El propósito de esta investigación La dramaturgia escénica aplicada desde el método de improvisación de Antonio Fava, basado en la Commedia dell’Arte consiste en la revaloración del hecho interpretativo de la técnica de la improvisación en la Commedia dell’Arte recuperada desde la pedagogía de Antonio Fava, quien maneja un sistema de composición detallada que favorece a la construcción del hecho teatral. De esta manera, se busca demostrar las diferentes técnicas, métodos y recursos que la improvisación ofrece. Además, se propone a la improvisación como fuente principal del proceso creativo y como método dentro de los recursos metodológicos que el actor contemporáneo necesita para fines de estudio, creación, construcción de personaje, composición de la poética y estética interpretativa y la composición de una dramaturgia escénica inimitable. A su vez, expongo los contenidos históricos de los que parto para situar a la improvisación como recurso escénico dentro de nuestro legado teatral, realizando una línea de tiempo de su evolución partiendo desde la aparición en el teatro antiguo y próximo auge y popularidad en el teatro del renacimiento italiano en la Commedia dell’Arte hasta su utilidad para la investigación del sistema de Stanislavski y, finalmente, su reinvención y transgresión de la técnica dentro de la impro y match impro con Viola Spolin y Keith Johnston. Todo ello ha permitido no solo describir la situación de la improvisación dentro de nuestro oficio en la actualidad, sino también conocer su recuperación desde la pedagogía de Antonio Fava, como una técnica comprendida dentro de la naturaleza del actor, la cual solo necesita ser ejecutada y liberada dentro del proceso creativo y así permitir que se ahonde para fines de elaborar presentaciones equipadas con propuestas innovadoras y singulares.

Esta tesis busca describir el proceso creativo a través del cual el Grupo Cultural Yuyachkani montó el espectáculo Santiago. Este montaje teatral, que hace referencia al culto a Santiago Apóstol en los andes peruanos y a la etapa final de la guerra interna que vivió el país entre 1980 y 2000, fue estrenado en octubre de 2000 luego de más de un año de exploración teatral sin partir de un texto ni un diseño previos, sino a través de la organización y estructuración de las acciones físicas y verbales que los actores crearon a través de la improvisación, nutrida, a su vez, de la investigación social y teatral La presente investigación utiliza como fuente principal de información entrevistas realizadas para dicho fin a los actores, el director y el escritor de la obra; algunos textos que ellos mismos habían escrito previamente sobre el tema, así como la revisión de los “cuadernos de creación” que la actriz Ana Correa llevo a modo de diario a lo largo de este proceso. Gracias a dicha información se ha podido describir 4 momentos: 1)Las motivaciones iniciales del mismo; 2) el proceso de investigación o recojo de fuentes creativas; 3)la creación propiamente dicha del material escénico de la obra, entendiendo este como el conjunto de acciones físicas y verbales que los actores generan a través de la “improvisación”; 4) y por último el proceso de selección de este material y su estructuración para crear el espectáculo. Los cuales son, sin embargo, momentos lógicos y no cronológicos, en la medida en que están presentes, con distintos énfasis, a lo largo de todo el proceso creativo. También se hace mención del papel que el “azar” jugó en este proceso y de algunas características del mismo asociándolas al concepto de “liminalidad”. Aunque cada uno de los procesos creativos de Yuyachkani tiene características particulares, la descripción de este caso puede servirnos como una muestra de la forma de trabajo de este grupo, y de una manera de abordar la creación de un espectáculo teatral sin pasar previamente por el texto escrito.

Esta investigación plantea una estrategia creativa anclada en la acción simbólica de los signos, para sustentar el acto de creación gráfica y alimentarlo con las representaciones simbólicas de la humanidad y así contribuir a la producción de imágenes que comunican el pensamiento de sí del ser humano, en función de los contextos en los cuales vive. Para ello, la investigación ha enfocado la fenomenología de los símbolos y los distintos niveles en los cuales ésta interviene, con el fin de delimitar significados universales y sus asociaciones formales recurrentes. Durante la exploración de la capacidad de significación simbólica, hemos considerado la tradición simbólica y la búsqueda personal de correspondencias como dos etapas de la investigación, referidos a la documentación y a la creación personal, que –juntas– permitirían hacer funcionar la capacidad reveladora de la imagen simbólica, capaz de proponer la simultaneidad de sentidos y valores de una realidad y darle forma en una imagen gráfica. Se ha sustentado esta propuesta estratégica con una serie de ilustraciones y el relato de sus procesos de creación donde cada imagen se constituye como imagen del mundo. La investigación propone y experimenta una acción simbólica, en una estrategia creativa que se construye en torno a un "propósito cognoscitivo"; lo que da a cada imagen creada la consistencia de un mundo que, si bien puede ser interpretado a través del reconocimiento de las estructuras simbólicas universales, tiene como valor principal la capacidad de ser una expresión única, que desempeñará una serie de funciones en el marco de la comunicación gráfica: una función formativa y cognoscitiva, en el ámbito de lo universal; una función dialógica, con roles mediadores; una función estética, que integra la imagen en un patrimonio artístico cultural; una función comunicativa referencial, que transmite información sobre determinada realidad. Es lo que hemos denominado la "pregnancia simbólica" de una ilustración gráfica, que nos hace llegar al otro con una significación rica en posibilidades exploratorias y expresivas, a la vez que enriquece el acto de comunicación con valores sustantivos para la visión de sí en el mundo del ser humano.

Esta investigación desde las artes busca aportar a la escena teatral peruana el conocimiento y análisis del gig-theatre como género que reivindica el fenómeno auditivo y su rol fundamental en el hecho teatral. Es una oportunidad para explorar nuevos lenguajes que nos acerquen a otras maneras de comunicarnos con el espectador. Asimismo, el modelo de Practice as Research ofrece una plataforma para que las investigaciones en artes escénicas puedan acercarse al público no académico y tener un valor artístico en sí mismas. A partir de la creación del espectáculo de gig-theatre “Prisión Euforia” y la búsqueda de una metodología de trabajo durante el mismo proceso creativo, esta tesis reflexiona acerca del uso de los objetos sonoros como punto de partida para la creación. El relato de la investigación permite seguir de cerca el proceso creativo para entender la manera en que se dieron hallazgos como la relación de los cuerpos de los performers con la música como un generador de conflicto desde su propia materialidad y la importancia del gig-theatre como un espectáculo posdramático observable desde la propuesta que otorga al expectador de vivir una experiencia enfocada en los estímulos sensoriales en un acontecimiento que los recibe en toda su materialidad, tal cual le son presentados.

‘Proyecto’ es un cortometraje de ficción que recoge las experiencias propias de las realizadoras, con el fin de reflexionar sobre el proceso creativo y las inseguridades que a partir de él surgen. Es así que, ‘Proyecto’ se crea bajo la premisa de adentrarnos en los pensamientos de una persona, explorando cercana y empáticamente el sentimiento de incapacidad y desconfianza hacia las habilidades propias, ya sea a través de situaciones metafóricas, de diálogos misteriosos, o de metraje propio que revela nostálgicamente la vida de nuestro personaje. En el presente trabajo de investigación, se detalla el proceso de este proyecto audiovisual, desde sus inicios y la concepción de la idea, hasta el proceso de realización en cuanto a los diversos ámbitos de lo audiovisual, teniendo en cuenta el contexto en el que el proyecto fue realizado Si bien este es un cortometraje de ficción, no es tal cual una ficción pura y dura, pero mezcla diversos recursos narrativos que se consideraron pertinentes para transmitir nuestro mensaje. De esta manera, buscamos se logre en el espectador una reflexión sobre cómo nos acercamos a cada proyecto o idea que emprendemos, desde el ejemplo propio de nuestro personaje que crea este cortometraje, para lograr reconciliarnos con nuestros propios pensamientos, ya sean negativos y oscuros, o fantasiosos y fuera de la realidad. / Proyecto' is a short fiction film that gathers the filmmakers' own experiences, in order to reflect on the creative process and the insecurities that arise from it. Thus, 'Proyecto' is created under the premise of entering into the thoughts of a person, exploring closely and empathetically the feeling of incapability and distrust towards one's own abilities, either through metaphorical situations, mysterious dialogues, or personal footage that nostalgically reveals the life of our character. In this paper, we will detail the process of this audiovisual project, from its beginnings and the conception of the idea, to the process of realization in terms of the various areas of the audiovisual, taking into consideration the context in which the project was made. Although this is a short fiction film, it is not a pure fiction, but it mixes various narrative resources that were considered relevant to convey our message. In this way, we seek to achieve in the viewer a reflection on how we approach each project or idea we undertake, from the example of our own character who creates this short film, to achieve reconciliation with our own thoughts, whether negative and dark, or fanciful and out of reality.

En el presente trabajo investigaremos las dimensiones fundamentales de las competencias creativas profesionales para identificar las necesidades de la educación superior en actuación teatral dentro del contexto peruano. Abordaremos la formulación y la evaluación de competencias profesionales, teniendo como campo de investigación, la pedagogia teatral desde su comparación con las propuestas del Espacio Europeo de Educación Superior y la interdisciplinariedad como modelo de formación competente.

¿Por qué plantear como problema el principio del proceso creativo en el arte en vez de lo bello en sí? Este último no es un problema que prime en el trabajo creativo del artista de hoy, como tampoco lo fue en los artistas de ayer, a pesar de haber sido y de ser un tema relevante para los filósofos. Desde la plataforma de los que somos artistas plásticos o visuales, el proceso creativo sí es parte de nuestra rutina. En ese sentido, urge seguir encontrando un mejor orden que ayude a organizar ese proceso. / Tesis

La fusión musical como un género ha visto en las últimas décadas un considerable incremento de sus artistas en el mundo. Si bien, esta música ha sido objetivo de varios estudios, en Perú estos han sido contados y pocas veces planteados en las artes escénicas. Por esta razón, la presente investigación aborda cómo el proceso creativo de artistas que fusionaron música afroperuana con géneros musicales extranjeros se ve reflejado en sus productos artísticos. Así, teniendo como referencia a Chabuca Granda y Los Hijos del Sol por ser músicos peruanos de renombre, la pregunta que se formuló fue la siguiente: ¿cómo Los Hijos del Sol llevaron las canciones “El surco” y “Coplas a Fray Martín” de Chabuca Granda al género fusión en su disco To my Country? Para lograr tal objetivo, se realizó y comparó los análisis musicales morfosintácticos de las canciones en cuestión para evidenciar los elementos usados en ellas, así como entrevistas a Alex Acuña y Lucho González, dos de los integrantes del proyecto Los Hijos del Sol, correlacionando los resultados y respuestas obtenidas con lo investigado bibliográficamente sobre sus contextos históricos y sociales. De esta manera, se descubrió que Los Hijos del Sol realizaron lo que se puede considerar como “traducción” musical de géneros peruanos a través de su fusión con géneros como el jazz, blues, rock, electrónica; principalmente por dos motivos: el que audiencias extranjeras pudieran aproximarse a la estética de la música peruana para mantener a esta vigente comercial y culturalmente, y el que los músicos en cuestión cuentan con una identidad multicultural que se refleja inherentemente en su música.

El trabajo aborda el proceso creativo del actor hacia personaje. Partiendo de la problemática de que el personaje es a la vez el actor en la vida real, se realiza un seguimiento en cuanto a las herramientas actorales (como la memoria emotiva imaginada y el distanciamiento brechtiano) que ayudaron al actor a establecer límites emocionales y físicos al encarnar al personaje. Por ello, el objetivo de este trabajo es examinar de qué manera estas herramientas ayudaron al actor a tener un mayor control emocional frente a la presencia del uso de la memoria emotiva. En tanto la finalidad de este trabajo es comprender cómo se da el proceso de desvinculación parcial de la memoria emotiva del actor para llegar al personaje, se realizan entrevistas y observaciones de campo para reconstruir el proceso creativo bajo las experiencias y práctica del actor y la directora del montaje-estreno de “Financiamiento Desaprobado” (2017).

[ES] La historia del ser humano está repleta de tragedias y padecimientos, hechos que, marcándolo profundamente, lo han acompañado tanto en su memoria, la memoria de la piel o esa otra memoria plástica llamada creación. Vemos cómo, la sociedad ha evolucionado vertiginosamente en muchos de los sentidos respecto a quienes vivían en las cavernas, pero si algo aún nos iguala, ello es el DOLOR. El término DOLOR es genérico y puede presentarse desde distintas dimensiones. Ser físico y afectar a nuestro cuerpo o ser mental y padecerlo nuestra alma. Un cáncer, vivido en la propia piel, es el que nos ha motivado a reflexionar a través de nuestra propia práctica artística sobre algunos aspectos transversales al ser humano como son el DOLOR, el SUFRIMIENTO, la ENFERMEDAD o la MUERTE. Como resultado, planteamos una tesis doctoral que indaga sobre estos temas en los que, tras el estudio y acotación de términos, trata de discernir cómo, a pesar de ser comunes a todos los individuos, cada uno los procesamos y experimentamos de forma muy distinta. Aclarar que NO somos psicólogos, psicoterapeutas, médicos, historiadores, sociólogos ni teólogos; SOMOS CREADORES que, sin perder de vista el rigor, la coherencia y un detallado análisis de los temas seleccionados hemos planteado esta investigación desde la propia vivencia y nuestro posicionamiento ante el hecho artístico. Así, para abordar la visión sobre el dolor, se han seleccionado una serie de artistas que nos muestran que hay tanta variedad de padecimientos como formas de procesarlos desde la creación. Todos ellos, nos sumergen en una serie de realidades sobrecogedoras de las que nos hemos hecho eco en esta investigación. Hemos tratado, por un lado, los traumas, las acciones o los horrores del pasado e, incluso, los padecimientos voluntarios y que todos ellos acompañan a la persona en su día a día. Y, por otro lado, desde la No Salud, hemos trabajado la incapacidad o el contratiempo tanto desde lo orgánico y biológico de la propia enfermedad, como desde el plano social en el que tiene cabida el rechazo y lo estigmatizante. En cuanto a la muerte, realizamos un recorrido desde el duelo a la estética de la muerte asociada tanto a la universalidad del conocimiento a la hora de comunicar, como a las reacciones afectivo-personales de presenciar historias de muerte y sufrimiento. Variadas han sido las referencias y fuentes documentales a las que hemos acudido. Destacar las entrevistas que nos hablan en primera persona sobre el dolor, propio o ajeno, o las referencias médicas. Voces a las que interrogamos sobre cómo se viven y afrontan las historias de dolor, sufrimiento, enfermedad y muerte. Una tesis doctoral en la que la investigación se centra en vislumbrar cómo todas estas vivencias tienen su reverberación en el Arte. Descubrir el qué, el cómo, el cuándo y el porqué de las distintas soluciones plásticas en las que podemos ver cómo algunos artistas han partido de su experiencia personal para, a través de su producción artística, reflexionar, denunciar, mostrar, visibilizar, purgar o incluso como resiliencia, el dolor, el sufrimiento, la enfermedad y/o la muerte. Con todo ello hemos construido un cuerpo teórico-práctico que nos ha permitido reflexionar sobre el ciclo natural de la vida en el que desde el nacimiento hasta la muerte existe un dolor que, al igual que nos perturba, ha guiado nuestra supervivencia. Una experiencia personal que queda patente en nuestra producción artística que concluye nuestra investigación y que se muestra en la última parte de esta tesis doctoral. Obras que reflejan un tratamiento del dolor relacionado tanto con la vivencia personal de la enfermedad, como con los golpes e infortunios que atentan contra los demás y que, desafortunadamente han desencadenado en la muerte de la que también hemos sido testigos y que esta tesis deja constancia. / [CA] La història de l'ésser humà està repleta de tragèdies i patiments, fets que, marcant-lo profundament, l'han acompanyat tant en la seua memòria, la memòria de la pell o aqueixa altra memòria plàstica anomenada creació. Veiem com la societat ha evolucionat vertiginosament en molts dels sentits respecte als qui vivien en les cavernes, però si alguna cosa encara ens iguala, això és el DOLOR. El terme DOLOR és genèric i pot presentar-se des de diferents dimensions. Ser físic i afectar el nostre cos o ser mental i patir-lo la nostra ànima. Un càncer, viscut en la pròpia pell, és el que ens ha motivat a reflexionar a través de la nostra pròpia pràctica artística sobre alguns aspectes transversals a l'ésser humà com són el DOLOR, el SOFRIMENT, la MALALTIA o la MORT. Com a resultat, plantegem una tesi doctoral que indaga sobre aquests temes en els quals, després de l'estudi i acotació de termes, tracta de discernir com, malgrat ser comuns a tots els individus, cadascun els processem i experimentem de forma molt diferent. Aclarir que NO som psicòlegs, psicoterapeutes, metges, historiadors, sociòlegs ni teòlegs; SOM CREADORS que, sense perdre de vista el rigor, la coherència i una detallada anàlisi dels temes seleccionats hem plantejat aquesta investigació des de la pròpia vivència i el nostre posicionament davant el fet artístic. Així, per a abordar la visió sobre el dolor, s'han seleccionat una sèrie d'artistes que ens mostren que hi ha tanta varietat de patiments com maneres de processar-los des de la creació. Tots ells, ens submergeixen en una sèrie de realitats colpidores de les quals ens hem fet eco en aquesta investigació. Hem tractat, d'una banda, els traumes, les accions o els horrors del passat i, fins i tot, els patiments voluntaris i que tots ells acompanyen a la persona en el seu dia a dia. I, d'altra banda, des de la No Salut, hem treballat la incapacitat o el contratemps tant des de l'orgànic i biològic de la pròpia malaltia, com des del pla social en el qual té cabuda el rebuig i l' estigmatització. Quant a la mort, realitzem un recorregut des del duel a l'estètica de la mort associada tant a la universalitat del coneixement a l'hora de comunicar, com a les reaccions afectiu-personals de presenciar històries de mort i sofriment. Variades han sigut les referències i fonts documentals a les quals hem acudit. Destacar les entrevistes que ens parlen en primera persona sobre el dolor, propi o alié; o les referències mèdiques. Veus a les quals interroguem sobre com es viuen i afronten les històries de dolor, sofriment, malaltia i mort. Una tesi doctoral en la qual la investigació se centra en albirar com totes aquestes vivències tenen la seua reverberació en l'Art. Descobrir el quin, el com, el quan i el perquè de les diferents solucions plàstiques en les quals podem veure com alguns artistes han partit de la seua experiència personal per a, a través de la seua producció artística, reflexionar, denunciar, mostrar, visibilitzar, purgar o fins i tot com a resiliència; el dolor, el sofriment, la malaltia i/o la mort. Amb tot això hem construït un cos teoricopràctic que ens ha permés reflexionar sobre el cicle natural de la vida en el qual des del naixement fins a la mort existeix un dolor que, igual que ens pertorba, ha guiat la nostra supervivència. Una experiència personal que queda patent en la nostra producció artística que conclou la nostra investigació i que es mostra en l'última part d'aquesta tesi doctoral. Obres que reflecteixen un tractament del dolor relacionat tant amb la vivència personal de la malaltia, com amb els colps i infortunis que atempten contra els altres i que, desafortunadament han desencadenat en la mort de la qual també hem sigut testimonis i que aquesta tesi deixa constància. / [EN] Human history is brimming with stories of tragedies and aliments, which, due to their impact, have accompanied the human race in their memory, skin memory, or that other kind of plastic memory called creation. We see that contemporary society has vertiginously evolved in multiple ways from the times when humans inhabited caverns, but if there is something that puts us on par with them, that is PAIN. Living through cancer in our own skin was precisely what motivated us to reflect through our artistic practice on transversal aspects of human experience such are PAIN, AFFLICTION, ILLNESS, or DEATH. As a result, we put forth the present doctoral thesis, which aims to look into these selected themes. After studying and choosing the researched terms, this thesis should discern how, albeit common amongst all individuals, they are processed and experienced in different ways. It is worth noting that we are NOT psychologists, psychotherapists, doctors, historians, sociologists, or theologians; WE ARE CREATORS who, while never losing sight of rigor, coherence, and a detailed analysis of the selected themes, have laid out this research from the lived experience, and our understanding of the artistic phenomenon. Therefore, to establish a perspective on pain, a series of artists who shed a light on the variety of forms of suffering have been selected to demonstrate that there are as many shapes of affliction as ways of addressing it through creation. Standing as a subject, as a first person, as an object, or by referencing others: all of these artists submerge us in a series of shocking realities which resonate in this research. We have dealt, on the one hand, with trauma, actions or horrors of the past, even the voluntary aliments that accompany a person every day. On the other hand, from the state of unhealthiness, we have worked on the inability or the mishaps of the organic and biological aspects of the illness, as well as the social aspects in which repudiation and stigma come into play. As for death, we trace a path from grief to the aesthetics of death associated with the universality of knowledge when communicating as well as to the personal and affective reactions to witnessing stories of death and sufferance. We have resorted to multiple references and documentary sources. We would like to highlight the interviews in which pain ¿one's own or somebody else's¿ and medical references are dealt with in the first person. We have posed questions on how stories of pain, suffering, illness, or death are discussed. This is a doctoral thesis in which research works towards finding out how all these experiences resonate in Art by finding out the reasons, mediums, timings, and ideas behind the different plastic solutions to which artists have come departing from their personal experience. In this way, through artistic production, artists reflect, denounce, show, demonstrate, and purge pain, suffering, illness, and/or death. All these elements have assembled a theoretical and plastical body of work that has allowed us to reflect on the natural cycle of life by which since birth and up until death a form of pain is always present, and while disturbing, it has guided our survival. There is a personal experience that is instilled in our artistic production, which concludes our research and is displayed in the last part of this doctoral thesis. These are words that reflect the treatment of pain related to the personal experience of illness as well as with the blows and misfortunes that hit others and, unfortunately, have resulted in the witnessed death to which this thesis is also a testament. / Gil Gil, C. (2023). La creación artística y la reverberación del dolor, la enfermedad y la muerte en el arte contemporáneo. Una propuesta artística desde la adversidad y la resiliencia [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/192691