external forms and from mental and emotional dimensions, according to Choreology studies, Rudolf Laban’s principles and body games proposed by Angel Vianna. Once it is focused on narrative images, it generates listening and reflection from the production "Body Poetry on stage" builds dialogues with body, dance and society. The research consisted of five teachers, who teach dance in public schools. They all made seven scenes in the creative process, which promoted dialogues and connections with sound, images and body during the scene, reverberating instant composition of an ephemeral art. All this process was photographed and filmed by the teachers. It was also recorded and included in the study individual oral narratives of the images. We consider that this approach was able to stimulate and evoke discussion, reflection and a critical interpretation of the expanded dance universe specificities as well as to promote re-enchantment of the school space. The images bring aesthetic conceptions of dances that are not neutral, but that permeate and integrate ideas, values, and power relations of social structures where they take place. It makes dance teaching in schools a space for critic, interpretation and creation. Thus, this is a sufficient pedagogical practice opened to new exploratory and interactive productions. This process embraces different subjectivities, which present stories, desires and experiences able of transforming their own singularities. It transforms the classroom in a space for investigation, learning and sharing experiences. It also contem

Made available in DSpace on 2014-12-17T14:00:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 AlanCMJ_DISSERT.pdf: 4554076 bytes, checksum: 7e3c48ac05771d7a7bf8bc3d0ad22556 (MD5) Previous issue date: 2011-06-22 / I propose with this paper a reflection on the experiences contained in the creation of the body- in-art (FERRACINI, 2006a, b) that originated the show Rosmaninhos... This process was developed within the coletivo UZUME teatro from Jo?o Pessoa PB, through recreations and resignifications of the corporeity and physicality contained in the steps, loas, aboios, songs and choreography observed in the manners that Mestre Zequinha plays in his group of Cavalo Marinho (Sea Horse), resident in the city of Bayeux - PB, and starting from the appropriation of the text Hamlet of William Shakespeare. The body-in-art is understood in this work as a vectorial body that dilates its daily functionality, recognizing a potential learning area capable to generate creative escape lines that destabilize the "subject centered in an individuality and identity" (FOUCAULT apud FERRACINI, 2006b, p.14), being open to the differentiation of itself, indicating the possible existence of an itself-other and of the exchange-in-art space. This process of construction of the body-in-art based on Master Zequinha s ways of playing the Cavalo Marinho was methodically guided by the appropriation of the coletivo UZUME teatro of the stages of Observation, Codification and Theatricalization contained in the technique of corporal mimeses proposed by the LUME Teatro (Campinas - SP). That use resulted in two phases: Active Observation and Composition of the body-in-art. Through the repetition of these aesthetic matrixes of the Cavalo Marinho, the actors discovered actions that when, codified and organized, can configure their body-in-art, which created a vectorial exchange-in-art space to what was found in the Cavalo Marinho party. This search proposed the means of potentiating the actors' work when it comes to a preparation that allowed to dilate the scenic presence and stimulated the production of actions, which culminated in the mounting of the show Rosmaninhos... / Proponho nesta disserta??o refletir sobre as experi?ncias contidas na cria??o dos corpos-em-arte (FERRACINI, 2006a, b) que originaram o espet?culo rosmaninhos.... Este processo foi desenvolvido junto ao coletivo UZUME teatro de Jo?o Pessoa PB, por meio de recria??es e resignifica??es das corporeidades e fisicidades contidas nos passos, loas, aboios, cantos e evolu??es observados nos modos como Mestre Zequinha brinca em seu grupo de Cavalo Marinho residente na cidade de Bayeux PB, e a partir da apropria??o do texto Hamlet de William Shakespeare. O corpo-em-arte ? entendido neste trabalho como um corpo vetorial que dilata sua funcionalidade cotidiana, reconhecendo uma zona potencial de aprendizado capaz de gerar linhas de fuga criativas que desestabilizem o sujeito centrado em uma individualidade e identidade (FOUCAULT apud FERRACINI, 2006b, p.14), abrindo-o a diferencia??o de si mesmo, indicando a possibilidade de exist?ncia de um si-outro e do espa?o de troca-em-arte. Este processo de constru??o do corpo-em-arte a partir das formas de Mestre Zequinha brincar o Cavalo Marinho, foi orientado metodologicamente pela apropria??o do coletivo UZUME teatro das etapas de Observa??o, Codifica??o e Teatraliza??o contidas na t?cnica de mimeses corp?rea proposta pelo LUME Teatro (Campinas SP). Esse uso resultou em duas fases: Observa??o Ativa e Composi??o do corpo-em-arte. Atrav?s da repeti??o destas matrizes est?ticas do Cavalo Marinho, os atores descobriram a??es que codificadas e organizadas configuram seus corpos-em-arte, os quais, por sua vez, deram origem a um espa?o de troca-em-arte vetorial ao encontrado no folguedo do Cavalo Marinho. Esta procura prop?s os meios de potencializar o trabalho dos atores no que diz respeito a uma prepara??o que permitisse dilatar a presen?a c?nica e estimulasse a produ??o de a??es, as quais culminaram na montagem do espet?culo rosmaninhos